Jennifer Lawrence cayó en la maldición de las destacadas actrices del cine y protagoniza su (desalentadora) primera incursión en el terror, género que amenazó con desestabilizar la carrera de más de una celebridad. Aquí, hija adolescente y madre conflictiva (Elisabeth Shue) se mudan a un nuevo pueblo en donde las casas son enormes, los jardines lo son aún más y las distancias entre los sicópatas y la civilización son kilométricas. Hasta allí van a parar estas dos desprotegidas mujeres quienes logran pagar el alquiler debido a que en la casa de al lado tuvo lugar un parricidio hace algún tiempo. Los pobladores hablan sin cesar del único sobreviviente de aquella malograda familia, incrementando el poder de la frase “pueblo chico, infierno grande”. Ni siquiera tan espantosa historia podrá generar algo de tensión o de intriga en un relato que se va plagando de lugares comunes, maniqueísmo al momento de conformar a sus protagonistas y un malo con aspecto de sicótico desde su primera aparición en pantalla. Cuando las nuevas vecinas descubran que no todo lo que se dice es cierto y que hay más por revelar de aquel sangriento doble homicidio, el pasado volverá para acallar todas las sospechas.
La música les cayó del cielo, en forma de discos de vinilo, a estos cuatro amigos. Cómplices desde la infancia, Damián, Facundo, Luciano y Marcelo son muy diferentes, pero hay algo que los hermana: el fanatismo por el rock y por el sonido límpido que posee el vinilo. Tanto es así que la música forma parte constante de sus vidas personales y laborales. Luciano (Fernán Mirás) es locutor y conductor de un programa radial dedicado a los grandes clásicos de la historia, abandonado por una cantante pop (Emilia Attias) encuentra consuelo en su productora (Maricel Álvarez) y esposa de su amigo Facundo (Rafael Spregelburd), quien siempre soñó son ser compositor pero se adaptó a una vida de conformismo vendiendo parcelas en un cementerio privado. El guionista del grupo es Damián (Gastón Pauls), depresivo, desganado y con una gran de autoestima, no logra superar su separación de una fría crítica de arte (Carolina Peleritti) y vive reescribiendo su película a merced de los pedidos delirantes de Leonardo Sbaraglia. Tan consumido está por el desamor y la rutina que no logra ver la segunda oportunidad que se le presenta con Vera (Inés Efrón), una vendedora de cosméticos por catálogo. El cuarteto de amigos se completa con Marcelo (Ignacio Toselli) quien después de veinte años de intentar triunfar continúa al frente de su banda tributo a Los Beatles. Su mundo son los fantastic four, hasta que una estudiante de intercambio pondrá su mundo y sus convicciones patas para arriba. No suele ser común encontrar un comedia nacional que funcione en gran parte de su extensión, sin embargo, Días de vinilo se erige como la excepción a esta regla. Remates acertados y divertidos, actuaciones parejas en donde todos y cada uno de los actores pueden demostrar sus cualidades para la comedia (sin dudas los cuatro protagonistas se destacan por sobre el resto y tienen sus momentos para lucirse). Podríamos criticar que el estilo de humor tiene mucho de la creación anterior de Gabriel Nesci (Todos contra Juan), pero porqué señalar algo como negativo cuando se nutrió y se potenció gracias a ello.
Cazatalentos exitoso y millonario (o por lo menos en apariencia). Esposa hermosa, curadora de una galería de arte. Propiedades y autos de lujo. Y un hobbie que sustenta su ostentoso nivel de vida: robar cuadros. Durante una de las tantas muestras en el local de su mujer, Roger es presentado con Clas, posible candidato para cubrir un puesto gerencial en una de sus búsquedas y dueño de una valiosísima pintura que podría liberarlo de la maldición de los robos de una vez y para siempre. Planeado el atraco meticulosamente, Roger descubrirá que pasó de gato a ratón, iniciado una carrera contrarreloj para salvar su propia vida. El cine noruego no suele llegar a las salas comerciales de nuestro país, pero esta producción vine con el aval de haber sido concebida por los mismos productores de la saga Millennium. “Mido 1.68 y eso tiene que ser compensado con dinero: a las mujeres le gustan los altos”, comienza diciendo el protagonista, quien padece de un gran y notorio complejo de inferioridad. Tal vez por esto no detecta las señales que le indican que toda su vida está a punto de estallar. El engaño (de todo tipo) es el eje entorno al cual gira el relato y cuando el victimario de transforma en victima la historia da un increíble vuelco, ganando en emoción y adrenalina.
Alguna vez tenía que concretarse. Luego de tanto amenazar, un meteorito de 140 kilómetros efectivamente destrozará al planeta Tierra y aniquilará a toda la humanidad. Todos los intentos por evitar este Apocalipsis han fracasado. El fin de los tiempos está ahora a la vuelta de la esquina: en 21 días no quedará nada de nuestro mundo. Con la humanidad living la vida loca, Dodge (Steve Carell) es abandonado por su esposa, ve suicidarse a sus colegas de la compañía de seguros donde aún trabaja y descubre que su empleada doméstica quiere seguir aseando su coqueto departamento hasta que efectivamente no seamos más que polvo. En una de estas noches de soledad, conoce a Penny (Keira Knightley) su despistada vecina que padece hipersomnia diurna, un exceso de somnolencia que la mantiene despierta casi toda la noche y durmiendo durante gran parte del día. Cuando comienzan los saqueos y disturbios en el barrio, ambos deciden emprender un último viaje para despedirse felices de esta vida: él en busca de su novia de la secundaria y ella tratando de reencontrarse con su familia en Inglaterra. Una road movie apocalíptica con mucho humor y mucho drama fue el terreno elegido por la guionista Lorene Scafaria para su debut como directora. Nada quedará de nosotros en escasas tres semanas y en lugar de ponerse seria presentando un análisis social de cómo enfrentaríamos los desesperados humanos esta situación, decidió abocarse a los pequeños detalles de sus protagonistas y tomarse en solfa esta realidad que nos tocó enfrentar. Las fiestas serán descontroladas, los límites de las parejas desaparecerán, el sexo estará a la orden del día y los tapujos con las drogas dejan de existir. Sin embargo, esto no aplicará en el caso de Dodge, quien decide mantener la cabeza fría y actuar de acuerdo a sus convicciones hasta que el mundo colapse. Es por eso que la relación entre él y Penny, si bien carezca de la tensión sexual o de la química imprescindible en una historia rosa, no modifica la efectividad de la película. Ellos son dos seres abandonados a su suerte, desanimados, carentes de amor, que deciden compartir sus últimos días construyendo una relación de respeto, amor y cariño, pero para nada sexual. Cuando todo llegue a su conclusión nadie querría estar solo, ¿por qué Penny y Dodge deberían sentir algo distinto?
Volver a la Argentina en 1979 no era una buena idea para los exiliados. Pero algunos consideraban que la lucha contra la dictadura debía continuarse desde adentro de las fronteras si se quería obtener un verdadero triunfo. Es así que, separados y divididos por cientos de kilómetros, los integrantes de esta pequeña familia regresan al país para defender las causas que consideran justas. Juan, un niño entrando en la adolescencia, se encuentra en medio de este caos que significa el secuestro, tortura y muerte que eran moneda corriente por entonces y la desaparición constante de los compañeros de sus padres. Teniendo como modelo de lucha al Che Guevara, Juan elige construir su nueva personalidad a partir del nombre Ernesto, debiendo adaptar su acento cubano (país que lo vio crecer los últimos tiempos) a uno cordobés para no levantar sospechas. En medio de tanta muerte, Ernesto descubrirá el amor y comprenderá el sacrificio que sus padres han hecho por él. Inspirada en los recuerdos de su director Benjamin Ávila, “Infancia clandestina” no es puntualmente una historia sobre el gobierno dictatorial o sobre los miles de desaparecidos, es el retrato de un niño que debe convertirse en hombre más rápido de lo habitual. Gracias a un sólido elenco (Natalia Oreiro, Ernesto Alterio, Cristina Banegas, César Troncoso) la experiencia es positiva y dolorosa en partes iguales y por diferentes motivos. Incluso los recuerdos más dolorosos fueron bien resueltos a través de animaciones, las cuales nos permiten entender lo acontecido pero si sufrirlo al no haber sido recreados por los actores. Uno termina conmovido y emocionalmente exhausto luego de ver esta película. Es casi imposible no emocionarse cuando Oreiro nos dice cantando “sueños de juventud que mueren” como parte de una sentida interpretación, o cuando se enfrenta en una dura discusión con Banegas, quien está impecable como de costumbre interpretando a una abuela atemorizada por el futuro de sus nietos. Alterio posee el grado de complicidad justa para ser un tío canchero, consejero y divertido que desliza sus experiencias para desconcierto de su sobrino (“las mujeres son como el maní con chocolate”) y Troncoso aporta una cara nueva al cine nacional. Finalmente, Teo Gutiérrez Moreno es una revelación dentro de esta cinta, en especial cuando su personaje comienza a entrar en conflicto con los ideales de sus padres.
La pasión y el enamoramiento, con el correr de los años, dejan una relación de compañerismo entre las dos personas que conforman esa pareja. Alimentar el amor, innovar, generar sorpresas constantes es el gran desafío para todo matrimonio que se precie de ser feliz y que intente perdurar a lo largo del tiempo. Treinta años después del “si, quiero”, Kay (Meryl Streep) y Arnold (Tommy Lee Jones) construyeron una relación cordial, armónica, monótona y alejada del romanticismo de su juventud. Kay decide que ambos deben inscribirse en una sesión intensiva de terapia de pareja, una semana alejada del trabajo, la familia y las responsabilidades que los han ido separando en las décadas pasadas. Con los ejercicio propuestos por su terapeuta (Steve Carell), ambos descubrirán que volver a despertar la pasión y descubrir qué fue lo que los enamoró en primera instancia no será tarea sencilla. Pocas son las veces que una comedia dramática de claro perfil romántico es protagonizada por una pareja cuyas edades se encuentran promediando los 60. Este desafío y el riesgo que han decidido encarar los productores, basados en un best-seller, bien merece ser destacado. Alejado de la cruel sátira al mundo de la moda que los unió en 2006, la dupla conformada por Streep y el director David Frenkel, vuelve a rendir sus frutos. Aquí nada fue edulcorado o teñido de histeria adolescente: Kay sufre hasta un punto insoportable el desamor y la falta de consideración de su marido, sentimientos que Streep transmite con sutileza y con una variedad de recursos que a penas en una mirada puede condensar toda esa desesperación y sufrimiento. Carell, en una de sus composiciones más sobrias y contenidas, sale airoso del desafío de competir de igual a igual con dos figuras del peso de sus compañeros de elenco. “Hope Springs”, titulo original que remite al pueblo en donde se desarrolla la terapia, es una historia de amor adulta contada con el nivel que el público al que está dirigida se merece.
Mei posee un coeficiente intelectual superior y una habilidad para las fórmulas matemáticas sin precedentes en una niña de su edad. Apartada de su familia en China y llevada hasta el mundo del hampa neoyorquino, la niña logra escapar tras memorizar un extensísimo número. Perseguida por las tríadas chinas, la mafia rusa y la policía de la ciudad, el destino la cruza con Luke Wright, ex luchador conocido como el “recolector de residuos”, un hombre de pocas palabras pero masculladas en el momento justo. Ambos idearán un plan para alejarse de sus perseguidores y aniquilar a quienes se interpongan en su camino. Cuando uno ve a Jason Statham rodeado de cuatro maleantes armados, se sabe que esa situación no puede arrojar nada positivo para los villanos de turno. Un hombre triste, abatido y con sed de venganza puede transformarse en un arma mortal. Statham es el gran atractivo de “Safe”, donde hay una acumulación de malos, sádicos y perversos de distintas nacionalidades que les harán la vida imposible a nuestro héroe y a la pequeña con cerebro de disco rígido. Tal vez demasiados enemigos para una sola película. En rasgos generales, el argumento endeble subestima la inteligencia del espectador en reiteradas oportunidades, sin embargo la acción está tan bien lograda y dosificada que se llegan a perdonar esos errores. La introducción se decide por la narración veloz, fragmentada y sin explicaciones intrascendentes, y una cámara vertiginosa nos inserta en el centro de la acción en varios de los tiroteos y combates a puño limpio.
Un desesperado deseo de Navidad, transforma al oso de peluche de John en un ser con vida propia. Convertido en el primer juguete que habla, piensa y se comporta como humano, Ted se transforma en una sensación mediática. Pero la fama siempre se termina y el ostracismo empuja al tierno oso a una vida de excesos, drogas, alcohol y prostitutas. Lo único que se mantiene intacto es su amor y amistad por John. Veintisiete años después, nada parece haber cambiado demasiado, hasta que la novia del ya adulto encarnado por Mark Wahlberg entrega su ultimátum: una vida madura junto a ella o la adolescencia eterna al lado de Ted. Seth MacFarlane, creador de la serie “Padre de familia”, escribió, dirigió y puso su voz al personaje que da nombre a esta película. Humor irreverente, escatológico, con explícitas alusiones a las drogas e innumerables referencias a la cultura hollywoodense actual (convirtiéndolo en un film que perderá actualidad en algún tiempo), Ted funciona en casi toda su extensión. La inclusión de un posible secuestro y su resolución quitan brillo y dinamismo a una historia que podría haber prescindido perfectamente de esa última media hora.
César es un hombre que no puede ser feliz, aún cuando le suceden cosas buenas. Despierta desmotivado, sufriendo agónicamente cada uno de los días de su vida. Encargado en un edificio de departamentos, le es indiferente a casi todos los propietarios: no lo saludan, no toman en cuenta sus problemas… Salvo por Clara, de quien está perdidamente enamorado. Ella parece ser la única que lo trata con respecto, calidez y cariño. La angustia de César crece sin límites, sin miramientos, es sólo una sombra de lo que podría haber sido si el amor hubiera golpeado a su puerta y el trabajo al que dedica tantas horas no lo deprimiera tanto. Enojado consigo mismo y ofuscado por la alegría de Clara, comienza a acosarla invadiendo su hogar, escondiéndose debajo de su cama, espiándola mientras se ducha, drogándola y dejándola inconciente para acostarse a su lado durante las noches… Luis Tosar encarna a la perfección este exponente del amor enfermizo, del mal paso que da César cuando la atracción hacia Clara se convierte en obsesión. Atemoriza la personificación de este pobre hombre sádico, resentido y retorcido que no soporta la felicidad de quines lo rodean. Jaume Balagueró, quien dejó de lado la co-dirección de la tercera entrega de REC para dedicarse a esta historia, impulsa el sadismo al borde de lo tolerable cuando la víctima de la perversión y la violencia del protagonista es la pequeña niña que amenaza con revelar un secreto esclarecedor.
Un botín millonario y una decisión que tomar: ¿es preferible ser detenido por la salvaje policía norteamericana o por la mucho más laxa fuerza pública mexicana? Sin demasiado tiempo, aún menos dudas, el delincuente encarnado por Mel Gibson se deja arrastrar hasta la cárcel conocida como “El Pueblito”, una prisión de alta seguridad en donde los reclusos conviven sin reglas determinadas. En un contexto inhóspito conocerá a un pequeño niño, quien será su guía y a la vez, su pasaporte de escape. “Get the gringo” es el título original que esta inexplicable traducción presentó entre nosotros como “Vacaciones explosivas”, una película de acción con necesarios toques de humor que viene de la mano de uno de los actores más conflictivos y criticados de la actualidad. Entre negociados que involucran a la policía de frontera, corrupta de ambos lados de la extensísima cerca de metal que los divide, el personaje de Gibson desliza un “Los mariachis son la tortura de México”, como para que no queden dudas de su opinión acerca de sus vecinos. Después de sus episodios de violencia, alcoholismo y declaraciones poco afortunadas, relacionar la figura del actor de “Corazón valiente” con un presidio no es muy difícil, por lo que el morbo de la prensa amarilla habrá de regodearse al imaginar a Gibson en su paso real por la cárcel. Un dato: sorprende gratamente la inclusión de Vicentico dentro de la banda sonora y genera cierta complicidad que el personaje de Gibson lea una edición del diario La Nación, dos hechos que se explican fácilmente: el director de la cinta es hijo de padres argentinos.