Jesús y María José son hermanos. Viven juntos en la casa que perteneció a su padre, recién fallecido, previamente postrado mucho tiempo después de un intento de suicidio. Su rutina es interrumpida por la llegada desde España de Magdalena, su medio hermana por parte del padre. Luego de varios años sin verse ella viene en busca de la parte que le corresponde legalmente por la propiedad. Pero ellos no quieren vender la casa y para lograr su objetivo se servirán de una cantidad de juegos perversos donde Magdalena quedará atrapada dentro de las oscuras redes de los hermanos. Con una claustrofobia digna de Roman Polanski, los realizadores Macarena García Lenzi y Martín Blousson arman un relato inusual, bien alejado de los códigos naturalistas del cine argentino. El trío protagónico entiende el tono y lo respeta, lo mismo para todos los aspectos del film, música, sonido, dirección de arte y vestuario. El relato avanza de forma firme, sin que su excentricidad se convierta en un relato pretencioso. Si suena Polanksi en varias escenas, también hay ecos de Robert Aldrich, grandes nombres para explicar qué clase de película es. El delirante subtexto de El mago de Oz, con esa recreación casera del clásico de Hollywood, le da un poco de perverso humor extra, para completar un cuadro original y divertido, una búsqueda que no siempre es impecable, pero que respira aires distintos en la cinematografía nacional.
Woody Allen es una leyenda viviente dentro de la historia del cine. A pesar de sus años de popularidad y prestigio, el director sabe que cada vez menos gente lo conoce y que muchos espectadores buscan a los nuevos protagonistas de sus películas. Con un elenco bastante juvenil, Allen construye aquí una ligera comedia dramática acerca de lo volátil y dinámico que puede ser el afecto, el deseo y las relaciones. La pareja de jóvenes protagonistas viaja a Nueva York por dos días e inmediatamente se separa, cada uno para vivir una azarosa e inesperada aventura por las calles de la ciudad de Nueva York. Aunque no es nada sofisticada en la manera en la que está filmada, Woody Allen logra igualmente que la película sea muy entretenida, mucho más que el promedio general del cine actual. Y la ligereza del tono no debe confundir al espectador. Allen no hace una película superficial, sino una comedia feliz, luminosa y optimista. Pero allí están los temas del director, sus obsesiones y sus reflexiones sobre el ser humano. La manera dinámica y vital en la cual los seres humanos se relacionan, cambian de opinión, se enamoran y se desenamoran a lo largo del tiempo o incluso de un día. Un día de lluvia sin ir más lejos. Por primera vez Nueva York aparece en el título de una película de Woody Allen. A juzgar por todos los problemas que ha tenido Allen para estrenar esta película, tal vez su ciudad sea una manera de identificarla más allá de los prejuicios y los cambios de época.
Doctor sueño tiene una paradoja de la que no puede escapar. Por un lado es una película mucho más cálida y humana que El resplandor (1980) de Stanley Kubrick, y por el otro, todo el tiempo la película protagonizada por Jack Nicholson viene a nuestra mente a lo largo de esta interesante secuela. Sí, Doctor Sueño (Doctor Sleep, 2019) es una secuela de El resplandor (The Shining, 1980). Pero no estamos hablando solo de las películas. También es una secuela de del libro de Stephen King. El primero escrito en 1977 y su continuación en el año 2013. Danny Torrance es ahora un adulto que aún vive atormentado por los eventos ocurridos en el Hotel Overlook. Actualmente, después de superar sus problemas con el alcohol, vive en un pequeño pueblo de New Hampshire trabajando en una residencia de ancianos. Allí utiliza su habilidad mental denominada resplandor para proporcionar consuelo a los moribundos. Pronto conocerá a una niña con su mismo poder, con un resplandor aún más brillante que el suyo. Pero a diferencia de la película de 1980, acá hay una segunda línea que corre junto a la principal y que tiene como protagonistas a un grupo de vampiros psíquicos. Aunque la historia puede ser interesante, lo mencionado en el párrafo inicial hace que toda esta otra trama parezca excesiva y por momentos ridícula. Más allá de que el propio Stephen King no estaba conforme con el film de 1980, hay que entender que ya se ha transformado en un clásico de la historia del cine. Las secuelas necesariamente terminan siendo juzgadas en la comparación y en este la termina perjudicando.
Dani (Florence Pugh) y Christian (Jack Reynor) atraviesan una dura crisis de pareja que ha dejado realmente afectada su relación. Ella convive con un terrible trauma producto de la muerte de su familia. Los amigos de él creen que la relación ya ha llegado a su fin. Sin embargo, ambos deciden darse una oportunidad, y qué mejor para ello que disfrutar de un retiro vacacional en una idílica isla sueca donde viven los familiares de uno de sus amigos. Viajan todos, la pareja y los amigos, a un festival de verano que se celebra una vez cada 90 años en una remota aldea de Suecia. No solo es por tomarse vacaciones, sino por el interés antropológico que este grupo de estudiantes ve en las costumbres de la aldea. Christian y uno de sus amigos, Josh, están preparando su tesis y les atrae lo raro y arcaico que ese el lugar. Pero luego de la fascinación y la experimentación con drogas, el grupo descubre que la aldea encierra sus secretos. Los rituales paganos del lugar perturban inicialmente a todos, pero aun así no huyen despavoridos del lugar frente a la primera situación de extrema violencia. Uno de los mayores atractivos de esta película de terror es como maneja con ironía el relativismo cultural. Lo que en cualquier circunstancia serían crímenes inaceptables que deberían ser inmediatamente denunciados, acá son vistos por estos jóvenes progresistas estudiantes de antropología como una cultura diferente. La ironía es que sí, la cultura es diferente, pero es criminal, cruel y monstruosa. Los jóvenes civilizados lo descubrirán cuando sea demasiado tarde. También en la película hay un análisis de cómo funcionan los cultos y las sectas. Dani, vulnerada por su tragedia familiar y en crisis con su pareja, deja demasiados flancos libres para que las ideas demenciales de la aldea operen sobre su mente y la hagan sentirse, aun en el horror, más a gusto que en la civilización. Interesante como película de terror diurna, las únicas limitaciones que podrían criticársele a Midsommer tienen que ver con un excesivo esteticismo y una crueldad por momentos innecesaria. Sí queda claro que quien vea la versión completa estará tentado a cerrar los ojos en más de una ocasión. Como dato final para quienes se interesen por esta clase de títulos, un par de películas vienen a la cabeza del espectador al ver Midsommer: The Wicker Man (1973) de Robin Hardy y Seconds (1966) de John Frankenheimer. Una trilogía para no dormir tranquilo, ni siquiera de día.
“Cambié el bajo por la cámara” cuenta Marilina Giménez sobre su banda Yilet que formó en 2009. Desde ese registro autobiográfico, Una Banda de Chicas, reconstruye su historia y se pregunta por el rol de la mujer en la música local. Varias virtudes tiene este documental. Más allá del interés o gusto musical de cada uno, la película tiene un retrato poderoso y auténtico del mundo de las bandas de chicas, sin intentar armar un agenda políticamente correcta, sino mostrando lo que tiene adelante y punto. Si el film tiene contenido político no es por especulación, sino por honestidad con lo que tiene delante. Pero tal vez la virtud que hace la diferencia son algunos hallazgos estéticos exquisitos, como el plano secuencia nocturno que pasa de una pelea a seguir a las chicas caminando por la calle. Momento cinematográfico puro que le da a la película una calidad absoluta.
Héctor, un joven peón de campo, despierta en un territorio místico después de un accidente en el cual perdió a un niño. Para encontrarlo, ha de atravesar todo un pantano en el cual va encontrando diferentes entidades que lo confunden con el héroe popular Antonio Gauchito Gil, a quien debe terminar encarnando. Sobre el exceso de películas irrelevantes dedicadas a la figura del Gauchito Gil no diremos nada, porque cada uno hace la película que quiere. Pero sobre los resultados muy pobres de este nuevo relato sí hay que mencionar que falla de punta a punta. Ni el clima onírico ni las imágenes por momentos experimentales consiguen darle a la historia un instante de interés.
La forma de las horas de Paula de Luque se estrena con una campaña cuyo mayor énfasis está puesto en que la película fue hecha sin aportes del INCAA. A los espectadores esto les importa poco y nada y de hecho tienen razón. ¿Qué mérito artístico tiene que una película se financie con tal o cual aporte económico? Pero como los que hicieron la película insistieron mucho con ello, muchas críticas destacan esto y lo ven como algo que invita a tener piedad o respeto por la película. La directora, por su parte, hizo su pequeña campaña diciendo que durante la gestión actual del INCAA se ha vuelto cada día más difícil hacer cine, que “estamos frente a una emergencia cultural” declaró Paula De Luque. Es un buen momento para recordar que durante el gobierno anterior al actual, Paula De Luque dirigió dos largometrajes. Juan y Eva (2011), que contaba el surgimiento de la relación entre Juan Domingo Perón y Eva Duarte, y el documental Néstor Kirchner, la película. Sobre la obsecuencia con el poder que podría suponer Juan y Eva no hay nada para agregar. Si bien esta realización coincidió con una época de festejo del peronismo y un intento de asociación de la pareja de Perón y Duarte con la de Kirchner y Fernández de Kirchner, la película tenía vida propia y podía ser tomada como un genuino proyecto cinematográfico. En cuanto a Néstor Kirchner: la película la cosa es muy diferente. Cuando el infame y absurdo proyecto de propaganda producido por Luis Fernando Navarro y Jorge Devoto con un abultado presupuesto y apoyo del INCAA ridículo se quedó sin director, Paula De Luque aceptó ser la empleada que llevó a puerto este film. Adrián Caetano hizo una versión que no gustó por no ser lo suficientemente lavada y obsecuente y se hizo esta nueva versión dirigida por Paula De Luque. La película no solo es un papelón cinematográfico, también es una página negra dentro de la propaganda del cine nacional. Pre-estrenada en el Luna Park, con una fiesta oficialista sin precedentes, Néstor Kirchner: la película representa el uso y abuso de los recursos del INCAA más el clientelismo expresado por diferentes militantes e intendencias que compraron cantidades de entradas para forzar un éxito en una película que, además de todo, era cinematográficamente pobre y fea. Por eso no sorprende que la directora vea con malos ojos una gestión donde ya no se pueden hacer estas barbaridades. Pero si el llanto y el chantaje emocional de decir que se hizo la película a pulmón no deben ser tomados para hablar forzadamente a favor, tampoco debe ser usado en dirección contraria. Obras maestras y porquerías absolutas han sido hechas sin aportes del INCAA. Claro que tales declaraciones dejan a la directora y al equipo listos para una nueva gestión donde seguramente no les faltará eso que tanto reclaman, lo merezcan o no. Pasemos a la película, ajena en su contenido a toda esta situación política. La forma de las horas es la historia de una separación, de un final, de un cierre. Una pareja se reencuentra luego de un año de haberse separado y pasa un día en la casa donde vivieron y formaron una familia. Son veinticuatro horas que se ven y se viven como mucho más. El desgarro y el dolor de lo que ya no es, la aceptación de que todo ha terminado. Temas de varios films a lo largo de la historias del cine, cosa comprensible teniendo en cuenta la universalidad del tema. La película apuesta al drama solemne de principio a fin. Con algunas metáforas incomprensibles que suponen una intención artística más allá de la literalidad naturalista que la historia supone. Cuando no hay complejidad ni profundidad visual, es difícil tomarse en serio los recursos forzadamente serios, la música grave que está a medio camino entre una película europea de la década del setenta y una publicidad televisiva de cualquier época. Como un salvavidas inesperado pero no sorpresivo, aparece Julieta Díaz, cuya actuación es lo único para tomarse en serio aquí. Hay más matices en ella que en el guión, más complejidad en su mirada que en los aburridos planos de playa y la mencionada música. Y hay más humanidad en el dolor que expresa que las imposibles escenas de danza ejecutadas por Paula Robles. Lamentablemente no alcanza con la actriz, mucho menos cuando a su lado hay un rostro inexpresivo como el de Jean Pierre Noher. El actor, que a veces funciona como actor secundario de comedias, acá se queda muy lejos de lo que se necesita para dar un mínimo de calidad al largometraje.
Inspirada en hechos reales. Un grupo de bailarinas de striptease se une para estafar a sus clientes, ricos magnates de Wall Street. Cuando Elizabeth, una periodista del New York Magazine, comienza a investigar a las strippers, ellas verán peligrar su negocio y tendrán que afianzar su lealtad por encima de la envidia y la avaricia. Entretenida, muy graciosa, no exenta de cierto comentario político y social, la película no se arruina con la bajada de línea y avanza con el carisma de sus protagonistas, en particular Jennifer López, y lo absurdo de esta historia que aunque parezca inventada hay que repetir que se basa en hechos reales.
Rafael Márquez se está formando como médico militar en un regimiento de montaña. Carga con la deshonra de tener un padre desertor del ejército, pero logra sobrellevar su carrera dignamente. La llegada al regimiento del legendario coronel Santos, amigo de su padre, y la aparición de una misteriosa mochila, avivan los fantasmas de Rafael. Santos le confiesa que su padre nunca desertó sino que fue asesinado por un viejo ermitaño que vive en medio de la cordillera. La noticia lanzará al joven soldado a una intensa búsqueda de su verdadera historia. Las primeras escenas de la película aprovechan el paisaje al máximo y evocan merecidamente el ambiente del western. Esta conexión estética no será abandonada a lo largo del film y es sin duda lo mejor que tiene Desertor. Se alternarán las buenas escenas con otras que no lo son tanto y el rigor de ese paisaje aprovechado como un personaje más no consigue elevar a la película a una categoría mejor a la que finalmente accede. Hay ideas, hay belleza, pero también hay diálogos y personajes que no encajan del todo.
Hay un momento insuperable en Terminator: Destino oculto. Grace y Dani escapan como pueden del Rev-9, el nuevo asesino enviado para terminar con la posible salvación de la humanidad. Grace, enviada para salva a Dani, está a punto de fracasar en su cometido. Entonces llega al puente donde está ocurriendo la acción un vehículo. Frena, se abre la puerta y la cámara toma el borceguí de la persona que baja del vehículo. La cámara panea hacia arriba, tomando a la mujer que se bajó del jeep. Es Sarah Connor, es Linda Hamilton. Apenas aparece, arma en mano, comienza a dispararle al nuevo terminator. Es un momento de profunda emoción, cualquier admirador de los dos films de Cameron protagonizados por ella sentirá la piel de gallina en ese momento en que uno de los personajes más queridos y admirados ha vuelto, años más tarde, la pantalla grande. Sí, al comienzo la vemos en Terminator 2, en la escena del monitor y luego una escena con personajes digitales la muestra en esa misma época. Pero la Sarah Connor del puente es la actual, la verdadera, la que tiene arrugas, la que ha envejecido como hemos envejecido todos. Al estar Linda Hamilton mucho más lejos de la exposición permanente, para muchos será la primera vez que la ven en años. Es un reencuentro fantástico, sin pausa para sentimentalismos, Sarah entra en plena acción. Su rostro es reconocible, no está deformado, no está tocado, es Sarah con 63 años. Pasaron treinta y cinco años desde Terminator y veintiocho desde Terminator 2. No es común que una mujer retome un papel de acción luego de tantos años. Tal vez los tiempos que corren lo permiten, tal vez Sarah Connor se ganó su espacio más allá de cualquier moda muchos años atrás. Como Sigourney Weaver como la teniente Ripley en la serie de Alien, Linda Hamilton construyó un personaje inmortal. Volver a verla es algo que produce mucho más que un simpático regreso, es una victoria sobre el paso del tiempo. También aparece Arnold Schwarzenegger, y verlos juntos también es maravilloso, pero nada en la película puede superar esa aparición en el puente. Además Arnold siempre está presente y no hemos dejado de verlo en la pantalla grande. Fuera de ellos no hay mucho más para agregar. Hay grandes escenas de acción, Mackenzie Davis interpretando a Grace también está muy bien y el resto del elenco, incluyendo a Natalia Reyes y Gabriel Luna, está a años luz de los protagonistas. Las bajadas de línea coyunturales no aportan nada y el director Tim Miller trabaja más como un empleado del proyecto que un autor como lo fue en su momento James Cameron. Para los admiradores de Sarah Connor/Linda Hamilton, la película es de visión obligatoria. Para lo demás, es entretenida y espectacular, pero no tiene ni por dónde empezar para estar a la altura de los primeros dos films, de los que deriva directamente, olvidándose de la existencia de los demás. Sarah Connor vive y Linda Hamilton le da vida nuevamente, en todo sentido.