Experto en biografías de mujeres artistas (venía de hacer Séraphine, sobre la pintora Séraphine de Senli), el director Martin Provost cambia de época y de universo para rescatar en Violette la historia de Violette Leduc (1907-1972), una escritora que ha sido revalorizada por la intensidad, la valentía, el descarnado erotismo y el espíritu siempre provocativo de su obra, de neto corte autobiográfico. El film arranca con un prólogo en el que se describe la tortuosa convivencia de Violette (otro extraordinario trabajo de Emmanuelle Devos) con el escritor gay Maurice Sachs (Olivier Py). La sufrida mujer abandona el campo y se instala en París, donde se gana la vida vendiendo alimentos en el mercado negro. Tras el fin de la ocupación nazi en la Segunda Guerra Mundial, alcanza a publicar su primera novela, L'Asphyxie, gracias al apoyo de una tal Simone de Beauvoir (la exquisita Sandrine Kiberlain). La relación entre Leduc y Beauvoir es uno de los ejes principales que sustentan a este film episódico: mientras Leduc se apasiona hasta la obsesión por la autora de El segundo sexo y Los mandarines, quien se convertirá no sólo en su objeto del deseo, sino también en su principal fuente de inspiración, la mítica escritora pondrá siempre una prudencial distancia, aunque jamás dejará de ser su mentora y hasta su mecenas (Leduc fue admirada también por Jean Cocteau, Jean Genet y otros intelectuales famosos). El film sobrevuela (pero no profundiza demasiado en) el círculo literario de los existencialistas en Saint-Germain-des-Près y expone de manera superficial los inicios de la lucha feminista contra los rígidos códigos morales de la mojigata sociedad francesa de la época, porque en verdad el énfasis está puesto en el desgarrador universo interior de esta mujer bastarda (su libro de memorias se tituló, precisamente, La Bâtarde). En este sentido, Provost (también conocido en la Argentina por El vientre de Juliette) se regodea demasiado con una serie de excesos melodramáticos al describir en detalle los problemas de autoestima, la autoflagelación, la acumulación de decepciones intelectuales y amores frustrados por parte de una mujer atormentada (fue varias veces internada y hasta tratada con electroshocks) que se sentía siempre miserable y abandonada. Durante las más de dos horas del film, también se exponen algunas situaciones pesadillescas, mientras la voz en off de Devos lee varios pasajes eróticos (tanto homo como heterosexuales), que en muchos casos resultarían censurados en su época, pero que luego alcanzarían -tanto por su audacia como por su valor literario- una merecida reivindicación.
Mentiras verdaderas Con Mauro, Hernán Rosselli (hasta ahora reconocido montajista y uno de los editores de la revista Las Naves) consigue una de las óperas primas más destacadas del cine argentino en bastante tiempo, que le valió con absoluta justicia el Premio Especial del Jurado y el de la crítica internacional FIPRESCI en la Competencia Internacional del último BAFICI. No sé si es mejor que tantos otros debuts auspiciosos (me generó una euforia similar a la que en su momento me produjo, también en el BAFICI, Mundo grúa, de Pablo Trapero), pero logra construir un universo propio (temático, estético, narrativo) de una consistencia, una profundidad y una solidez infrecuentes en la producción actual. Y no sólo local. Con algunos elementos que me hicieron recordar también al cine de José Celestino Campusano (aunque tiene un tono y un vuelo muy distintivos), además de la inevitable vinculación con El dinero, de Robert Bresson, Mauro propone un registro, una descripción del sur del conurbano bonaerense que pocas veces resultó tan imponente e impactante. Mauro (Mauro Martínez) es un “pasador”; o sea, aquel que se dedica a comprar cosas con billetes falsos (haciendo diferencia con los vueltos) que vive pendulando entre la cocaína y los ansiolíticos. Además, instala con Luis (cuya mujer, Marcela, está embarazada) un taller de serigrafías para imprimir plata trucha. Y, más allá del trío protagónico, aparecerá una misteriosa mujer capaz de seducir al antihéroe (y conmover su previsible existencia), así como varios personajes secundarios típicos de este submundo, con su dinámica, sus técnicas, sus jerarquías, sus códigos y su jerga tan particulares. Rosselli tiene muy claro qué contar y cómo hacerlo. La puesta en escena, la distancia siempre justa de la cámara, el tono de las actuaciones, los climas conseguidos y el montaje son siempre funcionales a la premisa de sumergirnos en un mundo único, desconocido, fascinante. Una película pequeña y deslumbrante a la vez. Una de las revelaciones del año. Un debut a lo grande. (Esta crítica fue publicada con algunos cambios durante la cobertura del BAFICI 2014)
¡Cuidado!: Usted está siendo filmado Un asalto con toma de rehenes contado a través de las imágenes de las cámaras de seguridad de una farmacia (se utilizaron 19 GoPro para el rodaje), pero con una estructura narrativa que va y viene en el tiempo. No es la primera vez que se utilizan esos dispositivos de vigilancia como elemento (gancho) narrativo y el director (egresado de la FUC y asistente de realizadores como Adolfo Aristarain, Marcelo Piñeyro, Eduardo Milewicz, Eduardo Mignogna y Sebastián Borenztein) lo aprovecha con ingenio y destreza técnica. El principal problema de esta suerte de Tarde de perros en versión Nac & Pop es (incluso más que las por momentos grotescas actuaciones) la forma manipuladora a la hora de delinear los personajes: el infortunado y humilde pibe chorro que en verdad sólo quería leche para su bebé, el patético encargado del lugar y los penosos exponentes de la peor y más rancia clase media argentina entre los clientes/rehenes. En lo formal, por lo tanto, se deja ver. En lo ideológico, aun comprendiendo su espíritu provocativo a la hora de abordar un tema espinoso como la lucha de clases, todo resulta demasiado obvio y maniqueo.
Tras el éxito conseguido con las películas de sus personajes más populares (y, sobre todo, con The Avengers: Los Vengadores, el film que los reunió), Marvel buscó en lo profundo de sus archivos para recuperar otro grupo de superhéroes: los Guardianes de la Galaxia. Nacidos en enero de 1969 y con varios intentos de reciclaje posteriores, estos renegados recobraron cierta popularidad en 2008 a partir del cómic de Dan Abnett y Andy Lanning. Y así llega la película con la que la productora (propiedad de Disney) intenta lanzar una nueva saga (ya se anunció la secuela con estreno para julio de 2017) y, por lo tanto, una nueva plataforma para merchandising, franquicias y subproductos. La buena noticia es que Guardianes de la Galaxia es un largometraje competente, simpático y eficaz. La mala, es que -salvo el irresistible Peter Quill que interpreta Chris Pratt (visto en la serie Parks and Recreation)- no parece haber otro personaje lo suficientemente atractivo como para sostener films "individuales", como sí los tienen Iron Man, Thor o Capitán América. Pero las comparaciones esta vez habría que hacerlas más con Star Wars (no casualmente otra reciente adquisición del grupo Disney) antes que con The Avengers. Guardianes de la Galaxia tiene que ver más con la estética y el tono de la creación de George Lucas que con el estilo de Joss Whedon. Es más, por su apuesta permanente al humor y a la nostalgia precoz de la cultura pop (citas a Footloose o el uso gracioso de temas como "O-o-h Child" o "Cherry Bomb"), estamos más cerca de un exponente de clase B (con un presupuesto de 170 millones de dólares, claro) que de la típica superproducción solemne, pretenciosa y de alto impacto. En ese sentido, mucho tiene que ver el amor por el costado más freak del cine de género (y por la estética del cómic) que profesa el director y coguionista James Gunn, formado en las huestes de la productora de cine fantástico de bajo presupuesto Troma y realizador de esa película de culto que es Súper. La historia en sí no tiene grandes hallazgos ni sorpresas. Hay un prólogo ambientado en 1988 que sirve para conocer el trauma del pequeño Peter Quill tras la muerte de su madre a causa de un cáncer. La acción salta 26 años con Peter (a quien luego se conocerá como Star-Lord) convertido en ladrón y Don Juan. Como en las otras películas de Marvel (recuerden el Teseracto) aquí hay un orbe (una esfera que contiene un poder inmanejable) que pasará de mano en mano y que será el germen de la conformación de los Guardianes. Además de Quill, integrarán este equipo una experta luchadora como Gamora (Zoe Saldana), un gigante musculoso como Drax (Dave Bautista) y dos criaturas "digitales": el arbóreo Groot (la voz de Vin Diesel que se limita a decir "Soy Groot") y el cínico e inteligente mapache Rocket Raccoon (la voz de Bradley Cooper). Y están, claro, los más o menos malos (como el pirata Yondu que compone Michael Rooker) y los muy malos como Ronan (Lee Pace) o Thanos (Josh Brolin). Y grandes actores en papeles menores, como John C. Reilly, Glenn Close o Benicio Del Toro. En definitiva, Guardianes de la Galaxia resulta no sólo una ingeniosa apuesta de marketing para ampliar horizontes comerciales sino también un más que digno producto con suficientes atractivos y niveles de lectura como para que lo puedan disfrutar desde los más pequeños hasta los adultos, pasando -claro- por ese target fundamental por su fidelidad: los adolescentes.
Un maldito ladrón Tras El sueño del perro, Pécora regresa a la zona más agreste del Delta del Paraná para una película bastante más sórdida que aquella ópera prima conocida en 2009. Entre el film-noir, el drama romántico y con elementos del western, Marea baja narra la historia de un ladrón (el siempre convincente Germán de Silva) que llega con una herida y unos dineros a cuestas a un parador de la zona regenteado por dos mujeres (Susana Varela y Mónica Lairana). El parco y duro antihéroe, en su marcha hacia el Uruguay, decide quedarse un tiempo en el lugar porque en verdad busca desenterrar el botín de un golpe anterior. La tensión (erótica) crece entre el recién llegado y las dueñas (hay buenos momentos de voyeurismo en la construcción de ese triángulo amoroso); así como la sensación de que en cualquier instante los socios/cómplices del protagonista pueden llegar a reclamar su parte (Pécora expone las recurrentes pesadillas que lo atribulan). Casi sin parlamentos y evitando por completo el uso de la música, el director se basa en la potencia de las imágenes de esa naturaleza salvaje (hay, en ese sentido, una impecable utilización del sonido, aunque por momentos se recurre a algunos efectos innecesarios) y en la expresividad de sus intérpretes (tres centrales y dos secundarios) para generar climas opresivos, densos y ominosos dentro de una narración bastante cáustica y minimalista que sirve para describir la lucha de ese hombre, marginal y torturado, por apartarse de la maldición de su sino trágico.
Galardonada en festivales como los de Roma, Brasilia, FICUNAM y Lima Independiente, esta austera, minimalista (transcurre en buena parte dentro de una habitación) y sensible película describe las desventuras de André (André Gatti) quien, luego de separarse de su esposa, vuelve a vivir con su padre (interpretado por el mítico director Carlos Reichenbach, fallecido poco después del rodaje), que parece bastante más interesado en su perro Baleia que en ver unas viejas películas en Súper 8 que su hijo va revisando metódicamente. Lo que en verdad aparece en esas viejas cintas es la historia de quien las filmó: el hermano mayor del protagonista, un militante desaparecido 30 años antes, en plena dictadura. Wahrmann -también incursionando en un terreno semi autobiográfico- combina con precisión el presente (a través de la distante relación padre-hijo) y el pasado, que regresa a través de esas viejas películas caseras de los años ’70. Experimentación con múltiples recursos y formatos, trabajo con no actores y una veta nostálgica y política a la vez se combinan para un muy interesante exponente del nuevo cine brasileño.
La (bienvenida) invasión latinoamericana Claudia (Ximena Ayala) es una muchacha de 22 años que vive sola, trabaja en un supermercado y lleva una existencia al parecer bastante gris. Por una apendicitis termina siendo operada e internada en la guardia un hospital, donde conocerá a Martha (Lisa Owen), una entusiasta mujer de 46 años que lucha desde hace bastante tiempo contra el HIV. Cuando ambas salen de la internación, Martha invita a Claudia a su casa, donde conocerá a sus cuatro hijos. Por primera vez, la recién llegada empezará a sentir el contacto con una familia (numerosa, problemática, caótica, pero siempre querible) y, de a poco, a encontrar cierto sentido de pertenencia. Es cierto que por momentos esta película sobre la soledad, el miedo y el dolor, sobre familias adoptivas, sobre la redención y las segundas oportunidades (basada en experiencias autobiográficas de la propia Sainte-Luce) resulta un poquito demagógica y con cierta veta de “autoayuda” (con algunos esquemas que remiten al cine independiente norteamericano made in Sundance), pero nunca deja de ser una comedia costumbrista cuidada y sensible, narrada con una frescura y una solvencia infrecuentes en una directora debutante e interpretada por un elenco irresistible. Como plus no menor, la fotografía de esta película premiada en Toronto, Locarno, Gijón, Mar de Plata y La Habana, entre otros festivales, estuvo a cargo de la talentosa DF francesa Agnés Godard, habitual colaboradora de Claire Denis. Nada menos.
Muertos de risa Si el Nuevo Cine Argentino made for BAFICI tuvo su exponente paródico en UPA! Una Película Argentina (2007), el cine de terror (más comedia negra con toques gore) encuentra su film burlón en Making off sangriento: Masacre en el set de filmación, título que en sí mismo es tan explícito que llega directamente al spoiler. Porque el largometraje de los hermanos Quintana (basado en el corto homónimo que ganó el premio del público en el Festival Buenos Aires Rojo Sangre) es precisamente eso: la filmación de una sucesión de asesinatos que ocurren durante el rodaje de un corto semi-amateur por parte de unos estudiantes de cine. El principal problema de Making off sangriento… es que su premisa se consume, se desinfla demasiado rápido. Las bromas sobre el cine Clase Z, su exaltación de lo berreta, las referencias cinéfilas o los chistes sobre el ámbito artístico local son demasiado obvias, por momento un poco torpes, y, así, todo resulta bastante efímero y banal. En principio hay un prólogo con una primera masacre en un rodaje. Los sobrevivientes deciden retomar el proyecto y convocan a un autor- presuntuoso- intelectual llamado… Lisandro Acuña (Lisandro Alonso + Ezequiel Acuña, cuac) y a un actor que se convertirá en el asesino serial de turno (el mítico rockero Marcelo Pocavida, de lo mejorcito del elenco) cuando llegue al set. También hay un patético detective llamado Caligari que sigue el caso (el reconocido director y aquí también coguionista Valentín Javier Diment). Lo que sigue es lo dicho: una acumulación de descuartizamientos, algunos más ingeniosos que otros (hay una escena de sexo oral bastante inquietante) y una permanente -para bien y para mal- apuesta por lo excesivo que nunca deja de ser lúdica y que podrá despertar cierto entusiasmo entre algunos fans no demasiado exigentes del género. Pero, sin ponerse en un lugar esnob, ya es hora de pedirle algo más a los realizadores locales del cine de género. Sin entrar en comparaciones odiosas e injustas respecto de lo que se hace en el Primer Mundo cinematográfico, incluso en el ámbito local el estándar se ha ido elevando en los últimos tiempos. En ese sentido, sin ser un despropósito, Making off sangriento… tiene gusto a poco, a bastante lugar común, a un cine que ya hemos visto demasiadas veces.
Dos a quererse La danesa Susanne Bier es una directora aclamada tanto en Europa como en los Estados Unidos. Con films como Corazones abiertos, Hermanos, Después del casamiento, Lo que perdimos en el camino y En un mundo mejor (ganadora en 2011 del Oscar a la mejor película extranjera), se convirtió en una cineasta con poder suficiente como para decidir qué hacer, cuándo hacerlo, con quién hacerlo y dónde hacerlo. Para mi gusto, es una de las realizadoras más sobrevaloradas de nuestro tiempo, una artista ambiciosa y pontificadora, con aires de profetisa, que condensa varios de los peores aspectos de la muy irregular producción de su país. En ese contexto, Todo lo que necesitas es amor se ubica entre lo menos interesante y más fallido de su filmografía: una tragicomedia que no emociona ni divierte, una película que aborda cuestiones supuestamente trascendentes y resulta siempre banal, y que -para colmo- cae en el pintoresquismo y en todo tipo de lugares comunes que hacen que uno pueda adelantarse a cada una de las secuencias y no errar cómo será la resolución. Los conflictuados protagonistas son un empresario británico (Pierce Brosnan), típico workaholic esquemático y obsesivo que a pesar de tener la pinta de Brosnan no tiene intenciones de mantener relaciones afectivas; y una peluquera danesa (Trine Dyrholm) que está recuperándose de un cáncer de mama, pero que cuando regresa a su casa encuentra a su marido teniendo sexo con una muchacha joven de su trabajo. La cuestión es que ellos y muchos más (daneses e italianos) terminarán en una hermosa villa de la paradisíaca zona de Sorrento, cerca de Nápoles, para participar en una fiesta de casamiento. Sin anticipar nada más del argumento, hay algunos momentos penosos, como cuando Philip ve a Ida sin su peluca (ha perdido el pelo en la quimioterapia) o cuando uno de los personajes acepta de manera súbita su homosexualidad. Todos los clichés y estereotipos que puedan imaginarse respecto de las segundas oportunidades, de ese amor que finalmente llega a pesar de los prejuicios, los problemas y el dolor acumulado, irán apareciendo en el transcurso de este film que no se decide por ser una comedia romántica liviana, un melodrama coral y aleccionar, una propuesta provocativa y perturbadora (por momentos tiene un aire a su connacional La celebración) o un manual de autoayuda. Es un poco de todo eso, pero sin llegar a ser convincente en ninguno de sus aspectos.
Hace un año, el guionista y director James DeMonaco sorprendió con La noche de la expiación, pequeña película de acción y terror sobre una familia, liderada por Ethan Hawke y Lena Headey, que defendía su casa de ataques externos durante un día en el que -con el aval del gobierno- todo estaba permitido (incluidos los asesinatos). Ya no están los personajes del film original, pero DeMonaco regresa con una nueva purga. Estamos en la ciudad de Los Ángeles en el año 2023. La elite en el poder que se hace llamar Nuevos Padres Fundadores continúa con la costumbre de habilitar una vez al año esas 12 horas a las que alude el título local de esta secuela para que todos quienes quieran desaten sus más bajos instintos, se desquiten, se desahoguen, apelen a los excesos de violencia que se les antojen tras 364 días de ira contenida y frustraciones acumuladas. Así, decenas de marginales, de amantes de las armas (que no son pocos precisamente en los Estados Unidos) o de simples habitantes aburridos y ávidos de emociones fuertes se calzan las máscaras más atemorizantes y se hacen de machetes, hachas, bates de béisbol, lanzallamas, pistolas o ametralladoras de alta gama para... salir a cazar. Esta segunda entrega ya no transcurre dentro de una casa, sino en exteriores, sobre todo en las calles del centro de Los Ángeles con cinco protagonistas que deberán unir fuerzas para sobrevivir: un as del combate al que todos llaman Sargento (Frank Grillo), que en principio sale para vengar una muerte cercana; Eva (Carmen Ejogo), una atractiva camarera latina con su hija adolescente Cali (Zoë Soul), y un matrimonio joven en plena crisis afectiva (Zach Gilford y Kiele Sánchez), cuyo auto se descompone poco antes del inicio de la purga. 12 horas para sobrevivir amplifica la mirada política del film previo (hay aquí un grupo revolucionario liderado por un profeta afroamericano que se opone a esa depuración que tiene a los pobres como principales víctimas y plantea una lucha de clases también por métodos violentos) y propone un estilo narrativo que por momentos recuerda a notables exponentes del cine clase B como Roger Corman, al Walter Hill de Los guerreros: The Warriors y, sobre todo, a John Carpenter (DeMonaco no casualmente escribió el guión de la remake de Asalto al precinto 13). La película no es precisamente sutil ni apela al buen gusto, pero en sus términos (sangre, sudor y lágrimas) resulta casi siempre sólida. Hay empatía entre los personajes, tensión y nervio en la narración y unos cuantos hallazgos a la hora de plantear vueltas de tuerca perturbadoras. No estamos ante un film que vaya a cambiar los cánones ni los estándares del cine de género, pero sí ante una secuela bastante noble y atrapante. Todo está listo, por lo tanto, para que dentro de unos meses tengamos una nueva purga en la pantalla.