Hace unos meses se estrenaba en Argentina el film francés “Partir” (2009) de la directora Catherine Corsini, que se centraba en el mundo intimo de la mujer, en este punto es que tiene varias aristas en común “Cosa voglio di piú”. Al igual que otro filme, magnifico, estrenado recientemente, “Une Affaire de amor” (2009), de Stephane Brize pero que la mirada estaba más puesta en el mundo masculino que en el femenino. Los temas son repetitivos, el amor, la confianza, el deseo, la mentira, el engaño, la insatisfacción, etc. El multigalardonado director Silvio Soldini, responsable de “Pan y Tulipanes” (2000), se centra en el mundo de una mujer (Anna) que parece tenerlo todo resuelto, en pareja hace varios años con Allessio, con quien no parece tener nada en común, pero que siempre está atento a la demanda de su mujer. Anna conoce en una fiesta de la empresa en que trabaja a Domenico, que es el “maître” de la empresa de eventos que han contratado en la oficina. Las miradas cruzadas, el deseo puesto en juego, de ahí a la pasión desenfrenada, un paso. Si bien en el filme francés “Partir” planteaba una subtrama de suspenso, con disparo incluido y flashback como recurso narrativo, aquí sólo hay una historia dramática, pasional, lineal y progresiva Por supuesto que Soldini utiliza otros elementos para construir su relato, en principio todos (digo los espectadores y los personajes que rodean a Anna) sabemos todo, de su vida, su familia, sus amigos, su trabajo, y nada o muy poco de Domenico. Luego del primer encuentro clandestino y frustrado entre Anna y Domenico, el relato hace un corte tangencial respecto del personaje actante, nos dejan de lado el mundo de Anna y nos empiezan a mostrar el mundo de su posible futuro amante. Este salto promueve un gran riesgo y moviliza al espectador, lo atrapa, instala el placer por saber más, y esto parece darle un plus a la estructura narrativa. Pero rápidamente, y por desgracia, una vez de constituido el mundo de Domenico, el director vuelve a la historia inicial. Es en este momento, más o menos sobre la mitad del filme, es que el recorrido deja de interesar, si bien la historia no era muy original, la forma era un tanto subyugante. Se torna previsible, más allá de las técnicas de construcción que utilice, las elipsis temporales, el manejo virtuoso de una cámara, por momentos en mano, pegada a los personajes para darle mas tinte intimista, a la vez que acentúa un posible realismo que no logra plasmar adecuadamente. En relación a la construcción de los personajes, los principales si bien muestran distintas facetas, no terminan de ser del todo creíbles, lo mismo sucede con las personajes secundarios, la esposa de Domenico reacciona, con una respuesta más cercana a la realidad. El marido de Anna, no, pero no es sólo que no, sino que lo plantean, lo construyen, como más ciego e ingenuo que Antonia, el personaje quien recién después de muerto su marido en un accidente descubre que éste tenía una doble vida matrimonial, pero su otra pareja era homosexual. Además, al marido de Anna, por si fuera poco, lo pintan más bueno que la Madre Teresa de Calcuta, esto termina con todo tipo de credibilidad. En “Cosa Voglio di Piu”, que significa “¿Qué más quiero”, pregunta neurótica si las hay, todo termina siendo ya visto, hasta el intento de vuelta de tuerca sobre el final de la narración.
Ya pasada la primera década del siglo XXI, y a punto de festejarse el cumpleaños numero 115 (28 de diciembre) de la creación del cine, no esta demás decir, sobre todo después de ver esta realización, que la originalidad parece estar reclamando el certificado de defunción. Todavía tengo alguna esperanza para que resurja como el “Ave Fénix” en relación al séptimo arte y desde sus propias entrañas. No es este el caso desde ningún punto de vista, ni desde el relato, ni desde la construcción, ni desde el diseño de producción, ni desde el guión. Copia directa (hoy se lo podría llamar homenaje, o más propiamente remake, cuyo termino en idioma español es refrito, que le cabe como añillo al dedo), del film “Mejor solo que mal Acompañado” (1987). Con algunos pequeños cambios. En esta ocasión Peter (Robert Downey Jr.) un serio, exitoso y acartonado arquitecto, desea llegar a Los Ángeles para asistir al nacimiento de su primogénito (y no a festejar el día de Acción de Gracias) Ya desde el aeropuerto las cosas empiezan a andar mal. Se cruza en su camino Ethan (Zach Galifianakis), un aspirante a actor que en su momento perdió el tren y el rumbo de su vida, y ahora parece que descubrió su vocación, desalineado, irreverente, rayano en lo borderline en relación al coeficiente de inteligencia. Ya esta cumplida una premisa clásica de las comedias muy superficialmente, forjar que los contradictorios se unan, el generador de conflicto a partir del contrapunto, esto es tratar de hacer juntar al agua y el aceite. La segunda premisa, que también la cumple en forma casi inmediata, es que ambos tengan necesidad mutua para lograr sus objetivos personales. Todo encerrado en una road movie que tiene como condición el recorrido, y la acumulación de realidades que se van generando para terminar convirtiéndose en una comedia de situaciones clásica, muy clásica y así de previsible. Pero esto no es todo lo que promueve a su desvalorización, pues podría estar bien realizada, constituida con lo verosímil que atrape al espectador, o en su defecto ser muy sutil a la hora de tratar de hacer reír. No, todo lo contrario, el relato se hace predecible, y la jugada del realizador es tratar de romper con la línea del humor ingenuo, pero se pasa de la raya y termina siendo escatológico y de mal gusto. Sólo se rescatan alguno que otro sketch y la actuación soberbia de Robert Downey Jr., quien demuestra poseer la versatilidad de los grandes actores de la historia del cine, bien acompañado por Zach Galifianakis como coprotagonista, aunque en su caso repite la actuación de producciones anteriores.
De un tiempo a esta parte vienen generándose proyectos audiovisuales de un amateurismo que da miedo, sobre todo cuando el género a que se recurre es el terror, para lo que no dejan de parecer, ser practicas de estudiantes de “cine”, que creen que todo se remite al uso de la cámara, la luz, y sobre todo el volumen del ambiente y la música. Aclaro para que no ensombrezca, digo volumen y no sonido, pues éste en el cine, el bueno, cumple también funciones narrativas. En cambio el volumen sólo esta puesto, de exabrupto y con el único fin de sobresaltar al espectador. Si a esto se le agrega que el ejercicio se encuadra en la para algunos “novedosa” modalidad del falso documental, tipo “The blair witch project” (1999), que es una secuela, tenemos cartón lleno. La primera “Actividad Paranormal” (2007) fue inexplicablemente todo un éxito de taquilla, aunque sabemos que esto no define nada, pero si da pie a que se realice una segunda parte, con el sólo fin de abultar la recaudación. Y la información que esta llegando desde la “madre patria” (EEUU) parece haber logrado el objetivo. Metiéndonos de lleno con el film, el axioma reza que nunca segundas partes fueron buenas, y esto también se cumple, pero, paradójicamente, en este caso es mejor que la primera, aunque es verdad que no había que hacer demasiado esfuerzo para superarla, bastaba con poner a un director técnico profesional al mando, que es lo que sucede en esta producción. Tod Williams, como realizador responsable, utiliza los mismos mecanismos que su antecesor, esto es el registro a través de una filmadora hogareña y le agrega las de vigilancia de la casa. Todo transcurre frente a las lentes de esos dispositivos de video. La historia comienza dos meses antes de los acontecimientos de la primera, y lo hace para cerrar la historia, aunque, y como no quiero pecar de ingenuo, todo esta dispuesto para una tercera. En esa casa, cuya propietaria es la hermana de Katie, casada, tiene un bebe, un perro, un marido, y una hijastra, comienzan a suceden cosas extrañas sólo registradas al principio por le perro, luego por los restante integrantes del grupo familiar. ¿Por qué se quedan? Como dije antes, supera a la primera, por los tiempos narrativos y por algunas cuestiones estéticas, nada más.
Con maestría y crudeza narrativa es recordada la ocupación rusa de Berlín Filme de guerra, con pocas escenas propias del género, pero sí de mucha violencia. Violencia que ahoga, y que a mi particularmente no sólo por mi condición de judío, sino también a través del relato de la novela familiar, me toca de cerca. Se podría decir que, de no haberle sucedido durante la Primera Guerra Mundial lo que le sucedió a mi abuelo paterno, yo no habría nacido y mi viejo tampoco. Pero eso es otra historia. La que aquí narra el realizador Max Färbeböck, con mucha maestría y sin ninguna delicadeza, salvo alguna que otra escena amenizada con música, donde no la hubo, es la tortuosa vida de un grupo de mujeres alemanas en el momento de la invasión del ejército ruso a Berlín, sobre finales de la Segunda Guerra Mundial. La narración en primera persona es, en realidad, un diario íntimo escrito por una periodista alemana, cuyo marido, escritor, esta en el frente de batalla. Ella es joven, alrededor de los 30 años, bella, valiente, audaz e inteligente, habla ruso, entre otros idiomas, y esto tanto la protege en los primeros momentos como que la expone en otros. A muchos con lo que hable del filme les sorprendió el acto y/o el hecho narrado por la película, los soldados rusos haciendo abuso de esa superioridad de fuerza en relación a los prisioneros alemanes, en este caso eran civiles, mujeres, viejos y niños, que comenzaron sistemáticamente, sólo movidos por el deseo y porque podían, a violar a las mujeres que se refugiaron en los pocos edificios que quedaron en pie después de los bombardeos. Pero esto es tan antiguo como la guerra misma, cuando en el siglo I a.c. el ejercito romano invade lo que luego será la provincia de Judea, en forma sistemática y como plan para hacer desaparecer todo vestigio de judíos, violan y embarazan a las mujeres para que sus hijos no sean judíos, pero los jueces del Sanedrín modificaron la ley y desde entonces rige la “Ley del vientre Materno”. Pero volvamos al cine, y nada mejor que volver hablando del montaje de la película, el que no es lineal en tanto y en cuanto las secuencias tengan una relación continua, si es, si se quiere. de recorrido temporal directo. Los cortes temporales son en realidad bruscas elipsis, saltos violentos que hacen al relato, en el mismo orden se encuentra el diseño de arte, la escenografía recreada minuciosamente, tanto los exteriores como los interiores, sobre todo la fotografía con oscuridad plagada de detalles en esos ambientes cerrados, casi subterráneos, por la sensación de encierro que provocan. En tanto las escenas de la calle, donde lo que primaba era el polvo en el aire, están trabajadas como para dar sensación de invisibilidad a los sucesos cotidianos. Todo sustentado por una trouppe de actores maravillosos destacándose Nina Hoss como la protagonista, August Diehl como el marido y Yevgeni Sidikhin como el oficial ruso amante de la protagonista. Sí queda absolutamente claro, a partir de la mirada que instala del guionista y realizador, que el verdadero enemigo, el verdadero mal, es la guerra, para eso construye un relato sólido, sin golpes bajos, donde victimas y victimarios ocupan esos roles en forma alternada, en tiempos y espacios diferentes. El libro que dio origen al filme, fue publicado en 1959 por primera vez y muy mal recibido por la sociedad alemana, que sólo quería dar vuelta esa página de la historia. La autora prohibió que se volviera a publicar mientras ella viviera. Sólo se pudo volver a editar en el año 2002, y hasta ese entonces se desconoció su nombre.
Gran metáfora sobre el pasado para analizarla en su proyección al presente Alejandro Amenazar, el director de la fabulosa “Tesis” (1996) y ganador del premio “Oscar” por “Mar Adentro” (2004), nos tenía acostumbrado a un cine intimo, pequeño en cuanto a producción, pero enorme en cuanto a guión. Con la realización de “Ágora” da un salto al vacío, con una inmensa producción de un costo total de 50.000.000 de euros, recurriendo a un gran despliegue técnico y escenográfico para contar una historia antigua, ambientada entre los siglos IV y V después de Cristo en la Ciudad de Alejandría. Vuelve a repetir el método que le dio buenos resultados en cuanto a producto terminado y a taquilla con “Los Otros” (2001), una co-producción y hablada en ingles. Pero, y este es el mayor logro del realizador, no por ser historia antigua deja de ser actual, la misma sensación me produjo, salvando las distancias, el filme de Andrzej Wajda “Danton” (1982). “Ágora” refiere la destrucción de la biblioteca de Alejandría por parte de los romanos. En ese ámbito dictaba clase una mujer, rara avis en su mundo, la astrónoma y filosofa Hipatia, joven, bella, y virgen, que no tuvo acceso al amor por su amor a las ciencias. Pero todo el relato es una gran metáfora, y esto no pasa por ser una lectura intencional de un texto fílmico. Constantemente hay guiños de los guionistas y el realizador para redituarnos frente a una ficción que instala un discurso, creo que no es casual, el nombre del filme, icono de la vida en Grecia, ese espacio publico, la plaza donde se comerciaba no sólo con mercadería de uso sino que operaba como centro de cultura y discusiones filosóficas y políticas. Pero todo esto sumamente griego transcurre en Egipto, en la ciudad de Alejandría bajo el yugo del Imperio Romano. Parece una gran mezcolanza pero no lo es, ya que a partir de una construcción impecable del relato despliega un cantidad de temas de actualidad: el extremismo de cualquier índole, el fanatismo religioso, el abuso de poder, la intransigencia, la violencia, el lugar de la mujer, sus luchas, los afectos, pero por sobre todas las cosas sobrevuela constantemente la lucha todavía vigente de la ciencia contra el oscurantismo ignorante. Es verdad que para hacer más ágil al relato, construye una subtrama amorosa, pero de un amor no correspondido y conformado por un triangulo, en el que uno de sus vértices es la filosofa, en otro Orestes, uno de sus alumnos y el otro Davo, un esclavo de Teon, padre de Hipatia, que es de su misma edad y esta enamorado de ella desde niños. Ella no puede corresponder a ninguno de los dos. En relación a los rubros técnicos son de una buena manufactura, al igual que el diseño el montaje de sonido, también es para destacar las actuaciones de Rachel Weisz (Hipatia), Michael Lonsdale (Teon), en tanto el resto del elenco esta muy por debajo ambos, ¿será por falta de merito en la construcción de los personajes?, ¿será por que los actores no son ingleses y su ingles parece recitado? Algunos dirán que Michael Lonsdale es francés, si pero de padre inglés, mas allá de la chanza, las actuaciones terminan siendo el punto más bajo de la producción. Claro que también cabría preguntarse cuanto de responsabilidad le cabe al realizador que, a lo mejor, no logró extraer el máximo potencial de cada uno en su labor como director de actores.
Muna (Nisreen Faour) y su hijo Fadi (Melkar Muallem) viven en Cisjordania, un territorio palestino ocupado desde hace ya 40 años. Ella tiene estudios universitarios, es culta y trabaja como empleada jerárquica en una institución bancaria. Vive en una casa junto a su hijo y su madre, y cotidianamente debe cruzarse en el marcado con la nueva esposa flaca (ella no lo es) de su ex marido, pero también debe soportar el maltrato de los soldados israelíes en los puestos de control al cruzar la frontera cada vez que va a trabajar. Sorpresivamente Muna obtiene un permiso de trabajo y residencia en los Estados Unidos de Norteamérica solicitado hacía años. Si bien la oportunidad se presenta como un futuro más auspicioso para Fadi y una nueva vida para Muna, la realidad es que su llegada a América se acercará muy poco a las expectativas que les generó la emigración. Alli, en Illinois, la espera su hermana Ragdha (Hiam Abbass), con su marido medico y las tres hijas, quienes ya son típicas teenagers yankees. Hubo una separación de años entre las hermanas. y la esperanza de cambiar por un futuro mejor es lo que la sostuvo a Muna en su vida desdichada La realizadora Cherien Dabis con esta, su opera prima, se ubica en un lugar de expectativa respecto del público, que aguarda con interés sus nuevas producciones, también por el hecho de instalar en la historia un discurso entre político y sociológico. Posiblemente no sea de muy buena factura todo lo referente a lo estético, no es a priori, lo que busca la directora, sí aparece como importante estas cuestiones cotidianas. El filme esta ubicado temporalmente antes de la guerra de EE.UU. contra Irak, lo que no es casual si después vemos que lo que toma vuelo son las vivencias de esta madre con su hijo ser vistos con desconfianza por su origen, lo que le dificulta a ella conseguir empleo según su capacitación, debiendo resignarse a trabajar para una cadena de comidas rápidas, en tanto su hijo termina peleándose con algunos compañeros de la escuela secundaria debido a la provocación xenófoba a la que se vio envuelto. Temas como el desarraigo, la amistad, el amor filial, la discriminación, son tratados con seriedad pero no exentos de humor, elemento que hace que la película tenga otro nivel de tolerancia, de parte del espectador.
Existe un axioma, sobre todo en cine, que reza: “Todo ya esta hecho, nada es original, todo es copia, lo importante es saber a quien copiar y hacerlo bien.” En este caso, los productores parecen que apuntaron a realizar un producto pasatista, refrito de infinidad de otros, con el sólo objetivo de recaudar dinero. La pregunta del millón sería: ¿En que se basa su lógica? La respuesta más rápida que encuentro es saber que los niños de alrededor de 8 años, van cambiando. No son los mismos, que hubieron visto las películas de Adam Sandler haciendo de papa postizo, o más atrás en el tiempo, ¿25 años?, la muy buena comedia francesa “Tres hombres y un biberón” (Coline Serreau, 1985) y su versión estadounidense “Tres hombres y un bebe” (1987) Posiblemente estos niños sí hayan visto “Hada por accidente” (2009). Pero “Mi vecino es un espía” protagonizado por el infalible Jackie Chan, intenta presentar algún giro narrativo o de la construcción del relato, que no logra establecer. De qué va la historia: una mujer joven, separada y madre de dos hijos de su factoría y una tercera, la mayor, hija de su ex marido que la deja, no se sabe si de recuerdo o en garantía, tiene un vecino, simpático, amable, de origen chino, que ocupa su tiempo vendiendo lapiceras chinas. Gillian (Amber Valleta) y Bob Ho (Jackie Chan) están empezando a tener un romance, los niños dan cuenta de esto y ninguno lo acepta. En el momento oportuno (para que el guión crezca un poco) la madre debe hacer un viaje urgente y estos tres niños se quedaran a cargo del aburrido y tedioso vecino. Lo que ellos no saben es que en realidad él es un espía chino que trabaja para la C.I.A. a punto de jubilarse. Si siempre pudo contra los todos los malvados del orbe, ¿cómo no va a poder con tres adorables criaturas? Ahí empieza su calvario. El de los espectadores, sobre todo los adultos, empezó a los 3 minutos de comenzado el filme, así de previsible, remañido y tonto. Sólo las escenas de acción, bastante risueñas, siempre muy bien coreografiadas por Chan, bien filmadas, son las que despiertan de letargo. Respecto de los rubros técnicos, a ser honestos son todos de buena factura, del mismo modo que las actuaciones, todas correctas. Demasiado poco.
Esta secuela de la zaga que convirtió a la hermosa Milla Jovovich en una heroína que salvara a la especie humana, con poderes sobrenaturales otorgados por un virus, que si no te mata, te fortalece. Alice continúa con su búsqueda de sobrevivientes, para ponerlos a salvo de posibles infecciones, prolonga su lucha contra la corporación Umbrela”, se reencuentra con viejos amigos, (¿resucitados?) que la ayudaran en su guerra casi personal a estas alturas. Pero esta nueva producción se distancia aún más de la primera, camino ya iniciado por las dos anteriores: deja de asombrar, nada hay de original y para colmo hace abuso de copiar personajes, actos, estética, elementos, e historias de tantas otras películas incluidas en el genero de ciencia ficción, mezclada con terror y acción. Es verdad, como se dice por ahí, que nada ya es original, lo importante es copiar bien de cosas buenas. Esto no sucede, todo es remanido, burdo, ya visto y sólo dirigido a los fanáticos tanto de los filmes como del video juego que dio origen a estas producciones cinematográficas. Construida a partir de un muy pobre guión, tanto desde lo que quiere contar como en los diálogos, en la cimentación de los personajes y en desarrollo de los mismos, no hay en ningún momento algún tipo de progresión dramática que pueda subyugar al espectador salvo lo mencionado con anterioridad. Sí es rescatable, el hecho de estar filmada íntegramente en 3D, y ser un espectáculo visual en si mismo, haciendo de “Avatar” (2009) un film tecnológicamente perimido. Otro dato no menor esta relacionado con el lenguaje del cine y sus reglas, estas son quebradas constantemente, no son respetadas, pero su ruptura no esta justificada, sólo son ocultadas por la velocidad del montaje, planos temporalmente muy cortos permite éste tipo de desagravio. En otros momentos hay un abuso estético del ralentado de las imágenes, con el unico fin de excitar al espectador con violencia seductora, como también de la digitalización de las representaciones visuales. Dentro de los otros rubros, se destaca gratamente el diseño sonoro incluyendo el tema central de la música compuesto por Marco Beltrami. Demasiado poco. El realizador Paul W. S. Anderson se hace cargo del filme y vuelve a decepcionar, ello no quita que vaya a tener una buena recaudación en las boleterías.
Esta realización, cuya traducción literal del título original es “El Americano”, cuyo protagonista casi absoluto es el actor nacido en Kentucky George Clooney, plantea una gran paradoja. Esos dos componentes (el nombre del filme y la nacionalidad del actor, en este caso también coproductor), son los únicos elementos que tienen alguna relación con el cine de hollywood. Todo lo demás es típicamente europeo. Narra la historia del intento de redención de un sicario, realizando lo que él decidió, dando aviso a su jefe que sería su último trabajo. Las primeras imágenes prometen una cosa, parece que estaremos frente un thriller clásico, plagado de acción, tiros, bombas, persecuciones alocadas, pero el resultado es otro. Por momentos parece acercarse narrativamente del clásico francés “El Samurai” (1967), que narraba las desventuras de un asesino a sueldo perseguido por la policía, en el que su director Jean Pierre Melville hace un uso magistral de la imagen y el color, prescindiendo de los diálogos. Lo mismo sucede con el filme dirigido por el fotógrafo holandés Antón Corbijn. En la producción francesa el actor era el símbolo sexual masculino de la época, Alain Delon, y ese podría ser otro punto de contacto, ya que George Clooney, 40 años después, esta colocado en el mismo lugar. La gran diferencia es que “El Ocaso de un Asesino” esta más sostenido por la actuación que por la imagen, que también es de una manufactura increíble, en este caso ayudada por los paisajes de las locaciones. Lo dicho anteriormente, el resultado es un film intimista, de personaje, reflexivo, que en el camino, y oculto en un pueblo montañés de Italia, se cruzan con Jack (George Clooney), un cura y una prostituta. El Padre Benedetto (Paolo Bonacelli) que lo reconoce como forastero que no sólo se esta ocultando, sino que además oculta un secreto. Pero que a su vez esta jugando a lo mismo, sólo que desde hace muchísimos años y por otros motivos. La bellísima prostituta Clara (Violante Plácido), cuya unión con el personaje del sicario esta dada por el deseo de dejar también esa vida. Con el primero tendrá charlas profundas pseudos-filosóficas y con la segunda irán construyendo una historia de necesidad de afecto reciproco. Todos estos elementos quedan subordinados a la imagen y no a la construcción del relato, esa certeza que tiene Jack de ser el blanco de otro asesino, pero que termina haciéndose moroso y previsible.
Una obra tan intensa, como perturbadora Si alguien dijera que un film transcurre en tiempo real, en un sólo escenario y con un solo protagonista, no parecería ser demasiada atractiva la propuesta, pero nada más equivocado. El film comienza con la pantalla en negro absoluto y una respiración muy acelerada de alguien y esto no es un dato menor, ya que todo el film es un fenómeno de construcción de los espacios tanto visibles como el fuera de campo. Sonido e imagen. Tanto con el diseño sonoro como por la excelente fotografía, es tan prolija y prodigiosa la utilización de la cámara y del montaje que en ningún momento es cuestionable la tergiversación de espacio. Sabemos, cuando nos ponemos a pensar el film, que la locación en que se filmó, no es estrictamente un cajón, que el espacio esta falseado, pero eso sólo después, en el mientras tanto estamos atrapados y lo creemos. Sólo hay una escena donde deliberadamente el espacio diegetico del filme se muestra distorsionado, pero tiene más que ver con el punto de vista del personaje que con la historia en si. Este no cuestionarse el verosímil del filme, se debe en gran medida al trabajo actoral y compromiso corporal de Ryan Reynolds quien nos mantiene en atención permanente durante toda la proyección. Cuando con los primeros haces de luz, provenientes de un encendedor, nos encontramos con un hombre joven, encerrado en una especie de cajón peleando por liberarse estamos inmersos en una especie de empatía con el personaje. La historia de Paul Conroy, quien se despierta dentro de un ataúd, enterrado, no sabe ni por qué, ni donde, y en ese momento vibra un celular. Todo lo que tiene es ese encendedor y el celular, con el intenta comunicarse con el exterior, es lo único que posee para lograr escapar a la trampa. De a poco el espectador va enterándose de las razones, y el guión inteligentemente no se queda en la mera descripción de la situación, apela y con muchos recursos narrativos tanto literarios como cinematográficos para sentar posición de descripción de una realidad cotidiana como ideológica. Tal es así que sería muy difícil encuadrar en algún género específico al film, ¿es terror? ¿Suspenso? ¡Drama? Durante los noventa minutos que dura el film, el espectador pasará por todas esas sensaciones y esa es la intención del director que a su vez sabe utilizar los elementos tecnológicos de maravilla, ese celular no es sólo un celular, es también un espacio visual, por imágenes que vemos a través de ese aparato nos enteramos de datos importantes y que hacen a la progresión dramática del filme. Asimismo los responsables utilizan todos los medios, desde la mencionada excelente fotografía, hasta la banda de sonido que incluye ese diseño y pasando por los diálogos, concretos y reales. Un film claustrofóbico, intenso, agobiante, perturbador, muy bien realizado.