Este engendro, posiblemente en la doble acepción de obra mal concebida y de criatura informe, es lo más parecido a los designios que le atribuía al cine Joseph Goebels, ministro de propaganda durante la Alemania nazi. En este caso, el objeto de la publicidad, la “entidad” a “enaltecer”, es el cuerpo de pilotos de la armada yankee, los mundialmente famosos “Marines”. La historia se desarrolla, tal como predice el subtitulo, en la ciudad de Los Ángeles, (espero para bien de todos que no haya una Batalla de Nueva York, Miami o Chicago”). El muy buen actor que es Aaron Eckhart personifica al sargento Michael Nantz, quien tiene una deuda consigo mismo. Su última misión en Irak termino con todos los soldados a su cargo muertos. Relegado a la función de instructor de futuros marines, debido a un acontecimiento imprevisto y sorpresivo, una invasión de extraterrestres de procedencia desconocida, apremia a los altos mandos a recurrir a sus hombres de mayor experiencia en combates, por lo que es designado como segundo al mando de un grupo de soldados que deberán forzar la resistencia contra el invasor. En el grupo se encuentra, por casualidad, la sargento Elena Santos (Michelle Rodríguez), una “científica” del ejercito. Ellos y sus valerosos compañeros, decirles camaradas sería faltarle el respeto a la palabra misma, constituyen la última línea de defensa. Su misión no es solamente salvar al mundo de la intrusión alienígena, sino antes salvar a la mayor cantidad de civiles posibles, todos una parva de inseguros párvulos, tanto los adultos como los niños, quienes necesitan para sobrevivir que el generoso ejercito de la madre patria los proteja, hasta de su propia impericia. Pero la carga que lleva el sargento a cuestas no será gratuita. Los soldados saben de su pasado, es más, uno de ellos es hermano de uno de los muertos en Irak que sospecha de la pericia del sargento, culpándolo por su muerte. En el transcurso del relato nuestro héroe deberá cambiar ese prejuicio. Lo obvio de lo obvio puesto de manifiesto. Todo es tan previsible, tan ya visto, que a los 10 minutos querés que termine, entonces el resto del metraje se torna soporífero, salvo por los ruidos que emanan de la pantalla, y quizás lo único rescatable, en el sentido de estar bien hecho, que es el diseño de sonido y la banda sonora, no así la música. Tanto la estructura del filme como lo específicamente estético está plagado de tintes, en principio, de dos géneros cinematográficos bien definidos, por un lado el cine fantástico, en tanto y en cuanto fantasía, muy en boga, y no en relación a una calificación de magnifico, y por otro el cine bélico, en este caso tomando prestados muchos elementos clásicos. Son reconocibles, a primera vista, infinidad de producciones que aportaron ya sea argumentos, esto es soluciones a los conflictos o actos fundacionales del relato, a los tradicionales puntos de quiebre para hacer avanzar en el recorrido a nuestro héroes, sino también una idea política bastante reaccionaria por cierto. El primer gran problema, entonces, ya no es la conjugación de géneros, sino las realizaciones a las que se intentan homenajear, o literalmente plagiar, todas del orden de regular a malas, o decididamente fascistas. A la sazón, nos encontramos con elementos de “Día de la Independencia” (1996) o “La Guerra de los Mundos” (2005), pero adjuntándole visos de realidad que las anteriores no tenían, asimismo “Rescatando al soldado Ryan” (1998) o “Vivir al limite” (2009) en el rubro de discurso retrogrado y propagandístico. Si a esto le sumamos que los extraterrestres muñidos de armas sofisticadas, avanzadas tecnológicamente, son al finalizar el relato un cardumen de idiotas, y toda la violencia desplegada por las imágenes tienen como únicos objetivos excitar al espectador, manipularlo empaticamente e instalar discurso. Merece un párrafo aparte el diseño de montaje, que uno podría confundirse y pensar que viene de la mano de la moda, pero nada sería más ingenuo que pensarla de esta manera, el montaje de cortes rápidos, que le imprimen vértigo a cualquier imagen, viene acompañado de una dispositivo visual, que en la mayor parte del filme esta trabajada como lo que se conoce “cámara en mano”, que tiene a mi entender el firme propósito de darle a la imagen características de documental, por ende de realidad.
Lo primero que se puede decir de esta producción es que es realmente irrelevante, ya desde el titulo original “Stone” (piedra) que, más allá de las alegorías, es el nombre del personaje encarnado por Edward Norton, aunque en realidad la construcción del film esta encarada más por el lado del personaje asumido por Robert de Niro (Jack) o, al menos, parece estarlo al principio. La historia se ubica en los años ´70. Jack esta mirando por tv un partido de béisbol, algo sagrado en el país del Norte, cuya esposa es despreciada él, sujeto misógino por actitud y definición, que ante el menor intento realizado por la pobre mujer de “revelarse”, e intentar un abandono del hogar conyugal, Jack amenaza con tirar a la pequeña hija por la ventana. Primero de los traspiés, en este caso atribuible al guión, es que cuando se parece perfilar un drama psicológico nos presenta un salto temporal de 40 años, para encontramos con que Jack es uno de los encargados de discernir si algún preso del establecimiento donde él cumple con sus funciones de servidor público es merecedor de la libertad condicional. El drama psicológico, sustentado en el miedo y en el abuso, presentado en los primeros minutos del relato, se esfumo gracias a esa elipsis temporal. Sólo Dios sabrá que pasó en esos años, ni los espectadores lo sabrán jamás, ni los personajes, ni tampoco el guionista. Ahora conocemos a Stone, quien esta cumpliendo una condena de 15 años, de los cuales cumplió 8, por asesinar a sus abuelos, en pos de un beneficio económico. Su agente de libertad condicional es, por supuesto, Jack, quien duda del cambio que se produjo en el presidiario, cambio de hábitos alimenticios, religiosos, y, por supuesto, conductuales. En ciernes tenemos una disputa entre dos fuerzas antagónicas, una lucha de poder por así decirlo, un juego de gato y de ratón. ¿Qué es verdad y que es mentira? Esto construido a través de códigos narrativos cinematográficos cercanos al thriller. Pero esto también se diluye rápidamente con el sólo fin de presentar al tercer personaje en cuestión, la hermosa Lucetta (Milla Jovovich), novia de Stone. Entonces la realización, además de estar aburriendo por no definirse como algo especifico sino que navega a la deriva, apostando sólo a sostenerse por grandes actores, se vuelve inexorablemente previsible. Amaga con que algo esta por suceder, presentado como barril de pólvora, pero el contenido está mojado por lo que nunca hará explosión. Para colmo, Lucetta es el personaje peor construido, inverosímil desde casi todo punto de vista, a menos que estemos en presencia de una psicosis esquizofrénica con múltiples personalidades, pero entonces estaríamos hablando de otros errores de personaje. Lucetta quiere a su novio de regreso a la casa mientras se procura el sustento como una dulce maestra jardinera, que en las noches de luna llena, y en las otras también, se transforma en una agresiva y sexy come hombres. Ella tratará de seducir a Jack con el único propósito de que liberen a su media naranja, un Jack que ahora es un devoto “esposo”, practicante religioso y receloso servidor de la justicia.¿? El texto fílmico gira. Ahora estamos frente a la disyuntiva interior de Jack, si sabiendo que es una trampa se deja caer en la tentación, mire que la Jovovich es nada más y nada menos que “El Quinto Elemento”. Luego viene la frutilla del postre: el duelo final que nunca sucede.
Érase una vez en el Oeste Esta producción es en apariencia, y a primera vista, más un homenaje a western en general y al western spaghetti en particular, enarbolando el nombre del director italiano Sergio Leone como estandarte, que lo que realmente termina sustentádolo en la categoría de gran filme. Encubre en su construcción y no sólo a partir de los guiños y citas de grandes realizaciones del género, que utiliza, toda una declaración de principios. Tanto desde lo inherente al personaje principal y a los secundarios sino, y como muy bien pensado, desde lo estético, en cuanto a lo visual, particularmente al objeto como enunciado, siendo este presentado no sólo desde lo real sino como una gran metáfora actual. Su objetivo ya no es como solía ocurrir en la semblanza autorizada del género el oro o, más próximo en el tiempo, el petróleo, en este caso es el agua. Elemento vital para la vida. Algo que no he mencionado, es que se trata de un filme de animación, lo que inmediatamente remite al público infantil, pero, como en muchos otros casos, se extiende irremediablemente a la platea adulta. Nuestro héroe es un actor, en el cuerpo de un camaleón, y esto no es ni ingenuo ni gratuito. El primero posee la características de alguien que construye su vida, viviendo vidas ajenas a él, un actor es muchos personajes, al que seguramente y en cada composición se introducen cosas particulares de quien representa. El segundo, es un animal que por dicho popular se viste según la ocasión, ni que hablar cuando se quiere enaltecer a un actor se lo denomina “camaleónico”. Este pequeño animal, actor de profesión, se encuentra por accidente en medio del oeste americano. Llega a un pueblo de nombre “Dirt”, traducido en la versión que se estreno como “Tierra”, pero que en realidad significa “sucio”, a diferencia, o instalado como sátira, ya que era muy común que los pequeños poblados estuvieran denominados por el agua. Como ejemplo pueblos llamados, Clean Water, Green Water , Black Water, etc. En este pueblo el bien ausente, la moneda de cambio y pago, es el agua. Los “raros” habitantes de este lugar confunden al recién llegado, creyendo que se trata de su salvador, se autodenomina Rango, y es nombrado sheriff. Rango jugaría en la vida real el juego que más le gusta que es encarnar un personaje, pero la realidad lo reacomodará y lo pondrá con los pies sobre la “tierra”. ¿Que es lo que nuestro héroe vivirá?, Un sinfín de aventuras teniendo que enfrentarse a sus propios miedos, a los miedos reales y la lucha por la supervivencia, que implica necesariamente el agua. El realizador Gore Verbitzky, responsable de la trilogía de “Piratas del caribe” (2003, 2005, 2007), sale airoso de su primera incursión en la animación para lo que contó con colaboradores de lujo, desde la productora de Gerorge Lucas Industria Ligth & magic, el guionista John Logan, el director de fotografía Roger Deakins, la música de Hans Zimmer y las voces de grandes actores (en la copia en inglés, subtitulada en espeñol) como Johnny Deep (Rango),acompañado por Ned Beatty, Alfred Molina, Harry Dean Stanton, Billy Nighy, lastima que esto último, en la versión doblada al español este irremediablemente perdido.
Engendro producido por Disney Pictures cuyo mayor logro es estar muy bien promocionado, que continúa con la línea de la Saga de “Crepusculo” (“Crepúsculo”, Catherine Hardwicke, 2008; “Luna nueva”, Chris Weitz, 2009; “Eclipse”, David Slade, 2010), esto es historias de amor improbables, destruyendo una vez más el mito de “Romeo y Julieta”, lo que seguramente nuevamente hará que William Shakespeare se revuelva en la tumba. ¿De que trata la historia? En algún lugar de la “madre patria” (EEUU) se esconden seres adolescentes de otro planeta, escapados para su supervivencia, confundiéndose con los terráqueos al mimetizarse con los adolescentes comunes y corrientes hasta que sus poderes estén maduritos y puedan defenderse, mientras tanto un adulto de ese planeta desconocido será su guía personal, tres de estos ya fueron asesinados por sus enemigos, seres en conflicto provenientes de ese mismo planeta. Nosotros, los espectadores, entramos en la historia cuando el ya jovencito John (Alex Pettyfer) y su guardaespaldas devenido en padrastro se ocultan en un pueblito perdido, con el fin de nos ser atrapados por esos malos muy malos. Allí conoce a Sarah (Diana Agron), una joven solitaria, fotógrafa, algo muy cercano a un nerd, pero sin las apetencias científicas e intelectuales de estos personajes iconos de las películas hollywoodenses de teenagers. La idea primordial es que éste joven atlético, rubio, alto, inteligente, atractivo, pase desapercibido en un pueblo chico que cumple el axioma de infierno grande. Esto por supuesto es del orden de lo imposible. Amor a primera vista que se concretará en una segunda oportunidad, mire que extravagancia, la de los guionistas, ¿no? Ya instalada la incipiente historia de amor, guionistas y el realizador intentará distraernos con una subtrama de competencia por ese amor que los dos adolescentes intentarán concretar, pero a los que se sumará, como antagonista de nuestro héroe John, el ex novio de Sarah. Todo es demasiado previsible, ya visto u oído infinidad de veces con el agravante de que esos elementos, que podrían llevar a satisfacer al espectador natural de estas producciones, son de muy mala confección, desde los efectos especiales hasta las supuestas escenas de acción. Pero otro punto posible de análisis de este tipo de productos, y creo que a la postre podría ser importante señalarlo, es el discurso que intenta instalar el filme, desde la premisa que estos seres extraterrestres se enamoran una sola vez y para toda la vida, sin dar mención de una sucursal de la Santa Sede en ese planeta remoto. Pasando por lo kitch y hermoso que quedan los tatuajes en los cuerpos de los jóvenes (el personaje principal tiene marcas identificables por todo el cuerpo), dejando de tratar de profundizar las circunvalaciones del cerebro, que se realiza con el estudio y el uso de la inteligencia. Hasta la promulgación de una nueva máxima: “Mente Tonta en Cuerpo Fuerte”, destruyendo la famosa frase del poeta romano Decimo Juvenal “Mens Sana in corpore Sano”. El que piensa pierde, parafraseando a Les Luthiers
En la vertiente de las películas de acción actuales, con los ingredientes necesarios como para atrapar al espectador, es que se instala esta producción dirigida `por el catalán Jaume Collet Serra. Responsable También de la olvidable “La Huérfana” (2009). Esto no va en desmedro de ser una película de formula, tanto en estructura narrativa, como en montaje, como en el diseño de arte, incluyendo la banda de sonido, clásico todo hasta el agobio, no se cae una gota de originalidad. Pero ¿cuales son estos ingredientes?, el más clásico de todos, personaje principal típico hombre común envuelto en una situación extraordinaria, le agregamos accidente de auto, internación, estado comatoso, (lo sufre el personaje y el texto) durante cuatro días, para despertar sufriendo una amnesia traumática. Amnesia que conlleva a las dudas por su identidad, rápidamente resuelta, pero a pesar de su esfuerzo por reencauzarse en la vida, descubre que nadie le cree que es quien dice ser que es. El es Martin Harris (Liam Neeson), un doctor yankee, que sólo justifica su presencia en esa ciudad alemana por participar de un congreso científico. Pero al empezar a recobrar su memoria, se da cuenta que su esposa (January Jones) no lo reconoce como tal, otro hombre ocupa su lugar (Aidan Quin). Nadie más queda en Europa que lo conozca y pueda testificar en su favor. ¿Se consumó la conspiración? ¿Cuál es la razón de la misma? ¿Quién es realmente el Dr. Martin Harris? Este estado psíquico confucional del personaje (también del texto) al que se le agregan otras tantas vueltas de tuerca, creíbles algunas (las menos) e inverosímiles la mayoría, que dan cuenta de la mezcla de filmes que se pueden reconocer. Empezando por “Búsqueda Frenética” (1988) de Roman Polansky, en el que se repite la del médico en una situación extraordinaria, pero en Paris, pasando por “Identidad Desconocida” (2002) en el cual un hombre despierta en un barco baleado por la espalda y sin memoria, hasta algunos elementos de “El santo” (1997) en donde una científica descubre la forma de generar energía limpia y gratuita, llamada fusión en frió. En esta película los médicos de una organización científica, financiada por un príncipe árabe, inventan el “maíz mágico”, elemento que se podría plantar y crecería en cualquier parte del mundo, como para empezar a resolver el problema del hambre en el mundo, y entregarían gratis la formula. Razón del congreso en Berlín. A la cual se oponen los malos, muy malos, de las compañías alimenticias. Este elemento, que parece menor, en realidad no lo es, ya que intenta equivocadamente acercarse directamente y/u homenajear al gran Alfred Hitchcock. Si bien, este “choclo extraordinario” cumple con el fin del elemento que justifica la acción, no participa del “suspense”. El suspense intenta estar dado por esa maraña de personajes y acciones injustificadas e increíbles. El Dr. Martín Harris en su búsqueda por recobrar su lugar en el mundo, cuenta con el apoyo de Gina (Dianne Kruger), una inmigrante ilegal que trabaja de taxista y era quien manejaba cuando se produjo el accidente, por un lado, y Ernst Jurgen (Bruno Ganz) un detective privado, sin demasiadas razones para vivir, ex agente de la Stassi . Posiblemente esto sea lo mejor del filme, no sólo las actuaciones, sino el casting propiamente dicho. La diversidad del origen de los actores y el juego que los espectadores que juegan en reconocerlos. La pregunta como si fuese un gran Deja Vu ¿De dónde lo conozco?
Hay un axioma cinematográfico, sobre todo cuando se refiere a productos hollywoodenses, que reza: "Si el filme esta basado en hechos reales, no le creas nada". Que queda de esperar cuando al principio de la proyección se puede leer "inspirado en hechos reales", ya ni siquiera "basado". ¿Son sinónimos? No exactamente, por lo cual llevará a confusión al espectador creyendo que verá algo del orden de una realidad, que no es. Sólo puede deducirse que los personajes encarnados por Anthony Hopkins (Padre Lucas) y del inoperante Colin O´Donoghue (Michael Kovac) tienen existencia real, fuera de la pantalla. En tanto y en cuanto a producto fílmico terminado, éste no sólo no aporta nada nuevo, sino que además por lo previsible que se torna a partir de los 15 minutos, aburrida. De que va la historia. Un joven que trabaja en la empresa de la familia, una funeraria, acicalando los cadáveres, decide poner distancia de esa labor tan vital (en sus dos acepciones, la relativa a la vida y la que esta en relación a lo importante) internándose en un seminario para ser un eclesiástico. Pero al final de su estadía en el seminario, tras perder su fe, y luego de presentar su renuncia, es convencido por su maestro y superior (Toby Jones) que se inscriba en un curso de exorcismo en el Vaticano. Es allí donde conoce al padre Lucas y a una estudiante (Alice Braga), pero que en realidad es una periodista que investiga sobre el exorcismo en el siglo XXI en general y en las practicas del padre Lucas en particular. Trío Completo. Sólo resta sumarle, valga la contradicción, la niña que será exorcizada, bromas aparte, cuando el padre Lucas, ante el primer ritual, le dice al joven cura, "¿Qué esperabas, cabezas girando...?”. De allí en adelante, el filme se torna en eso mismo que parece querer ridiculizar y queda en ridículo comparándola con "El Exorcista" (1973), u otros guiños comparativos, como que la niña este embarazada, ¿por el diablo?, reminiscencia de "El Bebe de Rosemary" (1968). Recurriendo a infinidad de lugares comunes del género, degenerándolo. En cuanto a su estructura narrativa, es clásica, lineal, sólo algunos flashback, intentan mínimamente romper con la monotonía de la linealidad del relato. Todo el diseño de arte esta trabajado en función de la imagen y de la historia, no hay contrapuntos de ninguna naturaleza, sólo afirmación de lo mostrado, desde todo punto, música empatica, exabruptos sonoros para asustar, que no cumplen con su cometido, la fotografía acorde a lo narrado. Ni hablar de un guión casi inexistente, pobrísimo, donde lo más importante, esto es la confrontación entre el escepticismo del joven y la fe del viejo cura, sólo esta nombrada sin desarrollar. Todo esto sucede después de esos primeros quince minutos iniciales donde parecía prometer ser otra cosa, pero que se empieza a diluir hasta convertirse en un mar de inoperancia. En relación a las actuaciones, el gran Anthony Hopkins, paso, lo hizo de taquito, cobro y se fue; Alice Braga pone su belleza; Rutger Hauer vuelve con oficio; Toby Jones esta netamente desperdiciado, y el actor protagónico no seduce a nadie.
Más corazón que odio "Temple de acero" de los hermanos Coen se estrena en la Argentina, al que algunos llamarán "remake", pero que a mi entender es más apropiado definirlo como una re-lectura. Por la novela que le dio origen, ya fue filmada, su autor Charles Portis fue reconocido por su eficacia al instalar una mirada entre ingenua y humorística, sacándole pomposidad al western, pero sin traicionar el género. Allá por finales de los ´60, Henry Hathaway fue el realizador responsable del filme, y el actor John Wayne recibió su único premio "Oscar", en 1969, por la composición de éste personaje, un ex- sheriff borracho y en decadencia. En realidad, la injusticia se instalo pues el mítico actor estaba enfermo y prefirieron darle un premio en vida. Ese año competían además por el premio al mejor actor protagónico, Richard Burton por "Ana de los Mil Días", Peter O´Toole por "Adiós Mister Chips", Dustin Hoffman y Jon Voight ambos por "Perdidos en la Noche". Mi corazón estaba con Dustin Hoffman, y mi odio se instalo con John Wayne, en realidad cualquiera de los otros cuatro hubiera merecido el premio, pero Hollywood ya tenia esas cosas "sentimentaloides". Pasaron más de cuarenta años. Ethan y Joel Coen rinden con éste producto un gran homenaje a todos los directores que tuvieron su estrella con el western, género típicamente cinematográfico y casi el único aporte al séptimo arte por parte de Hollywood. El film comienza con la frase bíblica "Huye el impío sin que nadie lo persiga", situación que lo instala como un producto netamente reconocible de los Coen como autores, basta con recordar su ultima producción "Un Hombre Serio" (2009), para dar cuenta de ello. Una voz en off nos narrara la historia, es la voz de una chica de 14 años, que dice que ese hombre muerto que vemos es su padre, asesinado, y ella va a tratar de que se haga justicia, o al menos vengarse. Esta es la historia: una niña que buscará por todos los medios lograr ese objetivo, y no duda en contratar al sheriff Roster Cogburn, malhumorado, viejo, borracho, violento, interpretado magistralmente por Jeff Bridges. Ella es Mattie Ross, gran revelación de la pequeña actriz Hailee Steinfeld, un personaje movido por el odio, que al final mostrara su tierno corazón. A ellos se les sumara en la travesía, el ranger texano llamado Laboeuf, (Matt Damon), quien también busca al mismo asesino, pero por otro hecho. El film tiene estructura clásica desde todo punto de vista, narrativa, visual, pero además desde el diseño de producción y de arte específicamente, y se la puede dividir en dos partes bien diferenciadas. La primera, que se desarrolla en la pequeña ciudad, donde las escenas se desarrollan en espacios cerrados, interiores, y en el que los personajes son presentados con todas sus características. El segundo, en donde se desarrolla la búsqueda, en que se incorpora como otro personaje importante el espacio abierto, la inmensidad del territorio desértico, inhóspito, peligroso. Para poder darle esta impronta ya característica de los hermanos Coen, contaron nuevamente como colaborador en la dirección de fotografía a Roger Deakins. En cuanto a la progresión dramática del texto, el personaje actante, esto es el que mayormente mueve a la acción, y la elección del punto de vista recae en la niña, pero no por ello, el guión pierde eficacia. Todo lo contrario, ese humor ácido, cínico, irónico, de los realizadores esta presente, y por momentos roza la línea del humor negro. Esto esta instalado no sólo desde los diálogos, casi todos en la boca del sheriff, sino también en la construcción de los personajes, donde Labeouf casi llega a la caricatura, sin serlo, y los malvados, principalmente el asesino buscado Tom Chaney (Josh Brolin), quien tiene toda la impronta del perdedor sellado en la frente, pero con el agregado de tonto practicante. Sólo se le puede endilgar cierto discurso un tanto reaccionario, en cuanto a la importancia que se le da al hecho de tomar a la justicia por mano propia, pero que se diluye en el entramado de la relación entre los tres personajes principales. Esta producción tiene 10 nominaciones a los premios de la Academia, fue muy bien recibido por el público y la critica en general, lo que en cuanto a coincidencias no es poco decir.
Varias son las mentiras que hacen no creíbles este producto fílmico de origen uruguayo, promocionado como la primera película latinoamericana de terror filmada en un plano secuencia, y/o con una cámara de fotos digital. Según reza al comienzo esta inspirada en hechos reales. La primera gran mentira es decir que es un plano secuencia de 78 minutos. Vayamos por partes, un plano secuencia tiene determinadas características, la más importantes es que una sucesión de imágenes registradas en una sola toma, variando los encuadres, con una acción que por su prolongación y contenido pueda considerarse una secuencia. Definamos secuencia, es una unidad narrativa, constituida de acuerdo a un criterio dramático, posee principio, desarrollo y fin. En este ejercicio fílmico, sí hay cortes, fundidos a negro, elipsis, y el criterio narrativo, que incluiría desarrollo de los personajes, su credibilidad, brilla por ausencia. La historia comienza cuando dos personas van caminando a campo traviesa, escuchamos música extra diegética, empática en relación a la imagen, con cierto sentido de instalación del genero. Esta sería la más logradas de las escenas de todo el film. Corte. Estos dos personajes llegan a una casa supuestamente abandonada, los están esperando, la idea es que ellos la arreglen pues la intención del tercero en cuestión es venderla. Corte. Entran a la casa ellos dos, solos, ¿Y NO ABREN UNA MÍSERA VENTANA? Todo el resto del film intenta tener la misma estética y el mismo diseño de sonido- De las ultimas películas del genero, todas hijas dilectas de “El proyecto Blair Witch” (1999), en relación a la última secuencia de ese famoso y sobrevalorado film yankee, esto es mediante el uso de la cámara en mano, movimientos bruscos con la misma, oscura, nada es visible, montada sobre una banda sonora que apela al exabrupto del volumen para sobresaltar al espectador. Manejo de la luz en forma caprichosa, por ende injustificada. Estos dos personajes, que enseguida sabemos son padre e hija, entran muñidos de lámparas y/o linternas, se “sientan” a dormir, para empezar las tareas al día siguiente. Corte. Fundido a negro. Se escuchan ruidos, el espectador los escucha, la hija los escucha, no el padre que, alertado por la hija, sube las escaleras para investigar en el piso superior el origen de esos ruidos que el no escucho, la cámara se queda con la hija. Ruidos. Corte. La hija va en busca de su padre, lo encuentra mal herido, o muerto, no se ve demasiado bien. Sangre en el padre, sangre en la remera de la hija, y ruido. “Ruidos, mucho, mucho ruido, ruido de tijeras, ruido de escaleras que se acaban por bajar, tanto, tanto, ruido” (Perdón Joaquín Sabina). La otra gran mentira esta en relación con el verosímil del relato en forma indirecta, y en forma directa con la construcción de los personajes, en especial con la de la hija, ya que es el personaje actante, mal cimentado, pues debería realizar acciones y sólo grita, llama, llora, y pone caras. Situaciones y hechos que no producen ningún cambio ni en ella ni en los demás, ni en la historia, ni en el espacio, fundamental en un personaje de estas particularidades. No sólo eso, en relación al relato correspondería justificar el accionar del padre, ¿pero como es que no lo vemos más? ¿Deberíamos suponer que sucedió arriba? Todo este engendro, más cercano a un juego de personas que, gracias al acceso a la tecnología, jugaron a filmar algo que creen es un filme. Pero el cine no es un juego. Lo que si destaca es la ausencia total de un guión coherente, sólo una idea no desarrollada. Sobre el final se produce un giro narrativo, totalmente infundado, que intenta burlarse y ridiculizar al espectador, dando las pistas del origen de la idea en unas fotos y unos recortes de diarios, de un hecho de violencia ocurrido en Uruguay. Corte. Créditos. Corte. Ultima escena fuera de contexto, un personaje con su accionar, contradice las ultimas imágenes vistas anteriores a los créditos.
A simple vista uno podría decir que estamos frente a un filme que intenta hacer una radiografía de la mujer, del mundo interior femenino, más específicamente de la relación madre – hija. Las formas elegidas por el hijo de Gabriel García Marquez tienen su sello, generar empatía total tanto desde lo relatado como desde la imagen y la banda sonora. Para ello y para asegurarse el éxito es que recurre a grandes y/o famosos actores que le terminan por cerrar el negocio. Desde lo específicamente cinematográfico, éste producto es un catálogo de lugares comunes, plagado de golpes bajos, sentimentaloides, lacrimógenos en exceso, argumentando historias aisladas a las que intentan darle un viso de universalismo que, a la postre y por los resultados, no aparece, no puede aparecer, ya que es una historia con tres personajes que se encuentran y desencuentran. Con una estructura más cercana a “21 Gramos” (2003) que a “Amores Perros” (2000), y esto tiene su explicación ya que uno de los productores ejecutivos es nada menos que Alejandro Gonzáles Iñarritu, el director de las mencionadas anteriormente. Estos personajes son Elizabeth (Naomi Watts), una joven de 36 años, soltera, profesional, a la que lo único que le interesa es su carrera. Fría, calculadora, dominadora, avasallante. De la misma forma en que se conduce a nivel laboral construye sus relaciones sociales, distantes, sin un mínimo de posibilidades de dar o recibir afecto. Luego aparece Lucy (Kerry Washington), una joven mujer negra que no puede quedar embarazada, y que arrastra a su marido Joseph (David Ramsey) a la posibilidad de adoptar. Por ultimo, en este triangulo de personajes esta Karen (Annette Benning), una mujer amargada, triste, que toda su vida se centra en el trabajo y en el cuidado de su madre enferma. El nexo de estas tres mujeres será la hermana Joanne, una monja que trabaja en un centro de adopciones y que en algún punto de la historia termina siendo determinantes para todas estas mujeres. Con el devenir de los minutos sabemos que Karen cuando tenia 14 años fue obligada por sus padres a dar en adopción a su bebe, al que nunca vio, éste bebe es Elizabeth, que nunca conoció a su madre biológica. También sabemos que este hecho forjó que Elizabeth, muy joven se hiciera ligar las trompas pues descree de la maternidad. Pero como dice el personaje Dr. Ian Malcolm (Jeff Goldblum) en “Jurasic Park” (1993) “la vida se abre camino”. Elizabeth queda embarazada, de una de las tantas relaciones casuales. La historia de Lucy es la menos desarrollada, pero es la que finalmente termina dando el cierre a todas las historias. Un cierre bastante redondo, atiborrado de discurso eclesiástico, donde se prepondera la relación de sangre sobre la construcción de los vínculos afectivos. En toda esta maraña de situaciones el lugar del hombre queda desplazado, a un segundo lugar, tanto Joseph, el marido de Lucy, como el jefe de Elizabeth, Paul (Samuel L. Jackson), quien será uno de sus amantes ocasionales, desaparecen de la misma manera que aparecieron, sin dejar rastro alguno. En síntesis, un film muy bien filmado, respetuoso de un guión bien elaborado, y con infinidad de detalles, y muy buenas actuaciones. Lo que en el exterior del relato parece ser una o varias historias de madres e hijas es en realidad de la imposibilidad de algunas en concretarlo. Aparenta una bondad que no resiste el mínimo análisis en profundidad, cuando esto sucede termina siendo un texto falso, nimio y por momentos hasta peligroso desde el discurso.
Esta realización, sugestivamente promocionada, empezando por el titulo, traducción literal del original en ingles, pasando por los afiches con una imagen seductora para la platea masculina pero con un discurso atemorizador dando lugar, de esta manera, a instalarla dentro del genero del terror. En realidad podría decirse que, desde el comienzo del filme, hay uno primeros intentos narrativos de colocarlo como un thriller psicológico, con mucha violencia implícita para terminar en un juego perverso de violencia explicita glamorosa y excitante. De terror nada. Si imágenes perturbadoras visualmente El primer gran defecto de esta remake esta en relación directa con la original, en el que una mujer hacia uso de las armas de seducción características del genero femenino en pos de lograr el objetivo de vengarse. En esta, nuestra heroína se constituye de buenas a primera, y sin una justificación desde la instalación del verosímil como una nueva Ellen Ripley (la heroína de “Alien el octavo pasajero” de 1979), pero su adversario no es un extraterrestre, sino seres humanos de la más baja calaña, es entonces que realiza acciones que no dan con el fisic du rol. O sea, nadie podría creer que esta linda y bella joven tenga desde el vamos la fuerza física para realizar lo que realiza, y tampoco construyen al personaje como para hacernos creer de su entereza psicológica, pero, bueno, ya que estamos creámosle. La historia, también bastante incoherente, a partir que uno la piensa, es de una joven escritora que decide irse a vivir al medio de un bosque para inspirarse y escribir una novela, donde alquilara una casa perdida, cerca de un pueblo chico, muy alejado de alguna gran ciudad. Algunos verán elementos del subgénero llamado gore, pues hay imágenes de violencia explicita que no trata de insinuar nada, lo muestra. Posiblemente lo mejor de este texto este en el trabajo que se toma nuestra heroína en castigar a cada uno de sus atacantes con aquellos componentes que le dan placer. En cuanto a su construcción y diseño, digamos que es una producción clásica, con una buena banda de sonido y dirección de arte al servicio del relato, principalmente la fotografía. Desde un punto de vista caviloso, y por ende peligroso, deja entrever la posibilidad de la justicia por mano propia como algo sustentable, todo esta puesto de manera tal que el espectador sienta empatía con el personaje principal, cuando en el filme se produce el último giro narrativo y se precipita el desenlace. Sólo la última imagen deja abierta dos interpretaciones, una es la posibilidad de una continuación, la segunda vea la película para saberlo. Los amantes de este tipo de propuestas, estarán de parabienes.