Documental difícil de digerir. Sin una estructura estrictamente establecida, el director organizó las grabaciones de lo que fué un ensayo y primeros bosquejos de lo que podría haberse convertido en un film biografico / documental sobre la fotógrafa Gabriela Liffschitz, quien dejara registrado estos encuentros antes de su muerte en el año 2004 debido a una mortal enfermedad. El film no contó con el tiempo necesario de realización, el tomar una forma prolija debido a las imposibilidades conocidas (fue filmado durante el transcurso de su enfermedad), no obstante el resultado final del proyecto es satisfactorio, mostrar otra cara, directa, intensa, no profunda pero sí ilimitada sobre un ser humano padeciendo un cancer terminal, intentar vivir disfrutando sus ultimos dias, sin dejar saldos pendientes. El malestar de la fotógrafa es evidenciado y molesta como espectador ver ese sufrimiento en pantalla del cual nos sentimos involucrados. Me resultó un film duro, sin necesidad de tener en su momento que presentarse en concurso sobre una elección en un Festival de Cine, no creo que haya sido la intención del director ni de la artista. Gabriela publicó un libro de fotos antes de su muerte en el que muestra su cuerpo desnudo, luego de un extirpado de pecho, según sus propias palabras “mostrando la sexualidad desde un cuerpo no sano”. Título relacionado al acto de Roy Scheider en All That Jazz de Bob Fosse.
Grupos feministas abstenerse. La famosa serie creada a partir de la novela de Candace Bushnell contó con seis exitosas temporadas ininterrumpidas exhibidas en la señal de cable HBO. La serie adoptaba un formato a partir de los relatos de Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), una columnista de un diario de New York, sus temas iban y venian relacionándose con las costumbres sexuales de los hombres y mujeres residentes en Manhattan, las problemáticas características de la mujer en una sociedad de consumo y machista, en el ámbito de trabajo, el capitalismo vinculado al lujo y la comercialización en costosas tiendas de vestimenta y aunque graciosamente tratado, una reivindicación sobre los derechos de la mujer, bandera en alza sobre pilares del feminismo y logros que la mujer a través de los años supo lograr para reivindicar socialmente su integridad y existencia como ser humano. La acompañan Charlotte, Samantha y Miranda, sus inefables tres amigas de juntada, de sus vivencias Carrie aporta a sus columnas, las inseguridades, embrollos y temores. La serie llegó a su fin y como la franquicia permanecía latente, sus productos seguían comercializándose, las temporadas adoptaron diversos lanzamientos en el formato dvd, colecciones conformadas por temáticas y una edición definitiva con forma de diario personal. Sin tener en cuenta a las grandes marcas de moda como Dior, Gucci, Dolce & Gabbana, reflejadas publicitariamente. ¿Cómo dejar morir una franquicia que todavía vende? Sería una idea insana comercialmente… Llegó un primer film, de larga duración, innecesario cinematográficamente. Gran éxito de taquilla mundialmente. Ahora un segundo film, que si bien, apenas presenta mejoras en relación al primero en materia de edición y con un guión notablemente más sólido argumentalmente, no deja de destruir gran parte de los méritos erguidos en la serie. Carrie, la columnista soltera que reflejaba las problemáticas femeninas de la última decada, ha tomado votos maritales con Mr.Big, acotando en el guión gran parte de lo que en la serie se extendió durante varios años. Resultado de esa cota, Carrie ya no es la misma, sus salidas son apenas reflejos de las de su soltería en conjunto de amigas. El ser un alma independiente laboral y personalmente, la aleja de su esposo, quien decide pasar al menos dos días de la semana alejado del matrimonio para poder realizar individualmente aquellas tareas tan simple como poder ver un film clásico en blanco y negro a altos decibeles sin recibir queja alguna de su mujer. Las demás, tambien están pasando por etapas difíciles. Miranda no termina de congeniar entre su familia y su trabajo, algo que repetitivamente hemos visto hasta el hartazgo en la serie, y lleva al cuestionamiento que su personaje es tan pequeño que no posee otro recurso más que éste a ser considerado. Charlotte continúa siendo tan naive como en sus comienzos, su única preocupación actual es sobre la relación con su sexy niñera contratada y saturarse con el trabajo que le lleva criar a sus hijos y bueno…Samantha, seguirá siendo Samantha por varias secuelas más, es el ingrediente que levantaba a la serie y los films con sus participaciones satirizadas sobre comentarios y experiencias propias de índole sexual. Lo que molesta de ésta secuela son varios desaciertos. Inicialmente, un enganche para el espectador, contar con la aparición on stage de Liza Minnelli, con una cirujía facial que la deja casi irreconocible, maquillada y vestida para aparentar ser su propia madre, Judy Garland. Liza es contratada para realizar una coreo en un casamiento gay, sector para el cual la franquicia de Sex and the City está muy vinculada. Carrie y su grupo se trasladan a Abu Dahbi, un viaje reparador como en la primer entrega. La premisa allí es en gran parte burlarse de la cultura y religión de la región. Penelope Cruz brinda una aparición innecesaria de escasos minutos. En conclusión, Michael Patrick King vuelve a hacer uso de una fórmula ya desgastada. El crecimiento de las cuatro mujeres en los años de serie a nivel de los personajes aquí se ven relativamente manipulados, pequeños, groseros hacia otras culturas y orientaciones sexuales.
Partiendo de los coloridos festejos en Amsterdan de ruidosa gay parade, la directora debutante Kris Niklison vuelve a su país natal, a la incomparablemente tranquila residencia sita en Sauce Viejo, de y con su madre, Bela Jordán. Allí el diálogo madre-hija, o cuasi monólogo Bela, abarca casi una vida íntegra, vivencias, recuerdos, en un film documental donde Kris, detrás de cámara, esboza comentarios para permitir el fluido de las conversaciones entre ella, su madre, una mujer que ayuda con las tareas diarias y un hombre que realiza changas. Los bienvenidos relatos de una persona mayor, octogenaria, agil y graciosa, genera admiración la mujer que ha vivido lo suficiente y dichosa de ello, se presenta frente a cámara para relatar sus pérdidas y ganancias, las peripecias luego del fallecimiento de su esposo, dar lección sobre cómo seguir adelante tras sucesos varios en la vida, aconsejar. El tono en los que Bela se explaya, en parte no han sido de mi agrado, hay indicios de soberbia, un trato hacia su criada de dudosa interpretación. La cámara observadora de Kris da lugar a plantear la semejanza con la estructura de un film casero, hogareño, con utilización de la naturaleza como separador entre las conversaciones.
Debutar dirigiendo un guión de Kaufman. El ahora director Charlie Kaufman, reconocido gracias a ejemplares guiones, proyectos llevados a cabo por los directores Spike Jonze, Michel Gondry y George Clooney, supo llegar al conocimiento público/cinéfilo con Quieres ser John Malkovich, un astuto guión, creativo, que involucraba un guiño de existencialismo lunático, entremezclando con la realidad, juegos que el guionista maneja como uno de aquellos cubos de ingenio donde debemos dar varias vueltas hasta conseguir que cada lado quede completamente de un solo color. El va armando y desarmando las tramas, tornándolas cada vez más tortuosas y absurdas, hasta conseguir un resultado final hilarante, lejano de una linea argumental que podamos advertir desde el inicio. Tal es el caso de dos siguientes participaciones junto a Gondry, Naturaleza Humana y la que lo consagrara públicamente, Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos. Kaufman sirvió sus guiones al debut de directores de largos como Jonze, un prometedor artista jóven que hasta el momento se había desarrollado como director de videoclips musicales de artistas y grupos como Beastie Boys, R.E.M., Bjork y Chemical Brothers. Gondry, sorpresivamente bajo la misma brecha. George Clooney, actor devenido en director, con un debut formidable, Confesiones de una Mente Peligrosa. Más grande que la vida misma. Todas las Vidas…es un proyecto de carácter epico, donde Kaufman no repara en gastos. Su visión sobre un hombre que consigue un dinero para avalar la concreción de una obra teatral cuyo guión va sobrescribiéndose con el tiempo, los personajes pasan de ser parte de la realidad a convertirse en personajes del guión. Entremezclando géneros, una tragicomedia, novias, vecinos, padres, no hay punto donde el espectador se detenga y recapacite sobre si lo que está viendo está siendo recreado o constituye parte de la vida de Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman). El film logra llegar a una sobredimensionada escala, la obra que ya lleva una duración aproximada de 12 años de ensayos, la construcción de una ciudad como escenografía, pasa a absorber las vidas de los involucrados, actores, escenografos, iluminadores, equipo técnico. El cast de consagradas actrices, entre ellas la siempre bienvenida Hope Davis, Catherine Keener (surgida de films indies de los 90’), Samantha Morton, Emily Watson y la excelente en comedias, Dianne Wiest, brindan un sostén acompañando al depresivo Caden, confundiéndolo, actuando más como obstáculos en su pasado y presente, antes que musas inspiradoras. Kaufman, con sus propios problemas de existencialismo, una vez mas recreados en pantalla, consigue desorientarnos una vez más. Ahora su labor se ha acrecentado, ya no está solamente involucrado en la escritura, sino detrás de cámara. Un debut que ha de desconcertar y movilizar.
Esta franquicia contó con una muy buena decisión al ser planteada: contratar al director Jon Favreau. Cansado de la variante de llevar comics a la pantalla grande, algo que es evidencialmente provechoso para una distribuidora en materia de dinero. Una “moda?” que cada tanto se instala nuevamente en las carteleras hasta agotarse las ideas, los personajes, o algun fracaso rotundo, es asi que vemos nuevamente franquicias y nuevas sagas a las ya archiconocidas historias de Batman, Superman…héroes de acción de todos los tiempos, para todos los gustos y edades, la diferencia principal, radica en el “¿cómo?” llevar estas historias y traducirlas en material cinematográfico. Más sangre, más oscuridad, con una estrella de la lista de actores calificados como “A”, mas violencia, más adultez, tramas lejanas de ser infantiles, críticas implícitas a la sociedad capitalista, resurgimiento del 3D, si, de todo esto hemos visto en las útimas sagas estrenadas en éstos últimos diez, veinte años… La fórmula de Iron Man e Iron Man 2 radica en la comicidad, algo para lo que Favreau se especializa. Vital en consignar gags, que en gran parte logran emparchar baches de guión o revitalizar al film cada vez que empieza a decaer. Tony Stark, el hijo fanfarrón de un multimillonario, empresario poseedor de una fábrica de armamento militar, es un potencial egocéntrico, tiene todo lo que quiere, excepto por un corazón enfermo, debilitado por el paladio que contamina su metabolismo día a día, un hombre que está mueriendo poco a poco. La implementación de un actor de la talla de Robert Downey Jr. es otro de los logros, ya no es necesario tener actores que tengas sus bíceps como una tabla de lavar la ropa, se busca actuación, carisma y presencia, Downey Jr. tiene todo eso. En Iron Man 2, contamos a su vez con un elenco multitudinario, el nuevo villano interpretado por el “vuelto a la fama” merecida, Mickey Rourke, como el ruso Ivan Vanko, hijo de uno de los científicos despedidos de la Stark Enterprise, ahora ayudado por un competidor en tecnologías armamentistas, Justin Hammer (Sam Rockwell). Por su parte, Don Cheadle recrea el rol del teniente Rhodey, anteriormente interpretado por Terrence Howard y una pequeña participación de importancia de Samuel L.Jackson como Nick Fury, empleador de los Vengadores. Vuelve Gwyneth Paltrow como Pepper Potts y la Viuda Negra (Scarlett Johansson), intereses del playboy millonario. El uso de CGIs, nuevamente se encuentra nivelado con la acción, aquí no veremos exabruptos de la computación ni de la utilización de estos efectos. Como para abrir nuevas puertas, ya propuestas en El Increíble Hulk, continuamos dejando al azar nuevos índices de la eventual conjunción de super heroes de Marvel, los denominados Vengadores (The Avengers), constituidos por Hulk, Iron Man, Capitán America, etc., con fecha de estreno para el 2012.
Documental autobiográfico de la artista/directora Agnes Varda que según sus palabras, presenta su “interior” reflejado en playas. Como recuento de su vida, desde su infancia, estudios, obras, su relación junto al director fallecido Jacques Demy, el film desborda originalidad gracias a su magnífica puesta en escena – tomas con espejos a orillas del mar, paseos por su ciudad natal, recorridos por los lugares donde ocurrieron acontecimientos importantes de su vida - y la gran fuente de información de la que Varda con sus 80 años recuerda, afirma y aporta en material fotográfico y filmaciones caseras. Es notable como sus recuerdos se mantiene vigentes, sus acotaciones, remarques y conversaciones. Al asimilar la información que Varda imprime en fílmico uno puede intuir que estamos en presencia de una artista nata, sin haber estudiado cine, sin ser cinéfila, su forma de expresarse en diversos ámbitos artísticos, mediante instalaciones, fotografìa, pintura, y cine. Varda, no sólo limita el documental a sus trabajos sino revisa sus lazos familiares y conyugales también, es notoria la falta de Demy en su vida, una ida temprana con una desagradable enfermedad, el consuelo y apego a sus nietos. Cronológicamente la vemos altercando vivencias con actores como Noiret, Depardieu o Denueve. Su importancia y participación en el movimiento original de la Nouvelle Vague junto a Godard, Truffaut, Rivette, Rohmer, Chabrol o Melville.
Con reminiscencia a Toby, el Niño con Alas, aquel film español visto hasta el hartazgo en la Tv argentina de los 80s. Ricky trata sobre la concepción de un niño diferente. Concebido por una pareja de trabajadores, que se conocieron ante el eventual desempleo de la mujer, quien, con ya una niña da luz al pequeño Ricky, un hermoso bebé que comienza a despertar la atención de su madre ante comportamientos extraños en un menor. El film retoma una dirección hacia el género de thriller de suspenso, alternando hasta un drama. Los moretones aparecidos en la espalda del bebé, son interpretados como un abuso o violencia de parte del padre (Sergi López) quien desaparece de la trama y de la vida de la familia ante tal acusación. En esos meses, Ricky demuestra continuar con esas lastimaduras hasta que un dia evoluciona físicamente mostrándonos que el resultado de esos síntomas se debían al eventual crecimiento de “alas”. Por momento el film remite también a E.T: El Extraterrestre, por la persecución de reporteros y medios por lograr las últimas noticias, la inexplicable acción de la madre, en un guión muy pobre y desconcertante con el cine que hemos sabido apreciar de Ozon. Hasta el momento, su obra más fallida. Nota: Crítica publicada con anterioridad en A SALA LLENA, con motivo de exhibición en el 24º Festival Internacional de Cine de Mar Del Plata y posterior Les Avant Premieres.
¿Qué esperar de un viaje de vacaciones con tu familia tras un intenso año de trabajo? La cabeza de familia, Julian (Alejandro Fiore), es un padre estresado, a quien sus hijos púners cada día que transcurre se alejan aun más de la imagen parternal, inclusive su mujer se presenta algo tediosa por el comportamiento paranoico que el marido va acrecentando. Julian sube al clan familiar al Peugeot y el viaje comienza. El destino: Aguas Verdes, una pequeña y hermosa ciudad balnearia de la costa argentina. El arribo: Conozco Aguas Verdes y debe de ser uno de los lugares más tranquilos por los cuales he transitado con un carro, ahora, tal es el estado de alteración de Julian que, al transitar en las primeras entrecalles de la via principal, choca su automovil. Aguas Verdes, transita por varios géneros, comedia, drama y suspenso. Tiene elementos de Balnearios conjugados con La Mirada Indiscreta (Rear Window) y Pauline en la Playa. El personaje de Julian minuto a minuto incrementa su obsesión, en gran parte hacia su hija, a quien sigilosamente observa - largavista de por medio - en numerosas ocasiones cercanamente a otro chico, Roberto, interpretado por Diego Cremonesi, con un rol similar, su perfil lo permite, al del tipo fanfarrón de Masacre ésta Noche, film de horror/suspenso galardonado en el pasado BARS, producción platense (Paura Flics), al igual que el director de ésta, Mariano de Rosa. Roberto, se inserta en el clan, en el mundo de Julian de manera abrupta. No sólo es tedioso, machista y egocéntrico, sino que, encanta a las mujeres de su entorno. Dos maestras en vacaciones se hacen amigas, un pequeño apartado para las fantasías de Julian, quien las ve desvanecidas una vez que el chico entra en acción. Julian queda en segundo plano, no emite opinión, está ausente aunque físicamente se encuentre sentado cenando en la misma mesa. Al estar en la playa, su hija se escapa a cada rato, con sus amigos o con Roberto. Su hijo no hace màs que jugar con un pescado que se va pudriendo secuencialmente al igual que la trama. Su esposa es distante, pero sólo con el. Los cuestionamientos que como espectadores nos hacemos, son los mismos que el excelentemente interpretado por Fiore realiza. ¿Yo genero esto o mi familia está tan podrida como el pescado que terminaré tirando?. Mariano de Rosa dirige sigilosamente éste film, con muy buenas intenciones y con conocimiento de lo que hace. Hay puestas de cámara interesantes, dando la sensación de un estudiante de cine que minuciosamente ha analizado otros films y querido transportar sensaciones encontradas a su propia obra. El film recorrió diversos circuitos de festivales, destacándose en la Berlinale 2009. Queda por cuestionarse, el por qué un film argentino como éste, importante por sus resultados, haya tenido tan baja difusión por medios, y escasas salas de exhibición. El film contiene elementos más que suficientes como para atraer al público amante de los thrillers franceses. Considerar que sea un ejemplo más de cine argentino que es ovacionado en el exterior e inentendiblemente en su país de origen le cerremos las puertas y bocas de exhibición, cuando en realidad deberíamos abrazarnos todos a ejemplos de cine hechos a pulmon, con bajos recursos e ideas eficientes.
Documental crudo sobre el hijo de Pablo Escobar, zar del narcotràfico colombiano que ha devenido en una de las mas grandes guerras de narcos que han sucumbido a una nacion, con resultado de muertes de lideres politicos y una persecución incesante dentro como fuera del pais. El film no intenta colocar un manto sobre los errores de su padre, sino por lo contrario llegar al perdon de las familias destrozadas por su acción como asi una nacion. Hijo y esposa, han vivido en Buenos Aires, exiliados, cambiando sus nombres, el simple reingreso a Colombia significaria sus muertes. Sebastian, sorpresivamente se presento en la sala para contestar preguntas sobre el documental que està ocasionando movimientos en Colombia frente a su futuro estreno el 10 de diciembre del corriente. El film es sumamente duro, lo que vemos parece una historia cinematogràfica de gangsters, muertes y venganzas, con la diferencia que lo visto es real. Es meritorio el acercamiento a las familias, instancias del film que llevan a la reflexión, y preguntarnos si una generación subsiguiente puede permitir el perdon de los crímenes a cargo de sus padres. Un documental para tener en cuenta a la vez en nuestro pais, donde tambien tenemos instaurados un odio caracteristico por heridas que parecen no sanar jamas. Un ejemplo.
Existe una expresión en inglés, muy utilizada en términos de marketing, negocios y rondas de creativos que enuncia algo asi como “think out of the box” (“pensar por fuera de la caja”), traduciendo al castellano, “pensar de una manera creativa, nuevo enfoque, no convencional”. Si nos referimos a Richard Kelly, un director a quien podríamos encasillar con ésta frase, debido a que sus dos anteriores largos (no estrenados en carteleras porteñas), Donnie Darko y Las Horas Perdidas (Southland Tales) evidentemente consistieron obras novedosas, apartadas de una estructura tradicional, de múltiples lecturas. La primera, convertida ya en un film de culto, adquirió notoriedad luego de su lanzamiento en formatos hogareños y el famoso “boca a boca”. Su segundo largo, gran flop en la taquilla estadounidense ahondaba sobre temáticas armamentistas con gran ingenio, un cast de afamadas estrellas de cine, considerados por muchos como los peores actores de su generación. ¿Una broma del director?. Lo extraño es que el film es maravilloso, dentro de los mejores que he visto en varios años. Su tercer largometraje, justamente tiene que ver con una caja. El pensar por fuera de la misma ya no alcanza, hay que mirar por dentro de ella tambien. El argumento intenta develar qué podría ocurrir ante la posible visita de un extraño a nuestro hogar, dejándonos en la puerta de nuestra vivienda un regalo, una caja con un pulsador y una tarjeta personal, indicando que a “x” hora del día seremos visitados por el dueño del obsequio. El planteo: Si oprimes del pulsador, instantáneamente ocurrirán dos cosas. 1)Una persona que desconoces morirá. 2) Se te otorgará de inmediato la suma de 1.000.000 de dólares. Por más inverosímil que esto pueda parecer es lo que le ocurre a la jóven familia Lewis, integrada por Norma (Cameron Diaz), Arthur (James Marsden) y su pequeño hijo. Actualmente, las finanzas del clan son escasas, Arthur, quien trabaja en un proyecto de construcción de una cámara para un futuro viaje a Marte es desvinculado de un factible ascenso laboral y su mujer, tiene un problema ortopédico de gravedad debido a un accidente ocurrido en su infancia que requiere de costoso tratamiento. De allí en mas, las dudas se acrecentan, la hora de decidir se acerca. ¿Qué hacer? Un millón resolvería los problemas económicos. Personas fallecen a diario y si esa persona fuese desconocida, ¿Cuál sería el efecto sobre nosotros?. El misterio y suspenso engendrado por el film llega a lugares extremos, es agobiante. Con una estética que remite a films de Cronenberg como La Zona Muerta, al maestro Hitch o Kubrick y al elemento fantástico como en tantos otros films e historias de ciencia ficción u horror. La novela original pertenece a Richard Matheson, el mismo de Soy Leyenda. Cameron Diaz, una actriz detestable salvo por su particular belleza, aquí demuestra finalmente que en el momento que debe dejar de “ser linda” es cuando mayor se luce, tanto su sobria actuación, con dialogos escasos y convincente actitud, reflejada por una envidiable dirección de actores en función del argumento principal, lejos del divismo. Por su parte, James Marsden también logra desvincularse de sus labores de estrella hollywoodense para dedicarse a una propuesta seria. Frank Langella, como el oferente de la caja, es simplemente perfecto, tiene el físico para el rol, es encargado de expresar los mejores diálogos, aquellos punzantes sobre la temerosa pareja. El film falla al querer sobreexplicar y embarcarse en una temática que excede a la tan simple e interesante propuesta que se ve en la primera mitad de metraje. Luego de éste punto de quiebre, La Caja Mortal, deja de tener la importancia, credibilidad e interés que supo generar en el espectador. Una palabra muy utilizada para estos casos cinematográficamente hablando es la “pretención”, excesiva en éste caso.