Scarlett, ese diamante Lucy (Scarlett Johansson) es una atractiva estudiante que disfruta de unos días de agite nocturno en Taipei. Lleva apenas una semana de romance con Richard (Pilou Asbæk), un típico chanta que le pide (y luego la obliga a) que entregue un maletín a unos mafiosos liderados por el cruel Mr. Jang (el coreano Min-sik Choi). El portafolio tiene varios paquetes de CPH4, una poderosa droga sintética diseñada a partir de sustancias humanas (generadas por embarazadas para más datos). La cuestión es que a la inocente Lucy la obligan a transformarse en mula para llevar a los Estados Unidos uno de esos paquetes oculto dentro de su cuerpo. Tras recibir unos cuantos golpes en el estómago, el contenido empieza a esparcirse por su organismo convirtiéndola en poco menos que una superheroína digna de Marvel (sí, ya sabemos que ScarJo también es La Viuda Negra de los Avengers). "Siento todo", dice ella, mientras su cerebro se expande del 10% que usa cualquier ser humano hasta el mismísimo 100%. Así, no sólo empieza a tener una fuerza descomunal sino también la capacidad para mover elementos y hasta manipular el accionar de otras personas: Lucy in the Sky with... Guns. Si esta premisa puede sonar ridícula, todavía más lo son las conferencias que da un experto en la materia (el profesor Norman que interpreta Morgan Freeman) y ni que hablar los "documentales" que resumen las miserias, catástrofes, hallazgos y milagros de la sociedad con el correr de los siglos (editados que tienen algo de filosofía barata y toques new age) ¿Importa? ¿Molesta? Claro que no. Lucy -la película- es premeditada, obscenamente absurda y berreta, pero al mismo tiempo decididamente graciosa y disfrutable. Besson no se toma demasiado en serio, se ríe de sí mismo, juega al cine clase B, apuesta por el humor negrísimo, acumula excesos sangrientos, regala un par de set-pieces memorables (como en todo tanque francés hay una notable secuencia automovilística) y se regodea con Scarlett como diva y mujer de acción (¿recuerdan Nikita?). Por lo visto en la taquilla (es la película más exitosa de su carrera), la apuesta a Besson le salió muy bien. Y hasta se dio el gusto de inaugurar el muy cinéfilo Festival de Locarno. Negocio y prestigio. Más no se puede pedir.
Apenas correctas Historias Breves, iniciativa del Incaa surgida en 1995 con la idea de promover la producción de cortometrajes de primera calidad, fue fundamental para el surgimiento de lo que luego se conocería como Nuevo Cine Argentino. De sus primeras ediciones salieron, entre otros (y nada menos), Israel Adrián Caetano, Daniel Burman, Lucrecia Martel y Rodrigo Moreno. Con la explosión de la tecnología digital y el apoyo de las escuelas de cine, la realización de un corto es hoy algo bastante menos épico que 20 años atrás y, en ese sentido, la importancia relativa de Historias Breves es menor. Pero, más allá de su lugar histórico, lo que llama la atención es cómo el nivel artístico general de la propuesta fue decreciendo con los años hasta llegar a esta pálida novena edición. Se supone que el cortometraje es un ámbito para arriesgar, para experimentar, para provocar, para mostrarse (ha sido y es la carta de presentación para muchos directores que luego saltan al largo con más seguridad y mayor apoyo de los productores) y lo que ofrece Historias Breves 9 es un conjunto de trabajos que, en el mejor de los casos, pueden ser definidos como correctos y cuidados. Si bien hay algunas excepciones, como una propuesta animada (la cordobesa El gran Vairitosky), una historia de época (En crítica, sobre el paso de Roberto Arlt por el diario Crítica en 1928) y un par de apuestas más cercanas a los géneros (como Estacionamiento, la mejor de todo el programa), lo que predominan son historias pueblerinas, minimalistas, solemnes, con muchos personajes infantiles o preadolescentes que, de alguna manera, adscriben a ciertas marcas de aquel Nuevo (y hoy ya un poco avejentado) Cine Argentino. En ese sentido, hay algunas rescatables (como Videojuegos, de Cecilia Kang), pero la sensación de déjà vu, de repetición de búsquedas y climas (¿fórmulas?) es inevitable. Una buena muestra de lo que debería ser Historias Breves hoy es Estacionamiento, trabajo de Luis Bernárdez (experimentado asistente de dirección) rodado en blanco y negro y ambientado íntegramente dentro de un garaje de varios pisos. Mariela y Gabriel (Elisa Carricajo y Edgardo Castro) llegan en su auto con la idea de tener un encuentro sexual (pronto van a casarse), pero las cosas no serán tan sencillas. Con una idea ingeniosa (los protagonistas descubren que sólo pueden descender a un subsuelo inferior, nunca subir) y mínimos elementos dramáticos (muy bien aprovechados), el corto se va enrareciendo hasta conseguir un tono alucinatorio, paranoico, casi surrealista, que lo convierten en el gran (y único) hallazgo de esta edición.
Inteligente, fascinante y brutal Tras El sastre de Panamá, El jardinero fiel y El topo, es el turno de El hombre más buscado, nueva transposición al cine de una novela del celebrado escritor inglés John Le Carré. A seis años de su publicación, se estrena esta más que interesante adaptación que dirigió el holandés Anton Corbijn (Control, El ocaso de un asesino). De todas maneras, más allá de sus hallazgos narrativos y visuales (que los tiene y en buena cantidad), este film será recordado como una suerte de testamento actoral de Philip Seymour Hoffman. No sólo porque fue uno de los últimos trabajos antes de su prematura muerte sino porque también quedará como uno de los mejores de su extraordinaria carrera. Hoffman interpreta a Günther Bachmann, jefe de un comando antiterrorista que opera de forma secreta en Hamburgo (el puerto alemán desde donde se planearon los ataques del 11 de septiembre de 2001) para descubrir, a partir de agentes infiltrados, posibles amenazas dentro de la comunidad islámica. Este hombre solitario y alcohólico, de andar cansino y mirada triste, pero también meticuloso, obsesivo, perspicaz, sensible, intuitivo y brillante resulta el personaje ideal para una película de climas melancólicos y atmósferas opresivas (está ambientada casi siempre de noche y varias escenas transcurren en bares muy sórdidos) que parece pensada para una despedida a lo grande. Claro que Hoffman no está solo: esta película tiene uno de los mejores elencos de los últimos tiempos, que incluye también a Rachel McAdams (una activista de derechos humanos), Willem Dafoe (un banquero involucrado en operaciones non sanctas), Robin Wright (una agente de la inteligencia estadounidense) y los alemanes Nina Hoss y Daniel Brühl (integrantes del equipo de Bachmann). Y en el medio de todos ellos, claro, aparece "el hombre más buscado" al que alude el título, un inmigrante veinteañero, mitad checheno, mitad ruso, que ha sufrido todo tipo de torturas y llega a Hamburgo para reclamar una millonaria herencia. Lejos de la adrenalina del cine de acción contemporáneo, con un interés por el detalle y una profundidad psicológica que escasean en la producción actual a gran escala, Corbijn y sus intérpretes construyen con paciencia y talento una película de espías que resulta inteligente, fascinante y brutal a la vez. Una (bienvenida) rareza.
Nuestros problemas con las mujeres Casi una década después del exitoso film original (casi 160 millones de dólares de recaudación en 2005), llega esta segunda entrega que ofrece más (o un poco menos) de lo mismo. Las críticas de este secuela han sido en general bastante flojas (en varios casos, lapidarias) y con evidentes signos de frustración, pero debo admitir que a mí la primera no me pareció tan buena ni esta tan mala. Es más, disfruté bastante dos de las cuatro historias (el prólogo y el desenlace no funcionan) y, si bien es cierto que el efecto de la apuesta estética ya no es igual (a nadie le gusta que le cuenten dos veces el mismo chiste), sigue siendo un trabajo valioso y, por momentos, hasta fascinante y seductor. ¿Que es un ejercicio de sadismo, machismo y misoginia? Evitemos por esta vez el análisis políticamente correcto y concentrémonos en los términos que proponen las novelas gráficas de Frank Miller y, por ende, en ciertos cánones y tópicos del noir más clásico. En ese sentido, la aparición en esta segunda parte de la francesa Eva Green (Los soñadores, Sombras tenebrosas, 300: El nacimiento de un imperio), probablemente la sex-symbol más magnética y desquiciada del cine contemporáneo (y ahora también de la TV gracias a Penny Dreadful), es un verdadero hallazgo. Emula de la Barbara Stanwyck de Pacto de sangre y la Jane Greer de Retorno al pasado, su Ava Lord es una femme-fatale feroz, una bomba erótica (está más tiempo desnuda que con su vestido azul) y una máquina de manipular hombres a la que se presenta, con toda justeza, como bruja depredadora y diosa devoradora. Es su segmento (coprotagonizado por el atribulado Josh Brolin) y otro que encabeza el ambicioso jugador de cartas interpretado por Joseph Gordon-Levitt los que de alguna manera justifican la película, ya que la introducción con el personaje de Marv (Mickey Rourke) y el cierre con la venganza de la stripper Nancy (Jessica Alba) dejan gusto a demasiado poco (y aburren). Entre los logros del film liderado en casi todos los rubros por el prolífico Robert Rodriguez cabe mencionar al malvadísimo senador Roark (el inmenso Powers Boothe) y hasta un simpático cameo de Lady Gaga como la empleada de un bar, mientras que entre los actores desaprovechados figura, por ejemplo, un fantasmal Bruce Willis, que bien podría no haber aparecido. Filmada en blanco y negro (y calcando en algunos casos los cuadros de las historietas de Miller) y con los típicas detalles en color (la sangre, el fuego, un letrero, unos ojos, una cabellera, la ceniza de un cigarrillo, la luz de un patrullero, una prenda de vestir, etc.), Sin City 2 no aprovecha demasiado el 3D, aunque su uso tampoco llega a incomodar o entorpecer la visión.
El Winter de nuestro descontento Casi 170 millones de razones (dólares) llevaron a la concreción de esta secuela. Es que esa fue la recaudación del film original en 2011. Nada mal para una producción que había costado 37 millones. Debo admitir que aquella primera entrega sobre la relación entre un niño y un delfín sin aletas (y con prótesis) me resultó bastante eficaz y, por momentos, hasta emotiva, aún con sus inevitables golpes bajos. En esta secuela, en cambio, nada parece funcionar. Sólo quedan esos golpes siempre por debajo de la cintura, el didactismo políticamente correcto y una acumulación insoportable de lugares comunes. Sawyer (Nathan Gamble) ya no es un niño sino un adolescente devenido en estrella gracias a los avances logrados con Winter, pero el delfín (o “delfina”, ya que siempre hablan de “ella”) está triste: su vieja compañera llamada Panamá (vieja y ciega para más datos) muere y la falta de una sustituta podría obligar a su traslado a otro acuario. Pero esto es Hollywood, así que en la escena siguiente aparece el épico rescate de Mandy ¿Se aceptarán mutuamente para conformar una nueva pareja? Mientras tanto, a Sawyer le ofrecen una beca universitaria para concretar un viaje de estudio en un barco junto a expertos en biología marina ¿Es momento de abandonar a los seres queridos y tener una experiencia iniciática? Esos son los “conflictos” que este film escrito y dirigido otra vez por Charles Martin Smith deberá desarrollar y dilucidar. Si la trama de por sí es bastante pobre y esquemática, todavía peor son los injertos (un pelícano como comic-relief), las anodinas participaciones de intérpretes consagrados como Ashley Judd, Morgan Freeman o Kris Kristofferson, y la sensación de que estamos ante un largo infomercial del acuario en cuestión plagado de buenas intenciones y malas resoluciones. Nadie espera de este entretenimiento familiar un drama de dimensiones shakespearianas, pero el resultado de esta secuela (sobre todo teniendo en cuenta que delante y detrás de cámara están los mismos realizadores del más que digno film previo) es tan decepcionante como desolador.
Un Hércules que no hace milagros Será el hijo de Zeus, pero Hércules no hace milagros en el cine. Segunda película sobre el héroe "bastardo" que llega este año desde Hollywood (en febrero se estrenó La furia de Hércules) y otra decepción. Las figuras detrás de esta enésima versión sobre el personaje de Hércules para la pantalla grande permitían tener ciertas esperanzas: dirección de Brett Ratner, un artesano capaz de incursionar en sagas tan disímiles como las de Rush Hour o X-Men; fotografía en 3D del italiano Dante Spinotti y el papel protagónico de Dwayne "The Rock" Johnson, un astro de acción dispuesto a hacer olvidar a Lou Ferrigno, Arnold Schwarzenegger, Steve Reeves, Kevin Sorbo y tantos otros que interpretaron al semidiós caído en desgracia. Lamentablemente, no hay nada en el guión de esta apenas discreta Hércules que no se haya visto ya en las franquicias de 300 o Furia de titanes, por nombrar sólo un par de éxitos recientes. Y eso no es todo: estamos ante una película que intenta quebrar la solemnidad de tantas épicas históricas, pero la apuesta sale mal porque el humor casi nunca funciona. Otro problema: el film trata de maquillar los excesos sangrientos de otras aproximaciones (quizá para evitar una calificación que le impidiera contar con el público adolescente) y no apela a la estética del cómic original del consagrado Steve Moore. El resultado, por lo tanto, es un híbrido, un producto tímido marcado por la indecisión artística, por el tironeo entre lo que pretende ser y lo que busca soslayar. En ese contexto, y tras un prólogo que nos sintetiza en unos pocos minutos la historia de Hércules dentro de la mitología griega, Ratner se limita a narrar las aventuras de Hércules y su equipo de cinco colaboradores (incluida una hermosa Amazonas experta con el arco y la flecha), quienes se han convertido en mercenarios al mejor postor: van y luchan donde les aseguren una buena cantidad de oro. Así, terminarán en el bando del rey Cotys (John Hurt), en medio de una guerra civil en la que descubrirán que han sido engañados. Tendrán, por supuesto, la posibilidad de redimirse y reencontrarse con el honor, la mística y la ética que habían perdido. Johnson, que en los últimos años ha demostrado que -más allá de su esplendor físico- tiene pasta para la comedia, aquí hace lo que puede (y no es mucho) con un personaje sin matices (deambula dominado por el trauma tras la muerte de su familia) y que luce hasta ridículo con su cabeza de león y su melena artificial. Las escenas de masas y las coreografías de batallas tampoco son demasiado ingeniosas ni lucidas y, así, surge la inevitable sensación de que esta película ya fue vista muchas, demasiadas veces.
Las chicas superpoderosas Mujer lobo es una de esas películas que sólo pueden disfrutarse si uno entra en (y adscribe a) las convenciones y claves genéricas de ese cine clase B más trash, con importantes dosis de violencia y sexo (debe ser récord de desnudos en la historia del cine argentino). Como en Mala, de Israel Adrián Caetano (o en la saga tarantinesca de Kill Bill), tenemos a una mujer vengadora (interpretada en sus diversas personalidades por tres actrices distintas: Mónica Lairana, Luján Ariza y Guadalupe Docampo) y a hombres perversos que recibirán su merecido. Hay, claro, un antagonista, que en este caso es un policía, un pesado, que investiga el caso y trata de desquitarse de la/s chica/s. Perversa, lúdica, grasa y estilizada a más no poder, Mujer lobo tiene un alcance limitado porque resulta un poco redundante, obvia, subrayada en los cambios psicológicos del personaje central (de tímida y dócil a impulsiva y avasallante) y porque algunas situaciones no son del todo contundentes y sólidas. Pero aún con sus desniveles y carencias (y con sus logros, como la fotografía en blanco y negro de Pigu Gómez o el uso del subte como una de las locaciones principales), la película exploitation de Garateguy (nuestra directora más osada dentro del cine de género) resulta una apuesta seductora, descarada, extrema. Bienvenidas sean estas irrupciones desinhibidas y atorrantes dentro del muchas veces adocenado panorama local.
La épica de una pequeña gran actriz Chloë Grace Moretz tiene apenas 17 años y unas 50 participaciones en películas, series, telefilms y videoclips. En Carrie, Sombras tenebrosas, Kick-Ass, La invención de Hugo Cabret y Déjame entrar ya había demostrado toda su ductilidad, sus múltiples matices interpretativos. Este año, descolló en Cannes junto a Juliette Binoche y Kristen Stewart en Clouds of Sils Maria, de Olivier Assayas. Y ahora llega Si decido quedarme, tearjerker en la línea de Bajo la misma estrella que la tiene como protagonista casi exclusiva. Soy de los que creen que los grandes intérpretes se aprecian sobre todo en las malas películas. No digo que Si decido quedarme sea especialmente mala, pero su material, sus conflictos, su tono, sus diálogos, su “mensaje” son una pesadísima carga para cualquier actriz y, en ese sentido, es conmovedor ver la capacidad, la cantidad de recursos que Chloë expone para luchar, sostener, enaltecer y, de alguna manera, redimir a un melodrama romántico demasiado obvio, torpe y con elementos propios del realismo mágico que la dejan al borde del ridículo. Mia (Grace Moretz) es una estudiante secundaria bastante tímida y con las típicas inseguridades de toda adolescente de 17 años. Su pasión -para sorpresa de sus padres “rockeros” (Mireille Enos y Joshua Leonard)- es el violonchelo, instrumento al que le dedica buena parte de las horas del día. Su perseverancia y su capacidad la llevan a estar a las puertas de la mismísima Juilliard. Hasta sus progenitores y su hermano menor (Jakob Davies), que admiran más al punk que a la música clásica, a Iggy Pop antes que a Franz Schubert, la apoyan ante semejante muestra de obsesividad y talento. Y allí aparece Adam (Jamie Blackley), el galán de turno, el guitarrista, cantante y líder de una banda de rock en pleno ascenso, para conmover a la chica e iniciarla en los caminos del amor. Hasta aquí, una típica historia de iniciación y enredos afectivos juveniles. Pero la película -basada en una exitosa novela de 2009- nos tiene reservados una “sorpresa”, un hecho trágico (un choque automovilístico en una ruta nevada de Oregon) cuyo desenlace es mejor no adelantar. Y es en esa segunda parte donde sobrevienen todos los excesos lacrimógenos y no exentos de sadismo, la veta espiritual, los golpes bajos y los momentos más (involuntariamente) risibles de la trama. Pero, incluso cuando todo se derrumba, allí está Chloë (acompañada por el inmenso Stacy Keach como el abuelo) para ofrecer su corazón, su dignidad y salvar(se) a (de) una película que la desmerece y que ella trasciende por mucho. La épica de una pequeña gran actriz.
Al maestro con cariño Scola y Fellini fueron amigos, compañeros de ruta y figuras clave del cine italiano (más el segundo que el primero, claro). A los 83 años, Ettore concretó un homenaje a Federico en el que se combinan elementos ficcionales y documentales. Entre recreaciones, dramatizaciones (no demasiado inspiradas), un uso aislado de materiales documentales y pasajes editados de clásicos del viejo maestro, el resultado es un patchwork, un collage bastante irregular, que probablemente convenza y hasta emocione a los fanáticos acérrimos tanto de quien homenajea como del que es homenajeado, pero que también puede irritar a ciertos cinéfilos no tan afines a este tipo de apuestas (me hizo recordar por momentos al artificio de los tributos musicales de Carlos Saura). El film alcanza cierta intensidad emotiva cuando el realizador de Nos habíamos amado tanto, Feos, sucios y malos y Un día muy particular sale de lo obvio, cuando se involucra más personalmente y también eleva el interés cuando incluye rarezas (imágenes de detrás de cámara de La dolce vita, pruebas de actores para Casanova), pero cae en reiteradas ocasiones en la exaltación previsible del universo fellinesco (sus mujeres, lo circense, etc.) con algunas decisiones artísticas por lo menos discutibles (o directamente cuestionables). Scola regresa a Cinecittà, la fábrica de sueños de Fellini, y recupera algunos momentos esenciales de su carrera y de la historia del cine italiano (como cuando ganó el Oscar al mejor film extranjero por La strada), pero también dedica demasiados minutos a escenas de ficción poco trascendentes (que narran sobre todo los comienzos de su carrera, desde que en 1939 viajó de Rimini a Roma para cumplir con el sueño del pibe de convertirse en historietista en un semanario de humor político satírico en pleno auge del fascismo) y machacados por un narrador que le habla a cámara en un recurso ya demasiado transitado y poco eficaz. Qué extraño llamarse Federico -estrenado 20 años después de la muerte del creador de Los inútiles y Amarcord- deja por momentos la sensación de ser un tributo algo cansino y hasta demodé, pero seguramente encontrará no pocos adeptos entre los seguidores incondicionales de Scola y Fellini. A ellos, en definitiva, está destinado y dedicado este extraño y por momentos emotivo film.
La violencia está en nosotros Western moderno y revisionista con un elenco internacional encabezado por el mexicano Gael García Bernal y la brasileña Alice Braga, El Ardor fue rodado en la selva misionera más profunda y describe la historia de Kai, un (anti)héroe solitario con algo de chamán, que decide enfrentarse a tres mercenarios (Claudio Tolcachir, Jorge Sesán y Julián Tello) que trabajan para poderosos intereses que apuntan a incendiar la zona y a atacar a los pequeños campesinos (que se dedican sobre todo a la explotación tabacalera) para quedarse cada vez con mayores extensiones de tierra. Más allá de que pueda leerse como un manifiesto “políticamente correcto” en su mirada ecologista que condena la deforestación de zonas vírgenes, El Ardor retoma el eterno conflicto entre naturaleza y civilización, entre tradición y modernidad, oponiendo las leyendas ancestrales de la zona (hay algo en este sentido del cine del tailandés Apichatpong Weerasethakul) al avance del capitalismo más salvaje con las topadoras de empresarios codiciosos y de cazadores a sueldo con sus machetes y sus balas. Si bien hay algunas zonas del relato donde la tensión se diluye y resiente frente a un existencialismo algo torpe, el talentoso director de El asaltante y La sangre brota (ambas también presentadas, como esta, en el Festival Cannes) apuesta con criterio y convicción al cine de aventuras en la línea de La Reina Africana; al western que explora (y pone en cuestión) la figura del héroe (con homenajes evidentes a cultores del género como John Ford y Clint Eastwood); a la crueldad del hombre y de su entorno en la línea de Deliverance/La violencia está en nosotros, de John Boorman; a una subtrama romántica (con escena de sexo bajo la lluvia incluida entre los personajes de Bernal y Braga al borde del cliché); a algunas explosiones sangrientas propias del género gore (hasta se apela al recurso de la motosierra); y a múltiples elementos ligados al clasicismo narrativo que desembocan en un apoteósico y épico duelo final.