Esta cuarta parte de la saga tiene como único objetivo llenar las arcas, (de los productores). Cuando se estreno la primera (“La Maldición del Perla Negra”), a partir del éxito rotundo, dieron cuenta de una veta poco explotada en los últimos años. Los filmes de aventuras, sobre todo las historias de piratas, parecían haber perdido el encanto. Lejos estaba ya la mediocre “La Pirata” (1995) de Renny Harlin, y mucho más atrás en el tiempo la increíble “El Pirata Hidalgo” (1952) de Robert Siodmak, con el gran Burt Lancaster en el papel del Hidalgo Capitán Vallo. Podríamos parafrasear al gran Catalán Joan Manuel Serrat diciendo “Marchando una de piratas... Larga vida y gloria eterna. Para hincarles de rodillas hay que cortarles las piernas…” Ya entrado el siglo XXI esa primera aparición del Capitán Jack Sparrow fue bastante promisoria. Tomaba un género como el de la aventura, lo entrelazaba con otros, a saber, acción, por supuesto, pero en relación al diseño de montaje, y terror en cuanto a construcción de algunas imágenes, recuerde las apariciones de fantasmas, de personajes muertos-vivos, etc, hasta tenía tiempo para volverse romántica con la simple aparición de Keira Knightley, todo jugado en tono y ritmo de comedia satírica. Las siguientes producciones sólo fueron una repetición de la estructura, del relato y de los personajes, los cambios eran mínimos e innecesarios, con el propósito que tuviera por objetivos el engrosamiento de los bargueños o cofres…. de las boleterías de los cines y, por ende, de los productores. Pero el Capitán Sparrow no se entrega. Y volvamos al catalán: “Todos los piratas tienen atropellos que aclarar, deudas pendientes y asuntos de los que mejor no hablar. Se beben la vida de un trago y se ríen con descaro….” Esta última entrega nos depara algunas sorpresas. El problema de nombrarlas de esa manera es que son eso, sorpresas solamente. No tienen por definición que ser agradables, en realidad son casi desagradables, empezando por el recurso tecnológico del 3D, que ya esta llevándome al borde del hastío absoluto, hasta la desaparición del personaje de Elizabeth Swann (Keira K., no se tome como alegórico el desvanecimiento en la escena de la doble K, justo en un año de elecciones en la Argentina), dejando su lugar al de Angélica (Penélope Cruz), lejos lo peor de este filme, tanto en la construcción del personaje, como el desarrollo y la interpretación. Parecería que todavía no se dio cuenta “la” Penélope que en las producciones hollywoodenses siempre hizo agua, esto no esta en referencia directa a la producción en cuestión, que en que gran parte transcurre en un barco (pirata), sino porque sólo cuando esta bien dirigida ella se luce. En cuanto a los elementos de la historia, comienza en Londres (la cuna de los piratas), para luego incorporar zombies, sirenas con complejo de vampiro, etc. Todo sin demasiado sentido y sin ninguna justificación. La misión que le encomiendan al Gran Capitán es llegar antes que los españoles a la fuente de la juventud. Lo dicho, no hay demasiadas modificaciones entre esta y sus tres predecesoras, más allá del objeto a “usurpar”. Las escenas de acción hasta perdieron el encanto de la exageración que tenían sus antecesoras, esa grandilocuencia de filmar con grandes escenarios y la muy buena fotografía ha dejado su lugar para que lo sostenga ineficazmente el 3D En el principio del filme se insinuaba una especie de intento de retorno a aquella primera realización, pero la ilusión, y esto no es alegoría de ningún tipo, dura alrededor de 15 minutos, luego el relato cae en un pozo del que no puede salir, sumando sólo una sucesión de escenas que prolongan el desenlace, para en los últimos minutos volver a levantar la puntería, o a retomar ciertos riesgos presentes al comienzo. Es en los instantes iniciales donde se encuentra lo mejor de la narración, con algún que otro chiste autorreferencial, más pantalla para Geoffrey Rush, que vuelve a interpretar a Barbaroja, quien parece que esto de jugar a ser pirata se lo toma en serio. En el mismo nivel, pero que ya parece hacerlo más de compromiso que comprometido con el personaje, esta Johnny Deep, quien cumple, o al menos no defrauda, aunque se nota el agotamiento de Sparrow, en una historia asimismo caducada, con un actor que ya no se divierte animando al célebre pirata de fantasía. Por supuesto que el cierre no lo es tal, da lugar a una quinta entrega cuando todavía no quedo en claro esto de navegar en aguas misteriosas, que de misterioso no tuvo nada, terroríficamente previsible. Dura dos horas y quince minutos, y créame que le sobran al menos 90 minutos. “Marchando una de piratas... Nadie doblegó su espada y bastó una mujer hermosa para cortarles las alas…. “No hay historia de piratas que tenga un final feliz. Ni ellos ni la censura lo podían permitir. Por la espalda, en una esquina, gente a sueldo los asesina….” A partir del último verso ¿Es hora de ir contratando a un sicario?
Entre las “Historias mínimas” y las “Grandes esperanzas” Gracias a los avatares de la distribución y exhibición vernácula podemos ver esta producción, ya para este momento la antepenúltima realización del gran genio neoyorkino, al mismo tiempo que en el festival de Cannes se esta estrenando la última, “Medianoche en Paris”, y sucede meses después de conocerse entre nosotros la anterior, “Conocerás al hombre de tus Sueños”, y poco tiempo antes que Woody comience a filmar en Roma lo que sería su film numero 42. ¿A qué viene toda esta introducción? En realidad, luego de verla me quede pensando en una frase de Jean Luc Goddard, cuando en una entrevista dijo...“Siempre estas filmando la misma película” Algo de esto encontramos en esta realización de Woody Allen. Si bien es un retorno al rodaje en Nueva York, ciudad de la cual está enamorado y no lo disimula, también estamos en presencia de una obra que no deja de ser la continuidad de un discurso inherente a su larga filmografía, pero reconociendo que no es el mismo de antes, que el tiempo ha pasado y es inexorable. Como dice una parte del poema de Israel Rojas “Hay que ser un tonto para no ver eso, que también nosotros nos pondremos viejos, que de los queridos serán más los muertos y se irá oxidando nuestro pensamiento, que de la osadía quedará un recuerdo tal como los dientes que ya no tendremos. Y cuánto daría remontar el tiempo y ver entonces qué hacemos…..”. La historia, bastante pequeña por cierto, gira en derredor de Boris, interpretado por Larry David, un sosia del argentino Carlos Bianchi, pero que aquí funciona como un perfecto alter ego del realizador. Boris es un intelectual, “casi” ganador de un premio Nobel en Física Quántica, malhumorado, pesimista, misántropo en general y misógino en particular, fóbico, por momentos un hipocondríaco, en otros megalómano, que ama la “buena vida” pero tiene intentos de suicidios cada vez que se debe enfrentar a una disyuntiva existencial y/o cotidiana, plagado de estas y otras muchas más contradicciones. Se junta con sus amigos sólo para demostrarles que él es superior, a punto tal que es el único, (muy buen juego de Woody Allen) que se da cuenta que estamos los espectadores viéndolos, esto cumpliría con la misma función de la estructura cuando en el teatro se quiebra con la cuarta pared y se nos hace participes de la acción. En este caso la relación que se rompe es la diegética, se le dice al público que él sabe que esta ahí al mismo tiempo, que se rompe con la idea de una unidad aislada dando cuenta que esto no es más que una ficción. Luego, siguiendo con la historia, conoce a Melody (Eva Rachel Wood), una joven pueblerina, inteligente, de muy buen corazón y muy poca intelectualidad, que le pide comida y albergue por una noche, para termina seducida por la sabiduría de Boris, y a partir de ese momento ir seduciendo al ermitaño gruñón hasta casarse con él. Luego las vueltas de la vida y las revueltas de las historias implicadas en un guión maravilloso, con el humor que lo hizo famoso, típico de sus mejores performances. En relación a lo estrictamente cinematográfico, habría que aclarar que este guión de su autoría, fue escrito a mediados de la década del ´70, pensado en ese momento para el actor Zero Mostel. Lo que si marca es una diferencia clara con sus producciones europeas, siendo posiblemente “Match Point” (2006) el punto más alto de ese período, pero que había empezado a incursionar muy gratamente en la utilización de la música en función netamente narrativa, ahora retoma el jazz y la música clásica en función de creación de climas y construcción de personajes Nótese que el personaje femenino se llama Melody, y esto no es casual, como tampoco lo es que al final su discurso se torna esperanzador. A medida que pasan los años los seres humanos exacerbamos tanto las virtudes y los atributos como también los defectos, estamos a las claras frente a un caso significativo de tales circunstancias, pero en la balanza del equilibrio debemos reconocer que el gran Woody esta más cerca de ser un añejado buen vino fino que un apolillado vinagre. Salud
En principio debería agradecer que esta producción cinematográfica no venga promocionada con la nueva vedette tecnológica de los audiovisuales, el 3D, cuestión que a mí particularmente me tiene bastante harto. Pero honestamente y, a decir verdad, esta para nada inesperada quinta entrega desde la propuesta inicial, se nutre de gente joven linda, ellos musculosos, ellas con poca ropa, autos caros y rápidos, muchas persecuciones y demasiada velocidad, lo que la constituye en la mejor realización de la saga. Claro esta que una película sea la mejor de una secuela no implica, ni por antonomasia en su acepción de paradigmático, ni en forma directa, que sea buena, sino solamente que sostiene de mejor manera los elementos del género que instaló. Como siempre, todo esta a merced de procurar excusas para mostrar escenas de pura excitación visual, ya sea a merced de los personajes, de las alocadas carreras de autos, persecuciones de todo tipo, aviones, motos, lo que sea, hasta en un momento creí ver carrera de skaters, pero no llegaron a tanto. Lo que si se repite en relación a las antecesoras es ese falso maniqueísmo con que están construidos los personajes principales. Son ladrones, inmorales, con códigos propios, pero que en el fondo son “Buenos Muchachos”, a ello debe agregarse ahora la nueva promoción turística de Hollywood, Brasil, específicamente Río de Janeiro. En realidad, y sabiendo que las producciones más tontas traen aparejado las ideologías más retrógradas, no debería dejarse de lado en el análisis del filme algo en relación al discurso, sobre todo político, que intenta instalar. Vayamos a la historia, pequeña por cierto. Como para aclarar a que me refiero, Dom Toretto (Vin Diesel) es encontrado culpable de los cargos que lo llevaron a juicio y sentenciado a reclusión perpetua. Entonces su querida hermanita Mia (Jordana Brewster) junto a su novio Brian (Paul Walker) planean y ejecutan con éxito la fuga de Dom, mientras éste es transportado a la cárcel, produciendo la primera escena de espectacularidad con accidente de transito incluido, donde un micro de gran envergadura sale volando por los aires al impactar contra un vehiculo deportivo coupe de dos puertas. Tal situación o nos mueve a risa y nos enganchamos con lo inverosímil de la propuesta, o estamos condenados a dos horas de sufrimiento y aburrimiento. La secuencia siguiente, nuestros “héroes” van camino a Río de Janeiro, con la firme intención de ocultarse de la persecución del FBI Eligen una de las grandes favelas con ese propósito, pero, como debemos seguir viendo escenas de acción, no tardan mucho en ser descubiertos. Mientras son perseguidos por el agente especial del FBI Luke Hobbs (Dwayne Johnson), quien nunca fracaso en una misión, ellos planifican darle un duro golpe al capomafia de Río, el más importante traficante de drogas, con grandes conexiones con la policía local donde los mafiosos guardan cien millones de dólares Esto justificaría la invasión de los yankees con el sólo fin de hacer justicia. ¿No le huele un poco feo todo esto? Volviendo al filme, El agente del FBI va a necesitar ayuda de alguien que conozca el terreno, para ellos solicita los servicios de una novata, incorruptible e inteligente mujer policía brasilera, Elena (Elsa Pataky), esta bella actriz española es lo mejor del filme en cuanto actuación, conjuntamente con el nombrado Dwayne Johnson y el actor portugués Joaquim de Almeida personificando a Reyes, el rey del bajo mundo carioca. Mientras tanto Brian y Dom van componiendo el equipo para el gran golpe. Convocan a todos sus amigos, co-protagonistas de las cuatro anteriores, y la producción toma ribetes guionisticos muy similares a otras tantos films, en especial a la saga de “Ocean Eleven” (2001) y, más específicamente, “La Estafa maestra” (2003). Que quiere que le diga, cada vez que me enfrento a este tipo de engendros más añoro las escenas de persecuciones de “Bullit” (1968) y “Contacto en Francia” (1971) entre otras grandes realizaciones. Si bien el director Justin Lin supo ocultar los detalles de las escenas de acción como para darles más realismo y verosimilitud. Sobre el final, y antes de los créditos, aparece una leyenda advirtiéndonos que las escenas de autos fueron realizadas en espacios controlados y por profesionales de la conducción e intimándonos a no tratar de reproducirlas nosotros. Mi recomendación es que si tiene algo mejor para hacer, ni lo piense.
Es una verdadera lastima que los distribuidores tengan esa, a veces maldita, costumbre de cambiarle el titulo a las películas, con el único fin de que el nuevo titulo tenga más enganche en el espectador. Pero qué sucede cuando esto provoca, además, que se crean falsas expectativas en derredor del relato. El titulo original es “The Lincoln Lawyer”, en las primeras imágenes vemos que Mickey Haller (Matthew McConaughey) es un abogado que se pasea en un auto Lincoln, cosa que da la sensación de ser uno de esos abogados que hicieron fortuna con la profesión. Nada más alejado de la realidad, rápidamente nos constituyen al personaje como un profesional que se dedica a defender a hampones de poca monta, y a quienes les saca unos pocos beneficios, ya sean económicos o en especies, apunto tal que su chofer negro entra en la segunda categoría. Pero toda su suerte parece cambiar cuando es contratado para defender a un joven blanco de buena familia adinerada, acusado de intento de violación y asesinato de una jovencita. Louis Roulet (Ryan Phillippe) dice que le tendieron una trampa, con su cara de ángel rubio convence a nuestro protagonista y también al espectador. Esta disyuntiva de culpable o inocente es rápidamente definida, ahora el filme se quiebra y se transforma en un thriller, ¿Quien es el engañado? ¿Quién Miente? ¿Quién desnaturaliza la realidad y los hechos? Los mismos interrogantes que se hace Arthur Kirkland personificado por Al Pacino en “Justicia para Todos” (1979) los tiene el bueno de Mickey Haller, con algunos adicionales, el no haberle creído la inocencia a uno de sus defendidos anteriores, y que ahora cumple una condena de cadena perpetua, es un pasado que lo tortura. Para no caer en los mismos errores contrata a su amigo personal, un ex policía devenido investigador privado, Frank Levin (William Macy), quien será uno de los que le ayude a develar el misterio. También aparece su ex esposa, Maggie McPherson (Marisa Tomei), una fiscal de distrito, todavía enamorada, pero que sabe de lo difícil que es convivir con alguien que tiene los códigos de moral un poco tergiversados. El relato esta muy bien contado, no aburre, ni siquiera confunde, a pesar de las intrincadas vueltas de tuerca que intenta generar el guión, con buenas actuaciones, destacándose el ya nombrado William Macy, Frances Fisher, en el personaje de la madre de Louis Roulet, y Marisa Tomey. En relación a los rubros técnicos, todos son de buena factura, si bien no hay ninguno que sobresalga del resto, esto es, montaje clásico, una correcta fotografía, y música que insufla los climas correctos a las imágenes, ya que el énfasis de relato esta puesto en el suspenso que genera esa especie de duelo que forja la antinomia de dos manipuladores.
Una vez empezada la película, ante las primeras imágenes, uno se dice, ¡Uy, esta ya la ví! No sólo por la estructura tipo “Titanic” (1997), sino que cuando comienza, y nos adentramos en la historia, nos volvemos a repetir la misma frase. Esto, por definición, no estaría mal si nos enfrentásemos a una buena producción, con buen desarrollo de personajes, actuaciones convincentes, alguna subtrama que juegue de contrapeso para atraparnos, algún interrogante que nos sostenga el interés, algo así como: ¿Qué paso con el diamante en “Titanic”? Sabíamos que el gran barco se había hundido antes de que se empezara a filmar la película, sabíamos del triangulo amoroso, sin embargo mal que mal en aquella ocasión el relato funcionaba. Pero no, acá no. Sabemos por el relato de uno de los personajes que vamos a enterarnos de los hechos que terminaron en tragedia dentro de un circo. Para ello se nos envuelve la narración para regalo dentro de un triangulo amoroso. Todo es demasiado previsible, estereotipado. Basado en la novela homónima de Sara Gruen, narra de la dura vida de un personaje en la áspera realidad vivida por los años 30, allá en la madre patria del norte, en plena gran depresión. Jacob (Robert Pattinson) joven estudiante de veterinaria, quien a punto de recibirse queda huérfano y sin casa, sin saber que hacer de su vida, llega por casualidad a un circo, y allí logra ser contratado como cuidador de los animales por el dueño, August (Cristoph Waltz), un hombre ya entrado en años. En el transcurrir de las horas, y dentro de ese ámbito, conoce a Marlena (Reese Witherspoon), la joven estrella del espectáculo circense y esposa de August. El triangulo amoroso esta instalado. ¿Adivine como termina la historia? Pero sin adelantarse a los hechos, digamos que el mundo del circo no es ajeno a la decadencia de la vida en esos momentos. Económicamente no anda nada bien, las deudas lo acosan a August, para intentar evitar la muerte del circo, para atraer al público de los pueblos que van visitando, el dueño adquiere un elefante, para presentarlo como número extraordinario, de ahí el nombre de la película. Pero los celos enceguecen. Los mejores logros de la producción están dados por la corrección técnica, desde la fotografía al servicio del relato, no le pida búsquedas estéticas por que no las tiene, pasando por la música, tanto la incidental exageradamente empática, como las selección de canciones, mayormente jazz, hasta se podría incluir la correcta estructura narrativa incluyendo el montaje de manual de escuela de cine. Nada de esto rescata realmente al filme, la razón más sencilla no es sólo lo dicho anteriormente en relación a la previsibilidad del relato, lo remanido y anticuado del mismo, sino esta en dependencia directa con las actuaciones. Robert Pattinson hace alarde de su incapacidad de crear algún personaje, sigue siendo el vampiro con cara de nada de la saga de “Crepúsculo” (2008), éste para algunos carilindo nunca da con el personaje, como si el mismo le quedará demasiado grande, no lo hace ni creíble ni querible, sino de forma insoportable. Por el contrario, el personaje de August le queda pequeño al genial Cristoph Waltz, ganador del premio Oscar por su labor en el rubro actor secundario en “Bastardos sin Gloria” (2009). En esta ocasión, le piden que lo repita, lo hace de maravilla, por un rato, pero este personaje de dueño de circo no tiene ni la construcción, ni el desarrollo, ni los diálogos, ni los matices del coronel Hans Landa. Por último, tenemos a la bella y talentosa Reese Witherspoon en el papel mejor trabajado de los tres protagonistas, muy bien interpretado, pero sin partenaire que la ayude, poco puede hacer.
El mayor dilema que nos enfrentamos ante este tipo de producciones, que se convierten en saga, como sucede con la número 4 de “Scream”, es que todas terminan con el guiño de ser un posible principio de otra más. Cuál será la última. ¿Es necesario que Rocky se despida en la sexta entrega, desde el cuadrilátero? ¿Habría que descuartizar a Freddy Krueger e incinerar los pedazos, para que no vuelva? Son muy pocos los casos en la historia del cine en que las continuaciones logren el mismo nivel de excelencia que la original. Sólo puedo recordar la trilogía de Francis Ford Copolla con “El Padrino” (1972, 1974, 1990), o lo que finalmente fue la trilogía sobre el amor de Dennys Arcand, donde se repiten los personajes que habían aparecido en “La Decadencia del Imperio Americano” (1986), seguido con “La Verdadera Naturaleza del Amor” (1993) y finalizado con “Las Invasiones Bárbaras” (2003). Entre otros pocos ejemplos. Digo, no sería un dilema si la originalidad tuviera presencia en cada fotograma, o por lo menos en cada secuencia narrativa, o una vez en cada una de ellas, pero sólo estamos frente a actualizaciones temporales y tecnológicas, habida cuenta que han pasado 10 años de la última entrega. Aparecen teléfonos celulares de última generación, cámaras digitales. Internet, Facebook, Twitter, etc. No se puede negar que “Scream 4” es inteligente, explota la franquicia instalada por la primera de la saga, la exprime y le saca buenos réditos artísticos. Vuelven a trabajar juntos el director Wes Craven y el guionista Kevin Williamson, esto explica que de lo mejor del filme sean los constantes diálogos entre aquél filme original de 1996 y este, salteando por suerte las dos del medio. Todos estos elementos son prueba cabal de las intenciones tanto creativas como de rendimiento económico puestas en juego. Recordemos que la primera tuvo un costo de 14.000.000 de dólares, y recaudo, aproximadamente, 173.000.000. El texto vuelve a jugar paródicamente con el género en el cual se instala, a punto tal que el terror no aparece, pero si las risas, el chiste oportuno, aunque previsible. Al igual que toda la producción, sólo el giro del final puede deparar alguna sorpresita, pero más por desatención del espectador que por una vuelta de tuerca creativa o inaudita. La historia es así de simple: Sydney Prescott (Neve Campbell), la sobreviviente de las matanzas anteriores, vuelve a su pueblo natal a presentar el libro sobre su biografía, allí se reencontrará con el ahora devenido Sheriff Dewey Riley (David Arquette) y su segura futura ex esposa, la ex periodista Gale Weathers – Riley, (Courteney Cox), los otros supervivientes de los asesinatos anteriores. A ellos se les sumara una caterva de adolescentes que crecieron a la luz de los relatos del espanto de los gritos nocturnos, entre los que se encuentra la prima de Sydney, Jill (Emma Roberts), cuya inclusión esta más que forzada y con varios intentos de justificación. Conflictos y acciones usted ya puede imaginarlos. Los fanáticos de este tipo de temáticas y género posiblemente salgan satisfechos, pero sabemos que hasta las mejores ideas cuando se fanatizan pierden objetividad y eficacia.
Mientras hay vida hay esperanza Bien podría empezar esta nota aludiendo a un clásico cliché: “Este filme es un canto a la vida”…. Tantas veces fue vilipendiada esta frase que producirá temor emplazarla, pero en términos de justicia habría que decir que no en muchas oportunidades es precisa, sintética y le va como añillo al dedo. Una historia sencilla, amable, sin demasiadas búsquedas ni estéticas ni narrativas, sólo la utilización de algunas escenas de recuerdos del personaje principal, como para darle forma, contenido y hasta justificación al continuo desarrollo del relato primordial. En realidad esa sencillez de lo contado tiene aristas laterales que adecuarían otra posibilidad de lectura del texto cinematográfico. A primera vista parece ser una historia de amor, más pensada desde Erich Fromm que desde el Marques de Sade, más acorde a una definición de amor platónico, en su más severa acepción, que al amor de pareja. Muy lejos del filme argentino “Besos en la frente” (1996) de Carlos Galletini sobre texto de Jacobo Langsner. La otra posibilidad es la de verla como una radiografía de una inmensidad de soledades unidas por inercia de la carencia, más que por búsqueda, hasta que el encanto del placer de la vida toca a la puerta, con las frágiles manos de las que es dueña una viejita de 95 años todo saber y llena de vida. Germain (Gerard Depardieu) es un cincuentón, corpulento, bonachón, casi analfabeto, pero inteligente, acostumbra a pasar sus días entre su trabajo, dar de comer a unas palomas en la plaza, su huerta, la reunión cotidiana con sus amigos en el bar del barrio, los encuentros con su joven novia Annette y ser el sostén de su también anciana madre, en las antípodas de Margueritte (Giselle Casadesus). Una tarde se cruza en su habitual paseo por la plaza una nonagenaria, frágil, culta, que del mismo modo que lo hace Germain, se distrae con las palomas. La relación entre ambos se instala y fluye. Ambos con necesidades diferentes, pero compatibles: ella le leerá literatura universal, él le traerá los productos de su huerta; ella le regalará un diccionario, él le obsequiará margaritas de su jardín. El titulo original del filme “La Tete en Friche”, que podría traducirse como “Cabeza Yerma”, entendido este termino como incultivado: el terreno estaba servido, sólo faltaba el agricultor. Toda la narración se sustenta en la relación de estos dos personajes mucho más que queribles, no sólo desde su construcción sino, y por sobre todas las cosas, por la creación que ambos actores logran en sus composiciones, como así también, en razón la química que se establece entre ellos. Para ello era necesario un guión muy bien escrito en donde los diálogos sean justos, precisos, y se conviertan en una de las vedette del proyecto cinematográfico, (prestarle mucha atención a la respuesta de Margueritte a la pregunta de Germain, en relación a que pasa con un adulto cuando se crío como hijo no deseado). Para lógralo llevar a cabo era asimismo imperioso contar con un realizador que tenga la mano firme en su recorte, para no caer ni en golpes bajos, ni en melodramas, ni en edulcoramientos. De la misma manera, el texto va bordeando temas como la amistad, el honor, el amor fraternal, la muerte, el deseo, entendido desde el postulado spinoziano, en el cual se plantea que los objetos son finitos y el deseo circula entre ellos.
Este entrecruzamiento de literatura infantil (“Caperucita Roja”) con terror, (“El hombre lobo”), llevados al cine ya separados, juntos, hasta en animación, y agregándole pizcas del nuevo genero exageradamente sobrevalorado, como lo es la saga de amor entre humanos, vampiros, y hombres lobo de “Crepúsculo” (2008), ha llegado con este producto a tocar fondo. Es increíble la cantidad de realizaciones que pueden reconocerse mientras se esta viendo la que nos convoca. Se podría decir que es casi lineal a “En compañía de lobos” (1984) de Neil Jordan, esto a partir de lo narrado, pasando por personajes robados a “Corazón de Dragón” (1996), es más, el personaje de Julie Christie (Gran madre) tiene el mismo final, hasta elementos de la irreverente “Corazón de Caballero” (2001), como ser una secuencia de baile en un pueblito en la edad media donde la música es típica del siglo XXI, entre otras cosas. Y si todavía no se convenció de no elegirla, me extiendo en los detalles. Primero, y para no ser injustos, lo bueno, la dirección de arte es lo mejor del filme, la recreación del ambiente donde se desarrolla el relato es casi impecable, salvo algunos detalles que romperían con el verosímil temporal del mismo, también la fotografía entra en esta categoría, incluyendo la iluminación, conformando un trío con el diseño de vestuario, que da cuenta de una estética de muy buena propuesta. Pero el paupérrimo guión, que casi brilla por la inconsistencia de los diálogos, la infortunada construcción de los personajes y los clisés forzados da por tierra con lo anteriormente halagado. La historia de amor entre una joven agraciada, Valerie (Amanda Seyfried), quien desde pequeña tiene su corazón puesto en Peter (Shiloh Fernandez), un pobre leñador, se ve en peligro de concreción ya que sus padres Cesaire (Billy Burke) y Suzette (Virginia Madsen) han planificado la boda de su bella hija con el primogénito de una familia acaudalada del vecindario. Por lo que de buenas a primera Henry (Max Irons) pasa a ser el malo de la película, o de la historia de los enamorados, y por ende el antagonista, pero no por mucho tiempo. Sabemos, por la promoción y la publicidad, que se trata de una producción de terror, entonces, ante la inminente huida de la pareja de enamorados el pueblo sufre el ataque de un hombre lobo. El relato se quiebra. Ahora lo importante es encontrar a la bestia, para eso llega al pueblo, convocado por el joven Padre Augusto (Lukas Haas), el Padre Solomon (Gary Oldman), mezcla de Van Helsing, Torquemada y Shane. Quien somete a los pobladores a un sinfín de torturas con el sólo fin de encontrar a su peor enemigo. Todo es tan vulgar, chabacano, repetido, que lo único que pasa a tener un poco de interés es descubrir quién es el hombre que en las noches de luna llena se transforma en lobo, o en republicano según diría Woody Allen. Pero el suspenso no se sostiene, ya que es por demás previsible, al igual que lo es la historia de amor. La enumeración de los actores no es ingenua, esto da cuenta del nivel de producción de la que estamos hablando, incluyendo a su directora, Catherine Hardwicke, igualmente responsable primera del mamarracho de “Crepúsculo”.
Como barril de pólvora Luego de un año de haber hecho furor con su presencia durante el festival de cine independiente de Buenos Aires (BAFICI), se estrena este film, coproducción palestino/israelí, codirigida por el palestino Scandar Copti y el israelí Yaron Shani, debutantes con esta producción en el largometraje. Esta doble mirada es una de las patas más fuertes en donde se sostiene el texto. No es casual que no haya en ningún momento una toma de partido o posición unilateral, su mirada es bastante general sobre un problema particular y al mismo tiempo universal. Asimismo, tiene otro plus en beneficio, ya que viene precedido por haber estado nominado al “Oscar 2010” de la Academia de Hollywood, en el rubro mejor película en idioma extranjero, donde la triunfadora resulto la argentina “El secreto de sus Ojos”, realización de Juan José Campanella. Recibió entre otros muchos premios el de la “Cámara de oro” en el festival de Cannes del año 2009, con todos los merecimientos ya que es poseedora de una mirada y un decir de discurso apocalíptico sin concesiones, centrado en el conflicto árabe/israelí, pero no se queda ahí, lo extiende, lo abre, lo anticipa, lo proyecta. No es un círculo cerrado, es una historia de violencia cotidiana en espiral descendente. La discriminación, la religión, la amistad, el amor, el futuro, la guerra, la paz, la corrupción, los fanatismos, el dinero fácil, la droga, todo expuesto, narrado y construido a partir de un guión perfecto. La estructura tiene algunos antecedentes muy claros. En principio al puesto de moda por Tarantino, esto es, con saltos temporales, contada en cinco capítulos, donde las cosas que suceden al principio no parecen tener justificación, pero que al final va cerrando una por una cada historia, dándole al texto una coherencia interna increíble. Por otro lado, también se puede equiparar con otro ya clásico moderno como “Amores Perros” (2000) del director Alejandro González Iñarritu, en el cual un hecho es disparador o cierre de varias historias. Lo mismo sucede en el film que nos convoca. Los relatos transcurren casi exclusivamente en el barrio Ajami, de la ciudad de Jaffo, al sur de Tel Aviv, barrio en el que conviven, perdón sobreviven, conjuntamente palestinos, cristianos, israelíes, judíos laicos y ortodoxos, árabes. Las tres, o las cinco (o las miles de historias) que se van construyendo alrededor de sendos personajes. Un joven palestino, Omar, ve como esa violencia cotidiana y circular sólo genera más violencia, un sinfín de intolerancia de todo tipo con consecuencias casi imposibles de suprimir, el intento de tratar de entender por parte de éste joven tampoco hace de esta situación, que lleva ya demasiado tiempo, algún tipo de prevención. Por su parte Malek es palestino, inmigrante ilegal, que trabaja en Israel con el sólo fin de juntar dinero para la operación de su madre. Su primo es el novio secreto de la hija cristiana del patrón de bar en el cual trabaja Malek. Dando es un policía israelí que busca a su hermano, un soldado desaparecido en circunstancias no muy claras, quien como parte de una investigación por drogas llega a la casa de Bin, un palestino de novio con una joven israelí de religión judía, quien debe dar explicaciones constantes a sus familiares. Tal cual ese gran film Serbio con un titulo más que alegórico, “Como Barril de Pólvora” (1999) de Goran Paskajlevic, estamos también aquí en presencia constante de un estallido mayor e incontrolable, merced a la calidad del guión, la realización integral y la presencia de un elenco sin fisuras asumiendo personajes en conflicto, moviéndose en un universo complejo y conflictivo.
¿Hacia falta? Esa es la pregunta. Una más de este personaje siniestro creado por la sagaz mente de su director, también intérprete: Santiago Segura. El problema mayor es que el personaje esta claramente agotado, por eso sólo hay un par de gags que mueven a risa, un par de guiños que no molestan, pero visiblemente son más de lo mismo que había otorgado en la primera entrega y repetido en las dos siguientes, lo diferencia sólo el hecho de estar notoriamente más apoyadas en cuestiones temporales, más actuales que oportunas, desde el guión. Como ejemplo sólo diré que aparecen el “Kun” Agüero y el “Pipita” Higuaín, como sendos jugadores de fútbol, lo interesante podría instalarse en que no es Messi el elegido, lo que podría ser tildado de lo que realmente es, una inclusión oportunista, y en estas elecciones, entonces, habría que darle la diestra al director. Si bien desde su debut en la pantalla, Torrente, esta en deuda con sus seguidores, ya que todavía no queda claro si es un ex policía devenido en detective, o es un detective que se anuncia como ex policía. Se trata de un personaje misógino, homofóbico, burdo, reaccionario, xenófobo, sucio, todo un monumento de lo inmoral. Si bien allá por el año 1998, cuando hace su irrupción la primera de la saga, podría haber sido vista como transgresora, ahora debe recurrir al 3D, pero los resultados dan cuenta que la utilización de este adelanto tecnológico no esta en relación a nada más que subir la apuesta de lo escatológico, lo impresentable, y a poder hacer algún número más importante en las boleterías, sobre todo en razón de que la segunda recaudo muy poco en la relación costo / beneficio, y más específicamente a la tercera parte, que nunca se estreno en cines, fue presentada directamente en edición DVD. La historia es mínima. José Luís Torrente es empleado bajo contrato fortunarío para asesinar a un capo mafia devenido en figura de la alta sociedad española. La palabra escrúpulos no figura en su diccionario, aceptar era la consecuencia lógica, pero otra de sus características más sobresalientes es, por si fuera poco, un gran cobarde, razón por lo cual contratará a otros tantos lumpen del barrio para que realicen el trabajo Nunca se imagina que le están tendiendo una trampa para culparlo del crimen que nunca llegará a cometer. En definitiva, Torrente va a la cárcel por un delito que no cometió, (debería ir por muchos otros, pero no fue descubierto). Allí pergeña una fuga, para ello insta al jefe del presidio a un partido de fútbol de presos contra carceleros. (¿Le resulta conocido?) Mujeres desnudas, chistes de ducha en la cárcel, con un negro bien dotado incluido, y otra tanta catarata de clisés y obviedades, pero esta vez en un 3D muy discutible. Sólo para fanáticos, muy fanáticos de este tipo de pavadas. Se lo merecen.