Hay un axioma que reza, “no hay nada nuevo bajo el sol”, todo es copia de algo anterior, aceptando esto cinematográficamente siempre nos deberíamos ubicar como espectadores, en relación a las sensaciones que nos produce un filme. ¿Nos aburre? ¿Nos presenta algo nuevo? ¿Nos seduce? Y la más importante, como decía Oscar Wilde para la literatura, ¿está bien hecha? En el caso de “Burlesque”, tal el titulo original de “Noches de Encanto”, todo es de un nivel paupérrimo. La idea para nada original. Una chica de campo que llega a la ciudad con la firme intención de triunfar como cantante, bailarina, o lo que sea, con tal de triunfar, sin cuestionarse que sería triunfar. ¿Hacer lo que le gusta? ¿Explotar su don? ¿Tener plata? ¿Ser famosa? Sabemos desde la presentación del personaje que ella cree de si misma que es una cantante extraordinaria, pero que todavía no fue descubierta, situación del orden de lo imposible, ya que ella sólo canta en soledad. Es como querer ganar la lotería y nunca comprar un solo billete. Para construir este relato, Steve Antin como guionista y realizador recurre a grandes películas del género y a otras no tan importantes, pero todas reconocibles. Desde cuadros robados de la inspiración del gran Bob Fosse, “All That Jazz” (1979) y “Cabaret” (1972), como así también se pueden reconocer escenas de “Moulin Rouge” (Baz Luhrmann, 2001), “Chicago” (Rob Marshall, 2000), y hasta en filmes menores como la correcta “Coyote Ugly” (David McNally, 2000). Como dije antes, no es importante el robo a mansalva de cuadros musicales o escenas copiadas, también siendo benévolos podríamos decir que la intención fue homenajear a esas producciones y directores. El punto es que todo esta muy mal hecho, los cuadros musicales no son atractivos, más allá de la falta de sincro entre el audio y la imagen. El manejo de la luz y el color son faltos de diseño y creatividad, ni que hablar del montaje que intenta hacer alarde de la técnica más que de su función narrativa. ¿Cuál es la razón de producir, filmar, y estrenar este engendro? Es conocida la incursión en el cine por parte de los cantantes y/o bailarines que se destacaban por su arte más que por la capacidad actoral, tal el caso de Elvis Presley, Madonna, y hasta el mismísimo Fran Sinatra tuvo sus incursiones. Muchas otras veces el sólo hecho de promover a un cantante era el argumento que justificaba el filme. En este caso, mi sensación es que la intención es reflotar la carrera musical de Christina Aguilera, no importa como. A punto tal llega la falta de respeto que los irresponsables de este producto intentan que la Cristinita imite a Michelle Pfeiffer en “Los fabuloso Baker Boys” (1989) Para ello hacen uso de lo que tienen a mano, y es patético ver a Cher tratando de modular con la boca con la intención de cantar como lo hacia el siglo pasado, no lo puede hacer por la misma razón que no puede sonreír, las cirugías son las que resaltan. Ella es Tess, la dueña de un local de baile llamado “Burlesque” al que llega Ali (Christina Aguilera), lugar que está en peligro de desaparecer por las deudas. Es muy fácil reconocer a los mismos veinte espectadores, no más, que noche tras noche concurren a este teatro, como si fuese el único bar de un pueblo perdido en medio de la montaña, pero no, esta en medio de una gran ciudad. La llegada de Ali modificará la vida de todos. No sólo es, o se supone la artista que estaban esperando para evitar el derrumbe, sino que tiene otros dones como inteligencia superior a Albert Einstein, es más buena que el agua mineral, hasta por sus actitudes sociales parece la Madre Teresa de Calcuta,. Menos mal que no intentaron presentarla como una niña ingenua y virginal, eso ya hubiese sido grotesco. Sólo se salva del incendio, en cierta medida, Stanley Tucci, repitiendo un papel que ya lo hace de taquito, el de gay que no lo parece.
Se sabe que la literatura es el mayor contribuidor de historias para el séptimo arte. Desde la prehistoria del cine existen traslaciones del lenguaje escrito a las imágenes. Muchos grandes realizadores eligieron este sistema para dar su interpretación a textos famosos, como el caso de Kenneth Branagh cuyo autor preferido fue, nada más y nada menos, que William Shakespeare. En este caso, el director Oliver Parker incursiona por tercera vez sobre un texto de Oscar Wilde, primero fue “Un Marido Ideal” (1999) y luego más pretencioso “La importancia de llamarse Ernesto” (2002). Esta vez se toma con otro texto capital del gran escritor irlandés de fines del siglo XIX, “El retrato de Dorian Gray”, que en el momento de su edición, allá por el año 1890, no fue muy bien recibida por el público, pero término siendo una de las últimas obras maestras del llamado terror gótico. De las varias interpretaciones realizadas sobre la obra, Oliver Parker no se hace cargo de ninguna y su versión termina siendo una “adaptación” demasiado libre, a punto tal que extirpa del texto uno de los hitos. Dorian Gray, en la novela original, enamorado de su propia imagen retratada por su amigo Basil, y a partir de su deseo construido desde un hedonismo a ultranza, atravesado por el narcisismo, lo lleva a pactar con el diablo. El permanecerá joven para siempre y el que envejecerá será el cuadro. Bien, en el film no hay pacto alguno, no hay un deseo anterior, sino un descubrimiento del suceso, lo que transforma la psiquis del personaje, por pura magia. Este hecho a primera vista banal, en realidad le saca la profundidad del conocimiento del alma humana expuesta por Wilde. También anula la crítica social sobre esos representantes de la sociedad victoriana de fines de siglo XIX. La producción es una fiel representante de la era que estamos viviendo, todo cruzado por la imagen, y es esto lo que termina teniendo preponderancia en el texto fílmico, la estética del filme. Su detallada forma de mostrar esa sociedad, pero desde el vestuario, los ambientes, el color y todo girando alrededor de la posibilidad de trabajar digitalizando los efectos especiales, haciendo hueco el resto. Todo esto también afecta a la estructura narrativa, la narración se alarga en demasía, es correcta en cuanto a términos formales, pero por el sólo hecho de regodearse con la imagen y pierde peso el discurso, o mejor dicho desaparece. Superficial como el personaje, tal es la performance del actor Ben Barnes que lo protagoniza, nimio y falto de mascaras, en contraposición a este aparece el gran actor ingles Colin Firth, que le da carnadura real a su personaje (Lord Henry Wotton), al igual, pero en menor medida, por el tiempo en pantalla, sucede con el pintor interpretado por Ben Chaplin, (Basil Halward), y con Rebecca Hall (Emily Wotton). Poco, demasiado poco para un texto tan importante.
Esta tercera entrega, irremediablemente innecesaria, de la saga familiar en donde Jack Byrnes (Robert De Niro) es el suegro de Gaylord Focker (Ben Stiller), engaña al espectador ya desde el titulo, que haciendo referencia a la descendencia nunca instala tal alusión. La historia no se centra nunca en ese par de mellizos hijos del matrimonio joven. La historia comienza varios años después de la segunda parte. Los chicos están grandes y el enfermero es jefe en el hospital, esto esta armado como para ponernos en situación de lugar y carece de toda importancia, podría haber renunciado a su profesión, podría haber estudiado medicina o podría ser publicista, da lo mismo, sólo rellena minutos como para ser estrenada y recaudar dinero apoyándose en el éxito de las dos anteriores. Tal el fin de esta producción cinematográfica, sólo eso. A este descalabro hay que agregarle que todo vuelve a girar en torno a la relación discordante, conocida y a esta altura aburrida, entre esos dos personajes. Si bien desde un principio la saga se instalaba dentro del cine de género, comedia pasatista, tenia como plus la construcción de los personajes, muy bien interpretados por un gran actor, y otro muy buen actor. Los demás acompañaban adecuadamente. La segunda parte de esta, esperemos que termine en trilogía, tenia como plus a su favor el que se añadan otros personajes, los padres de Ben Stiller, grandes personajes interpretados maravillosamente por Barbra Streisand y Dustin Hoffman. Ahora se agregan más, con otros grandes actores, desperdiciados, ya sea por falta de ideas inclusivas, de guión, de diálogos, de construcción de los mismos, o por que su inclusión peca por falta de peso narrativo, como ejemplo vale el personaje interpretado por el gran Harvey Keitel, que es un contratista de la construcción, su personaje aparece sin justificación y desaparece sin pena ni gloria. Durante los 90 minutos que dura el filme no hay ningún escena que mueva ni siquiera a una sonrisa, será por lo trillado, lo previsible o lo mal ejecutado, tal el caso como cuando quieren, o intentan, tener un giro a un humor escatológico y termina siendo vulgar y chabacano. No hay sorpresas de ninguna naturaleza y perdió no sólo el rumbo de la comedia de producción sino también la frescura de sus predecesoras. A esta altura de lo dicho no es posible dejar pasar por alto, valga la redundancia, unos guiños musicales en escenas típicas, de puja de poder entre suegro y yerno, con la música del film “El Padrino” (1972) y otra escena donde la música del “Tiburón” (1975) genera un leve mueca, que no llega a ser una sonrisa.
Luego que la segunda entrega de “Las crónicas de Narnia” recaudara una cifra que apenas superó su costo y Disney desechara la franquicia por ese motivo, parecía que no se haría una tercera entrega. Pero Walden Media en combinación con Fox tomaron el reto de rodar “Las crónicas de Narnia. La travesía del viajero del alba” que es la tercera historia de la saga que escribió el apologista cristiano C.S. Lewis. El escritor imprimió un fuerte tinte educativo a esta serie de cuentos mediante los bíblicos conceptos de valores humanos, aunque no dejó de mezclar algunos personajes con reminiscencias mitológicas griegas y escandinavas Las dos versiones cinematográficas respetaron escrupulosamente a los libros, y en esta ocasión también se lo ha hecho al seguir fielmente una historia que sigue el “viaje” de los niños hacia la adultez. Por lo tanto esta vez ya no están Peter y Susan. Ellos ya han crecido. La lucha entre el bien y el mal que se alojan en su propio interior deberán librarla Lucy y Edmund a los que se agregará su primo Eustace que aún vive con los arrebatos de la niñez. Los tres llegarán a Narnia y se reencontrarán con el ahora rey Caspian y juntos deberán buscar las espadas de los siete caballeros que han desaparecido. Para lograrlo deberán navegar tormentosos mares, llegar a la isla Oscura y transitar por selvas sorteando pruebas y combatiendo con simbólicos personajes. Las sucesivas batallas irán paulatinamente haciendo aflorar la bondad que reside en el interior de cada uno de los niños, y hacerles notar donde está su flanco espiritual más débil. Lucy deberá adquirir más seguridad en sí misma, Edmund tendrá que poner en claro el papel que quiere desempeñar en la vida, Caspián tiene que tomar conciencia del lugar que ocupa en el mundo y Eustace comprender que no es el único ser que existe. Tarea difícil les resulta crecer y hacerse cargo de sí mismos. Tienen muchos enemigos que vencer. Lewis lanza el mensaje de que si se pide ayuda y se evita el aislamiento se logrará llegar a otra etapa de la vida, aunque eso produzca lógicos miedos. Michael Apted como realizador ha respetado escrupulosamente el mensaje de fondo de la obra del escritor británico. Nos encontramos ante una película no tan esplendorosas como las dos entregas anteriores, pero con hermosos pasajes visuales realzados por el sistema 3D, sobre todo la entrada de los protagonistas a Narnia, la visión lejana de la isla Oscura y la danza marina de las Ondinas de cristal. El guión es bastante paradigmático, y tiene el acierto de alternar las escenas de acción con otras netamente humorísticas que dan por resultado una trama desarrollada con una agilidad que en ningún momento decae. Las actuaciones son correctas. Como generalmente sucede en las sagas literarias tradicionales llevadas a la cinematografía se ha puesto más atención a que los actores fijen la imagen del personaje de la mente del espectador mediante situaciones aisladas. Como ha ocurrió anteriormente los personajes digitales, especialmente el ratón Reepicheed, se llevan el destaque en todas las escenas en las que participan. Los efectos especiales no están en el mismo nivel de los que se vieron en las versiones anteriores, aunque no por ello dejan de atrapar al espectador como por ejemplo la larga escena del monstruo marino. El dragón es un poco elemental, pero resulta simpático y se integra a la historia sin desentonar. Se ha eliminado el peso argumental de dos personajes (Peter y Susan), pero se han agregado otros, así que seguramente Walden Media encarará muy pronto la preproducción de la cuarta historia, “Las crónicas de Narnia. La silla de plata” Los niños, en su mayoría, están más pendientes de las escenas de acción. La densidad del metamensaje y la forma en que está desarrollada la trama hacen que el espectro de edad de los espectadores sea más amplio, ya que los adolescentes también disfrutan de esta realización. Los adultos asisten a una proyección amena y a una superproducción que los complacerá.
Un video casero llega a las oficinas del FBI, en este se puede ver a un hombre hablando de frente a la cámara perfecto ingles, que dice ser ciudadano estadounidense, llamarse originalmente Steven Younger (Michael Sheen), quien ha decidido adoptar la religión islámica y que además ha colocado tres bombas nucleares en tres diferentes ciudades de los EEUU. Punto, corte. Las fuerzas de seguridad mueven cielo y tierra, todos son posibles cómplices, todos son sospechosos. Al frente de la investigación se encuentra la agente Helen Brody, (Carrie Anne Moss), legalista desde el primer momento. Pero la psicosis colectiva se ha desatado. Una verdadera cacería de brujas se esta llevando a cabo en todo el territorio de la “madre patria del norte”. En ese frenesí los agentes llegan a la casa de Henry Humpries (Samuel L. Jackson). Aquí nos enfrentamos con lo que sería, a la postre, el primer gran problema. Henry es violentado en su casa, pero el puede reducir a los dos agentes del FBI, sin perder nunca el buen humor y los mejores modales. Cuando llega el resto de la caballería, gente del las más altas esferas del poder les informa que éste buen señor es un “intocable”. Henry es simpático, sencillo, padre de familia, amable, afable, el espectador compra rápidamente. Por otro lado nos muestran a Steven como un loco desaforado, que abandonó a su familia, a su patria, que no le teme a nada y que esta dispuesto a cualquier cosa en pos de una idea, sea esta buena, mala, defendible, justificable o no. El tercer componente del triangulo es la nombrada agente del FBI, no sólo es legalista, también es la única mujer, “madre” del trío en conflicto. Steven se deja capturar. Ante la negativa de contestar al interrogatorio ortodoxo de Helen, recurren a un experto, y éste es nada más y nada menos que el “simpático” Henry. Un experto por completo heterodoxo en sus métodos. Todo esto sucede en los primeros quince minutos de narración. El resto transcurre prácticamente en la sala de interrogatorio, con escenas violentas de tortura. Parecería ser que el filme se interrogara desde distintos puntos de vista, filosóficos, éticos y morales, sobre la justificación o no de estos métodos. Pero en definitiva, no es así. El cierre de la historia lo instala con un discurso fascista y prepotente. Por supuesto que a nivel de construcción es muy bueno, típico producto de acción hollywoodense, muy bien filmada, mejor contada, atrapante por el cómo, pero desagradable en lo estético. A esto hay que sumarle el catálogo de golpes bajos que propone y muestra con el sólo fin de lograr empatía con el espectador. Grandes actores, en algún punto desperdiciados. Violenta, prepotente y por momentos de mal gusto, podría calificarla de mala, pero en realidad no sería justo, debería inaugurar un no tan nuevo calificativo, “prescindible”.
Ángeles con caras sucia (1938) Esta nueva producción de animación de Dreamworks, tiene el gran logro desplegarse como un gran entretenimiento para todas las edades, sin caer en el humor fácil o chabacano. Para cada edad el guión tiene sus guiños, sus alusiones y elementos distintivos en la construcción de los personajes. En realidad, y como texto terminado, se puede pensar a esta realización como una gran sátira a todas las producciones de superhéroes, del mismo modo que “Shrek” (2001) era una gran burla a todos los cuentos infantiles. Meramente sus padres para salvarlo de la destrucción total del planeta en que viven lo colocan en una pequeña nave espacial (¿Superman?), en ese transporte llega a la tierra al mismo tiempo que su futuro archienemigo. Las circunstancias los enfrenta, uno se convierte en un superhéroe con superpoderes y el otro en un supergenio. Uno es el ganador, el otro el eterno perdedor. Uno, el triunfador se convierte en Megatrom, el otro en su malvado enemigo Megamente. Pero en esta historia, al igual que en la española “Muertos de Risa” (1999), estos dos se necesitan para justificar su existencia, sólo que Megamente se da cuenta de esto luego de destruir a Metroman. Es por eso que decide entregarle a un mortal humano superpoderes para que defienda a la ciudad del malvado personaje que es él mismo, pero nada sale como se planea. Lo interesante es ver como todos estos personajes tienen identidad propia, diferentes a todos sus antecesores, el malo que lo único que le sale bien termina siendo contraproducente, el superhéroe cansado de serlo, el ayudante torpe que es el verdadero genio, la periodista engañada. y al mismo tiempo son claramente un juego de estereotipos del genero. Cada personaje tiene espacio temporal de esplendor, su dedicado desarrollo en el guión. A todo esto deberíamos sumarle una banda de sonido con muy buenas y conocidas canciones insertas e intercaladas en la música original del filme compuesta por Hans Zimmer, el mismo de “El Rey León” (1994). En cuanto a los rubros técnicos, esta realizada en 3D, de buena factura donde se puede apreciar, con el uso de los anteojos, algunos objetos en primeros planos despegados del fondo dando una sensación de profundidad, que está en función directa con el relato.
Hace un par de semanas se estreno un terrible bodrio argentino, de lo peor que se haya visto en las pantallas argentinas en mucho tiempo, el filme en cuestión ”Un Buen Día” (2010), producto del clan Del Boca, con Nicolás y Andrea incluidos, era un pastiche pretencioso tratando de copiar, plagiar, emular (las tres juntas o tache lo que no corresponda) a dos pequeñas joyitas del director Richard Linklater, “Antes del Atardecer “ (2004) y “Antes del Amanecer” (1995). Ahora nos enfrentamos a otro intento fallido de emulación de filmes extranjeros, en este caso es un cruce de parejas. La síntesis argumental sostiene de la manera más vacua y banal que, en el amor, lo que está pasando es siempre lo que está por venir. En Buenos Aires Mercedes termina los trámites que la lleven a Barcelona (y a un novio que la espera), pero se cruza casualmente con Ariel, quien se irá transformando en una compañía más que agradable (y confusa). Juan arriba al país después de muchos años de ausencia. No puede dar con la mujer que vino a buscar pero si conoce a Micaela que, abandonada por la partida de un viejo amor, va convirtiéndose (al igual que la ciudad) en algo tal vez posible y cercano. Amores contrariados, cruzados, provisorios o precarios. Tratando de presentarse como un film poco convencional, termina siendo un film de formula, pero que no funciona, ni como comedia, ni como drama, utilizando recursos gastados, y esto también debido a la chatura del guión, sin profundidad en los temas que intenta establecer, como el desarraigo, el desencuentro amoroso. En cuanto a estructura también fracasa, una voz en off presentifica al principio como un relato coral que se cierra en sólo cuatro personajes, muy mal desarrollados. De los rubros técnicos, muy poco para decir por su corrección formal. Respecto de las actuaciones, sólo sale airosa Verónica Pelaccini, un escalón más abajo Lucas Crespi, que parece ser algo más que un carilindo, Sabrina Garciarena que no puede sostener un personaje anodino, y por último Damian Ganducci que intenta un trabajo actoral tratando de imitar a Paul Muni, esto es casi inexpresivo verbalmente, pero mucha mirada y mucho rostro, pero a kilómetros de distancia del genial actor de ”Soy un fugitivo” (1932), “La Buena Tierra” (1937), entre otras.
Jarrod (Eric Balfour) y su mujer Elaine (Scottie Thompson) concurren al cumpleaños de Terry. (Donald Faison). Después de una noche de fiesta, alcohol y música desenfrenada, la mayoría de los concurrentes se quedan dormidos en el suntuoso departamento del agasajado. Todo es “normal” hasta que son despertados a la madrugada por una increíble e intensa luz que confunden con un esplendoroso amanecer. Esta luz los atrae como si fuese el famoso túnel de la muerte con la luz al final, no tiene posibilidades de revelarse, esto no sólo se ve en los actos de los personajes sino que después lo aclaran, lo dicen por si no entendimos. Las imagen que muestran son de objetos que provienen del espacio y se entierran en la tierra, con imágenes muy parecidas a “La Guerra de los Mundos” (2005) de Steven Spielberg, Pero son en realidad naves alienígenas, como en “Día de la Independencia” (1996), que no sólo han comenzado a sobrevolar Los Ángeles, sino en todo el mundo, pero eso no se ve, con la intención es abducir a todos los humanos y sacarles el cerebro. Pero las naves por momentos parecen dinosaurios del estilo de “Jurasic Park” (1993) ¿Serán fanáticos de Spielberg? ¿O es decididamente plagio por falta de ideas e imaginación? En otro momento aparecen pulpos terrestres como en “Matrix 3” (2003) Estupefactos nuestros héroes, deciden escaparse hacia el mar, pero ¿quién les dijo o como supieron que los extraterrestres son hidrofóbicos (miedo al agua)?. Y aquí empieza un mare mágnum de estupideces en acto o en diálogos de los personajes en cuestión. Si el guión es un mamarracho, si nada esta justificado, ni explicado, si no se trata de instalar un verosímil, Y este sólo se sostiene a partir de los plagios a otras películas, si la construcción de los personajes no importa, entonces lo único nos queda para evaluar esta en relación a la imagen. Pero aquí también falla, las escenas de acción esta tan mal elaboradas y/o pensadas que mueven a risa, hasta llegar al punto de que un personaje totalmente secundario es “vomitado” por unos de esos bichescos tal cual pasa con el personaje de Jon Voight en “Anaconda” (1997). Ridículo. En otro pasaje, un Alíen se compadece de la mujer embarazada, y la deja vivir, pero los personajes corruptos, esto es, el infiel que tiene una amante y la desvergonzada que sólo tiene sexo a cambio de favores son los primeros que mueren. Por supuesto nunca antes que la mujer engañada descubra que es una cornuda, y eso instale un conflicto dramático tan superficial como la TV argentina y tan efímero como un estornudo. En relación a las actuaciones, poco pueden hacer los actores con lo que le dieron, cara de nada, pocas acciones, sólo corridas por el interior de un edificio rodeado de los malvados alienígenas, extraterrestres. Las chicas son muy lindas, pero muy lindas. Por último quedaría tratar de engancharse con los efectos especiales, cuya manufactura deja tanto que desear como el resto el filme, ya no se sabe si por falta de un saber, si por desidia o por falta de presupuesto.
Solomon Kane es un guerrero puritano del Siglo XVII cuya única finalidad y objetivo en la vida es terminar con la maldad en todas sus formas. No importa que lo obtenga con actos perversos. Sería algo así como sostiene la famosa frase de “Hagamos la guerra para lograr la paz”. En cuanto al desarrollo de éste personaje, sacado del genero del comic, se centra en como sus aventuras llevan a éste capitán desde los oscuros mundos dentro las principales capitales europeas hasta las frondosas y peligrosas junglas africanas. Es allí donde su vida cambia, una acción más, pero en el lugar equivocado en el momento menos preciso, lo coloca en la triste tarea de tener que hacerse cargo de la muerte de todos sus hombres. Pero como no encuentra ninguna forma de redención a través de sus actos, decide internarse en un convento. Pero si el pasado no sólo te condena sino que te persigue... en algún momento te alcanza. Lo más incomprensible de este producto ya no es las formas, la estructura, su construcción, es su origen. El sólo discurrir de las escenas lo colocan como un producto netamente hollywoodense, pero en realidad es europeo. Se podría decir que es uno de los filmes más yankees producidos en el viejo continente. Esto no sería del todo malo sino fuese porque el producto no tiene ninguna variable en su construcción que se pueda rescatar. Empezando por el guión, que al principio no da forma en ningún momento de nada que motive al héroe, sólo escenas de violencia excitante. Luego elipsis incomprensible y para nada justificada, nuestro personaje es lo más parecido a un monje tibetano, es en este momento que su vida anterior se le presentifica en forma de demonios que sólo buscan su sangre, pero cometen el error de secuestrar a una joven, muy bella por cierto, y por la cual el promete rescatarla. Para tal fin debe tomar nuevamente las armas y pelear. Originalidad cero. Los rubros técnicos son buenos, especialmente la fotografía, no así el abuso constante en las escenas de acción el uso del ralenti, con movimientos de cámara supuestamente extravagantes, pero ya visto mil veces, y además vuelve a fallar en lo narrativo, sobre todo cuando quieren enfatizar las escenas con música, empatica e insoportable. La frutilla del postre es no sólo la falta de instalación de un verosímil, (que no tiene que tener visos de verdad) que atrape al espectador, sino que la previsibilidad del texto es tan abrumadora como aburrido su resultado. Los amantes del género le podrán encontrar algo para redimir.
Ni John McClane, ni el Sheik Ahmed Hace unos años, y ahora funcionaria a modo de premonición un personaje secundario, de una buena comedia yankee, “La pareja del Año” (2001) interpretado por Hank Azaria, era un español que trabajaba en una película yankee, en clara referencia a Antonio Banderas, decía, “El público esta esperando al héroe hispano….” Robert Rodríguez lo hizo, creó un personaje latino, de habla hispana, todo un héroe, muy cercano al John McClane de Bruce Willis en “Duro de Matar” (1988). El actor elegido es el gran Danny Trejo, eterno secundario que merecía ya un protagónico, sin saber a ciencia cierta si lo iba a poder sostener. Mirando el filme uno no sabe si el personaje fue construido para el actor o si la elección del actor vino después de haber desarrollado el guión. Tal el grado de excelencia en la actuación de este actor yankee pero de ascendencia mejicana. Este superhéroe es presentado como un federal que tiene sus métodos poco ortodoxos para atrapar criminales, también tiene sus armas preferidas, sabe de pistolas pero le gusta el “machete”. Su nombre: Machete Cortez. Lo que él no sabe que esta misión de rescate de una joven secuestrada es, en realidad, una gran trampa para matarlo. Lo atrapan, le disparan, lo dan por muerto, corte elipsis a seis años después, lo vemos transitando por la frontera entre Méjico y los EEUU. Ya no es un federal. No sólo es un “inmortal” sino que es todo un “latin lover”, pero que en realidad esta en las antípodas de Rodolfo Valentino como el Sheik Ahmed en el filme “El Hijo del Sheik” (1926) Lo que hace Robert Rodríguez, realizador, igualmente yankee, de ascendencia mejicana, es juegar un juego plagado de guiños. Construye un relato donde hasta se da tiempo para instalar un discurso político relacionado a las medidas inmigratorias. Esto podría ser el punto más flojo de la producción. En realidad todo dependerá si el espectador acepta la propuesta estética, narrativa, de producción. Desde lo estético se podría decir que por momentos cruza una línea muy fina entre lo exagerado y lo bien intencionado, entre el humor brutal, negro, satírico, y lo bizarro. Narrativamente se podría decir que es lineal, hasta de fórmula. En cuanto a su producción, se muestra como cine clase B, tantas veces homenajeado por éste realizador y su amigo Quentin Tarantino. Pero sólo tiene de clase B la intención de mostrarse como tal. Por último un espacio privilegiado para los actores, todos dispuestos a jugar las locuras de Rodríguez, Robert De Niro haciendo de un prepotente político de extrema derecha, Don Jonson haciendo de alguacil corrupto, Steven Segal de malvado narcotraficante. Y las jóvenes y bellas que mueren rendidas a los pies de nuestro titán, Lindsay Lohan, Michelle Rodríguez y Jessica Alba. Todos cumpliendo papeles increíblemente, creíbles. Una divertida película, por el tratamiento, por guión y por lo exagerado.