La conquista de las ruinas es una película documental con varios personajes que no interactúan entre sí pero que se vinculan de diferente manera con la tierra. Filmada en blanco y negro en escenarios de Villa Chocón, entre las provincias de Río Negro y Neuquén y también el territorio boliviano de Cochabamba y el delta del río Paraná. Sus protagonistas son un minero que trabaja en una cantera, un obrero de origen boliviano que desde hace años se desempeña en la industria de la construcción en Buenos Aires, un paleontólogo y dos miembros de una comunidad aborigen que luchan contra el avance de los barrios privados. De forma fluida la película los conecta y escucha sus historias. Desde ideas complejas sobre la sociedad a bajadas de línea un poco obvias, pasando por historias de espíritus, la película es bastante sobria aunque claramente toma partido y marca postura ideológica. Pero los mismos obreros de la construcción de ríen con los relatos de fantasmas que son tomados con profundidad por otros personajes. Pero lo que le da un balance positivo al film es la capacidad del director de encuadrar y fotografiar en impactantes planos generales, de la naturaleza o urbanos, marcando desde lo cinematográfico lo que las personas buscan decir con palabras. Por momentos la película logra ser misteriosa y bella, mostrando casi siempre un cuidado estético que es su discurso más contundente.
Cuando una cinematografía acumula títulos año tras año y la mayoría pasa sin pena ni gloria por los cines (ahora peor, solo por el streaming) lo que más se valora de un realizador es su originalidad. Matías Szulansky podrá tener mejores o peores films, pero incluso los menos logrados buscan, en algún momento, un rayo de originalidad. Ecosistemas de la Costanera Sur tiene, claramente, en la originalidad su mayor mérito. La película arranca de forma dinámica, pero todavía no del todo brillante, con un actor contándonos la historia de la Costanera Sur. Tiene humor, simpatía y ligereza. Con eso no hubiera alcanzado. Luego el director confiesa que lo que iba a ser un documental sobre la Costanera Sur, se transformó en un documental sobre el documental. La información cualquiera la puede conseguir, la pandemia encerró a todo la ciudad, el director dejó de entrar por la puerta y pasó a ingresar por la ventana, parafraseando a Billy Wilder. La película renueva su interés. Conocemos historias y sub tramas, un realizador experimental y su actriz hacen un corto y somos testigos de la realización. El Súper 8 cobra protagonista poco a poco. Luego un director desea hace un film de terror de presupuesto nulo y vemos el conflicto con su novia actriz cuando no es elegida para el rol protagónico. Todo esto con humor, sin juzgar, tampoco burlándose de los personajes. Para cuando uno se aburre de alguna de estas ideas la película ya pasó a otra cosa o, directamente, se terminó. Un poco de humor y el deseo de abrirse paso con ideas hace de Ecosistemas de la Costanera Sur un film que alivia por un momento este año difícil que nos ha tocado vivir y que, la propia película incluye en su trama.
Pablo Silva (Rodrigo de la Serna) es asignado de manera temporaria como guardabosques en el Parque Pereyra Iraola. Llegue luego de haber pasado un tiempo en la cárcel, lo que significa que hay una sospecha sobre sus conductas. En su nuevo trabajo lo reciben Mario Venandi (Walter Jakob), un ex militar jefe del sector, y otros dos compañeros: Mariano Rodríguez (Facundo Aquinos) y a Camila Márquez (Belén Blanco). Pero en los primeros recorridos, de simple rutina, Silva encuentra un perro que ha muerto luego de quedar atrapado en una trampa. Es el primer indicio de que algo está pasando. Descubrirá luego que opera en el parque una banda de cazadores furtivos ligada con traficantes de animales. Silva se dispone a terminar con el negocio, poniendo en riesgo su propia integridad. La historia promete más de lo que finalmente ofrece. En un contexto inusual la película narra una historia policial con un antihéroe sobre el que pesa un enorme dilema moral. El guión es más interesante que su desarrollo y los actores, en particular Rodrigo de la Serna, están en ese tono del cine argentino independiente que parece todo cortado por la misma escuela. No llega a ser una narración apasionante ni un notable film de género, pero tampoco es una película que deslumbre por su original o un estilo visual personal. Muchas películas como esta se estrenan por año en Argentina, no son malas ni buenas, pero cuesta creer que sean recordadas.
Un expatriado chino que trabaja para una compañía minera en Australia descubre que la nueva tecnología que está desarrollando la empresa puede ser un riesgo para la salud de los trabajadores, por lo que decide comenzar a investigar para destapar las conspiraciones que se esconden tras la verdad. Una serie de eventos inesperados lo exponen a él y a sus colegas a una intriga terrible donde sus vidas correrán peligro. La película no pretende ser en ningún momento un film dramático realista y su descontrolado afán por escenas de acción lo sumerge en un número insólito de persecuciones, choques de autos y escenas de acción no del todo logradas. Las vueltas de tuerca no son interesantes y además son demasiadas. La película se hace demasiado larga para terminar en un film demasiado sencillo y gastado. Su clara inspiración en las películas de Misión: Imposible no la hace quedar también porque la comparación se hace inevitable y en eso también sale perdiendo por mucho.
La película arma su historia buscando discutir el binarismo de género a partir de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca y recordando los movimientos culturales del underground de Buenos Aires durante los años ’80. Son dos películas que conviven en una con resultados dispares pero siempre interesantes. Da por sentado que todos los que ven el film conocen la historia de la comunidad gay y su relación con el movimiento paracultural del underground de hace cuarenta años, lo que por momentos lleva a que el espectador tenga más ganas de conocer ese pasado a discutir los elementos artísticos del presente. Ver cómo ha cambiado el mundo en estas décadas es muy impactante, pero en la película eso no llega a verse. Lo deduce el espectador simplemente por vivir en el presente. Lo que parecía un quiebre (y lo era) cultural potente es mucho más fuerte que la obra que vemos armarse en el hoy, que justamente parece cualquier cosa menos algo novedoso. El pasado, esto dicho sin ironía, parece más revolucionario que el presente y por eso también resulta lo mejor de la película.
Una mujer peruana mantiene a su familia trabajando como empleada doméstica en una casa en la ciudad de Santiago de Chile. La película se inicia como un retrato realista de la vida de esta mujer, pero lo que parece un film más sobre las problemáticas sociales del continente, sorprende de pronto al convertirse en un musical. Así, al naturalismo de muchas escenas se le contrapone números musicales donde la protagonista es la estrella. No es la primera película que utiliza este recurso. De hecho es un recurso usado muchas veces para contraponer la crudeza de la vida cotidiana con el mágico universo de la ficción, en particular el musical. Los musicales no son enormes despliegues de producción pero sí un fuerte quiebre en la narrativa. Son bellos momentos, cargados de ternura y genuina luminosidad. No hay manera de no encariñarse con la carismática protagonista y la película. Un poco de afecto en un presente cinematográfico donde la crueldad paga más que la bondad, es motivo de festejo, en particular cuando está hecho con convicción, como ocurre acá.
existieron o existen en el mundo. Rumania estrenó en Argentina vía streaming 9 relatos de amor y odio en cuarentena, escrita y dirigida por Dan Chisu. En Netflix muchos grandes directores aportaron sus cortos reunidos con el título de Hecho en casa. En Argentina, donde la cuarentena récord da tiempo suficiente como para filmar seis veces Avatar también se hizo una película. No es solo una expresión artística, sino que es un film con fines solidarios. Bueno, de hecho tiene poco y nada de interés artístico, así que al menos este film sin presupuesto nació de un objetivo noble. Es más de lo que se puede decir de mucho cine local. Estos cortometrajes no tiene mayor interés, no superan a ejercicios de aficionados e incluso como tales no serían ni para compartir en las redes. La excepción es la historia de Oscar Martínez. El actor y director teatral usa todo su conocimiento y talento para construir una historia que realmente funcionaría más allá de la cuarentena. ¡De eso se trata! Hacer algo que no sea una imposición, sino un punto de partida para crear. Su encierro es más profundo y complejo, su historia es angustiante y compleja. Su mundo es más amplio que el de toda la película y muchas otras películas que vemos a diario. La dirección de ese corto estuvo a cargo de Daniel Rosenfeld. Si quieren donar y aportar, aun sin ver la película, pueden hacerlo.
Lucas, un joven arquitecto, viaja a visitar a su hermana a un pueblo remoto en el sur de Chile, lo hace antes de viajar a Canadá, donde ha obtenido una beca. Sus padres lo rechazan por su condición sexual. Ya en el sur chileno conoce a un hombre de la región que trabaja de pescador y nace entre ambos un amor apasionado. La película se luce en su autenticidad y la manera en la que logra describir ese amor, consiguiendo que el espectador entienda los sentimientos y el deseo de los personajes. El paisaje del lugar es imponente y una particularmente inspirada utilización de la banda de sonido le da un marco luminoso a este film agridulce.
París, 1897. Edmond Rostand es un joven dramaturgo con gran talento. Pero todo lo que ha escrito ha sido un fracaso y ha entrado en crisis. Gracias a su admiradora, la gran actriz Sarah Bernhardt, conoce al mejor actor del momento, Constant Coquelin, que insiste en interpretar su próxima obra. No solo eso además quiere estrenarla dentro de tres semanas. El gran problema para Edmond es que todavía no la tiene escrita. Solo tiene el título: Cyrano de Bergerac. Luego de muchas adaptaciones de la obra, esta película encara en tono de comedia el proceso que llevó a Rostand a escribirla. Sin ningún atisbo de realismo y con muchas ganas de entretener, la película es insólitamente ligera y divertida. Pero aun siendo así, consigue emocionar hasta las lágrimas incluso cuando lee las escenas finales del texto o las interpretan en la obra. Eso habla de la habilidad de los realizadores y también de la potencia inmortal de Cyrano de Bergerac. Para cerrar bien arriba, escenas de las principales adaptaciones se suceden en los títulos finales. Mejor homenaje, imposible.
José Celestino Campusano tiene un filmografía con un promedio de más de un film por año desde hace una década. Su retrato de personajes del conurbano lo han hecho destacarse en festivales de cine y ha recibido la bendición de la mayoría de la crítica cinematográfica. Su obra, sin duda particular, tiene algunas características que lo mantienen alejado de un público masivo pero a la vez le aseguran su condición de cineasta de culto. En Bajo mi piel morena Campusano cuenta la historia de tres mujeres trans que vive en el conurbano bonaerense. Morena (Morena Yfrán) ha trabajado desde adolescente en un taller textil y ha vivido toda su transformación estando en ese trabajo. Recibe acosos y agresiones, pero también solidaridad y amistad genuina. Lleva una relación con un hombre que, a su vez, tiene una doble vida. Su amiga Claudia (Maryanne Lettieri) se ha recibido de profesora e inicia su primera suplencia, aunque se encuentra con una fuerte resistencia inicial en el lugar de trabajo, luego su mayor problema será la madre de uno de sus alumnos rebeldes. Otra amiga, Myriam (Emma Serna), una joven que ejerce la prostitución con protección policial, viviendo con un nivel de peligro del que las otras dos amigas han intentado dejar atrás. Campusano trata el tema de manera interesante, encara los problemas de la vida cotidiana de las personas trans y lleva a los personajes más allá de los lugares comunes. Hay un universo que solo él retrata en el cine de ficción en Argentina. Pero lo que sigue siendo una barrera insalvable es la dirección de actor, si acaso hay alguna, y la manera en la que se construyen los diálogos en la película. Un distanciamiento absoluto del cual es difícil salir al ver la película. Todas las emociones se suspenden y casi todas las escenas se sienten no actuadas de manera original, sino de manera incorrecta.