Vuelve el veterinario menos fantástico y más estrafalario. Crítica de Dolittle. Florencia Fico Hace 2 horas 0 4 La remake estadounidense “Dolittle” dio más errores que personajes encantadores. Tuvo ánimo de darle aspecto épico pero fue caótico. El único hipnótico fue el actor Robert Downey Jr. y la súbita aparición de Antonio Banderas. Por. Florencia Fico. El argumento de la película se sitúa luego del fallecimiento de la esposa Lily(Kasia Smutniak) hace siete años del extrovertido Dr. John Dolittle(Robert Downey Jr), un reconocido médico veterinario. El se aisló solitariamente después en su inmenso hogar con el acompañamiento de numerosos animales raros. Aunque en el momento que aparece la noticia sobre la joven Reina Victoria(Jessie Buckley) quien está muy enferma, Dolittle no tendrá opción y deberá salir, su vida sin contacto con otros seres humanos lo aventurará en una gran experiencia hacia una isla para encontrar una sustancia que sane a la mujer, recobrando su alegría y su valentía paso a paso que se choca con antiguos enemigos como el Dr. Blair Müdfly (Michael Sheen) o el padre de Lily el rey Rassouli Antonio Banderas que lo culpa de la ausencia de su hija. Durante su trayecto halla espectaculares especies. En éste resumen de la película está parte del reparto que tuvo sus luces y sus sombras. Los grandes intérpretes estuvieron en los actores Robert Downey Jr. y Antonio Banderas. El primero como Dolittle desplegó un humor bastante caricaturesco, irónico un poco similar a Ironman pero más ridículo y el segundo como un padre irritable y cascarrabias. El resto del elenco permaneció en las oscuridades del filme con intervenciones chatas como la dupla de maléficos aburridos Blair Mudfly y Jim Broadbent en la piel de Lord Thomas Badgley. Aunque desdibujados dos chicos agregaron un poco de inocencia, ángel y vitalidad a la cinta ellos son: Harry Collett encarnando a Tommy Stubbins una promesa para la exploración y la princesa Rose(Carmel Laniado). El director Stephen Gaghan un poco fuera de su género de confort el thriller en éste caso el de la aventura redundó en ubicar a un personaje central Jonh Dolittle en la piel de Robert Downey Jr. lo mismo hizo en El poder de la ambición con Matthew McConaughey y Syriana con George Clooney todos ellos intentan investigar y/o tener una misión y en éste filme también se da ese momento del “desafío” no innovó en la narrativa de sus cintas y empleó el prototipo que bien le quedaron en aquellas proyecciones pero en ésta se convirtió en secuencias predecibles y sobrecargadas. El texto de Stephen Gaghan, Thomas Shepherd, Chris McKay (Personaje: Hugh Lofting) propone un guion anticuado, con chistes vagos, lleno de lugares comunes y repetidos: un hombre que se entiende con los animales, estancado en un tiempo, especies que parlotean sin cesar, un viaje a la transformación, amores perdidos, princesas y reinas para auxiliar, villanos de la era colonial, la ambición en las jerarquías, los que se odian y terminan juntos, los malos quisquillosos y la muerte como disparador de la acción. La fotografía ni si quiera dio un golpe de timón solo al principio con un poco de animación para hacer un índice de la historia y durante el filme los típicos efectos de CGI es decir imágenes generadas por computadora con cada animal o travesía de viaje. Una musicalización disimulada, casi insuficiente. Una película con un enfoque que no consigue estimular ni comedia tampoco intriga. Es un filme para el rejunte sinónimo del montón, un doctor amigo de los animales que necesita más ayuda de ellos para que la cinta funcione, una estafa para la familia que vaya a verla. Puntaje: 45. Calificación
Una película que gana en la liga de filmes sobre ladrones con viveza criolla. Crítica de El robo del siglo. La proyección cinematográfica argentina refresca con ingenio un policial con ribetes cómicos donde el principal director técnico fue Ariel Winograd y planteó como delanteros a los espectaculares protagónicos de Diego Peretti y Guillermo Francella. Por. Florencia Fico. Resultado de imagen para el robo del siglo fotos El argumento de la película se ancla en acontecimientos reales. Empieza a llover de manera considerable y en la vereda no hay nadie. “Araujo” (Diego Peretti) aguarda por abajo de una cornisa de un negocio cerrado. La avenida se colmó de charcos; en ellos se forma un reflejo en el agua de una cartelera iluminada y halla frente a él la entidad Banco Río. Para la fecha del viernes 13 de enero del año 2006 . Hay francotiradores del Grupo Halcón permanecen un tiempo mientras las altas autoridades piensan una directiva. Suman más de 300 efectivos policiales desplegados por el lugar esperan la orden de su comisario. “Miguel Sileo”( Luis Luque), el negociador permite evacuar las expectativas de Vitette(Guillermo Francella), una de las cabecillas del conjunto de asaltantes que ingresó a la sucursal del Banco Río de Acasusso de indicios de vida. La comida que quiso que le llevaran eran unas pizzas ya estaban frías. El Grupo Halcón obtiene una disposición y se mete: descubren algo insospechado: armas de juguete y unos veinte rehenes temerosos. Y el equipo de delincuentes ni indicios. Se evidencia una mente ingeniera la de Ariel Winograd quien dejó un claro camino para contar la historia, él sembró un buen esqueleto que lo afirma como un buen realizador. En éste caso se deslizó por un thriller con vibrantes momentos de tensión y articula con inteligencia la identificación con cada uno de los personajes y el público. Al parecer su película anterior “Vino para robar” fue un disparador motivacional o una cápsula de ensayo para certificar su talento. El musicalizador Darío Eskenazi empleó de manera compatible la sonoridad incidental y brindó una esencia de punk – rock que marca un sello rebelde y contestatario. Con temas como: “Alta suciedad” de Andrés Calamaro, “Ultraviolento” (Los Violadores), “Como caramelo de limón”( Dos minutos) y “Nice and easy”( Frank Sinatra) y “You really got me”(The Kinks). Esa mezcla entre la melodía jazz y clásica forman una ensoñación y crean un dialogo insignia del ambos autores Eskenazi y Winograd quienes ya trabajaron juntos en Vino para robar. Resultado de imagen para el robo del siglo fotos En el reparto el actor Guillermo Francella nuevamente resplandeció con un original acople con su papel Mario Vitette un ladrón profesional demostrando frialdad, su faceta emotiva y graciosa hasta lograr una etapa tan resolutiva que estremece. Su socio en la ficción “Fernando Araujo” despierta mucho interés por su inventiva al ser el que ideó el plan tanto su personaje como el intérprete se ven transitando un trayecto con ligereza a lo extremo sin ánimos autoritarios y un espíritu anti – sistema. Otro personaje importante fue el encarnado por Pablo Rago como “El marciano” que manejó más corporalmente su participación tuvo en sus manos un martillo neumático o cañón power con el que rompe las cajas de seguridad del banco. Además el artista Rafael Ferro le dio vida a “Beto de la Torre” un seductor y asaltante pesado con mucha calle. El último miembro de la banda es “El nexo” en la piel de Mariano Argento un componente curioso religioso pero pecador, en su composición intercala una dualidad muy sabrosa. Además “El negociador” o Miguel Sileo por el actor Luis Luque quien posee un temperamento novedoso neutro siempre acostumbrados a verlo sin reservas. Se lució con ímpetu también la actriz Johanna Francella como “Lucía” una de las hijas de los ladrones.y lo mismo sucede con Magela Zanotta en la piel de “La Turca” que con frenesí se impuso frente al conflicto y ante cámara. El reparto femenino dio cuenta del perfil más controversial, psicológico y humano en la trama; indicando los puntos polémicos de los muchachos sin límites. La fotografía la condujo el campeón de la filmación Felix Monti con maravillosos planos secuencia, claroscuros, efectos y series de transiciones en zoom in – out, iluminación cálida y fría, angulaciones cenitales y nadir. Digno trabajo de un retratista histórico del cine nacional que integró los equipos en los filmes El secreto de sus ojos y La historia oficial. En torno al guión Alex Zito y Fernando Araujo le dieron un tono festivo con un ritmo para la inmersión por medio de antagonistas como “El negociador” como parte de las fuerzas policiales, escenas con gran carga inesperada, entre los que están adentro y los de afuera llega a darse un western o caper movie a la vez una buddy film (película de amigos) y el imborrable sentido de la comedia irónica. En un cartel expresaron toda la chispa característica de la banda criminal: “En barrio de ricachones sin armas ni rencores es solo plata y no amores”. El robo aconteció en Avenida del Libertador y Perú en la localidad porteña de San Isidro. Avenida del Libertador y Perú, Acasusso, barranca de San Isidro. Allí se perpetró el atraco el 13 de enero de 2006. Sirvió como modelo para el arranque de la filmación. La película permite una navegación profunda en un atraco con un elenco de primer nivel donde la voluntad y la unión entre técnica y producción artística es un éxito .Se nota lo involucrados que estuvieron todos los componentes que hicieron éste filme y lo convirtieron en una majestuosa arquitectura exquisita. Con locaciones reales, edificación de un dique. No hubo imposturas en los personajes fluyeron en la misma frecuencia de las personas realmente vinculadas al delito, gente con mucha gracia y picardía. Puntaje:90.
Una película que arriesga todo en el imaginario infantil con comedia y sensibilidad. Crítica de “Jojo Rabbit”. Florencia Fico Hace 3 días 0 78 La película estadounidense “Jojo Rabbit” expone los lemas de la vanguardia artística futurista asimismo deja correr la emoción con sus coloridos personajes y aporta un debate conmovedor. Por. Florencia Fico. Resultado de imagen para jojo rabbit wallpaper El argumento de la cinta es sobre Jojo “Rabbit” Betzler (Roman Griffin Davis) un muchacho y aislado chico alemán miembro de las Juventudes Hitlerianas que se trastoca en el momento que halla a su mamá Rosie (Scarlett Johansson) que mantiene en secreto a una adolescente judía (Thomasin McKenzie). El apoyo de su mejor amigo imaginario, un chico un poco ingenuo, Jojo tendrá que confrontar su empecinamiento nacionalista. Cuando el director y guionista neozelandés Taika Waititi puso en marcha esta película ingeniosamente buscó una perspectiva aniñada para relatar una historia en el marco de la Segunda Guerra Mundial. El puso el foco en el argumento la vivencia de un niño que recibe los peores consejos de un mejor amigo imaginario Hitler en la piel de Waititi, quien conoce lo que un chico de esa edad puede saber. Es atinada la personificación de un líder político en forma payasesca. El texto de Taika se basa en la novela “El cielo enjaulado” de Christine Leunens. En ésta adaptación fílmica se transmite la idea del Führer como fruto de la ilusión mental de un niño que se vincula con él como una persona parternal. Además el componente antisemita se incorpora cuando una profesora ilustra a un judío como un monstruo con colmillos, lengua viperina y escamas; el adoctrinamiento dictatorial tan naturalizado es escalofriante a la vez descabellado. Se observa la identificación del director con películas como La vida es bella y El gran dictador. En su actuación los rasgos de Chaplin con la impronta fascista. Resultado de imagen para jojo rabbit futurismo El legado de la vanguardia artística “futurismo” está presente en la formación de los niños en el campamento al que concurren en éste filme. En ese lugar la propaganda de nazi rememora algunos ítems de la corriente plástica como: el aborrecimiento al pasado al quemar libros y odiar las bibliotecas, el aplastamiento a las referencias judías como aberraciones, el embellecimiento de la dotación armamentista para la guerra y la persuasión a la clase media a seguir con los conflictos bélicos. La músicalización de Michael Giacchino hace sonar el demo “I Want To Hold Your Hand” particularmente confeccionada por los Beatles para la industria alemana. Éste tema lo que demuestra es la estricta dependencia a seguir los lineamientos de los fieles nazis, con su saludo típico y la entonación: “Heil, Hitler!. También está la canción Heroes del cantante David Bowie que compensa la traumática situación histórica con un baile de liberación para los protagonistas de éste filme. La fotografía de Mihai Malaimare Jr. hace repetidas tomas en detalle a los zapatos de los personajes un aspecto que se relaciona al movimiento futurista donde la intención era marcar una escena más abstracta y sintética. Se brindan brillantes interpretaciones tales como la actriz Scarlett Johansson como madre de Jojo protectora, intrépida, sagaz y disruptiva. Y su refugiada Elsa (Thomasin Mckenzie) sigue una composición con ironía e impacto. Taika está embebido en Hitler desde lo absurdo hasta enloquecido. Y por último Roman Griffin Davis como “Jojo” comparte unos gags imperdibles con Waititi. El reparto está compuesto por: Taika Waititi, Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Alfie Allen, Stephen Merchant y Archie Yates. El filme recrea una sátira sobre el nazismo, con un tono equilibrado entre humor y drama. El énfasis en ridiculizar a los fanáticos nazis no se conforma con el entretenimiento e inyecta emoción al agregar explicaciones del conflicto, la amistad que se da entre Jojo y Elsa la jovencita judía y la reconposición familiar entre él y su madre. Puntaje:85
Una película que acerca a los más grandes a los videojuegos. Crítica El filme estadounidense “Jumanji: The Next Level” suma a las personas mayores ellos dan en la tecla para darle un condimento humorístico donde el capo cómico Danny DeVito maneja la batuta y Danny Glover incrementa la comedia con toques de drama. En la tercera entrega de la película los jugadores regresan al juego aunque sus avatares se han sufrido una serie de cambios entre ellos, lo que da un particular equipo: ellos son iguales con diferente aspecto. Sin embargo, “¿Dónde está el resto de la gente?”. Los miembros poseen una alternativa: ingresar a una partida riesgosa con el fin de hallar verídicamente lo que está ocurriendo. Spencer Gilpin(Alex Wolff ), Anthony “Fridge” Johnson(Ser’Darius Blain), Martha Kaply (Morgan Turner )y Bethany Walker(Madison Iseman) vuelven a rescatar a un amigo Spencer quien ha quedado atrapado en el espacio virtual. Ellos no van a ser los únicos preocupados estará su abuelo Edward “Eddie” Gilpin(Danny DeVito) un ex dueño de un restaurante jubilado tras la venta de su bar que tenía con su socio Milo Walker(Danny Glover) un ex compañero aislado de él por que lo acusa de negociar la transacción sin su consentimiento lo que pone en crísis su amistad. Ellos también acudirán al videojuego del cual no entienden. Aparece un nuevo villano en esta ocasión “Jurgen the Brutal”(Rory McCann) al que lo culpan del asesinato de los padres de Bravestone y usurpó el mando del juego cuando robó la gema “Corazón de Halcón” la que crea sequía en la jungla. En el guion de Scott Rosenberg, Jake Kasdan, Jeff Pinkner (Libro: Chris Van Allsburg) se produce un giro narrativo al intercambiar roles y franjas etarias eso es lo jugoso del texto.Romper las estructuras de un personaje único si no darle múltiples opciones de protagonismo; ya sea en la vida real como en la virtual. Son pasadizos de tiempo y espacio infinitos. Se da un diseño de la experiencia interactiva, como sucede en las redes sociales pero agudizada en una dimensión que siempre tiene un factor inesperado en una desafió lúdico. La dirección de Jake Kasdan le da un enfoque más contundente cuando elige poner tres personajes en depresión ya sea Spencer o Eddie, nieto y abuelo, éste hilo parental desata las problemáticas de las diferentes franjas etarias. El joven Spencer se siente desorientado, recién separado de su primera novia Martha y sin motivaciones a la vez Eddie ya está en la tercera edad reducido en su movilidad, hace poco fue operado de la cadera y aplacado en su camilla con respirador o silla de ruedas. Éstos componentes reafirman un real estado dramático, angustiante y donde la conexión familiar se hace inminente. Asimismo el acompañamiento y la sobrevivencia. Los intercambios son esenciales entre jóvenes y adultos, los maduros se sorprenden cuando poseen habilidades como Eddie en el cuerpo fornido de Dwayne Johnson como Dr. Xander “Smolder” Bravestone, Milo en Kevin Hart como Franklin “Mouse” Finbar un gran parloteador, los muchachos Fridge y Marta les enseñan las reglas de Jumanji. Aunque ellos también no son los mismos roles él es Profesor Sheldon “Shelly” Oberon(Jack Black) un experto en cartología y ella es Ruby Roundhouse(Karen Gillan) una gran luchadora. Las jerarquías se invierten y las pasiones de Eddie y Milo renacen en éste espacio ellos tienen tres vidas lo que sería imposible en la realidad lo que a Milo lo toca profundamente. Lo mismo sucede con Spencer él se convirtió en Ming Fleetfoot(Awkwafina) un novedoso personaje con prontuario como ladrona de ascendencia oriental. El encargado de musicalizar Henry Jackman deja grandes sensaciones con Guns and Roses pone a vibrar las butacas, Andy Williams con It’s the most wonderful time of the year deja la escencia navideña, en los momentos de batallas entre justicieros y malévolos un reggae es móvil de diversión a través de Baby I love your way, la banda The Ronettes sigue refrescando el filme con villancicos asimismo vals románticos como Angel from heaven y baladas como It’s all in the game. La animación de ésta película brilló al crear un avatar con la figura de un pegaso negro, su presencia hace la diferencia ante los típicos animales de jungla como: el hipopótamo, anaconda, avestruces y los mandriles. La película ubica el factor familiar de forma entretenida, sella una dinámica humorística entre grandes y adolescentes, tanto en escenarios nevados como áridos. Una secuela placentera de “Welcome to the jungle” y un elenco que fresco y preparados para más acción. Puntaje:70.
Un intento fílmico fatal aunque angelical. Crítica de “Cats”. La película inglesa “Cats” desvirtúa la obra del realizador y compositor teatral Andrew Loyd Webber en manos del director Tom Hooper, quién delega la obra en los hombros del elenco. Su mano como conductor se desdibuja con fallas técnicas en la producción de una cinta, que recopila vídeos musicales sin entender la invisible pero emergente puesta en escena y alguien que le de sensaciones al público no pura brillantina. El argumento es la adaptación del célebre musical de Andrew Loyd Webber, con el mismo nombre. La historia se centra en una tribu de gatos “Jellicles” en el lapso de una noche en la que anualmente tienen la posibilidad de escoger quién de ellos revivirá en una nueva versión. La elaboración teatral se realizó sin pausas por 21 años en la localidad londinense West End. Asimismo en Broadway en Estados Unidos donde tuvo una permanencia de 18 años en marquesina. La dirección de Tom Hooper tras los éxitos en El discurso del rey y Los miserables no obtuvo un musical si no un compilado de videoclips que quisieron dar la idea de inclusión, renovación y redención aunque se produjo una dispersión de cuál era la tensión: ¿Y el conflicto?. El texto por parte de Lee Hall y Tom Hooper tomó una mala pasada ya que la historia contada por medio de la visión de Victoria fue una elección sin mucho horizonte: un fuerte abandono a ella en un basurero donde conocería a los Gatos Jélicos, cómo va conociendo a esa comunidad, quiénes son los importantes lo especial de la noche es Jellicle Ball y sus normas, los malos y buenos. Desaparece la trama y queda plano el filme. El responsable de fotografía Christopher Ross registró apreciables números fue el ejemplo: Francesca Hayward con su ballet, cara angelical y cuerpo con distintas figuras; sus emociones. Por medio de su personaje “Vitctoria” se observa esa noche, a través de sus ojos. Fue entrenada en danza clásica y pudo acoplarse con diferentes estilos de baile con movimientos más improvisados que los tradicionales y reiterativas poses del Royal Opera House de Londres donde ella es la principal bailarina. El filme también trajo al australiano Steven McRae como Skimbleshanks que tiene el mismo rango que Francesca de quién no puede olvidarse su gran momento haciendo tap o zapateo americano. Tuvieron lugar también el hip – hop, jazz y street dance. Tanto bailarines como actores fueron tomados en sus rostros aunque sus cuerpos están enfundados por un pelaje compuesto por computadoras, detalle que desmejoró el aspecto estético del filme. Las estrofas inolvidables de Jennifer Hudson como “Grizabella” con la canción “Memory” dieron un toque gospel. Su interpretación da luz, fuerza y esperanza a una película llena de baches. Su papel la describe como una gata en el ocaso de la fama con frustraciones. La mujer que ha puesto la faceta teatral es la actriz Judi Dench como la líder espiritual de todos los gatos jélicos, ella es el gran manifiesto felino en su personaje “Old Deuteronomy”. La cantante, actriz y bailarina Taylor Swift dio una performance espectacular con una tintes a burlesque o cabaret junto a Idris Elba; entre ellos se dio un conjunto explosivo de villanos él como Macavity y ella como Bombalurina. El trío cómico fue dado por: el presentador James Corden como “Bustopher Jones” un desprejuiciado gato elegante pero bizarro, la humorista Rebel Wilson(Jennyanydots) que desplegó todo su histrionismo con el diseño de los sets; jugando con su desenvuelta destreza y sus picardias. Asimismo la simpática compañía del actor Laurie Davidson como Mr. Mistoffelees un mago con disparates y algunos trucos no tan perfectos. El filme en general se salva por las melodías líricas de Andrew Lloyd Webber .Se opaca con un reparto que prueba constantemente su falta de compromiso con la comedia musical; efectos visuales sin mucha garra. Arañando llegan con Judi Dench a tener capacidad de seducción escénica y se reconoce las espectaculares coreografías de McRae y Hayward. Puntaje:50.
Un filme que retrata el abandono en diferentes esferas. Crítica Lejos de Pekín. La película dramática argentina “Lejos de Pekín” abre un paraguas de percepciones al espectador. A través de imágenes representativas expone la realidad social misionera con una mirada poética y metafórica. Por. Florencia Fico. Resultado de imagen para lejos de pekin pelicula La trilogía que comenzó el realizador misionero Maximiliano González; con los filmes como: “La Soledad” y “La Guayaba”. En las cuales el tema giraba alrededor sobre la problemática social de las mujeres de la región de Misiones, en la zona norte argentina. En el primer audiovisual plasma la tormentosa historia de niñas madres, la trata de personas y sus consecuencias el matrato y abuso sexual constante. En el segundo se contactó con las asociaciones o refugios de las víctimas registró sus condiciones. Éste cierra con la falta de asistencia monetaria en la localidad, casos de violencia de género y la precariedad. En ésta última edición narra la historia de María( Elena Roger) y Daniel (Javier Drolas) que poseen 40 años y cuentan con ocho en matrimonio y no tuvieron la oportunidad de concretar el anhelo de ser padres. Ellos han completado los trámites para la adopción y se trasladan a la provincia norteña para seguir con el mecanismo. En el momento de su llegada la asistente social que los guía en la estadía de vinculación los pone en un momento crítico tras aquella reunión deseada y soñada, las acciones no pasan como ellos querían. El director y guionista Maximiliano González en ésta cinta demuestra a través de una manifestación artística las necesidades de diversas personas que bien son el reflejo de la comunidad argentina. En primer lugar por ejemplo, en una toma se muestra a una pareja en un rancho ella amamantando a su hijo y su esposo mirando la ventana con un martillo sin usar lo que evidencia una clara relación el cuadro realista “Sin pan y sin trabajo” de Ernesto de la Cárcova un directo mensaje que expresa pobreza, desempleo, protesta, reclamo por derechos y denuncia social. De otro modo también replica la obra “Manifestación” de Antonio Berni con la misma aspiración revelar interés por los conflictos de un colectivo más grande. Resultado de imagen para lejos de pekin pelicula poster El montaje propuesto por Alberto Ponce en conjunto con la producción de Andrea Braga incorpora personajes secundarios como Susana la asistente social que inserta el asunto de la adopción de una manera genuina con datos fehacientes como el plazo de disponibilidad adoptiva, los procedimientos de guarda, la información en éste caso de la madre biológica quien ya posee una vida compleja ya tiene cuatro hijos y no puede alimentar a otro más pero aún quiere su tenencia. El guión de Gonzáez da dos personajes secundarios el de una tanguera en la piel de la actriz Cecillia Rossetto quien también es un componente de la localidad en caída sus funciones tienen poca asistencia y no tuvo hijos aunque si encontró el amor. Ella cuida de un chico del hotel donde se alojan María y Daniel; lugar que ella también ocupa momentáneamente con sus melodías. Por otro lado el papel de un hombre entrado en años encarnado por el actor José María Marcos que está en continua tensión con su esposa con la que está casado hace 20 años y una confesión puede romper su relación de forma abrupta. Ambos le dan robustez a las decisiones de Daniel y María. Se destaca la voz de Rossetto que recita el tema “Oración del remanso” una muestra de su caudal como vocalista en ésta ocasión en otro género la balada folclórica con un registro menos detallista con una entonación marcada para éste filme. Roger está en la musicalización aunque en pequeños fragmentos con algunos arrullos de cuna; sin quitarle el lugar preponderante de Rossetto. La letra de ambas composiciones alude a cuentos rurales, al abandono, carencias económicas,temores, dolores y tristezas. Resultado de imagen para lejos de pekin pelicula Los protagonistas Elena Roger y Javier Drolas ponen a rodar una pareja que anuncia una adopción pero despliegan un repertorio lleno de debates internos dentro de sus interpretaciones y sus personajes. La actuación de Roger en María es punzante, por medio de gesticulaciones se dan diversas sensaciones con ella, y desgarradora asimismo sucede con Drolas como Daniel un rol que le sienta bien aunque no tan parejo como Elena. La fotografía de Agustín Alvarez juega con la lluvia como detonante de diversos efectos como ranuras en la piel de los personajes, la tierra rojiza como relieve en la cinta casi como una pincelada gestual que da agilidad e impacto visual al espectador, en composé la música de Pablo Polidoro reaviva el filme con sonidos de voces místicas, piano y armonías ambientales dan un panorama angustiante y molesto. Las capturas panorámicas en Bañado de la Estrella en la provincia de Formosa una de las locaciones elegidas. Muestran no sólo la belleza si no la emergencia del lugar y las inundaciones que sufren los habitantes. La película logra en un estilo filosófico crear metáforas y simbolismos que dan continuas ensoñaciones. El agobio o la incomodidad de los personajes y sus situaciones difíciles son el combustible para sostener la complejidad de las emociones que transmiten cada personaje. Puntaje;70.
La verdad huele a sangre y el gobierno la tiene en sus manos. Crítica de Secretos de Estado La película inglesa “Official Secrets” expone una cinta fílmica con líneas de suspenso político e intriga periodística. Un comunicado que se filtra en las conversaciones mediáticas y demuestra los puntos ciegos del manejo bélico que ejecutan los países en conjunto con espionaje sin control ni ética. Por. Florencia Fico. El argumento de la película inicia en 2003 durante los funcionarios británicos y estadounidenses idean copar Irak, la traductora del Cuartel General de Comunicaciones del Gobierno Británico (GCHQ) Katherine Gun (Keira Knightley) provee un correo electrónico clasificado que incide en investigar a participantes del Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas con el fin de provocar la decisión para ir a la Guerra. Ella es detectada e incriminada por quebrantar el Acta de Secretos Oficiales y con posibilidades de ir a la cárcel, Katherine y sus defensores tienen la fuerte idea de abogar por su accionar. Su vida, la permanencia en libertad y su matrimonio peligran, Katherine tendrá que resistir por lo que piensa. El director Gavin Hood genera continuamente espacios de reflexión en base a la siguiente pregunta retórica: ¿Nos corresponde razonarlo?. Es el lema de ésta producción y el realizador sudafricano se empeña en seguir cuestionando las torturas a inmigrantes en éste caso el esposo de Katherine que es musulmán, el poner la lupa sobre las instituciones ocultas sospechosas de ilegalidades como lo es el GCHQ de la mano británica y su enlace con el gobierno estadounidense. Además el espacio inmoral o correcto de las personas y el trayecto íntimo de Gun sus diversos estados anímicos. Los escritores Gregory Bernstein, Sara Bernstein y Gavin Hood son los guionistas influidos por el libro “The Spy Who Tried to Stop a War” de Marcia Mitchell y Thomas Mitchell. Ellos logran plantear la biografía de la espía y el crimen verdadero la guerra. Con un texto rico en contexto histórico ya sea por material de archivo sobre discursos, la tecnología existente en ese tiempo como los disquetes donde se almacenó el mensaje de Katherine, ese vocabulario específico de agentes y un guiño a la “garganta profunda” de Todos los hombres del presidente, en aquel caso de Watergate. En éste caso la informante era una activista anti guerra quién le dio la exclusiva a The observer con el escrito impreso por Gun bajo el seudónimo Frank Koza. Donde se demostraba la complicidad del estado estadounidense y británico, para la escucha de los representantes de la ONU para manipular los votos para concretar una injusta batalla que se ejerció sin su aval. Llevándose cientos de miles de vidas iraquíes , mujeres quedaron viudas, traumas psicológicos y la niñez expuesta a trabajo infantil o prostitución. La música de Paul Hepker y Mark Kilian deja un trago amargo, una esencia siniestra, con bases electrónicas e instrumentales que hacen parte del filme como un motor de combate. Los sonidos de las detonaciones en tomas suenan más altos y se puede sentir la guerra como si estuviera al lado suyo. En torno a la fotografía de Florian Hoffmeister se puede apreciar una iluminación sombría, tonos apagados y capturas con picado en el rostro de Katherine cuando es juzgada en la Corte inglesa, y contrapicado cuando es absuelta de los cargos de traición siendo una cara de la lucha contra la mentira globalizada. Las grandes actuaciones estuvieron en la piel de Keira Knightley como Katherine mostró su lado confrontativo, contundente y sensible, imprimió el deterioro emocional y la resistencia con sus convicciones. Otro notable personaje fue el compuesto por el actor Ralph Finnes el abogado defensor de Katherine quien legitima su porte convincente, elegante pero contestatario y dueño de una voz que hace temblar a cualquier estrado. Por último, Matt Smith como el reportero de The Observer transmite ese olfato periodístico, esa inquietud genuina y la energía que lo lleva a verificar todas sus fuentes y versiones. La película lleva un ritmo lento pero lo amortigua con una auténtica fotografía de los trasfondos políticos que promueven una guerra ilegal. Con un tono desesperado por llevar la atención en el debate sobre la utilización de los servicios de inteligencia como vehículos de las intenciones insensatas de los gobiernos a los que les chorrea sangre en sus manos. La eficaz actuación de Keira Knightley renueva su faceta más arriesgada y conectada con su papel. Puntaje:80
Un moderno trhiller con doble filo la comedia y el misterio.Crítica Entre navajas y secretos La película estadounidense “Knives Out” exprime el género de ficción detectivesca; con un misterio a puertas cerradas. El director Rian Johnson propone un creativo whodunit, donde el investigador privado Benoit Blanc (Daniel Craig) intenta romper el silencio de la familia Thrombey con una asistente, la enfermera Marta Cabrera(Ana de Armas). Por. Florencia Fico. El argumento es sobre el momento en que el reconocido novelista de misterio Harlan Thrombey(Christopher Plummer) se lo halla fallecido en su mansión, luego de su festejo con parientes en su cumpleaños número 85, el incisivo y educado detective Benoit Blanc(Daniel Craig) es curiosamente seleccionado para averiguar el crimen. Se trasladará en un entramado de rastros no tan certeros y los poco convincentes relatos interesados para para poder llegar a la verdad sobre la muerte del autor. Rian Johnsonn como realizador y guionista dispone un escenario de juego estratégico donde cada personaje tiene asignado una intención de provecho económico con la herencia del difunto Harlan. No es al azar que Johnsonn tome como referencia el pasatiempo del personaje; quien usa el “Go” en largas partidas con su cuidadora Cabrera. En éste entretenimiento hay un mensaje subliminal el que encierro para el control de un territorio en éste caso las finanzas y el acorralamiento a Marta quien siempre es la principal sospechosa bajo la “regla del asesino” que dice que el destinatario de la sucesión no puede ser su homicida. Con el whodunit lo que hace es insertar la pregunta: ¿Quién lo hizo? y promover el interés en reconstruir la escena del delito. Desde lo narrativo el argumento está bien sustentado en tácticas discursivas con gran carga tensional. Asimismo observaciones que hacen un rico texto del filme que traslada al público situaciones: cómicas, sarcásticas, emotivas, asombrosas y giros de timón en la investigación lo que la hace intrigante hasta el final. La música de Nathan Johnson se traslada a la época del jazz de Frank Sinatra con el tema “I’m gonna live till I die”. Sigue la sintonia ludica del filme con su composición: “Van a decir «¡Qué tipo!» Voy a jugar para el cielo”. Además cuando Benoit escucha las declaraciones de cada testigo toca una tecla del piano, casi incitando una alegoría a El Corazón delator de Edgar Allan Poe . Un sonido que desespera a todos los familiares y empleados de la lujosa casa. Steve Yedlin encargado de fotografía juega con la figura y el fondo lo que se relaciona a lo oculto y lo visible, la iluminación y las sombras que dan ese aspecto sombrío e inquietante, el zoom y cámara lenta que dan vibración a la cinta la hacen ágil y fluida. Los picados y contrapicados ponen evidencia las personas que se ven intimidadas o su alto estatus social. En cuanto al reparto sobresalen el actor Daniel Craig en el papel de Benoit quien deslumbra con un bien marcado acento británico como también sus inolvidables trajes y un gesto inquisitorio estridente.La actriz Ana de Armas como Marta Cabrera recrea a una enfermera disparatada y chistosa, el artista Chris Evans como Ranson un nieto insolente e interpreta a un villano muy crápula. Además la majestuosa Jami Lee Curtis encarna a “Linda” una hija sarcástica y protectora de la familia, otra joya del elenco es Toni Collette hermana de Linda despliega una mujer con mucho desparpajo y delirante. Por último el célebre actor Christopher Plummer expone un sagaz papel como padre que bien puede haberse muerto en la película pero es un flashback constante. Es una película para los seguidores de Sherlock Holmes, James Bond y Agatha Crhistie. Aunque se adapta a cualquier espectador con ansias de curiosidad. El seguimiento del caso por parte de los detectives es un simpático laberinto; donde el reparto y la diversión no escapan del punzante misterio. Y demuestra un tema subyacente la mirada despectiva a la inmigración en Estados Unidos. Puntaje:80.
Una semblanza fresca sobre liderazgo político. Crítica de Raúl, La democracia desde adentro.I El documental formula un perfil sobre el ex presidente radical con un mestizaje estilístico ya sea por el muralismo como estructura narrativa para contar la voz interior y exterior del jefe de estado, los testimonios de distintas figuras cercanas como relatores que conforman el perfil del funcionario. Un registro exploratorio que ensambla el discurso en imágenes de archivo en las paredes públicas como soporte y vía simbólica para comunicar sus pensamientos, acciones, carácter y el clima social. Por. Florencia Fico. Resultado de imagen para raul la democracia desde adentro trailer Los directores Juan Baldana y Christian Rémoli intensifican la conciencia del espectador con sus yuxtaposiciones y recontextualizaciones a base de diversos testimonios en total se entrevistaron a 60 referentes que reforzaron el efecto comprensivo de cada parte de la vida del líder. Gustavo Dejtiar como guionista sumó como parte del relato la utilización de murales con frases típicas del ex mandatario, aquellas eran cambiantes y progresivas, donde los artistas visuales componían una atmósfera colectiva que era representada en las calles de Chascomús como punto de encuentro que pone a disposición el espacio público con diversos mensajes desde la relación de Raúl Alfonsín con su madre, su pasión por la laguna de la localidad, el hostigamiento mediático, su antagonismo con la Sociedad Rural Argentina, su postura frente al otro en sus discursos y sus lemas. La musicalización por parte de Eugenia Blanco y Pablo Nomdedeu fue sobria con instrumentación académica en piano, flauta y percusión. En torno a la fotografía de Javier Grufi se hacen grandes desplazamientos con grúas para acercarse o alejarse de un lugar, tomas aéreas, zoom en objetos de época como grabadores del tipo Geloso, lupas para ver diapositivas con un efecto de sobreexposición logra un aspecto angelado en la cara de Alfonsín. Una proyección documental que refleja su personalidad, su inicio en la lectura debido a una complicación en la salud de su madre, su gestión, su legendaria misión democrática como dirigente, su pasado y en su mandato para evidenciar al referente proveniente de Chascomús, su paternidad ausente desde lo físico pero no emocional y el emblema que significa en la historia argentina. Al ser abogado su interés por los derechos humanos en la representación de personas detenidas interponiendo habeas corpus en la última dictadura militar, la fundación de la Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas (CONADEP), sobre la idea: “No hay más paredón para la Argentina” y su publicación en un libro icono “Nunca más”. Él le dio la bienvenida a Fidel Castro en Argentina, la generación de la Ley de Obediencia Debida y Punto Final, el Copamiento del Cuartel en la Tablada, su déficit en la economía con la hiperinflación y los paros nacionales. Aunque todos coinciden que era: “Honesto y sensato”. Y por último, el acompañamiento del actor Luis Brandoni al final de su vida con cáncer y algunos accidentes de tránsito cuando siguió con su carrera política posteriormente al término de su presidencia. El acierto del documental fue reunir a diferentes figuras polémicas como militares carapintadas, representantes del sindicalismo y el peronismo. No llega a ser un homenaje y compensa la balanza con un potenciada interacción entre las voces que arman un contexto natural y creíble. Otro elemento punzante fue el registro audiovisual de su conferencia en Estados Unidos con el presidente Ronald Regan por el acuerdo para el financiamiento de la deuda con el Fondo Monetario Internacional al que él enfrentó con astucia. Esa constante ruptura de jerarquía hasta la religiosa cuando confrontó las ideas de corrupción que se daban en la Iglesia Stella Maris impartidas por Monseñor Medina(principal promotor de los carapintadas) al cuál desafió al contestarle en el púlpito. Puntaje:8
Las chicas doradas pusieron acción sin provocación . Crítica de “Los Ángeles de Charlie Las agentes que brindan servicios para resolver distintos problemas desde las órdenes de Charlie fueron en ésta nueva entrega una caricatura insulsa de lo que eran y como resultado dieron una remake desabrida aunque la actriz Kirsten Stewart apuntaló la película con diferentes matices interpretativos. Por. Florencia Fico. La dirección de Elizabeth Banks en la película estadounidense “Los Ángeles de Charlie” ha probado su marca que combina un buen acompañamiento musical y una pizca de comedia. Pero se envenena con lugares comunes con chistes trillados, clichés, chascarrillos. Reproduce la misma falla del filme “Los hombres de negro Internacional” que quieren abarcar mucho pero aprietan poco desde una nueva sede de operaciones la Agencia Townsed con sucursales mundiales; diferentes “Bosleys” herederos del legado de Charlie. Bill Pope como director en fotografía se destaca con tomas panorámicas por diferentes locaciones Río de Janeiro, París, Los Ángeles, Hamburgo, Estambul da movilidad a la película. La utilización del ángulo nadir sorprendió es propio de los filmes de acción que generan esa sensación de vértigo. En la musicalización Brian Tyler remontó con la colaboración ejecutiva de la cantante pop Ariana Grande que sumó en el progreso de la banda sonora con melodías como: “Don´t call me angel” donde intervinieron la vocalista country Miley Cyrus y Lana Del Rey la voz del rock alternativo actual. La trama del filme reúne a Los Ángeles de Charlie que brindan tareas de averiguación y custodia a clientes privados actualmente en la Agencia Townsend que halla muchachas con dotes intelectuales, corajudas y manejo de defensa física contra los villanos ellas están ahora conducidas por Bosleys con misiones que las comprometen en cuerpo y alma. En éste momento enfrentan un arma tecnológica llamada “Calisto” que provee energía renovable pero riesgosa para la integridad humana, las jóvenes estarán ahí para socorrer al mundo. El nuevo trío de guerreras está compuesto por “Sabina” en la piel de Kirsten Stewart la salvadora rebelde del grupo y la proyección fílmica, “Elena Houghilin” (Noami Scott) una ingenua interpretación de una científica aspirante a Ángel y “Jane Kano” una ex agente del MI-6 encarnada por Ella Balinska de manera arriesgada, sensual y prepotente. Un traidor deslucido como John Bosley (Patrick Stewart) y el actor Jonathan Tucker establece un guiño a un viejo enemigo El sombrío. Se da un cameo al personaje “Kelly Garrett”(Jaclyn Smith) la histórica agente de Los Ángeles de Charlie en la serie televisiva original. Asimismo la realizadora Elizabeth Banks integra el reparto como Rebekah “Bosley” una antigua ex ángel que se transforma en la primera comandante de las campañas su composición fue cómica e intrigante; un gran componente del suspenso. El filme intenta sin triunfo generar una impostada comedia de acción. En lo que es aceptable es en la ejecución de planes de lucha con artes marciales, boxeo, gimnasia artística y distintas disciplinas deportivas. Asimismo el uso de armas militares y los códigos de lenguaje estratégico para atacar al contrincante en manos de mujeres que vienen a poner en manifiesto su aptitud, destreza y fortaleza; subyace un mensaje feminista con sororidad es decir hermandad entre ellas y la cosificación – subestimación masculina. Puntaje: 60.