Es difícil evaluar "La Guerra del Fracking" como producto cinematográfico desprendido del hecho que su director, es candidato a Senador... en unas semanas. Pino Solanas es un enorme director (ha tenido ficciones memorables) y muchos de sus documentales han sido centrales en la historia reciente ("Memoria del Saqueo", "La dignidad de los nadies" dentro de los puntos más altos en el género) aunque en esta ocasión, quizás sea difícil ver el trabajo de recopilación de datos como contundente, a diferencia de sus anteriores. No ponemos en tela de juicio ninguno de los testimonios aquí vertidos, pero sí, como espectadores, nos quedamos quizás esperando mayores precisiones y mejor registro de ciertos hechos que describe la película. En su séptimo documental sobre esta Argentina actual, digamos que Solanas intenta una especie de fusión, en la que él pone el cuerpo y en primera persona conduce el largo explicando, dudando, visitando y analizando el material que obtiene con respecto al tema de la película: el uso del fracking para obtener acceso a combustibles, modificando la composición del suelo donde se realiza el proceso. Lo que veremos aquí, es que el cineasta plantea su eje desde Vaca Muerta, en Neuquén, junto al especialista Félix Herrero y la investigadora Maristella Svampa, donde se recogen reveladores testimonios de los pobladores y técnicos sobre los efectos y resultados del nuevo proceso de explotación de petróleo y gas no convencional. Ellos plantean que el "fracking" (perforar las capas más profundas en ciertos sectores e inyectar productos para detonar ese espacio y lograr que se libere el gas que en ellas hay para aprovecharlo) es altamente perjudicial y probablemente lo sea. Tenemos testimonios de geólogos, trabajadores, habitantes de los pueblos originarios y una clara actitud de poner en alerta sobre la cuestión. Si googlean la cuestión, si se podrá comprobar rápidamente que en otras partes del mundo, (incluso en Estados Unidos, donde la práctica es común), verán que hay una discusión sobre el tema. De más está decir que en los primeros minutos hay una escena donde Cristina Kirchner valida el sistema, lo cual instala este film dentro de una sutil campaña para debatir contra el gobierno... Sin embargo, "La guerra del fracking" tiene un aspecto innegable y positivo: su mensaje acerca del aprendizaje que hay que hacer para transformar la estructura de nuestra sociedad en pos de la búsqueda y utilización masiva de combustibles ecológicos, que preserven el ambiente. Salir del mundo del petróleo y el gas y reemplazarlos, para poder garantizarles futuro a las generaciones venideras En ese punto, ya sobre el final, Pino muestra todo su oficio y logra redondear un trabajo aceptable, quizás menor a los últimos de su factoría pero que es fiel a su estilo y seguramente no defraudará a sus seguidores.
Lo primero que debo decirles, es que el sudafricano Neil Blomkamp, con su "District 9" (aquella joya del 2009) me ganó por varios films más... recuerdo claramente lo bien que lo pasé con ese estilo de falso documental, y los extraterrestres, la violencia y alegoría política. Si no la vieron, no la dejen pasar. En aquel momento dije, Hollywood se lo va a llevar, y no va a ser fácil que mantenga su estilo, pero apostaré por él! Y soy un tipo de palabra... Debo decirles, sin embargo, que "Elysium", recrea varias de las mismas ideas del opus anterior (la opresión y la miseria de los marginados, luchando por sobrevivir, el manejo político corrupto, el escenario de desigualdad a punto de explotar), con menos frescura, más presupuesto y sin dudas, menos originalidad. Pero sí, se la perdonaré. Porque no puedo decir que la pasé mal. Sólo, que no me sorprendió. Probablemente, a Blomkamp le lleve un tiempo adaptarse a lo que tiene que hacer en la industria más importante del mundo para ofrecer productos que lleven su sello, y a la vez, innoven. A ver, la historia es bastante simple. Dos mundos. Uno, en el espacio, donde los ricos y poderosos la pasan de primera. Tienen lo que desean pero además, viven sin pobres y poseen la cura para las enfermedades que azotan a la humanidad. Pueden todo. Debajo, en la tierra, los que quedan, están desposeídos y sólo luchan por sobrevivir... y tal vez por intentar llegar a Elysium a sanar sus heridas y plagas y ser parte de la elite. Max (Matt Damon) es un habitante de la tierra, oprimido (como su clase social) y simple. Cierto día sufre un accidente que le provoca una grave consecuencia: tiene los días contados a no ser que encuentre cura para su afección. Y adivinen donde está la solución a su problema? Claro, allá arriba. Donde todos quieren ir, pero pocos llegan (y en que estado!)... Comprometido y jugado, nuestro protagonista agotará los medios para lograr arribar a ese lugar y conseguir aquello que fue a buscar. Enfrentándolo, tenemos a Jessica Delacourt (Jodie Foster), secretaría de defensa, quien hará todo lo posible en la dirección contraria... "Elysium" es un correcto film de ciencia ficción. Lógico, predecible, bien fotografiado, con aceptable diseño de arte... Su problema es que esperabamos una cinta más explosiva, teniendo en cuenta los recursos con los que contaba Blomkamp. Le vamos a perdonar los estereotipos, (todos, que son muchos, realmente) y los pasos equivocados (los idiomas, el prejuicio con los latinos, etc). Los tiene. Sí, sabemos que el hombre puso un pie en Hollywoody está aprendiendo. No hay mucho más para contar, si lo tuyo es ver todo lo que se estrena del género, irás a sala. Igual, si te gusta Damon. Al resto, solo me queda decirles que la película, está lejos de sorprender pero cumple con hacerte pasar un rato entretenido.
Marco Bellocchio es un director italiano prolífico con una trayectoria tremenda que a lo largo del tiempo se ha dedicado a retratar eventos de la vida política de su país y socializarlos desde una mirada crítica.En su carrera, hay documentales y material para televisión, por lo cual, es muy frecuente que tenga una manera de filmar en la cual puede integrar ámbas modalidades para narrar lo que quiere presentar al espectador. Esto, es lo que sucede con “Bella Addormentata”… Italia se conmovió allá por el 2009 cuando Eluana Englaro, postrada en una cama y en estado de coma desde 1992, agonizaba en horas de áspero debate parlamentario: la eutanasia era discusión nacional. Por un lado, los partidarios de acompañar a un ser amado que sufre en su despedida física, operando sobre él; y por el otro, quienes piensan que esto es un crimen y debe ser penado y perseguido por las autoridades. Esa discusión es la que Bellochio aborda, con valentía, errores y aciertos. Pero para que entendamos el abanico de emociones que atraviesan a ámbos sectores enfrentados por la ley que se debate, el cineasta propone tres historias centrales (por eso decimos que esta propuesta es semi-coral), que tienen lugar en las horas del acalorado debate por la norma mencionada en ese frío febrero en el que la península debatía con fervor y dolor un tema muy sensible a la naturaleza humana. bella-addormentata-1-179355_0x410 Los personajes presentados, elaboran esa visión del director, desde sus realidades particulares, entrelazadas con lo que a Eluana le sucedía: hay una muchacha que intenta suicidarse (es adicta y está convencida de que va a morir pronto), otra joven cuyo estado vegetativo ha anclado la carrera de su madre (una prestigiosa actriz que sólo se dedica a su cuidado), y la familia de un legislador (básicamente, padre e hija) que tiene que votar y se encuentra dividida entre el deber y el sentir. El reparto, incluye a la enorme Isabelle Huppert (en una gran composición), Alba Rohrwacher, Toni Servillo, Michele Riondino y Maya Mansa, cada uno, poniendole cuerpo a una historia intensa, movilizante, pero que se presenta un poco extensa, y despareja desde lo actoral (no todos guardan la misma convicción a la hora de la ejecución). “Bella…” transcurre con velocidad, emoción y sobresaltos. Lo que puede decirse sobre la apreciación que trasluce en la obra como totalidad, es que Bellochio, no tiene posición al respecto (la tiene, entiendase que en su película elige sólo presentar las aristas), en el sentido de que sus personajes representan sectores de análisis de la cuestión de la “muerte digna”, deja que el espectador elija sus propias respuestas. Propone un recorrido donde el muestreo de emociones golpea una y otra vez, a veces con equilibrio, y otras en un tono estridente, quizás un poco fuera de registro (los actores jóvenes desbalancean ciertas escenas). Pero valioso. Lejos de “Amour” (que también presenta esta temática), más cerca de la cobertura televisiva (y su fibra sensacionalista), lejos de bajar letra, cerca de conectar con lo primario de esos corazones. No te dejes engañar por el tema, “Bella Addormentata” es una cinta muy interesante, que actualiza un debate que nos debemos aquí también, como sociedad. Más allá de sus errores (que los tiene), suma y es un producto que merece ser visto. Muy buena.
Debo reconocer que esperaba este documental. Viví en los 80’ la fiebre por la música nacional y Virus (más que Soda Stereo, en mi caso personal) marcó esos años de adolescencia. Federico Moura siempre me pareció un revolucionario y estas “Imágenes Paganas” vienen a hacer justicia a ese gran ídolo del rock local. Sergio “Cucho” Constantino ya había hecho un interesante registro en “Buen día día”, siguiendo la trayectoria de Miguel Abuelo y ahora elige componer un retrato del alma mater de la banda, no tan convencional como lo esperable. Para quienes no lo saben, Moura integraba una banda tremendamente popular con sus hermanos y tuvo la desgracia de ser una de las primeras víctimas del Sindrome de Inmuno Deficiencia Adquirida dentro del ambiente, lo cual derivó en su temprana muerte, dado que se tenían pocas herramientas para combatirla en ese entonces. A los testimonios y cintas de archivo que aporta para graficar la estatura personal y musical de Federico Moura, le agrega un plus: Constantino juega con un personaje de ficción, femenino y fan de Virus, que seguirá los pasos del grupo y el descubrimiento de su propia sexualidad, como suerte de homenaje al poder del legado del prestigioso líder. En ese sentido, “Imágenes paganas” se ocupa de dejar en claro que Virus (la banda) revolucionó la escena local y que el carácter andrógino y seductor de su front-man era mucho más que eso: estética y letras audaces (dentro de una sutil trama) para conducir a un grupo de platenses hacia el éxito en América Latina. Un perfeccionista, profesional, transgresor y dueño de una personalidad magnética, sujeto que produjo un quiebre con su desaparición física y que extrañamos mucho... La cinta tiene una soundtrack excelente y una cuidada edición que la asemeja a esos especiales de VH1 que cada fin de semana vemos en el cable. No están en presencia de uno de esos documentales esquemáticos en los cuales todo es previsible. El director sabe cómo activar en nosotros, un interés que se recrea en cada fragmento de canción que aparece en la pantalla. El recorrido es ajustado y debemos reconocer que cuando termina, nos quedamos con ganas de más. Junto a “Aire de Chacarera”, de los mejores trabajos de este año en el género. Excelente.
El año pasado conocí las “Historias breves” en su séptima entrega. Y cada año que pasa, supongo que a la hora de opinar sobre una nueva camada de jóvenes promesas locales, debemos decir que la elección de los destacados del proyecto, es colorida y promisoria. El nivel es el similar al que encontramos todos las entregas. Recordemos que desde 1995 tenemos narraciones de distinta naturaleza en distintos géneros. Aquí encontramos dramas sociales, sátiras urbanas, intrigas policiales y alguna que otra crónica romántica. Una cosa a tener en cuenta: el nivel de producción es quizás, más elevado que en otras ediciones. Se nota en los cast (hay muchas figuras de la tevé local) y hay una paleta interesante de propuestas para elegir con guiones muy trabajados… Nueve, para ser exactos. Ellas son "EL OLVIDO" de Fermín Rivera, "DE COMO HIPÓLITO VÁZQUEZ ENCONTRÓ MAGIA DONDE NO BUSCABA" de Matías Rubio, "VIDA NUEVA"de Lucas Santa Ana, "EL RAMAL" de Mena Duarte, "EL DESAFÍO" de Andrés Ernesto Arduin, "SUPERFICIES" de Martín Aliaga, "LIEBRE 105" de Sebastian y Federico Rotstein, "EL CONDUCTOR" de Maximiliano Torres y "CUESTIÓN DE TÉ" de María Monserrat Echevarría. Dentro del menú, nos gustaron mucho “De cómo Hipólito…”, un relato sobre la búsqueda de un crack por parte de un representante de futbolistas (con Victor Hugo Morales y la voz de Coco Silly); la intensidad de “El conductor” donde se lucen Sergio Boris (de la reciente “Hermanos de Sangre”) y Celina Font (aquí hay una familia en la ruta, con algunos problemas y ciertos temas no resueltos que generan complicaciones a alta velocidad); el clima opresivo de “Liebre 105” (gran trabajo de Gisela Motta) donde se construye un relato de suspenso y terror con muy pocos elementos; la encantadora “Cuestión de té”, una aguda observación sobre la sinceridad en lo vincular a través de los ojos de un encantador niño (se lucen Pablo Ferraroo y Guillermo Pfening en pocas tomas) y “Superficies”, en la que el bullying es caracterizado con vehemencia en un cuadro atrapante. Hay en el resto también apuntes interesantes e ideas interesantes (“El desafío”, en el que encontramos nada menos que a Larry de Clay caracterizado como comisario de pueblo, sin ir más lejos)… Ir a sala a conocer esta camada, probablemente les dejará impresiones mezcladas. Hay historias muy buenas y otras que no atraen tanto. Pero su visión, vale la pena. Es nuestro semillero y debemos prestarle atención…
Jorge Polaco es un director muy importante en la historia de la filmografía nacional. Quizás, para las nuevas generaciones, sea poco conocido, ya que en los últimos años, filmó poco (aunque en 2009 hizo la inédita "Arroz con leche" que espera estreno local) y su cine no es directo y amistoso, sino transgresor, plástico y caótico, lejos de los parámetros comerciales corrientes... Para los que quieren acceder a sus cintas más "accesibles", no deben dejar de ver "Siempre es difícil volver a casa" y la maravillosa (por lo bizarra y colorida) "La dama regresa" (aquel homenaje a la Coca Sarli, se acuerdan?). No sabemos si alguna vez llegará "Kindergarten" a salas comerciales (tuvo un problema judicial que la hizo película de culto aunque se pudo ver en Uruguay y en algún festival, si mal no recuerdo) pero a Polaco hay que reconocerle su integridad y originalidad como cineasta a lo largo del tiempo. En la actualidad, Jorge está atravesando una etapa difícil de su vida, sufre Mal de Parkinson y su cuadro se agravó durante un accidente, con lo cual fue complicado el rodaje de su último opus, "Príncipe azul". A pesar de su condición, se puso al frente de una adaptación de esta corta pieza teatral de Eugenio Griffero, y logró materializarla, dandole su clásica impronta personal. "Príncipe azul" es un cuadro dramático en el que dos adultos mayores, Juan (Ariel Bonomi) y Gustavo (Harry Havilo) vuelven a encontrarse, después de década separados, para reflexionar sobre el amor y el dolor de no haber vivido esa pasión que los unió en aquel recorte temporal... "Un pacto sellado hace 60 años. Eramos muy jóvenes.Nos conocimos ese verano. Teníamos 16 años. ¡Apenas 16 años! ¡Nos enamoramos! Nos amamos... hacíamos el amor a cada instante. Intensamente...Los padres (de ese amor) se lo llevaron", dice Juan mientras se desplaza por los escenarios-vidriera que Polaco dibuja como fondo. Esa separación, esa no-concreción del deseo de estar juntos, trasciende ese segmento y marca la línea a seguir. Una casona extraña, unos pocos personajes vociferando erráticamente y Bonimi y Gustavo poniendole el pecho al dolor. Como se puede. A veces con líneas interesantes, otras no. A veces con ademanes ampulsos, otras con besos torpes pero apasionados. Pero sí, con amor. Conmovidos. Desbordados. Acabados. La obra teatral habla de la belleza, el paso del tiempo, el odio, la locura, la soledad, el dolor, la ternura, la fatiga y la incertidumbre, pero en un lenguaje hermético y 100 por ciento Polaco. Desplazamientos estridentes, espacios donde maniquíes y cruces yacen en el piso, mucho blanco y desconcierto... un viaje a su universo. El público puede no saber adonde lleva este recorrido, pero el veterano director si. "Príncipe azul" es un film exclusivamente para seguidores de esta leyenda del cine local. Tiene la marca a fuego de su estilo y es indecifrable si no conocés nada de él. Puede provocarte levantarte e irte de sala o ponerte en trance a lo largo de su duración. Es cine de autor. Y no cualquier autor. Jorge Polaco. Entendiendo su condición actual (y su fuerza para sobreponerse a ella), a mi, que soy seguidor de su obra, me pareció un relato confuso pero valioso. Pero se que no es sencillo que esto se replique en una audiencia mayor.
Margarette Von Trotta retoma su búsqueda por las mujeres que la han marcado en la vida, con "Hannah Arendt". En este tiempo reciente, la responsable de la magistral "Rosa Luxemburgo", realizó alguna película y un par de capítulos de series para la tevé de su país, pero en esta oportunidad, retoma las biopics femeninas iniciadas con el retrato de la monja alemana Hildergard Von Bingen (Vision) en 2009 y se dedica a explorar un segmento de la vida de la pensadora independiente, autora de "Los orígenes del totalitarismo". Repite la misma actriz (Barbara Sukowa) y nos instala en las secuencias iniciales, con el secuestro de Adolf Eichmann (el legendario líder nazi) de su escondite en Buenos Aires. Hannah, vive en Nueva York, dando clases en la universidad, compartiendo el tiempo con sus amigos intelectuales y su esposo Heinrich Blucher (Axel Milberg). Cuando la talentosa escritora toma contacto con la noticia, decide proponerle al director del New Yorker, hacer cobertura del juicio de ese hombre en la misma Jerusalén. Arendt viajará hacia allí entonces y aportará su pluma crítica para dar su versión al mundo de lo que ve, siente y piensa del accionar de uno de los líderes del genocidio más importante del siglo pasado. Su opinión, para los que conocen la historia, será controversial y generará repercusiones para dividir aguas y situarla en un lugar político difícil que será, claramente costoso. La película ofrece una cuidada reconstrucción, está rodada con un estilo que no conmueve (diálogos que se escuchan como manifestos filosóficos en cada charla, reunión o entrevista), es fría y está meticulosamente pensada para parecer rodada muchos años atrás (la fotografía, el encuadre). La actuación de Sukowa es, sin embargo, excelente. Convence en su rol (pareciera rebelarse al clima de la cinta, incluso), aunque sus compañeros de elenco no responden de la misma manera, hay poca química en la presentación de los conflictos de pareja y los vínculos con sus amigos y los flashback de su relación amorosa con Heidegger son esquemáticos y no aportan sustento a la trama. Von Trotta entrega un film más bien descriptivo, de un recorte temporal importante (innegable) y puede mostrar el accionar de una pensadora notable en un contexto complejo. El problema de "Hannah Arendt" es que a pesar del virtuosismo de su directora, aquí hay poca fibra. Algo que en un relato de estas características, hubiese sido un registro más amistoso para el espectador. Aceptable producto (habrá más biopics en esta línea?), si lo tuyo es acercarte al perfil de una mujer que conmocionó el mundo de las ideas en su tiempo.
Es indudable que la primera asociación que uno hace al ver una buddy movie de este estilo, es la saga de "Lethal Weapon" o, mucho más próxima y con menos brillo, "Bad Boys". Cintas donde dos tipos opuestos, por un hecho fortuito, se vuelven camaradas de armas, dispuestos a enfrentar a los malos y hacernos pasar un buen momento. Explosiones, persecusiones, peleas cuerpo a cuerpo, balaceras, digamos... ese es el menú habitual que se utiliza en estos casos, pero no olvidar que una película de "compadres", sólo funciona: 1) cuando hay química en sus personajes y 2) si el humor ocupa un lugar importante en el guión. "2 Guns" cumple con ámbas premisas. Denzel Washington y Mark Walhberg, si bien, un poco estereotipados, eligen un registro que le queda bien a ámbos: desinhibidos, simpáticos, juguetones. No se esfuerzan en crear roles elaborados sino en tratar de divertirse y que el público pase un buen momento. Lo logran? Sí, absolutamente. Arrancamos con el dúo conformado por Bobby (Washington) y Stig (Wahlberg), enfrente de un banco, desayunando. Ambos verborrágicos, llenos de ademanes y seguros de sí mismos: rápidamente nos adentramos en el objetivo, un dinero (importante) que se encuentra en las cajas de seguridad. Ambos son hombres de la ley encubiertos (se sabe viendo el trailer, no es spoiler), y forman parte de esta misión por diferentes motivos, aunque claro, ninguno sabe quien es realmente el otro. El plan es capturar a un narco llamado Papi Greco (Edward James Olmos) aunque no es todo lo que buscan... Bobby y Stig deberán sortear las dificultades del asalto en sí, y descubrirán que las cosas, no son como parecen... Ya de por si, comenzamos a ver que el tema de las "juridicciones" para intervenir se complica porque aparece un peligroso agente de la CIA jugado por Bill Paxton, quien a poco del asalto, tomará cartas en el asunto para dar con los responsables... y con lo robado (que depara alguna sorpresa). También aporta su cuota de seducción Paula Patton, quien trae el interés “romántico” a la cinta (de alguna retorcida manera). "2 Guns" es la segunda película en Hollywood de Baltasar Kormakur (quien ya dirigiera a Wahlberg en "Contraband") y se ve que el hombre tiene oficio para este tipo de productos. Su narración tiene ritmo y es bastante colorida (transcurre en la frontera mexicana y no cae en los habituales cliches), quizás esquemática, pero acorde al producto que ofrece. Los rubros técnicos lucen sólidos y la banda de sonido acompaña sin estridencias. No hay mucho más para agregar, si buscan una película de acción simple y directa, no duden en ir por ella. Si su interés es encontrar algo que los sorprenda o desestructure, como espectador, debemos reconocer que “2 Guns” está lejos de satisfacer al público exigente. Eso sí, cumple con lo que promete: hacerte pasar un buen momento.
La primera parte de "Percy Jackson", me había parecido livianita... Cómo demasiado infantil, plana, sin matices... No soy fanático de Chris Columbus y su estilo en la anterior me había parecido convencional, así que esperaba que Thour Freudenthal le diera otro giro a la saga. Indudablemente los estudios pensaron en ocupar el vacío que dejó Harry Potter en las taquillas mundiales. Confiaron en la orfandad de esa legión de pre y adolescentes que necesitan productos para consumir, en gran escala y se pusieron a reactivar esta saga, con mayor atención y compromiso por el resultado final. En caso de que no conozcan mucho de Percy Jackson, basta saber que es una pieza literaria pensada para transmitir mitos griegos (e historia clásica) a una nueva generación, visto que hoy en día hay poco interés por explorar ese costado de transmisión. Desde allí, saltamos a la pantalla, una vez más. Adaptamos, modificamos, integramos y presentamos un producto, acorde a lo que pide el mercado! "Percy Jackson, Sea of Monsters" va en busca de su público. Visualmente, intenta dinamitar la butaca, con muchos efectos visuales de calidad, simpáticos personajes y ritmo veloz y trepidante. Sí, es cierto que el cast no es de lo mejor y que la inexpresividad es su primera impresión, sin embargo, el despliegue que Freudenthal va construyendo, atrae y cautiva. Repito, no estamos frente a una franquicia con el valor de Harry Potter, o The Hunger Games (aunque esta hay que evaluarla después de algunas entregas más), no. Sólo decimos que aquí la idea que prima es ofrecer un producto directo, simple, sin muchas vueltas, que ofrezca cine de aventuras para adolescentes jóvenes. Hacia allí va Percy y lo hace con bastante dignidad. Vamos a la historia? Percy (Logan Lerman) arranca el film compitiendo con su rival natural, Clarisse (Leven Rambin), en una prueba de entrenamiento en el Campamento Mestizo. Ya sabemos que por sus venas corre sangre de héroe (es el hijo de Poseidón) y su nobleza hace que cuando las cosas comiencen a complicarse, su pasta de líder aparezca. Hay una amenaza externa que se materializa y pone en peligro la seguridad de todos allí. Y sólo puede ser detenida si se cruza el Mar de los Monstruos y se consigue el Vellocino Dorado, elemento que es capaz de reestablecer la defensa del lugar de entrenamiento del grupo, que ha sido violentada. Percy y sus amigos irán en busca de él, y deberána atravesar múltiples peligros para lograr que la paz vuelva a su comarca. Lo que encontrarán, son criaturas mitológicas (en un mix que suena hasta peligroso con la liviandad con la que se presenta), desafíos en diferentes territorios y varios secundarios que le ponen color a la cinta. No, no creo que esta sea una saga que tenga mucha vida por delante. Si digo que, a pesar de sus debilidades (que son muchas), en este episodio hay suficiente movimiento para entretener a un público no exigente, cuyas expectativas son sólo pasar un momento de entretenimiento liviano.
Indudablemente, “P3ND3JO5” va camino a hacer historia. Cuando llega el film número 30 de un cineasta, cualquier observador duda del poder de innovación del artista… porque lo más natural o corriente es que comience a repetirse. Le llegó a Perrone nomás y el hombre se despachó, a esta altura de su carrera, con una obra de arte. Discutida, si tu canal para percibir cine es uno solo. Controversial, si te gusta la narración clásica. Extensa, si sentís que al no haber palabras en boca de los protagonistas, te falta algo (hay intertítulos pero no es lo mismo). Todo eso es cierto, si hablamos de “P3ND3JO5”. Al menos, esa es la impresión para un espectador corriente que sale de sala luego de 157 minutos de proyección. Pero no es todo. Lo cierto es que para quienes pueden ir más allá, y predisponerse a vivir una experiencia cinematográfica diferente, plena de ideas y música, Perrone, tiene algo para decir. Como a todo creador, le tenes que respetar las reglas de juego para poder apreciarlo en toda su dimensión. Para quienes no conocen al hombre detrás de las cámaras, hay que saber que Raúl (su primer nombre) es un legendario director independiente, poseedor de un talento particular para contar historias suburbanas (que hacen foco, habitualmente en la zona Oeste del Gran Buenos Aires) y que en esta oportunidad, presenta la pelicula de mayor duración de su producción (sus títulos duran alrededor de una hora). Ahora bien, la pregunta es obvia…Qué es P3ND3JO5? Podemos decir que es un relato secuenciado de skaters del Oeste del GBA, donde encontrarás muchos personajes (los chicos del título) viviendo una historia singular, clara y trágica. Me cuesta definirlo como un musical, pero quizás lo sea (sí, a ver, escucharás una gran banda sonora de Nomenombres Wey que querrás salir corriendo a comprar) aunque no es del estilo que estás acostumbrado a ver. Mucho skate, conflictos sociales, relaciones intensas, gran fotografía y mucho clima es lo que ofrece el trigésimo opus de Perrone, galardonado en el último BAFICI como mejor director por esta cinta. Si lo tuyo es lo sensorial, no estás preocupado por la narración tradicional y te interesa conocer un director de aquellos, es probable que tengas que hacerte el viajecito al Malba, los viernes a las 22 para ver a estos P3ND3JO5. Ir advertidos los noveles en este tipo de género, que puede costarles bastante salir airosos de su primera vez en una obra conceptual tan árida. Sin embargo, es un trip que vale la pena intentar.