Acción y nostalgia Y llegó el final de la saga. Luego de 21 películas, el mundo de Marvel para "Los Vengadores" toca su fin. Atrás quedan las increíbles aventuras de sus personajes obnubilados por la catástrofe que se desató sobre el Universo. Thanos, presente en algunas de las tantas aventuras fílmicas de los superhéroes, logró su cometido. Acabó con la mitad del universo y muchos de los afectos de los superhéroes. Reunidos alrededor del líder, Tony Stark (Iron Man), deciden que la mayor solución es aliarse, integrarse en una fuerza compacta para lograr quedarse con las Gemas del Infinito, gracias a las que Thanos logró apropiarse de todo. "Avengers Endgame" comienza con el entorno de la catástrofe y el fantasma de la muerte rondando, apropiándose de Tony Stark. Sin embargo, aquí el tiempo va a ser el gran protagonista del final de la saga porque los superhéroes se dan cuenta que la única manera de apoderarse de las Gemas de Infinito es dar vuelta el tiempo como un guante. Que esto que les comentan, que Thanos se apropió de las Gemas no ocurra. Y así toda la acción se centra en ese tiempo en reversa al que los protagonistas deben ingresar para lograr lo imposible. HUMOR Y EFECTOS Encuadrados en el núcleo del tiempo y la premisa del humor, una constante en los diálogos, el filme se abre en capas de distintos espacios y tiempos donde los personajes intentan que lo que en realidad ocurrió, no pueda ocurrir. Luego de una primera parte abundante en sentimientos de melancolía, recuerdos y emociones, la aventura revive. Con el concepto de unión y fraternidad como base, los superhéroes reanudan su misión a favor de la humanidad. La presencia de la gran familia Marvel permitirá cerrar algunas historias como la de Thor, guerrero asgardiano y dios del Trueno, que se reencontrará con su madre (Michelle Pfeiffer), o el playboy y filántropo de los Vengadores, Tony Stark (el gran Robert Downey), con su rubia prometida Pepper Potts. También habrá nuevas revelaciones con la presencia del Anciano Sabio (Tilda Swinton), la historia de las hermanas criadas por Thanos o el recordado Ojo de Halcón, arquero e integrante de la agencia S.H.I.E.L.D. Todo irá girando hacia la Batalla Final en que eclosionará el Universo Marvel con personajes de todas las áreas que reaparecen para dar formidable golpes a la par del inolvidable Hulk, la gran creación de Mark Ruffalo. Con los mejores efectos especiales, un aquelarre de monstruos peludos, ballenas gigantes y bicharracos que reptan se batirán con una marea humana de superhéroes. Ant-Man y la Viuda Negra, el Capitán América y el Hombre Araña, Pantera Negra o el Soldado de Invierno, y todos los superhéroes animarán un épico final. Un final con mucha nostalgia y oscuridad en el comienzo y la locura de la Batalla Final, con actores que nunca pueden olvidarse, como Robert Downey, Scarlett Johansson o Mark Ruffalo, y el pequeño mapache parlante.
El filme de Miguel Kohan, a través de un relevamiento por distintas zonas de Latinoamérica, da cuenta de la presencia judía en sitios como las selvas de Surinam, Paramaribo, Caico, Serra Do Vento, en el nordeste de Brasil, y Jamaica. Sinagogas, cementerios, lápidas desenterradas bajo la exuberante naturaleza tropical hablan de protagonistas de la diáspora que van dejando testimonios de ellos mismos mientras huyen de la persecución religiosa, de la intolerancia, del poder de la Inquisición en épocas de oscurantismo. A partir de las preguntas sobre identidad judía planteadas al historiador Mordechai Arbeli en Jerusalén, el joven director Kohan ("El Francesito", documental sobre Enrique Pichón Riviere) emprende un viaje por diferentes lugares de Latinoamérica. Lugares donde incluso se revelan curiosidades como la colaboración indígena (arawakas) con las comunidades de judíos que se establecen en la zona, a diferencia de los proverbiales distanciamientos con otras comunidades que pretendieron interferir en sus creencias ancestrales. El hallazgo de lápidas en hebreo, en ladino, en holandés, en zonas que se constituyeron como colonias del país, fijan la importancia del éxodo. Relevamientos en Surinam, primera colonia judío sefaradí desde el siglo XVII, dan cuenta de la presencia de edificios destinados al culto judío que incluso fueron testimoniados por el pintor Pierre Jacques Benoit en obras pictóricas como "Jerusalén a orillas del río" (1830). La tradicional imagen de una colectividad dedicada al comercio es modificada sabiendo la importancia que tuvieron estas organizaciones en zonas de Surinam y Jamaica con el cultivo y la industria referida al cacao, la vainilla, el azúcar y sus posteriores exportaciones. INVISIBILIZADOS Así, florecientes negocios fueron interrumpidos cuando los precios de los productos dejaran de ser convenientes y Africa y sus colonias desplazaron a las americanas. Un cuidado trabajo el de este filme en el que figuras de la investigación y la ciencia, como la arqueóloga Rachel Frankel, aportan su testimonio y permiten visibilizar aspectos hasta ahora ignorados de la presencia judía en América.
Dante todavía no llegó a la adolescencia. Se mantiene con el difícil equilibrio entre dejar de ser chico y convertirse en un adolescente. En momentos en que sólo le debería preocupar la escuela y la compañerita del colegio que comienza a gustarle, el hogar exige atención. Es que su padre ya se convirtió en un alcohólico y entre que no se lleva bien con la esposa y los problemas económicos, el hogar en que viven Dante y su hermano mayor entra en dificultades. En un marco de abuelos y vecinos solidarios (los directores Junco y Midú son creadores del aquel proyecto ya convertido en realidad "Cine con vecinos"), la iniciación hacia la adolescencia de Dante tendrá sus momentos difíciles. EN SALADILLO Fabio Junco y Julio Midú entregan una cálida comedia dramática, mínima y emocional que con pocos elementos se acerca a la espontaneidad del espectador. Filmada en Saladillo con gente de la zona y algunos actores profesionales "Hojas verdes de otoño", sencilla en la estructura, mínima en los diálogos, narra con simpleza un tema de todos los días con personajes que todos conocemos. Y simplemente llega por eso, por su calidez y espontaneidad y el hecho de tomar temas reconocible y propios, la familia en peligro por las adicciones, la fuerza de los viejos que apuntalan un hogar en peligro, más allá de su fragilidad y el compromiso de un chico con su gente, parientes y vecinos. Aunque hay cierta precariedad en los recursos narrativos y algunos momentos en que la narración se estanca, la validez emocional de la historia familiar se impone ayudado por la actuación con el aporte de un debutante, el niño Bautista Midú, como protagonista, rodeado de figuras valiosas, Marcelo Subiotto, el actor de "La luz interior" como el padre, Mimí Ardú en el papel de la madre y Osvaldo Santoro y Pochi Ducasse, como los abuelos.
La venta de garaje la asociamos a gente madura que se quiere mudar, amiga de la innovación, deseosa de conseguir una buena recaudación para comprar cosas que en su vida siempre desearon. Por el contrario, Claire Darling pone su exquisita colección de objetos y todo su pasado en una venta que decide el primer día del verano, como fruto de una revelación. Una amiga de su hija es la que le avisará a Marie, distanciada de la madre, quien trata de volver a comprar lo que los vecinos se llevan por nada. En Verderonne, un pequeño pueblo cerca de París, una burguesa de buen pasar parece querer rifar el pasado como un castigo a sus penas o vaya a saber por qué motivos. Cuando Marie, la hija mayor aparezca luego de veinte años de distanciamiento todo se complicará porque recuerdos, decepciones, alegrías, debilidades de una vida larga y rica, la de su madre, comenzarán a ventilarse y a ser revisados. Estamos ante un filme basado en una novela que Linda Rutledge escribió hace siete años por el que ganó el premio de la Liga de Escritores de Texas ("La última venta de garaje de Faith Bass Darling"). La directora Julie Bertucelli elige a una gran comediante, Catherine Deneuve, que con su particular carisma eleva inmediatamente esta comedia dramática que tiene al pasado y al presente como protagonistas, en un entrelazamiento que define una personalidad luminosa y compleja como la de la señora Darling. VIAJE EN EL TIEMPO El filme recuerda algunas narraciones de Flannery O"Connor, la tradicional escritora norteamericana, admirada por Linda Rutledge y en la que el tema del pasado sobresale en la definición de la identidad. Así, en base a flashbacks que contienen historias de lo que ocurrió en la vida familiar de la protagonista, el filme, con toques de humor, buen gusto y melancolía, va desarrollando su viaje en el tiempo. Buen momento para disfrutar de un mito como es Catherine Deneuve y recordar a través de su hija en la película y en la vida real a otro mito del cine como fue Marcelo Mastroianni, que asoma en los ojos de Chiara Mastroianni, una sensible actriz, heredera de su melancolía y calidez. Un filme de objetos bellos, de recuerdos que definen momentos con elegancia y humor fino.
Luis Palau es un líder religioso evangélico nacido en nuestro país y nacionalizado estadounidense. Se considera que ha llevado la palabra de Dios a un incalculable número de personas en el mundo a través de sus reuniones cristianas a lo largo de 65 años de actividad. Actualmente vive en Oregón con su familia y mantiene una actitud positiva ante la enfermedad que le ha hecho disminuir sus acostumbradas giras mundiales. El filme de Kevin Knoblock fue producido por Ollawood Productions y Rivka Entertainment Group, en colaboración con la Asociación Luis Palau, y da a conocer momentos de su vida. La película toma a Palau niño en el lugar donde nació, Ingeniero Maschwitz, una localidad en el partido de Escobar. Huérfano de padre a edad temprana e integrante de una familia de clase media, sus tempranas prédicas religiosas llaman la atención de Howard Hendricks (Scott Reeves en el filme), importante mentor de líderes religiosos de la Iglesia Evangélica, que le ofrece una beca en los Estados Unidos. La mala situación económica en que queda la familia Palau hace que el jovencito comience a trabajar en un banco de la zona. Posteriormente aceptará la beca instalándose en una pequeña ciudad estadounidense, donde se casará con una joven norteamericana que lo acompaña en su tarea evangelizadora. El encuentro con el famoso predicador cristiano evangélico Billy Graham (Darren Dowler), célebre por sus sermones en radio y televisión, le abre las puertas en la organización de la divulgación evangélica. Palau, con 26 años, se inicia con su esposa, en Fresno, California, en su tarea de predicador convirtiéndose en traductor al español de Graham en algunas de sus giras, iniciando una relación que se mantuvo toda la vida. APENAS CORRECTA "Palau, la película" es un filme convencional, formalmente correcto, con la inclusión de algunos fragmentos de noticieros y fotos fijas que suplen la austeridad en la filmación de exteriores. La película incluye algún personaje de la guerrilla, sin desarrollo en la composición, como para dejar sentada la concepción de oposición al comunismo y la violencia, y mantiene un criterio apologético. De este modo, sigue la figura protagónica de un predicador actualmente de 84 años, con cuatrocientas campañas evangélicas en sesenta países. Cruzadas que no impidieron críticas de la ortodoxia cristiana ante sus declaraciones de ecumenismo con motivo de la asunción papal. Gastón Pauls hace una correcta interpretación del predicador afrontando el desafío del idioma (el espectador no sale indemne de este desafío). Junto a él, el joven actor Santiago Achaga, que lo interpreta de adolescente; Alexandra Bard en el papel de esposa y Alexia Moyano como la madre, completan el cuadro familiar. Momentos de la tarea evangelizadora a partir de su llegada a Bogotá, fragmentos de noticieros referidos a golpes de estado latinoamericanos y pasajes de sus visitas a nuestro país forman parte de este filme coproducido por Estados Unidos y la Argentina, que finaliza con una invocación por parte de Luis Palau a abrir nuestro corazón a Cristo.
El tema del horror que aparece en situaciones cotidianas y con gente común es una de las características de las narraciones de Stephen King. Llamado "el rey del horror", el escritor norteamericano, hace más de cuarenta años, mantiene en vilo a quienes compran sus novelas y cuentos. Por no hablar de la gente que va al cine y ve su obra en imágenes que interpretaron Jack Nicholson ("El resplandor"), Sissi Spacek ("Carrie"), Kathy Bates ("Misery") o Pierce Brosnan ("Una bolsa de huesos"). "Cementerio de animales" replantea el tema de la muerte a través de un esquema sencillo. Un joven médico, su esposa y sus dos pequeños hijos eligen un lugar alejado de la gran ciudad y muy cercano a un bosque, como su hogar permanente. Lo hacen por elecciones laborales, sumadas a un deseo de vivir en un lugar tranquilo. Luego de un extraño hecho con un paciente accidentado que llega al hospital donde atiende Louis Creed, la irracionalidad comienza a manifestarse. Desde un cementerio indio que el pueblo usa de albergue final para sus mascotas y resulta pertenecer a la nueva propiedad de los Creed, hasta la presencia de un viejo vecino del que se hacen amigos y que les contará lo que pasa en la zona, donde la próxima víctima será Church, el gato de la familia, que, lógicamente, será enterrado en el cementerio indio. La versión actual, basada en el original literario de 1983, presenta algunos cambios que los guionistas dieron al texto, reacondicionando el tema base, el ancestral temor a la muerte y la natural aprehensión a aceptarla. El mismo autor cuenta que "Cementerio de animales" se inspiró en un relato de William Wymark Jacob (W.W. Jacob), escritor británico que en 1898 escribe "La pata de mono". El tema de la muerte y la posibilidad de resurrección se repite a lo largo de las épocas y actualmente es retomado por un destacado seguidor de King, el nórdico Ajvide Lindqvist ("Déjame entrar"), cuando plantea en alguna de sus novelas qué pasaría si nuestros muertos volvieran a la vida tal como murieron y quisieran recuperar sus espacios. ATMOSFERA INQUIETANTE "Cementerio de animales" reaparece casi treinta años después de la versión de Mary Lambert, que estrenada a fines de la década del "80 con una producción de 11 millones y medio de dólares, recaudó 57 millones. Aquella respetaba el contenido de la novela original, aunque no excedía la medianía general de las producciones de género, mientras que esta producción de Kevin Kolsch y Dennis Widmyer muestra modificaciones. En líneas generales, el filme exhibe una primera parte correcta con lograda atmósfera y tensión, donde el fuera de campo sonoro alcanza el clímax deseado, acompañada de correctos intérpretes. Se destacan Amy Seimetz y Jeté Laurence, la nena de "El muñeco de nieve", el thriller de Tomas Alfredson. Un viejo conocido, John Lithgow, que supo iniciarse cinematográficamente con otro mago del horror, Brian de Palma ("Obsesión"), reaparece en el papel del vecino misterioso. El problema que se presenta en esta versión es que entra en el campo minado del exceso y las exageraciones, con abundantes litros de sangre y un mal gusto considerable. Lo hace en la última parte del relato. Los directores transforman la historia en una mezcla en que gatos crispados, nenas peligrosas, vecinos culposos y mamás con traumas no resueltos apuestan a quién utiliza mejor las armas de la casa. A pesar de eso sigue siendo entretenida para los adictos al género.
El filme de Incalcaterra y Quattrini es una continuación de su anterior documental, "El Impenetrable", donde planteaban la azarosa aventura de heredar 5.000 hectáreas en el Chaco Paraguayo y tratar de donarlo como reserva ecológica. Tanto ésta como aquella revelan la necesidad de tomar medidas para evitar la deforestación que tiene lugar en el continente y los problemas, no sólo burocráticos, que se presentan y pueden postergar los mejores deseos. Paraguay parece tener el récord en cuanto a deforestación, con sus 2.000 hectáreas de bosque destruidos por día. Su situación no difiere demasiado de otros lugares del mundo con temáticas similares, que dejan al descubierto intereses de grandes propietarios, sumados a apoyos estatales conflictivos, indiferencia hacia los derechos ancestrales de las poblaciones indígenas y acciones de bandas contratadas para violar la justicia. El filme, premiado internacionalmente, incluso en el Festival de Mar del Plata, muestra al director que ya concedida la posibilidad de donación de las tierras heredadas con el objetivo de convertirlas en reservorio natural (con intervención del entonces presidente del Paraguay Fernando Lugo), vuelve al punto cero cuando los contratos de posesión de la tierra revelan otro dueño. Una serie de inconvenientes apoyan la elección de ganancia inmediata que hacen grandes empresas y productores independientes con la rentable siembra de soja y utilización de tierra para ganado. La devastación de la tierra, su desertificación con el tiempo, sería una realidad de no tomarse medidas que las reuniones de guaraníes ñandeva, sus verdaderos dueños, apoyan. MOSTRAR EL PROBLEMA "Chaco" se detiene en la zona en litigio mostrando la riqueza de la naturaleza, las reuniones tribales en la zona y las de Daniele Incalcaterra con sus abogados o con políticos en encuentros que incluyen al ex presidente Lugo convertido en senador y apoyando el proyecto "Arcadia". La película, extensa en su desarrollo, abunda en acumulación de conflictos, incluídas las objeciones de los beneficiados guaraníes ñandevas, que no aceptarían lo que ellos consideran "comercialización de la Madre Tierra". Más allá de esto, "Chaco" cumple con su función de alertar sobre los problemas ambientales y visibilizar factores decisivos en la gestación de una catástrofe que puede ser evitable. El futuro dirá si la Arcadia se convertirá en hogar de todos los hombres o sólo será recordada como la mitológica región del Peloponeso, propiedad del Dios del Bosque (Pan), sólo habitada por seres sobrenaturales.
Mariano no está conforme con su trabajo. Un empleo burocrático lo mantiene adosado a un salario fijo; las vacaciones, el aguinaldo que ayudan a la estabilidad de un hogar feliz, con una esposa comprensiva y una nena en la primaria. La posibilidad de un retiro voluntario, la charla con algunos compañeros que lo desmoralizan aún más respecto al futuro de la empresa, lo ayudan a decidirse. Su padre jubilado le dará el empujoncito final. Le habla del kiosco del barrio que se vende. Hay razones emotivas que unen a Mariano con ese kiosco. Fue el primer lugar adonde fue solo. Eso y otras pequeñas cosas contribuyen a que se encuentre al frente del pequeño negocio. Pero los tiempos de bonanza no son muchos y un desvío de calle, que también va a ayudar a desviar a la gente del lugar, lo sumerge en un drama. De eso trata "El kiosco", un ícono nacional. Mínimo emprendimiento que con no demasiado capital permite un pasar potable en un país siempre en crisis. De los problemas que su nuevo dueño tiene que pasar trata esta ópera prima de Pablo Gonzalo Pérez. LUGARES COMUNES Conocemos a Pérez de aquella "Te llevo en la sangre", una de las "Historias breves" que en 2004 levantaron la edición IV, un clásico cinematográfico nacional. Su atractivo tema, bien llevado, con interesantes personajes, lo destacaron del resto. También Roly Serrano formaba parte del elenco. "El kiosco" es un filme a medio camino, con abundantes lugares comunes, cierto manejo que recuerda las producciones televisivas masivas de la década del "80 y un humor pasatista pleno de clichés. Ni los personajes, en general estereotipados, escapan a esta fórmula. Sólo es posible rescatar las actuaciones. Bien Echarri en su Mariano, con un Roly Serrano que se mete al público en el bolsillo con su "pizzero sanador". El elenco se completa con Georgina Barbarossa, que hace lo que puede con esa suegra con atributos que no escapan a un modelo gastado de la televisión, y Mario Alarcón como el kiosquero de la infancia.
Un joven editor, Morton Vint, obsesionado por un poeta al que admira, Jeffrey Aspern, se lanza a la aventura de conseguir sus cartas íntimas. Muerto trágicamente muy joven (1822), su amante es la heredera y, ya anciana, vive en un palazzo veneciano. Morton Vint, con otro nombre, se convierte en "pensionista de lujo""del lugar y trata de ganarse la amistad de la vieja señora y su sobrina, una madura y discreta señorita criada por Juliana, la que fuera amor del poeta. Versión de una novela corta de Henry James, notable autor de gran influencia en la novela moderna, "Los papeles de Aspern" es una atractiva aproximación a su personal universo. En su desarrollo se aprecian puntos alrededor de los cuales giró el mundo de James. La fascinación por lo europeo, el enfrentamiento entre el Viejo y el Nuevo Mundo, el culto a la personalidad y un conglomerado de sentimientos en sus personajes que van de la pasión a la ambigüedad y a la incertidumbre. TALENTO Y MODA Curiosa ópera prima en la que se mezcla a través de sus intérpretes el glamoroso mundo del modelaje con el del talento de ""pura sangre teatral"". Así se puede degustar un capolavoro de Vanesa Redgrave como Juliana, la amante de Aspern y dueña de sus secretos, sumado a otro estilo de actuación hecho de miradas y silencios de su hija, Joely Richardson ("Millenium"), en el papel de Tina, sobrina de la gran señora. Con ellas, el mundo de la moda, representado por Jonathan Rhys Meyers (modelo de Hugo Boss y actor de "Match point"), un Morton Vint errático y altisonante; Jon Cortajarena, la figura de Aspern joven, pero también de los desfiles de Tom Ford y Guess. A ellos se suman Poppy Delevingne, que compatibiliza esta señora Colonna con ser modelo de Vuitton, y las dos más jóvenes del grupo, Barbara Meier y Morgane Polanski (hija de Roman), como Emily y Valentina, hijas de la mentora de Morton Vint en la película y reinas de la pasarela de MayBelline y Miou Miou en la vida real. "Los papeles de Aspern" exhibe un cuidado pero acotado diseño de producción que se desarrolla mayormente en Venecia, amada por Henry James. Los exteriores (incluídas escenas de su célebre carnaval) remiten a filmes de James Ivory, uno de los productores de esta cinta. CREDITO ABIERTO En cuanto a las imposibles escenas eróticas de los flashbacks, con su anacronismo y evanescencia kitsch, remiten al pasado de Landais como director de videoclips y plataformas de moda, pero también a un estilo peleado con el buen gusto que exhibió un director ya olvidado, Justin Jaeckin ("Emmanuelle"). A pesar de ciertos excesos formales y elecciones erróneas en ciertos actores, esperamos una nueva producción del director y modelo Julien Landais para dar una opinión definitiva sobre su cine. Como Tom Ford ("Un hombre soltero", basada en el libro de Christopher Isherwood), otro representante de la moda, se trata de figuras exitosas que se atreven a desafíos tan especiales como llevar al cine singulares autores literarios, algunos sólo recordados por especialistas.
Dumbo nace en un circo. Max Meidici, el dueño del circo, lo espera como a un Mesías para transformar su carpa un poco pasada de moda en algo diferente. Los chicos Farrier, hijos del Domador, ahora mutilado por la guerra, buscan en él parte del cariño que han perdido. Pero Dumbo es un simple elefantito de ojos celestes y espantosas orejas desproporcionadas que hacen que Medici quiera demandar al que le vendió la elefanta que lo tuvo tan extraño. Y Dumbo se identifica con los niños Farrier, los huerfanitos de dos personajes legendarios, la Amazona y el Domador. El cariño desinteresado de los chicos, la orfandad común (ellos perdieron a su mamá y él no conoció a su papá) unen más a Milly y Joe con el nuevo habitante del circo. Con una secuencia inicial rica y dinámica, mostrando la atracción de un circo que llega con su mundo de fenómenos (el Hombre Más fuerte, la sirena de la Atlántida, el solemne gurú) comienza la historia. Tim Burton inicia así su nueva aventura. ¿Cuál es el problema de Dumbo? Que Burton está escondido y la original creatividad de sus filmes no aparece en este clásico. Cuando uno amó "Batman", "El Joven Manos de Tijera" o "Marte Ataca" mantiene la mente abierta a la imaginación desbordada del Burton que juega con lo oscuro, transforma la comicidad en horror o es capaz de recrear el mundo de la Alicia de Lewis Carroll. Pero en este "Dumbo" lo original se da con cuentagotas, como las escenas de las burbujas gigantes en la apertura del megacirco del nuevo "socio" de Medici, Mr. Vandevere, o el momento en que uno conoce a los fenómenos del circo e imagina que ingresará a algunos de sus extraños mundos. Pero nada ocurre. CONOCIDOS PERSONAJES De la película original de 1941 poco quedó. Casi todos los animales fueron eliminados y el ratón Tim es un simple conejillo de Indias encerrado en una jaula. El logro del filme está en el diseño del mundo del circo en épocas posteriores a la Primera Guerra Mundial, con su magnificencia pero, curiosamente, sin la importancia del mundo animal en sus establos. Aquí la presencia humana es la más importante y Burton aprovecha para invitar a Michael Keaton a que se calce el disfraz de empresario explotador, a Danny Devito haciendo de dueño de circo y maestro de ceremonias, junto a Colin Farrell como ex domador estrella y Colette Marchant, la bella trapecista. Las críticas pasan por una sociedad que no tolera las diferencias físicas (el pobre Dumbo sufre bullying de la mayoría de la gente) y una actitud feminista en cuanto a la importancia de la mujer en la persona de la preadolescente Nico Parker, que se muestra como una adulta y desea dedicarse a la ciencia como Marie Curie. Con su subrayado en la independencia femenina, su no aceptación de la violencia animal y el acierto en la creación de ese increíble paquidermo de ojos claros y actitud juguetona que se mete a todo el público en el bolsillo, la producción gana puntos. En cuanto a la oscuridad clásica en la mayoría de los filmes de Burton, en este clásico se remite a desgracias como los grandes incendios. Notables las escenas del vuelo de Dumbo, que despiertan emoción, sentimiento no demasiado presente en el filme.