Después de que la hija de Sang-Won, Yi-Na, desaparece sin dejar rastro de su nueva casa, un hombre misterioso lo contacta para sugerirle que la busque en el armario. Un nuevo exponente de cine oriental de terror con ganas de jugar a ser una franquicia, pero con suficiente dignidad como para tener vida propia. No es muy difícil darse cuenta de que el esfuerzo estético da resultado y la película es superior a los productos adocenados del cine de terror proveniente de oriente. Le faltan algunos detalles para convertirse en un gran título, pero cumple con creces con su objetivo. Su guión podrá ser común, pero está muy bien filmada.
La gallina turuleca es una coproducción entre España y Argentina ganadora del premio a mejor largometraje de animación en los premios Goya. Está basada, claro, en la famosa canción popularizada por Gaby, Fofó y Miliki, los populares payasos españoles. Claro que la protagonista de la historia es una gallina, Turu, cuyo talento para cantar (y claro, hablar) la convierte en una mina de oro. Quedará en su poder el salvar a un circo al borde de la quiebra, pero al mismo tiempo encontrar su vocación de estrella. La canción del título por supuesto que aparece, así como algún otro tema de los conocidos payasos. Pero si hay algo a destacar es que la película presta mucha atención a realizar un repertorio de temas modernos, no para chicos, sino populares en sí mismos. Es bastante prolija la manera en la cual la película combina lo clásico con lo moderno y se da también el lujo de tener varias voces bien logradas, como Guillermo Francella, Flavia Palmiero y Rolo Villar, en la versión para Argentina, que difiere de las voces usadas en España. Animación lograda sin tampoco nada memorable, pero con dos o tres momentos muy bien conseguidos y una graciosa actualización de conceptos e ideas, incluyendo el derecho a poner huevos o no. Los más veteranos saldrán cantando del cine la canción más pegadiza que tuvo su infancia.
Elvis es la sexta película de Baz Luhrmann, un hecho bastante curioso teniendo en cuenta la popularidad de algunos de sus títulos. Nueve años pasaron de su film anterior, El gran Gatsby. Desde el inicio del proyecto en el año 2014, quedaba claro que era el director ideal para este título, aunque muchos otros realizadores podrían haber aportado otras miradas, sin ir más lejos John Carpenter en 1979. Pero Luhrmann tiene un sentido del espectáculo y una estética que lo hace parecer la versión director de cine de la ciudad de Las Vegas. Esa ciudad es, claro, una pieza clave dentro de la carrera de Elvis Presley. De todos los artistas del siglo XX, Elvis es uno de los más complejos y diversos y su vida incluye etapas muy diferentes entre sí, cada una marcada por características difíciles de aunar en un solo relato. Muchos biopics de artistas prefieren tomar solo un fragmento de una vida para evitarse los problemas de pasar por tantos momentos tan disímiles. Pero Baz Luhrmann no es un director al que le falte coraje o ambición, así que en esta película apuesta a cubrirlo todo. Ya se sabe que el corte original duraba cuatro horas, pero lo que quedó finalmente para el estreno son dos horas y media. Sin haber visto la versión más larga, nada de lo que podamos decir tiene mucho asidero, aun cuando los cortes más largos de las películas ambiciosas suelen ser más interesantes y logrados. Por ahora, ese no es nuestro problema. La película tiene un comienzo arrollador y una noticia que los primeros espectadores no tienen, aunque con el correr de los meses se vaya sabiendo más. La historia tiene dos protagonistas y solo uno de los dos es el narrador. Y no es Elvis (Austin Butler), sino su manager, el Coronel Tom Parker (Tom Hanks). Esto puede verse raro en un comienzo, porque no se compara la fama de ambos personajes. Mientras que cualquiera que conozca bien al músico conoce a Parker, la mayoría de los que solo conocen a Elvis por escucharlo no tienen la más remota idea de quien ese personaje raro, con un acento europeo y un aspecto poco agraciado. En ese sentido la película se debate entre aquellos que saben del tema y los que no tienen idea. La tesis de Elvis es muy sencilla: el Coronel Parker llevó a Presley a la gloria y al mismo tiempo lo condenó al desastre. Tal vez ambas cosas hubieran ocurrido sin él, pero eso nunca se sabrá. Baz Luhrmann juega a realizar un Fausto que le debe, secretamente, mucho a las opera rock de los setenta, incluyendo Fantasma en el paraíso. El éxito de Elvis Presley no tuvo nada que se le compare, ni antes ni después, su legado es gigantesco y está completamente vigente. Su influencia en la música supuso una revolución en aquel momento y lo sigue siendo hoy. Se han hecho muchas películas sobre él, cubriendo diferentes épocas de su vida, también documentales, series y su figura ha aparecido, aunque sea de forma breve, como un personaje clave de la cultura popular. Esto sin sumar sus participaciones televisivas, su famoso especial de 1968 y sus treinta largometrajes. ¿Puede una película captar todo eso? Hay que sumarle su vínculo con la música afroamericana, el góspel, el blues, su herencia de la música country y su convivencia con diferentes modas. Su paso por el ejército, su época de paranoia, su condición de mito y su vida privada. La película intenta -y logra- cubrir todo eso. Ahora bien, esto es Baz Luhrmann, por lo que algunas de las cosas que cubre la película pasan a toda velocidad, en gran parte son imposibles de registrar completamente. Algunos momentos son sublimes e invitan, como siempre en este realizador, a ver el largometraje más de una vez. Sin embargo lo abrumador tiene un efecto más logrado en los primeros momentos del film. La escena en la que él sube al escenario y comienza la locura en el público pone la piel de gallina. Es un momento puramente cinematográfico. Si uno no conoce a Elvis, por primera vez alguien nos explica qué fue lo que hizo y, simplificaciones aparte, como logró lo que logró. Lo que no se entiende con imágenes lo explicará la voz en off del Coronel Parker, pero no tendrá el mismo efecto. Más aún, el acento marcado y la ironía permanente son un recurso que se va apagando con el correr de los minutos. La película no se hace larga porque no cuente cosas interesantes, se alarga porque resulta difícil seguir acumulando información. No es irónico decir que si fuera más larga, se sentiría tal vez más divertida. El montaje frenético y brillante de la película deja de golpear con la misma calidad. O tal vez sea glorioso ver un ascenso y menos interesante ver una decadencia. Pero de lo que no hay duda alguna es que se trata de un largometraje en el sentido más bello del término. Narración potente, actores dándolo todo, decorados increíbles y el vestuario inagotable que uno puede imaginar. El amor de Baz Luhrmann por el gran espectáculo siempre es bienvenido. No es Moulin Rouge pero mantiene la alegría de filmar que también se veía en Romeo + Julieta. El actor es directamente Elvis y la película juega al final con esa mimetización. Si algún ser humano sale de ver esta película sin cantar las canciones, entonces es sordo o está muerto. La vitalidad y la energía del Rey del Rock están captadas a la perfección.
El realizador tailandés es Apichatpong Weerasethakul es uno de los directores más respetados del mundo de los festivales en las últimas décadas. Aunque ya no tiene la presencia que supo tener en otra época y sus recursos y estilo ya no sorprenden tanto, Memoria es la prueba de su capacidad para crear grandes imágenes. Esta película colombiana está protagonizada por la actriz británica Tilda Swinton, en una clara combinación de talentos con el fin de lograr completar un proyecto independiente. Swinton ocupa el lugar que hace unos años ocupaba Juliette Binoche, es decir la actriz famosa que gracias a su presencia permite dar luz verde a proyectos arriesgados poco comerciales. Jessica (Tilda Swinton) es una botánica británica establecida en Colombia. Una noche la despierta un sonido como de otro mundo. La protagonista emprende un viaje hasta el corazón de la selva en busca del origen de este ruido que solo ella parece oír. Apichatpong Weerasethakul tiene en este simple argumento la excusa para desplegar todas sus herramientas visuales y sonoras. Logra grandes escenas pero juega al límite de su propia autoparodia. Difícil saber si algunas escenas son humorísticas o no. Algunas ideas son interesantes y tienen resoluciones muy originales, pero otras parecen forzadamente morosas y se ven falsas y repetidas. Si el cine comercial tiene lugares comunes, hay que decir que estas películas también lo tienen. El realizador no produce el mismo impacto, aun cuando algunas imágenes de Memoria sean más bellas y profundas que la mayoría del cine actual.
Panash (2022) es una versión de Cyrano de Bergerac ambientada en el mundo de Fuerte Apache. Denuncia una sociedad que expulsa a los jóvenes villeros y una ciudad que reprime permanentemente. No se sabe si es el 2001 o el 2018, pero al entrar en la ciudad de Buenos Aires todo es represión policial. La ambigüedad temporal es intencional y no un error, aunque su discurso político es muy claro. Este realizador alemán tiene su agenda, aunque gracias a Cyrano de Bergerac quede un poco desdibujada. La película está protagonizada por Homer El Mero Mero, Real Valessa, Lautaro LR, además de muchos artistas del mundo de la escena musical del rap argentino. De hecho Panash es promocionada como “la verdadera película del rap argentino”. Es cierto que ya hubo otros títulos que se acercaron a este fenómeno y también series. El rap, el trap, el freestyle, todo es parte de la trama donde los más de veinte temas que aparecen fueron hechos por los protagonistas. Tampoco es mucho mérito, para ser sinceros. Como en Cyrano de Bergerac hay una dama de la cual el protagonista está enamorado, pero ella ama a otro, más bonito, pero incapaz de expresarse de forma poética. Acá nadie se expresa de manera poética o medianamente civilizada, pero igual se entiende la idea. El protagonista deberá cumplir con los deseos de Panash y cuidar al joven bonito. Acá no hay un poeta con una nariz gigante, sino un trapero que tiene un solo ojo. Todo ese sector del film, el que básicamente es la enésima versión de una obra maestra, funciona, tiene lógica y tensión. Pero cada vez que interpretan una de sus rimas se hace más difícil tolerarlo y cuando se describe la situación social la película directamente es una pavada. El director alemán Christoph Behl se ha radicado en la Argentina para denunciar los males del capitalismo, porque sin duda se debe a eso la marginalidad de nuestro país. Se filmó antes de la pandemia, lo que claramente delata las intenciones y se estrena recién ahora. No sé si el director querrá actualizar sus conceptos o si ya se siente conforme habiendo usado un clásico para darle un poco de vida a su cine sin valor alguno. Cyrano de Bergerac contra el neoliberalismo, ni a Marvel se le hubiera ocurrido una cosa así.
El cine más clásico y con intenciones de público masivo tiene como su mayor defecto la mediocridad. Es mejor apostar a la medianía que a una identidad clara que puede robarle demasiado público. Ese cine ha dado cientos de obras maestras y las seguirá dando. Ser mediocre no es obligatorio, simplemente está permitido si se cumple con la taquilla. El cine más moderno y sin tanta pretensión comercial, por otra parte, tiene como mayor enemigo hacer un cine atrapado en un circuito de festivales, subsidios, becas y todo un mundo de cómplices que premian y festejan a los imitadores de genios. Sí, el cine comercial tiene también sus cómplices, por supuesto. El problema es que cuando uno ve una película como Manto de gemas se imagina un marco teórico que justifica todo lo que aparece en pantalla, aunque en la práctica sea un film pedante, aburrido y finalmente arbitrario. Peor aún, es una película completamente mediocre, justamente a lo que esta clase de cine podría renunciar. La esperanza de poder escapar de los defectos del cine clásico para encontrar algo exquisito no se ve recompensada en lo más mínimo. La mediocridad no tiene que ver con la taquilla. Que una película sea buena o mala tampoco. Pero en el mundo del cine jugar a ser un genio sin serlo deja a los directores sin hacer buen cine y a los espectadores tolerando esta clase de títulos. Eso sí, si uno pertenece al Tercer mundo, siempre habrá premios y becas, porque la culpa de hacer cine en serio lleva a los países del primer mundo a respaldar a los pueblos pobres del planeta y así sentir que están haciendo un bien antropológico. Sí, tal vez sea demasiado para cargar sobre los hombros de Manto de gemas, porque a pesar de que roba a mano armada los recursos que hace sesenta años estaban agotados, igual busca seguramente con sinceridad, crear imágenes y situaciones personales con mucho cuidado estético. La directora de la película ha trabajado como montajista con Carlos Reygadas y Lisandro Alonso, es decir que ha pegado veinte planos por película, como máximo. Sí, es un chiste. Porque incluso Reygadas y Alonso ya han agotado su sorpresa como directores y han jugado con mucha astucia su carta de ser parte del jet set festivalero. Una vez que, talento mediante, se entra fuerte, se puede permanecer allí por siempre. Talento cinematográfico o político, claro está. Difícilmente estos directores vuelvan a sorprender a alguien, pero ya son parte de la gran familia. No se preocupen, hay gente que ha estudiado toda su vida para justificar cada plano de esta películas y tirar toda la biblioteca para explicar lo inexplicable. Fuera de los festivales este cine no existe y su supuesto contenido social es nulo, ya que no produce ningún tipo de interés en ese aspecto. Se podría decir que el conflicto de violencia en México que la película trata jamás se vuelve explícito, aun cuando dicha violencia subyace en muchos momentos, sepultada siempre en metáforas. Pero es verdad que el discurso no es explícito, ni claro, ni interesante, ni nada. Hay tomas muy lindas, aunque casi todas ellas duran más de lo que deberían. Genios del cine hay pocos y este no es el caso. Extrañamos a los verdaderos maestros cada vez que vemos cosas como Manto de gemas.
Thor: Amor y trueno (Thor: Love and Thunder, 2022) es la cuarta película de la tetralogía del personaje de Marvel. Lamentablemente no será la última, aunque a juzgar por las barbaridades que ocurren aquí, será difícil predecir el futuro de la franquicia. Mentira, seguirá adelante sin problemas, lo sostiene el Universo Cinematográfico Marvel. Thor (Chris Hemsworth) tiene una crisis de la mediana edad y lamentablemente lucha contra eso en medio de la película. Acompañado por el elenco de Guardianes de la galaxia ayuda a su manera mientras atraviesa la tristeza por los seres perdidos e intenta no conectar con sus sentimientos más profundos, aquellos que le recuerdan a la doctora Jane Foster (Natalie Portman). Pero esa es una de las escenas del comienzo, las otras dos presentan a los otros protagonistas. Gorr (Christian Bale) pierde a su hija, lo que lo enemista con su dios y lo termina convirtiendo en un carnicero de dioses. Él no era malo, se convirtió en malo. Ningún pibe nace carnicero de dioses. Y el tercer personaje es el regreso de Jane Foster. La doctora tiene un cáncer avanzado y con pocas posibilidades de sobrevivir. Excelente idea para meter en una película de Thor, un manotazo de ahogado del guionista y director Taika Waititi. Una mala señal. La película se debate entre una comedia cínica y una drama lleno de golpes bajos, ambos son dos caras de la misma moneda. Waititi había convertido a Thor en una comedia al dirigir la tercera parte, Thor: Rangarok (2017) lo que generó felicidad masiva pero no unánime. Ahora insiste sobre ese punto, pero en el medio hizo Jojo Rabbit (2019) donde combinó comedia y abyección en una versión mejor filmada de la abominable La vida es bella. Especulación en esta puro, un daño sin retorno para el realizador de una gran película, What We Do in the Shadows (2014). Todo deja una marca y es Amor y trueno donde despliega todo ese costado sobrador y pretencioso, el peor de los escenarios. Algunas escenas se resuelven mejor que otras y varias son insufribles. Estéticamente tiene varios momentos bellos pero también aparecen algunos que hubieran sonrojado al creador de los poster Pagsa. Waititi no tiene sentido del humor, solo practica el viejo arte de la burla, que no es lo mismo. La burla puede producir algo de risa, pero a la larga es cruel e inútil. En eso claramente se diferencia del espíritu de Guardianes de la galaxia, la versión no cínica del revisionismo de los héroes. No soy fan de ninguna de las dos series, pero el tiempo le juega a favor a una mientras hunde a la otra. Thor: Love and Thunder tiene como máximo hallazgo abusar del uso de Guns N’ Roses en la banda de sonido y en cada lugar que entra. Tiene la agenda woke completa, sin un solo casillero libre y el empoderamiento femenino menos creíble de la década. Las contradicciones del relato y su mirada del mundo llegan hasta el último segundo de la secuencia final de títulos. En eso es coherente: es un incoherente hasta el final.
Es un género bastante habitual el documental argentino que trata sobre otras disciplinas artísticas. A veces con resultados interesantes, pero en general provocando un desinterés tanto por el artista elegido como por la película que lo tiene como objeto. La herida y el cuchillo sigue el proceso creativo del dramaturgo Emilio García Wehbi durante cinco años. Sin ánimo de arruinar el misterio, hay que decir que lo sigue pero no llega a ningún lado. La película busca ser disruptiva y evitar la lógica de la narración clásica, como el propio autor, pero eso se sostiene un rato y luego se vuelve simplemente anodina. Luego de un comienzo interesante va perdiendo fuerza, al mismo tiempo que describe, mal, un proceso creativo que no parece relevante. Si luego de cinco años lo único que se pudo realizar es este documental, entonces o el exceso de material le jugó en contra o bien no había nada para contar. En el mundo del teatro este documental tal vez tenga algún valor, en el del cine, definitivamente no.
El alcalde de Lyon, Paul Théraneau (Fabrice Luchini), está en crisis. Tras pasar 30 años en política siente que se ha quedado sin ideas y experimenta un vacío existencial. Para solucionar su problema, Paul decide contratar a una joven brillante experta en literatura y filosofía, Alice Heinmann (Anaïs Demoustier). Entre ambos empiezan a desarrollarse una serie de diálogos en los sus respectivos puntos de vista se van enriqueciendo, al mismo tiempo que comienzan a tambalear sus certezas. La película parece más sofisticada de lo que realmente es. Hablar de cosas profundas no convierte a una película en algo profundo. Es un gran error del cual se han servido muchas películas para darse importancia. Aun así, en este caso los personajes están bien armados y el tono melancólico de la historia le da cierto interés y encanto. Una película pequeña con buenos intérpretes y algunas reflexiones acerca de la película.
Minions 2 (Minions: The Rise of Gru, 2022) es la precuela de la serie de películas de Mi villano favorito. Si queremos hablar de datos hay que decir que se trata de “La primera secuela estrenada en cines de una precuela animada y un spin-off animado.” Genial, gracias por la información, sigamos adelante. La historia es la de la infancia de Gru, cuando su deseo máximo es convertirse en un supervillano. El modelo de conducta del pequeño son un grupo de villanos llamados Los viciosos 6 a los que Gru desea unirse. Las cosas, claro, no salen como él las imagina y todo se complica. Pero esta película es de los Minions, por lo cual ellos se roban el show. Lo que se roban es la entrada, porque esta secuela precuela spin-off o lo que sea es particularmente tonta y sin gracia. El potencial para la comedia slapstick que tienen esos personajes es total. Son una mezcla de los Keystone Cops y Los tres chiflados, como la propia narración lo reconoce, pero de ahí a tener gracia hay una distancia. Podrán tener cierto efecto en el público infantil, pero un ser humano que ha completado su ciclo de maduración y se ha convertido en adulto no puede sino sentirse ofendido por semejante catarata de chistes sin gracia y sin ganas. Para engañarlos, como siempre, hay muchas citas a otras películas y referencias culturales, un recurso que ya no puede interesarle a nadie. En el idioma original hay un elenco de voces que es espectacular, pero casi todas las copias en Argentina están dobladas al castellano, por lo cual tampoco eso la película le ofrece al espectador local. La trama de acción y los personajes de los villanos aportan una especie de drama de acción sin sentido y la ya común demagogia hacia la cultura china que se ve en el Hollywood actual da otro gran paso aquí. No hay de malo en que las películas se hagan a partir de estudios de mercado, no sí al final son buenas. Este no es el caso, pero sí se ve la especulación en cada escena.