Humor segmentado Just go With It o Una Esposa de Mentira (título latino) es la última comedia-romántica de Adam Sandler, coprotagonizada por Jennifer Aniston y Brooklyn Decker, con dirección de Dennis Dugan, un tipo que parece tener un contrato de por vida con el comediante o simplemente le reporta mucho dinero, ya que no dirige películas donde no actúe él, de hecho, es conocido por sus anteriores trabajos como Happy Gilmore, Un Papá Genial y Yo los declaro marido y Larry, todas con el histriónico actor como protagonista. La historia cuenta las andanzas de Danny (Adam Sandler), un tipo que luego de cancelar su casamiento, se da cuenta por accidente, que a las mujeres les atraen muchísimo los hombres casados, situación que lo convirtió en un mujeriego intratable, pero al conocer a Palmer (Broolyn Decker), una espectacular maestra de matemática que cree es la mujer de su vida, se ve forzado a convencer a su asistente Katherine (Jennifer Aniston) de hacerse pasar por su esposa en proceso de divorcio, para cubrir algunas mentiritas que dijo para lograr la conquista. Como podrán vislumbrar, la situación se irá poniendo cada vez más absurda y complicada, creando una comedia que sorpresivamente me entretuvo, incluso me hizo reír bastante en más de una escena, aunque puede ser que justo ese día haya estado tentado. Es una comedia que viene con varias críticas de expertos que le dan con un caño, y la verdad es que los comprendo, ya que todas los films de comedia que protagoniza Sandler tienen el sello característico de su humor que es bastante criticable, con situaciones que son repetitivas en su fórmula película tras película, al punto de haber cansado a muchísima gente, lo que creo ha sugestionado a muchos de los críticos que lo tienen bastante cruzado. En este caso, se supera a sí mismo en el aspecto humorístico, pilar central de la película, lo que junto a la participación de Aniston más algunas apariciones inesperadas pero divertidas, como las de Nicole Kidman y Dave Matthews (líder de Dave Matthews Band), hacen que la experiencia sea agradable al fin. ¡Cuidado a los que no les gusta Adam Sandler! Esta definitivamente no es una película para ellos, en cambio si son seguidores del actor, seguramente les gustará esta comedia que según mi criterio, supera ampliamente a su trabajo anterior "Son como Niños". En mi caso, no soy para nada seguidor de este comediante, pero debo admitir que la cinta me divirtió. Algunos dirán, es una comedia estúpida... puede ser... pero el resultado final reflejado en las risas de los espectadores es infalible para determinar si cumple su función o no, y en este caso, creo que lo hace.
Arte fuera de serie Lung Boonmee o El Hombre que Podía Recordar sus Vidas Pasadas como lo indica su nombre en castellano, es una película de ese género que tan poco conocemos y que se denomina, Cine Arte. Este tipo de cine despliega una libertad creativa que supera las barreras de la narración tradicional, poniendo en pantalla obras que pueden resultar tan incomprendidas como adoradas, abucheadas como aplaudidas, y ese es el caso concreto de Lung Boonmee, que fue galardonada con la codiciada Palma de Oro en Cannes 2010, cuyo presidente del jurado, Tim Burton, dijo en esa ocasión que le parecía que la película era "Un sueño extraño y bello", cuestión con la que coincido plenamente. La cinta está dirigida por el tailandés Apichatpong Weerasethakul, un artista que es cada vez más respetado por toda la crítica mundial y que no tiene miedo de experimentar con las imágenes, las formas narrativas y los géneros, pero por sobre todo, es un corajudo de las tramas. Debo admitir que me costó bastante entrar en el juego de Lung Boonmee, ya que recién a los 50 minutos más o menos, comencé a entender la cuestión y a tomarle gustito por lo que tuve que, una vez finalizado el film, repasar esa 1ra mitad. ¿Es una obra difícil de ver? Sí lo es, pero si desestructuramos un poco la cabeza y nos dejamos llevar, quizás podamos apreciar las reflexiones que nos propone y disfrutemos de ese mundo loco de Apichatpong, que mezcla criaturas de mitología asiática con personajes de la vida real. El tema central es el preludio a la muerte del personaje central, el tío Boonmee, y como esa situación lo lleva por un camino de sanación interna. Recomiendo tener muchísima precaución a la hora de ver este film, porque para disfrutarlo el espectador tiene que ir con la mente abierta, relajada y con ganas de ver cine de otra manera distinta a la forma tradicional. Si estamos yendo con la idea de ver un historia con coherencia en la forma narrativa a la que estamos acostumbrados, INICIO-NUDO-DESENLACE-FINAL, estamos yendo hacia 120 minutos de tortura china (o tailandesa en este caso). Para resaltar, hay ciertas imágenes que son INNOLVIDABLES.
Argentinidad polémica Los Marziano es el 3er largometraje de la directora argentina Ana Katz, un talento muy ligado a las enseñanzas del teatro como se puede apreciar en la forma de dirección de este film. Por otro lado, si han visto alguno de sus trabajos anteriores como "Una Novia Errante" o "El Juego de la Silla", se darán cuenta de que estamos ante una mujer que tiene una mirada bastante conceptual acerca de las relaciones humanas, y esto sin dudas, se ve reflejado en Los Marziano. Protagonizan la película Guillermo Francella en el papel de Juan Marziano, Arturo Puig como Luis Marziano, Rita Cortese es Delfina Marziano y por último pero no menos importante, Mercedes Morán como Nena, la esposa de Luis, todas altas figuras del cine y por supuesto, del teatro argentino. Las aclaraciones sobre la mirada y las influencias de la directora NO son fortuitas, sino que las expongo para que el lector trate de comprender que cuando se siente a ver Los Marziano, no tiene que esperar una comedia-drama "a lo Francella", porque eso sería un error fatal. La obra puesta en pantalla pretende hacer foco en las relaciones de una familia que si bien, representa algunas problemáticas de la familia "tipo" argentina, tiene un montón de elementos artísticos subjetivos de Katz, lo que convierte a la cinta en una especie de perro verde que no todo el mundo disfruta mirar. Tiene momentos que para algunos espectadores con cierta sensibilidad serán sublimes y de gran movimiento interior, pero a su vez, esas mismas escenas pasarán desapercibidas para la otra parte del público, haciendo que el film por momentos sea muy lento y parezca no tener sentido. ¿Es mejor un público que otro? o ¿es mejor pertenecer al grupo con sensibilidad artística que aprueba la visión de Katz?, en realidad NO, simplemente creo que no es una producción apta para todo público, basta con remontarse a las películas anteriores de la directora para darse cuenta de que su visión está enfocada en un segmento de espectadores específico. Quizás la convocatoria de grandes actores sumada a la promoción que tuvo, confundió un poco a la mayoría de la gente que fue esperando otro tipo de puesta en escena, lo que por cierto, no significa que la producción sea mala como he leído en varios espacios donde muchos espectadores dejaban comentarios indignados. Aclarado esto, en lo personal creo que es una buena historia, que muestra esa interacción incómoda que muchas veces tenemos con nuestra propia sangre y que nos cuesta analizar (y aceptar), aunque debo admitir que el ritmo que lleva el film se me hizo por momentos tedioso. Para resaltar, las interpretaciones de sus personajes, sobre todo, Rita Cortese. Sin más que decir, precaución en la decisión de ir a ver esta peli.
Acidez entretenida Torrente 4: Lethal Crisis 3D, es la 4ta entrega que hace el director y actor Santiago Segura, sobre las aventuras del policía más desagradablemente divertido de España, José Luis Torrente, un tipo racista, homofóbico, sucio, pero por sobre todo, políticamente incorrecto. En esta nueva aventura, se muestra al policía pasar por un mal momento que lo lleva a aceptar un trabajo que lo sumergirá en una serie de eventos desafortunados, entre ellos, terminar en la cárcel, donde pondrá en marcha junto a otros reclusos, un plan para escaparse y vengarse de quienes lo traicionaron. Para aclarar un poco el panorama, la saga del detective español no ha tenido mucha repercusión en Argentina en sus anteriores entregas, de hecho, 2 de ellas pasaron directamente al DVD y son difíciles de encontrar en algunos videoclubes, pero en esta ocasión se puede evidenciar un reconocimiento más generalizado por parte del público, quizás, por la innovación de ver una película de comedia y española en 3D, algo que resultó como gancho para interesar a muchos que no tenían ni idea de la existencia de este personaje. La cuestión es que tanto para los que ya lo conocemos, como para aquellos espectadores que recién se comienzan a acercar, Torrente 4 se configura como una comedia burda y desagradable, pero a la vez inteligente y desafiante, trazando la figura de un hombre que representa los mayores defectos de la sociedad, aquellos que señalamos en los demás, pero que muchas veces tenemos nosotros mismos como producto del entorno en el que vivimos, aunque no queramos verlo. Creo que esta cuestión es la que consagra a la saga como un "Placer Pecaminoso" y lo que la hace tan atractiva para mucha gente y, en esta entrega en particular, Segura se supera logrando una comedia de calidad, con todos los ingredientes ácidos que suelen resultar divertidos al público español y al argentino. Se vuelve a repetir el desfile de personalidades famosas del deporte, en esta ocasión el Kun Agüero, Pipita Higuaín, Sergio Ramos, entre otros, y por otro lado la aparición de celebrities españolas como David Bisbal y Belén Esteban que le suman al absurdo del film. En fin, Torrente 4: Lethal Crisis 3D es una buena comedia pero que no es apta para todo público, en el sentido de que el humor utilizado no es universal, sino por el contrario, apunta a aquellos espectadores que se divierten con la desgracia ajena, que poseen un humor irónico y negro, donde lo políticamente incorrecto es la clave del entretenimiento. Para aquellos que se sienten identificados con este tipo de humor, les recomendaría buscar y ver las cintas anteriores, sobre todo la primera, que según mi criterio es la mejor de todas.
Cruda y bella fotografía del ser Ajami es una producción palestina / israelí que recién se estrena en Córdoba en Mayo de este año, siendo que compitió en 2010 contra El Secreto de sus Ojos, por lo que llega con muchísimo delay, además de que sólo se está exhibiendo en 1 sala de la ciudad, el Cine Teatro Córdoba (bien por ellos), una lástima la verdad. La cinta se centra en la historia de 5 jóvenes, 2 hermanos, 1 policía, 1 cocinero y 1 que busca juntar dinero para su madre que se encuentra en el hospital, que deberán vivir día a día la tristeza de pertenecer a una zona de eterno conflicto racial, religioso, político y económico. Ajami es violenta, dramática, reflexiva, enternecedora, de suspenso, política, uff.... es mucho. La película está dirigida por Scandar Copti, que también actúa en el film en el papel del cocinero Binj, y por Yaron Shani, 2 caras nuevas pero ascendentes del cine independiente mundial. El retrato que se ofrece es tan, pero tan duro como magnífico, es la belleza en la dualidad del ser humano, la espectacularidad de la vida misma. ¿Ya hemos visto otras producciones de este estilo? Sí, pero el reflejo durísimo de lo que somos capaces de hacer en nuestra complejidad, nunca va a ser obsoleto en mi opinión. Los personajes que cobran vida en esta película, son algunos de nuestros familiares, el flaco de la vuelta, nuestro mejor amigo o nosotros mismos, en definitiva son nosotros, con la diferencia de que a ellos les toca vivir día a día en el infierno de las diferencias irreconciliables y del odio acumulado durante miles de años en un territorio que no tiene paz. Las interpretaciones y las historias, colocan al espectador en una situación en la que resulta extremadamente difícil no sentirse afectado y desolado por la crudeza de la vida, por las tradiciones o creencias que en vez de surtir un efecto de unión, nos separan cada vez más. Quizás el único inconveniente que veo en este film, es la duración un poco exagerada, que creo que en vez de mostrarse en 120 minutos, se podría haber hecho tranquilamente en 95 o 100 minutos a lo sumo, imprimiéndole un poco más de ritmo a ciertas escenas que se tornaron por momentos un poco densas. Finalmente cierro con una invitación a que vean este trabajo, que despliega arte y pericia en la fotografía fuerte y dura de una sociedad, que a través de pequeños gestos cinematográficos como Ajami, trata de cerrar heridas y encontrar puentes de comunión.
¡Un carnaval de colores! Carlos Saldanha (director de La Era del Hielo 1, 2 y 3) junto a Blue Sky Studios, vuelven para encantar al público con esta producción animada sobre un guacamayo domesticado llamado Blu, último macho de su especie que será trasladado de vuelta a su tierra natal, la siempre colorida Río de Janeiro, para conocer a Jewel, la última hembra de su especie. Este viaje traerá consigo 96 minutos de diversión para grandes y chicos, que disfrutarán de una pantalla pintada con los colores más espectaculares que se pueden ver en un film. Las voces que dan vida a los personajes en la versión original son de los actores Jesse Eisenberg (Blu), Anne Hathaway (Jewel), George López (Rafael), Leslie Mann (Linda) y Rodrigo Santoro (Tulio) entre otros. Con esto debo hacer una fuerte crítica, pero no a la película, sino a los cines cordobeses, que directamente han dejado de mostrar cintas animadas en su idioma original, y sólo nos brindan la opción de ver un film (para el cual se seleccionaron cuidadosamente los voces de los personajes), en un castellano doblado, que inevitablemente hace que se pierda la personalidad real de los personajes, y que reemplaza el carácter nervioso, que por ejemplo, le imprime Jesse Eisenberg a Blu, por la impronta de "Fulanito" que no tenemos idea quien es... ¡Ojo! sin desmerecer el trabajo de los que doblan voces, pero con todo el respeto, en mi caso y creo que en el de muchos, preferimos la voz original del actor o actriz que fue seleccionado especialmente para la tarea. Volviendo a la película, creo que "Río" sin arriesgarse demasiado (como suele ser costumbre en los films animados) resulta ser de todos modos una aventura que entretiene muchísimo, que engancha a la audiencia y que trae personajes muy ricos y atractivos que crean una explosión de colores en la pantalla. El director, en entrevistas, admitió que este era su trabajo más personal, ya que él es brasileño, algo que se notó mucho en como captó la esencia de Río de Janeiro y los colores espectaculares a los que nos tiene acostumbrado nuestro país vecino. Para resaltar algo que me llamó la atención y que podría haber sido arriesgado, lo que hace que me agrade más, es el pájaro villano de la historia, que realmente mete miedo y por momentos se roba las escenas, es más, hasta diría que es uno de los mejores villanos en lo que va del año. Por último, se nota que el género de las animaciones es el que mejor viene últimamente, entregando producción tras producción, películas de una performance increíble, que se notan están pensadas hasta en los detalles más mínimos. ¡Muy recomendable para todos los públicos!
Vulgaridad gratuita Pase Libre o Hall Pass es la última de los hermanos Farrelly, que han dirigido anteriormente comedias como "Tonto y Retonto", "Loco por Mary" e "Irene, yo y mi otro yo", configurándose como unos de los directores más prestigiosos del género, aunque últimamente con películas como esta, puede menguar esa posición Top que venían manteniendo. En esta historia, Rick (Owen Wilson) y Fred (Jason Sudeikis), obligados por sus insatisfechas esposas, obtienen un "pase libre" del matrimonio durante 1 semana completa, durante la cual tendrán libertad para hacer lo que se les antoje, desde salir con otras mujeres hasta comer y dormir donde se les de la gana, con el fin de que aprendan por ellos mismos el valor que tiene el matrimonio y la familia. Si se quiere, la idea no es mala, de hecho el concepto del "pase libre" ofrece muchas herramientas que podrían haber generado en un film de comedia las situaciones más diversas y graciosas, a la vez que representa la fantasía de muchos hombres casados, pero el problema justamente no es la idea, sino la ejecución... En 1er lugar voy a resaltar la vulgaridad y asquerosidad con que los hermanos Farrelly han planteado supuestas escenas que deberían haber sido divertidísimas, pero que en muchos casos terminaron con el desagrado del espectador y una sensación de nausea en vez de una risa. Ese mix de temas tabúes pero con un tacto que lo hacía ver divertido, como por ejemplo, la escena de la masturbación en "Loco por Mary", parece haber sido reemplazada por vulgaridad extrema, ¿mientras más sucio e incómodo el momento, se supone que da más risa? El hecho de que en "Virgen a los 40" haya funcionado un buen vómito en la cara, no quiere decir que se puede aplicar este recurso a mansalva. En 2do lugar, la ejecución de la película en sí, no funciona bien, ya que la química entre los protagonistas no es buena, nunca se llega a enganchar al público con la historia, ni nos hizo sentir alegría o pena por ninguno de los 2 personajes. El repaso por la semana libre que tienen Rick y Fred, no es más que un artificio poco realista de lo que podría pasar en una situación similar, en incluso algunos de esos días son insoportablemente aburridos y lentos. Para reconocerle algo a esta bazofia de los Farrelly, algunas escenas que si son divertidas sin necesidad de mostrar alguna situación asquerosa e incómoda, y la forma de cerrar las historias que plantean en sus filmes con un buen mensaje universal que cumple con la finalidad de la comedia, de divertir y dejar al espectador un poco más contento con la vida. Yo les diría ¡No gasten tiempo ni plata en esto!, esperen que salga en cable y no tengan nada que hacer ese momento.
Otra de exorcismos... Season of the Witch es la nueva película protagonizada por Nicolas Cage, que parece demostrar que los rumores de que está en banca rota son ciertos, ya que últimamente se suma a cualquier proyecto mediocre que le tire unos manguitos, como es el caso de este film. La historia es la de 2 templarios desertores de los ejércitos de la inquisición, Behmen y Felson (Nicolas Cage y Ron Perlman respectivamente) a los que se les encomienda debido a su experiencia, escoltar a una joven bruja (Claire Foy) a quien responsabilizan de la plaga que asola a toda Europa. Como se imaginarán, se conforma un equipo de valientes que deberán sortear problemas místicos y psicológicos para cumplir con su tarea. Hasta acá, se podría decir que la historia no es la más original, pero podría safar... El problema es principalmente un desenlace o nudo que da vergüenza ajena, que termina ¡Oh sorpresa! con otro exorcismo cinematográfico... ¡OTRO MÁS! Que alguien se ponga las pilas en Hollywood y le avise a los muchachos que está bastante gastado el tópico. Comienza con un buen ritmo, pero a partir del minuto 30 se empieza a derrumbar más rápido que una casita de naipes en medio de un huracán. Los efectos en vez de ir mejorando, empeoran a medida que avanza la historia, la más o menos seriedad del film se va por la borda junto con las actuaciones de su elenco y la aparición de un demonio computarizado de creatividad cero, termina de hundir a esta cinta. Como otros ejemplos que ya hemos citado anteriormente, éste parece ser el típico caso de "mucho ruido pocas nueces", una película que los cinéfilos, como personas positivas que somos, queremos que tenga buen resultado, pero la verdad es que terminamos decepcionadísimos cuando se conjuga de esta manera mala dirección con poca imaginación. Como siempre responsabilizo bastante, tanto de los logros como los fracasos, a los directores a cargo, en este caso Dominic Sena, un tipo que con films anteriores como 60 segundos y Swordfish había logrado entretener bastante más que con ésta producción. Otro responsable del flojo resultado final es el mismísimo Nicolas Cage, que ofrece una actuación que grita claramente "Perdonen muchachos, estoy en bancarrota y no me queda otra que hacer esto". Ron Perlman (Hell Boy) se la pasa robándole las escenas, siendo mucho más atractivo y convincente. Yo les diría, si pueden, esquívenla!
Acción pochoclera The Mechanic es una película de acción dirigida por Simon West, responsable también de otras cintas al estilo como Tomb Raider (Angelina Jolie) y Con Air (Nicolas Cage). En esta ocasión cuenta la historia de un asesino profesional llamado Arthur (Jason Statham), que luego de la muerte de su mentor Harry McKenna (Donald Sutherland), decide comenzar a entrenar al hijo del difunto, Steve McKenna (Ben Foster) para que aprenda los trucos del oficio más frío y calculador del mundo, algo que no le caerá muy bien a sus superiores y que pondrá la vida de ambos en peligro. El film es una remake de la original The Mechanic rodada en 1972 con Charles Bronson como su protagonista y Michael Winner en su dirección. Para comenzar debo decir que el pastiche que se muestra en The Mechanic extrañamente funciona, exhibiendo una especie de James Bond más duro que el original, con la elegancia para matar de un verdadero 007, pero con mucho menos respeto por la vida, mas frío y un aspecto mucho más urbano. En lo personal, creo que es una versión que supera a la original, que es mucho más lenta y aburrida, aunque es inevitable encontrar algunas escenas descerebradas, comunes en los films de Simon West. También tiene mucho del Transportador, trilogía grotesca de acción que se enfoca en lucir al machote Statham y mostrar mucha acción con situaciones exageradas, aunque en este caso se ha pulido un poco más la cuestión de los personajes y la historia es mejor, lo que no quiere decir que esta sea buenísima, porque de hecho es medio tonta. Pero como siempre digo, hay que ponerse a pensar 2 minutos que vamos a buscar cuando vemos una gráfica con Statham colgado de un cable disparando, o cuando vemos un trailer impactante con muchas explosiones y pocos diálogos... la respuesta es acción desmesurada, relajar la mente viendo chorros de sangre salir de algún cuerpo y muchas balas volando por la pantalla, y en este sentido la película cumple totalmente con su objetivo, por lo que se configura como una buena cinta de acción, no es la mejor, ni la peor, pero si le hará pasar un momento entretenido al espectador que busca despejar la cabeza y no pensar en nada. El que está buscando una historia original, que lo ponga a reflexionar o lo emocione, que vaya a ver El Discurso del Rey. Aunque The Mechanic no le aporta nada nuevo ni al cine, ni al público, se convierte en un placer pecaminoso necesario para escapar de los dramas que ya nos da la vida real, y ponernos en la piel de un asesino frío e invencible que no dudaría en matar a nuestro jefe de la oficina o al pibito ese que no me banco porque tiene cara de gil.
Encantadora depresión Never Let Me Go o Nunca Me Abandones es la historia basada en el famoso bestseller de Kazuo Ishiguro que lleva el mismo nombre, y es también el 2do trabajo como director de largometrajes del ya conocido Mark Romanek, que en 2002 nos entregó la cinta "Retratos de una Obsesión", protagonizada por Robin Williams en el rol de un depresivo técnico de laboratorio fotográfico que se obsesiona con una familia y sus problemas. En esta ocasión, el director nos presenta una historia Dramática de Ciencia Ficción, que narra la vida de 3 niños internados en la escuela de Hailsham, donde son criados para ser donantes vivos de órganos. El nudo se establece a partir del momento en que les informan para que han sido creados, lo que acelera los sentimientos en los 3 niños que se verán involucrados en un triángulo sentimental. Protagonizan la película los actores más de moda en Hollywood, Carey Mulligan en el papel de Kathy H., Keira Knightley como Ruth, y para completar el triángulo amoroso, el ascendente Andrew Gardfield como Tommy. Debo decir que la cinta me produjo sensaciones encontradas... Para ir de lo más vanal a lo más profundo, quiero empezar por resaltar el manejo de fotografía que hace Romanek, que demuestra la pericia y la visión de un verdadero genio, como se puede apreciar en videoclips de grandes artistas como Madonna, Lenny Kravitz, David Bowie y Coldplay. En el film es prácticamente imposible no sentirse afectado por el escenario triste, pero a la vez enternecedor que propone. Pasando a la cuestión interpretativa, los 3 actores realizan un muy buen trabajo, serio y convincente, por lo que le recomiendo a los que gustaron del triángulo de "Crepúsculo", que vean como lo hacen los que realmente saben de actuación. Bien, ahora viene el problema que tuve... la película por momentos me producía reacciones de empatía, identificación y reflexión, a la vez que me producía bostezos, depresión y aburrimiento... una combinación verdaderamente rara, ya que pasaba de momentos eufóricos a pegarme unos bostezos que me tragaba la pantalla. Creo que el inconveniente se plantea en que no todos los libros pueden llevarse al cine, si bien debo reconocer que el esfuerzo de Romanek es más que respetable. La capacidad de imaginar todas las cuestiones en un libro da mucha más libertad que las imágenes y personajes que nos ofrece la pantalla, por lo que yo no puedo separar que Ruth es Keira Knightley, o que los flacos que están al lado mío están bostezando a coro. Ese creo es el problema que ha hecho fracasar a la cinta en varias pantallas del mundo, junto al tipo de historia que cuenta que es justamente más para un libro. Yo la recomiendo a los espectadores sensibles y gustosos del arte.