Por quién doblan las campanas Este film italiano ganador del David de Donatello en Italia, superando entre otras a "Vincere" (2009), es un fiel reflejo del cine como memoria. Posiblemente la mayor parte de los espectadores del mundo, fuera de Italia, sepan de la masacre de Marzzabotto, ocurrida durante la segunda guerra mundial, entre fines de septiembre y principios de octubre de 1944. Tampoco serán muchos los que recuerden que recién en el año 2007 se llevo a juicio en Italia a los presuntos nazis participes de la matanza. Cabe recordar que el hijo de uno de los pocos sobrevivientes al hecho, quien estuvo presente durante el juicio, ahora recorre el mundo con una obra de teatro unipersonal, cuyo titulo es precisamente "Marzabotto", la que ocupó la cartelera porteña, en el Teatro Nacional Cervantes, en octubre del 2009. La obra de teatro tiene una clara subdivisión, por un lado, un niño recuerda los hechos, por otro, ese niño ya adulto es el testigo principal de la fiscalía. Esta introducción es necesaria, ya que el filme del realizador Giorgio Diritti está contado desde le punto de vista de Martina (Gretta Sucheri Montanari), una niña de tan solo 8 años, que conlleva una mudez histérica tras la muerte de su pequeño hermanito al nacer. La primera mitad del filme es una simple, grata y calida descripción de la vida en la campiña italiana, como fuera de la locura del mundo en ese momento, Los ojos de Martina nos va describiendo la rutina diaria de los adultos, la vida de las mujeres, el despertar amoroso de sus primas mayores. Esta paz se ve interrumpida con la llegada del ejército alemán de ocupación. Los rostros de sus mayores se transforman, el miedo se hace presente, al igual que aquellos que pertenecían a los partizanos y le hacían frente al ejército invasor. Estos ayudados por sus coterráneos. Luego, descubierto por los nazis el apoyo del pueblo para con los de la resistencia, la represalia no se hizo esperar. Dio lugar a un asesinato en masa, donde murieron 770 civiles entre niños, viejos, mujeres, jóvenes y clérigos, quienes no tuvieron ni tiempo de avisar a los poblados cercanos haciendo doblar las campanas. Lo interesante como lectura es que parte desde el titulo, "El hombre que vendrá", presentando en lo narrativo un punto de inflexión: Martina presencia el nuevo parto de su madre en el cual da a luz a otro varón, y ella será quien tendrá que hacerse cargo del cuidado de quien termine siendo uno de los pocos sobrevivientes. Pero también se puede leer desde lo actual, ya que aparte de los logros técnicos cuenta con una maravillosa reconstrucción de época, un gran diseño de producción, muy buena dirección de arte, destacada fotografía y las excelentes actuaciones de un elenco sin fisuras. La realización hace hincapié en los valores morales y éticos en un momento en que parecían palabras en desuso. Algo similar esta ocurriendo en el mundo entero, donde es más importante la imagen que el discurso, la fama que vende antes que el trabajo y lo correcto.
Se trata de una de las tantas películas que plantean la gran duda existencial de muchos alrededor del mundo, entre los que me incluyo. ¿Cómo puede ser que los jóvenes yankees sean tan estúpidos y sus adultos dominen el mundo? Los hermanos Farrelly ya han recurrido a este tipo de comedias entre disparatadas y tontas, con muy disímiles resultados, tanto desde la constitución de un estilo personal como de qué decir con lo que se narra Posiblemente su realización más logrado sea "Locos Por Mary" (1998), donde en pos de la atracción de una mujer hermosa los hombres eran capaces de los mayores extremos de conducta con tal de conquistarla, sin miramientos, sólo que en ese caso el amor verdadero triunfa. Luego aportaron "Amor Ciego" (2001), que instalaba un doble discurso entre lo feo y lo bello, lo correcto y lo incorrecto, la moral en desuso, hasta podía llegar a leerse como una producción discriminadora. En esta ocasión recurren a ese mismo estilo de humor grosero, chabacano, superfluo, con intentos de instalar elementos del humor físico (Charles Chaplin y Buster Keaton) sin lograrlo. La historia es demasiado sencilla y bastante necia. Rick (Owen Wilson) y Fred (Jason Sudeikis) son dos amigos ya rondando los 40 años, ambos casados con bellas mujeres con las que han formado típicas familias americanas. Pero algo no les permite ser felices. El problema es que no asumen el inexorable paso del tiempo y quieren, por momentos, vivir lo mismo que vivían en su adolescencia y en su juventud. Sus mujeres cansadas de ser maltratadas e ignoradas por sus maridos, ante la sugerencia de una amiga común, deciden darles un “pase libre” a sus maridos, esto es, que ellos puedan actuar como si fuesen solteros durante una semana. En ese mismo lapso de tiempo estas dos amigas se irán con sus respectivos hijos al pueblo que las vio nacer. Desde lo patético hasta lo impresentable son las secuencias que intentan ser risueñas. Todo es exageradamente previsible, sin sorpresas, ni siquiera el bueno de Wilson puede sostener el texto, si es que se lo puede considerar así. El otro punto de vista corre por cuenta de quien lee la realización. No creo que los hermanos Farrelly con 10 películas en su haber, todas del mismo calibre, se den cuenta de lo que están diciendo, En este último caso ya esta demasiado exacerbado. Este es un film misógino, pero al revés, tratando de desprestigiar el lugar y la inteligencia de las mujeres deja a los hombres, por lo menos a los que estos dos construyen, muy mal parados.
Este Thriller, copia de tantos otros filmes, tiene como beneficio la mano del director Simon West, quien fuera el responsable de "La hija del general" (1999) y "Con Air" (1997) entre otras. Con las cuales tiene sobrada muestra de saber contar, el problema que presenta esta producción es no tener qué contar, o tener demasiado poco para contar, y lo que tiene es remanido. Un asesino sueldo, con códigos como todos lo de su calaña, pero además con ideología o ética, sólo mata gente mala. Léase colombianos narcotraficantes, musulmanes despiadados, gente mala por definición, entonces este asesino lo que hace es librar del mundo alimañas que no tienen "derecho" a respirar nuestro mismo aire. Un servidor público, mire. Pero todo cambia, y de solitario, huraño, misántropo, pasa por un hecho casi fundante a ser el maestro y tutor del hijo de su mentor, quien, acusado por la agencia secreta para la cual trabajan ambos, es acusado de traidor. Pruebas mediante él decide llevar a cabo la tarea, una lastima ya que su mentor era el gran Donald Shuterland (Harry McKenna), el único que tomo a esta producción como un juego, todos los demás aparecen con demasiada solemnidad en la construcción de sus personajes. Jason Statham (Arthur) presenta un gran problema, tiene ojos de buen tipo, no le sale el de perverso, o malvado, entonces sus performances están circunscriptas a este tipo de producciones netamente de entretenimiento. Parece ser una nueva variable de la secuela de “El Transportador” (la 1 en 2002, la 2 en 2005, la 3 en 2008). Ben Foster es Steve Mckenna, el hijo “descarriado” de Harry, quien ni para asesino sirve, sólo que ante la muerte de su padre desea encontrar al asesino de su progenitor y vengarse. Es el único personaje que tiene algún pequeño desarrollo, o cambio, durante la proyección. Tony Goldwin es Dean, hombre de familia, aparentemente cariñoso, pero en realidad un malvado de libro de cine Previsible, de principio a fin, los personajes no tiene matices, salvo Steve, a lo que sólo cabe agregarle que están muy bien filmadas las escenas de acción, sin las cuales la producción se tornaría soporífero, muy lejos de la original protagonizada por Charles Bronson, allá por 1972.
Otra más de exorcismos y persecuciones, esta vez ambientada en los alrededores del año 1300, donde Europa era castigada por la peste negra y habían acabado las cruzadas en Medio Oriente. El principio del film promete mucho, despierta expectativas, ya que rápidamente se puede asociar, tanto desde la imagen como del relato, a algún acercamiento al texto de Arthur Miller “Las Brujas de Salem”, escrito en la década de 1950 como una gran alegoría sobre el mccarthismo. En esta primera escena un representante de la Iglesia intíma a confesar a varias mujeres sus actos de brujerías, estas se niegan, salvo una, la más joven, que confiesa tras la promesa de perdón. Igualmente todas son ajusticiadas siendo colgadas desde un puente. Todo en tono bastante realista, según narraciones de la época de la Inquisición, no siendo esta ni la primera ni la última de estas practicas persecutorias. Toda las expectativas empezarían a desmoronarse ya al final de la primera secuencia, así de corta es la “beatitud” de la película. Luego del corte conocemos a nuestros héroes, Behmen (Nicolas Cage) y Felson (Ron Perlman), ellos son dos guerreros al servicio de la Iglesia durante las cruzadas. Cuando su capitán da la orden de matar a toda una población, cuyos integrantes eran sólo mujeres, niños y ancianos, se niegan y terminan siendo dos desertores que, luego descubiertos y apresados, se encuentran en la obligación, para ser liberados, de transportar a una bellísima joven, acusada de brujería, para ser juzgada y condenada. En esta travesía serán acompañados por otros personajes, salidos de otra películas, un joven que sueña con ser nombrado caballero, un hombre al que se le murió toda la familia y busca venganza y un guía ¿turístico? Por lo que hasta ese momento era un film de aventuras, lineal, de estructura clásica, se convierte en una road movie medieval, con una mezcla increíble de géneros cinematográficos, western, terror, cine fantástico, acción, y un toque de suspenso que mueve a risa más que a misterio, por lo que termina siendo cualquier cosa, incluyéndole al diablo en persona. Es tal la falta de respeto por el espectador que desde el montaje, donde los errores de continuidad son sorprendentes, hasta la dirección de arte, en el cual en plena Siria del siglo XIV las construcciones son europeas del siglo XVI. Todo del orden de lo paupérrimo. Eso sí, las escenas de acción están muy bien filmadas, los paisajes son muy bellos, todo en orden de lo hueco. Ni hablar del intento de guión y que decir de las actuaciones, el sobrevalorado Nicolás Cage pone un rostro vendedor, con sus únicos dos gestos posibles. Se salvan de la quema, simbolismo incluido, el gran Ron Perlman, el recordado Salvatore de “El nombre de la Rosa” (1986) y Claire Foy, una actriz promesa a tener en cuenta.
Los primeros minutos de esta producción promete, atrapa, seduce, con escenas que se van jugando, sin demasiada lógica en la construcción, nada lineal de un relato, que a simple vista parece ser un drama, pero trabajado desde el diseño de arte nada convencional para el género. En esas primeras imágenes se entrecruzan los mundos de lo real y la fantasía, si bien todo es ficción, en su formas plantea un doble juego hasta se podría decir, sin ánimos de ofender a nadie, hitchcockiano. La historia que nos cuentan por un lado y por otro aparecería como una gran representación. Hasta uno de los personajes define a este espacio como “El teatro”, y en este proscenio vemos a una joven ensayando su papel que interrumpe abruptamente para discutir con alguien, que parece ser la directora, la verosimilitud de las acciones. Esto sucede en los primeros 10 minutos de proyección. Luego del auspicioso principio todo se desbarranca en un juego de fuegos artificiales visuales, sin ningún tipo de idea directriz que le otorgue sentido. La historia podría resumirse así: una joven de 20 años luego de la muerte de su madre, intentará proteger a su hermana menor, oponiéndose al maltrato de su padrastro. No lo logra y se produce el drama, y ella es acusada de matar a su hermanita en pleno brote psicótico. Internada en un hospital psiquiátrico, tal cual sucede en “Inocencia interrumpida” (1999), como en tantos otras producciones, ella descubrirá, al mismo tiempo que el espectador, que tal hospicio en realidad cumple las funciones de teatro / Burdel donde concurre una selectiva clientela, que pertenece a las altas esferas del poder, la que, al igual que las mismas internas, las consideran mercadería. Las transacciones, las elecciones, se hacen a través de un espectáculo de baile donde las jóvenes deben desplegar toda su gracia y seducción. Nuestra heroína, bautizada en el nosocomio como Baby Doll, por su apariencia facial de muñeca antigua de porcelana, recurrirá a la fantasía, o terminará produciendo alucinaciones muy al estilo de delirio psicótico, para intentar escapar de la realidad o la penosa vida que el destino le deparó. Pero todo es tan confuso que los personajes que rodean a Baby Doll, en la realidad, son incluidos en sus construcciones fantásticas, que se producen cada vez que le corresponde bailar. En esas recurrencias va logrando objetivos en pos del sueño de la fuga. El filme va y viene en esos dos mundos paralelos, diferenciándolos estéticamente a partir del color, el sonido, la escenografía y, principalmente, por la estructura de videoclip y del diseño publicitario barato en el que se construye ese universo. Lo mejor de esta realización, o lo único rescatable, sería la banda de sonido, tanto desde lo específicamente musical como aquello ligado al montaje sonoro. El director Zack Snyder, responsable entre otras de la incoherente “Ga Hole” (2010) o de la irrespetuosa “300” (2006), queda atrapado en su propia impericia por querer mostrar toda la batería de recursos visuales que posee y se olvida de darle coherencia al relato.
En busca del tiempo perdido Este film del realizador Búlgaro Stephan Komandarev, basado en la novela homónima de Ilija Trojanow, quien en este caso también cumple las funciones de coguionista junto al director, tiene no sólo desde la estructura narrativa sino asimismo desde el discurso, varias posibles lecturas. Primero, y a modo de introducción, habría que aclarar de qué va la historia: un joven búlgaro, que vive en Alemania desde niño, viaja con sus padres a visitar a los abuelos a su pueblo natal. Hay un accidente, en el mueren sus progenitores y él queda mal herido, e internado en un hospital en Alemania. A eso se le agregará que, como consecuencia post-traumática, pierde la memoria. El diagnostico de los médicos es de mal pronostico amnesia retrograda, que se caracteriza por la imposibilidad de recordar nada anterior al hecho traumático. Enterado Dai Ban (Miki Manojlovic), el abuelo que lo esperaba en Bulgaria, va en su búsqueda. Allí comienza la historia propiamente dicha. Desde lo específicamente del relato su estructura con cortes temporales, idas y vueltas en la reconstrucción de la historia de ambos, por un lado la vida anterior, hasta que los padres deciden huir de la Bulgaria stalinista hacia un futuro mejor. Por otro la vida del abuelo, campeón de backgammon del pueblo pero también hombre de honor, quien nunca se vendió, y siempre se opuso al opresor. En desacuerdo con los facultativos Dai Ban cree que un retorno a los lugares de la infancia hará milagros en su nieto. Emprenden un viaje, casi iniciático, hacia el pueblo originario en una bicicleta en tándem doble. Ese viaje les permitirá al nieto recuperar los recuerdos y al abuelo recuperar el tiempo perdido. Como canta el cubano Pablo Milanés “...Cómo me libero de esta carga amarga. Cómo no hago de la vida despedidas. Cuánto olvido cabe en el adiós:…” Este estilo rompe con lo que hasta ese momento era un texto lineal en una road movie. Es en este reencuentro de la familia, que también se constituye como el retorno a los antiguos valores morales, narrada en tono de comedia dramática, o llevándolo a otros planos más específicos como tragicomedia, llena de humor y de momentos emotivos, sin nunca caer en la sensiblería. Se trata de una producción muy bien dirigida que tiene como valor agregado los paisajes que van recorriendo la Europa balcánica. Desde otro punto de vista, y tomando como referencia los elementos puestos en juego por el texto fílmico, cabe destacar el nivel metafórico de los mismos, el juego de backgammon, uno de los mas antiguos, originario del antiguo Egipto, que se caracteriza por ser una conjugación equilibrada entre la estrategia y el azar para lograr el objetivo. Además, como gran sostén del filme, no sólo encontramos la estructura, también la música y la fotografía, sino las muy buenas actuaciones de todo el elenco, sobresaliendo la figura del genial Miki Manojlovic, actor fetiche de Emir Kusturica, a quien conocimos en “Underground” (1995) y en “Como Barril de Pólvora” (1995), entre otras.
El director Paul Haggis, quien fuera el responsable máximo de “Vidas Cruzadas” (2004), ganadora del Oscar en el 2005 por un muy buen film coral, donde narraba varias historias entrecruzadas. Aquí se mete de lleno en una historia unipersonal, no importa si al personaje principal lo acompañan en la pantalla la mujer, los padres, el hijo, la vecinita insinuante, el policía rudo, el amable, muchos malos y muchos buenos. Estamos hablando de John Brennan (Russell Crowe) el personaje actante, o sea el que lleva adelante las acciones, el héroe, el motivado, que en este caso es un hombre común, profesor de literatura de una escuela secundaria, envuelto en una situación extraordinaria. Su vida transita apacible junto a su esposa Lara (Elizabeth Banks) y el hijo de ambos. Una mañana como cualquier otra, la policía irrumpe en el hogar, ella es acusada de asesinar a su jefa, con la que el día anterior habían discutido acaloradamente. Ella es encontrada culpable. Los elementos probatorios expuestos en la causa aparecen como irrefutables. Sentenciada a muchos años de prisión, el único que la sigue creyendo inocente es su apasionado esposo. Abandonado literalmente por su familia y sus amigos, su vida hace un giro de 180º. Elipsis temporal mediante, nos encontramos tres años más tarde, que es cuando John se entera que su esposa será transferida dentro de tres días a otra prisión, lejos de la ciudad donde ahora vive solo con su hijo. Él tiene ese tiempo, tres jornadas, para llevar adelante, ahora aceleradamente, una empresa herculiana, preparar y ejecutar la fuga de su mujer. Para ellos contara con la inefable ayuda de algunos personajes pertenecientes al bajo mundo, ex-convictos, vendedores de armas dentro del mercado negro y, por supuesto, como no podía ser de otra manera, en los tiempos que corren, el arma más poderosa de la actualidad: el INTERNET. Allí aprenderá todo lo necesario para logra su objetivo, desde como hacer una llave maestra, pasando por como distraer a la policía respecto de lugares de fuga, o el transito, hasta producir un caos cibernético inusual. El mayor problema del filme es que siendo un remake del filme francés “Pour Elle” (2008), de Fred Cavayé, que tenia determinados elementos, datos que la hacían no sólo creíble, sino que además, desde la estructura del relato, el espectador sabía cosas desde un principio, en el caso de “Sólo 3 días” esos datos son retaceados con el único propósito de manipular al espectador. Situación para nada gravosa si sólo quedará allí. La realización está construida desde dos variables, por momentos parece un drama familiar, y en otros, sobre todo en la segunda mitad, se quiere instalar como una producción de suspenso, pero todo es tan inverosímil que mueve más a tomarlo como un mal chiste que en el orden de la seriedad que propugna pero que no demuestra. En relación a los rubros técnicos nada se descubriría que la corrección es su más firme valoración, al igual que las actuaciones, donde Elizabeth Banks, la esposa que transita por varios estados anímicos y mascaras, Brian Dennehy, en el rol del padre de John escéptico, distante, hasta finalmente incondicional de su hijo, y Liam Neeson, en el papel de un ex convicto devenido en escritor, se llevan los mejores lauros. Poco, demasiado poco, para lo que prometía, por lo menos desde el afiche y los responsables.
Sin novedad en el frente Lo primero, y posiblemente lo que más sorprenda de esta realización, es su diseño de planta, esto es la ubicación de la cámara, ya que salvo en la imagen del inicio y en la última, la cámara no sale de un espacio reducido, mínimo, como lo es un tanque de guerra. Desde allí el director israelí Samuel Maoz nos va a enfrentar, como espectadores, a todos y cada uno de los horrores de la guerra, cualquiera sea la excusa para que se produzca un enfrentamiento bélico, y no sólo lo hace en ese sentido, sino que también le sirve para instalar un discurso antibelicista por excelencia. Para logra su objetivo hace uso de muchas imágenes ya vistas en infinidad de filmes: muertos, seres humanos descuartizados, humillados, hombres, mujeres, niños, ancianos, jóvenes, civiles y también soldados. Que en la realidad más conspicua esta dicotomía no existe, en el punto que, en principio, son seres vivos de esa misma especie. La diferencia con casi todas las otras producciones que instalan ese mismo discurso antibelicista esta dado en ese lugar de construcción de personajes antes citados. Realizaciones como “Sin Novedad en el Frente” (1930) de Lewis Milestone, basado en la novela del mismo nombre de Erich María Remarque, o “Apocalipsis Now” (1979), la genial obra de Francis Ford Coppola basada en la novela “El corazón de las tinieblas” de Joseph Conrad. Asimismo se podría nombrar “La Delgada Línea Roja” (1998) de Terence Malik, basada en la novela homónima de James Jones. En la obra que no reúne lo que nos es narrado son las vivencias del director del filme, allá por el año 1982, durante la guerra entre Israel y Líbano. Todo el relato se cierra en las primeras 24 horas vividas. Después de una imagen fija, un plano general de un espacio abierto, en un día soleado, que nos muestra un campo de girasoles que no están buscando el sol (estas flores se caracterizan por esa peculiaridad), sino que están giradas hacia abajo, no se las ve destruidas, pero no parecen tener vida. La prolongación temporal del plano sirve para observar no sólo que necesitan luz y calor, sino también agua. Y el agua es una metáfora clara de la vida, desde el inicio. El corte nos instala ya dentro del tanque donde vemos a Assi, Hertzel, Ygal, Shmulik, este último es el artillero, (alter ego del director), el primero es el comandante del tanque, el segundo el encargado de ir cargando el armamento dentro del tanque, y el último el chofer. A ellos se le sumaran por momentos un capitán que dará instrucciones, un soldado muerto, un prisionero y un árabe “falangista” aliado de los soldados israelíes. Todos estarán allí presentes con sus angustias, miedos, deseos, miserias, perversiones, proyectos, todos con la sola idea de sobrevivir a la locura. Estos personajes son desarrollados luego de mostrarnos una frase clave en el filme, dentro del tanque se puede leer “El hombre es acero, el tanque solo hierro”. La clave para mantener la atención durante toda la proyección se encuentra en la soberbia puesta en escena, el manejo de la luz, el color y por sobre todas las cosas el sonido. Un diseño de sonido pensado y trabajado en función de su estructura narrativa, esa mirilla que va paneando, instala un plus de suspenso, por momentos inusual siempre amenazante. Una marcada indiferencia entre el adentro y el afuera, este visto desde la mirilla, a veces en color verde para la visión nocturna y el adentro del tanque, oscuro, sucio, poco aire. Veinticuatro horas en el infierno contado en poco más de hora y media, un film duro, sin concesiones ni edulcoramientos, por momentos claustrofóbico. Según un dicho popular que viene a cuento: “La guerra es una masacre de gente que no se conoce para provecho de gente que sí se conoce”
Varias son las formas de pensar este texto fílmico, si es que se puede llamar de esa manera. Digamos que es imagen y sonido. ¿Por qué se estrena? O antes ¿Por qué se filmó? ¿Qué me están vendiendo? ¿El 3D? Entonces ¿Que es el cine? ¿James Cameron? ¿Por qué el título? Esto sí que es intrigante, si nos referimos a su significado de lugar santificado. Y volvemos a los mismos interrogantes. Intentando encontrar algunas respuestas lógicas, digamos que si algo del orden de la producción audiovisual está siendo promocionado, como producido por el responsable de la exageradamente sobrevalorada basura que fue “Avatar” (2009), son los adelantos técnicos del 3D utilizados en aquella película. Asimismo le adicionan la famosa frase, “basado en hechos reales”, como para que el gancho se vaya construyendo y cerrando como pieza única, pero que pasados los primeros minutos comienza por cumplir el primer axioma. Si en este tipo de producciones fílmicas dicen que esta basado en hechos reales, no le creas nada. Cuál es la historia, la verdadera, la que realmente ocurrió allá por los años 80, el rescate de quince exploradores de cuevas subterráneas cuando una tormenta marítima atípica en la zona, y en esa época del año, inunda un sistema de cuevas dejando encerrado a los expedicionarios. Todos, gracias a los esfuerzos en principio de los involucrados y de los rescatistas, son salvados con vida. En este proyecto, y por una cuestión de venta, deben agregarle sangre, enemistades, muertes, hombres jóvenes y seductores, mujeres muy bellas, sexo (implícito y muy poco), como ingredientes sin los cuales no funcionaría comercialmente. Solo queda entonces el hecho “difuso” de las cuevas inundadas, y los “deportistas”. ¿Que es lo que sucedió para no lograr ningún objetivo propuesto? La ausencia total de originalidad desde el guión como construcción de una anécdota, la conformación de los personajes, sus motivaciones, sus antagonismos, es un gran catalogo de lugares comunes, previsibles, ajustados a las reglas del cine de Hollywood, sin importar que el director Alister Grierson sea australiano. Frank (Richard Roxburgh), a quien conocimos como el malvado de “Moulin Rouge” (2001) y en “Misión Imposible 2” (2000), es el mejor espeleólogo del mundo, (persona que se dedica a la exploración de cuevas subterráneas), a quien su pasión fue en desmedro de las relaciones familiares, así nos encontramos con su hijo ya mayorcito, Josh (Ryhs Wakefield), quien si bien no odia a su progenitor está en busca constante de sus errores, para refregárselos por el rostro delante de quien este presente. Shakesperiano por donde se lo mire, ¿no? A ellos se les sumara el mecenas, el que financia la expedición, que no es James Cameron, sino Carl (Ioan Gruffudd), quien a la postre será el verdadero antagonista. Ya no la cueva inundada, ya no las inclemencias espaciales, no, eso solo sirve como cascarón. Es tal la mediocridad que poco pueden hacer las hermosas imágenes registradas en ese mundo subterráneo, ni la muy buena fotografía, ni la banda de sonido ajustándonos al montaje sonoro, ni las correctas actuaciones, ni la tecnología, ni el 3D específicamente, que a esta altura ya nos preguntamos por su importancia. Lo único que quedaría como “santuario”, entonces, serían las boleterías de los cines, sus empleados serían los religiosos a cargo, los espectadores sus fieles feligreses, pero gracias a Dios, soy agnóstico.
Moscú no cree en lágrimas Muy pocas veces nos encontramos ante un texto fílmico de la riqueza de lectura como la que plantea esta realización. Supera ampliamente a la historia relatada, atravesada por muchas o casi todas las variables o temas inherentes al estado de lo humano. Imponiéndose como un discurso, toma de posición del director, y es toda una declaración de principios. Así podemos encontrar desde una feroz crítica al sistema capitalista imperante en el mundo entero, como también al comunismo tradicional, si es que habría otro. El film comienza, y esto no es ingenuo, con un primer plano de unas manos que se mueven al compás de una melodía que estamos escuchando, tal cual un director de orquesta dirigiéndola, para luego la cámara abrir sobre el dueño de esas manos y entonces vemos a un director en esa tarea. Este terminara siendo el primer engaño, salvando las distancias, diferenciándose de otras producciones que le mienten al espectador, y de esa manera manipulan los estados de ánimo de los mismos, lo que no sucede en este caso. Al mismo tiempo de cumplir con la premisa de dar cuenta de un alegato, el realizador utilizando el recorrido casi lineal de la narración va introduciendo esas ideas que se le cruzan en la lectura de una realidad tan compleja y diversa como lo es actualmente la humana. Es de esa manera que nos enfrentamos no sólo a cuestiones políticas y sociales, sino a la multiplicidad de construcción de las relaciones humanas y de sus interpretes. Los temas, de profundidad de pensamiento, empiezan a enclavarse en el filme con un muy buen manejo del humor, en tono de comedia dramática, ya que creo que de otra manera se tornaría insoportable. La misma sensación me produjo en su momento la producción italiana “Mediterráneo” (1991), de Gabrielle Salvatores, ganadora de premio Oscar a la mejor película de habla extranjera. Ya desde su titulo “El Concierto” instituye una analogía de equivalencia entre los conceptos sociales y el sentimiento gregario, como del mismo modo la constitución del sujeto como unidad. Asimismo se podría pensar la construcción de éste film y del cine en general. Todas y cada unas de las historias giran en derredor de una orquesta en particular y de la música en general, donde cada pieza es necesaria con un sólo objetivo, el llegar como un todo al momento sublime de la armonía. Como dice uno de los personajes, sólo en ese momento se concreta la utopía donde el objeto, (la melodía ejecutada y escuchada) es un bien común, le pertenece a todos. Luego, al finalizar, se acabó el romanticismo de la igualdad, el director, y en esta pieza elegida también el solista, se llevan la mayor parte de la gloria. La producción narra la historia de un ex director de la orquesta del famoso Bolshoi de Moscú, en momento de apogeo de la “Orquesta Roja”, como se la conocía en el mundo entero, quien fuera calificado de traidor, destituido en su cargo y desprestigiado como persona, por el poder durante el gobierno de Leonid Brezhnev (Período 1977-1982) en la ex Unión Soviética. De él son las manos que vemos al inicio del filme, pero décadas después y ahora cumpliendo funciones de limpieza en el mismo teatro. Mientras realiza su tarea por accidente llega a sus manos una invitación para que la orquesta del Bolshoi se presente en el Châtelet de Paris. Retiene la nota y considera la posibilidad de suplantar a la orquesta estable actual, reemplazándola por sus músicos integrantes desplazados en algún momento, con él como director, para ofrecer el concierto propuesto por el prestigioso teatro francés. La idea loca es bien recibida de los ex integrantes de la orquesta del Bolshoi, resolviendo involucrarse y llevar adelante el proyecto. El grupo se integra con toda una variedad de personajes que conformarían desde sus propias características y orígenes una verdadera comunidad de naciones, desde rusos, los nuevos ricos y los otros, eslavos, franceses, gitanos, judíos. Todos construidos a partir de sus particularidades, en tono de humor, a veces satíricos, a veces melancólicamente, otras con una mirada cínica, por momentos parece un catalogo de clishés lo que podría molestar a algunos, pero en realidad es tal el afecto que tiene el director por sus criaturas que termina de dar por tierra con esa idea. La primera parte nos va adentrarnos en las historias personales, y este sería el fragmento más trabajado desde el género de comedia, luego cuando empiezan a cerrar todas y cada una de las historias, el humor deja paso a los sentimientos, para lo cual no le fue necesario recurrir a los golpes bajos. Sí quedan muy bien plasmadas cuestiones como la amistad, el amor, el poder, la culpa, el honor, el deseo, la nostalgia, la discriminación, lo moral y lo ético, el honor y la honra. Como dato importante, en razón del cual se subraya con una análisis paralelo, es la elección de la música que van a ejecutar en el concierto, con el que cierra el filme. No sólo elige al gran compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovski (1840-1893, sino que de él su concierto para violín y orquesta, ahora considerada como una pieza clave de la música en general y uno de los puntos más sublimes del periodo romántico. Su autor, ecléctico desde su producción, fue defenestrado por la mayor parte de sus contemporáneos y la crítica, particularmente su concierto para violín. Claro que todo esto no podría ponerse en juego si no fuera por la selección de actores, todos con performances cercanas a lo perfecto, todos creíbles, ya sean actores reconocidos como los franceses Melanie Laurent (Lea y Ann Marie Jacquet), recordada por nosotros como la joven judía que explota el teatro en “Bastardos Sin Gloria” (2009), Francoise Berleand (Olivier Duplessis), el policía de la saga de “El Transportador”, la reconocida actriz Miou Miou (Guylene) y grandes actores rusos entre los que se destacan Aleksei Guskov (como el director Filipov) y Dimitri Nazarov (Sasha). En relación a los rubros técnicos, son todos de una manufactura impecable, desde la dirección de arte hasta el diseño de sonido, pasando por el montaje.