Al igual que la reciente Amapola, de Eugenio Zanetti, El inventor de juegos resulta otra clara muestra de un cine argentino que intenta ampliar mercados a partir de importantes coproducciones que incluyen la participación de reconocidos intérpretes extranjeros y la posibilidad de contar con un importante despliegue de recursos. Basada en la exitosa novela de Pablo de Santis, esta película coescrita y dirigida por Juan Pablo Buscarini (El arca, El ratón Pérez) apunta a un público preadolescente, aunque con una historia de aventuras fantásticas capaz de seducir también a esos adultos que acompañarán a las salas a niños de entre 8 y 13 años (su target principal). Hablada en inglés (y con un doblaje al castellano no del todo convincente), la película está dividida en cuatro grandes partes (la vida en familia del niño inventor, su paso por un rígido colegio pupilo tras la desaparición de sus padres, una breve convivencia con su abuelo y las desventuras en una corporación dedicada a la creación de juegos liderada por el malvado Morodian, que interpreta Joseph Fiennes), aunque por momentos las transiciones entre una y otra parecen un poco abruptas y forzadas. El film regala un bello diseño de producción (desde la dirección de arte, con un imponente trabajo escenográfico, hasta el aprovechamiento de locaciones como La República de los Niños) y una cuidada fotografía del alemán Roman Osin (Orgullo y prejuicio) que en algunos pasajes se ve empañada por algunos desajustes en la conversión a 3D. Si en términos visuales El inventor de juegos se ubica entre lo más ambicioso y fascinante que el cine argentino ha conseguido en el terreno infanto-juvenil, a nivel narrativo la película no alcanza la fluidez y la seducción como para convertirse en un entretenimiento del todo incuestionable. Más allá de que hay unos cuantos pasajes atractivos y entretenidos (incluso con algunos momentos de logrado lirismo), el film por momentos luce algo frío y mecánico. Así, sus casi dos horas resultan un poco extensas y, por lo tanto, la atención del espectador se resiente. Con elementos que remiten a la filmografía de Tim Burton (sobre todo a Charlie y la fábrica de chocolate y El gran pez) y a la saga de Harry Potter, esta transposición de El inventor de juegos es, más allá de sus apuntados desniveles, una digna apuesta al cine de entretenimiento familiar.
¿Qué he hecho yo para merecer esto? Cuando se anunció hace ya varios años que se haría una remake norteamericana de Oldboy, la gema dirigida en 2003 por el coreano Park Chan-wook a partir del manga de Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi que sacudió al Festival de Cannes, no pocos se preguntaron (nos preguntamos): ¿Por qué? ¿Para qué? Muchos realizadores (incluido Steven Spielberg) coquetearon con el proyecto hasta que finalmente fue Spike Lee -quien no atraviesa precisamente por el mejor momento de su carrera- el que dirigió a Josh Brolin en este thriller psicológico (paranoico) sobre la culpa y la venganza. Las peores presunciones se confirman, lamentablemente, con sólo ver unas pocas imágenes del film: Spike Lee jamás encuentra el rumbo para la historia de un antihéroe… sin rumbo. Brolin (generalmente un buen actor) interpreta con no poca exageración a Joe Doucett, un ejecutivo de una agencia de publicidad, padre ausente, alcohólico, agresivo y perverso que, tras una noche de furia en 1993, termina encerrado en una misteriosa prisión privada durante ¡20 años! Cuando sale en libertad, intentará desvelar qué pasó, quién fue el responsable y, claro, vengarse de semejante humillación. En su camino aparecen una dulce trabajadora social llamada Marie (Elizabeth Olsen) y dos malvados risibles (Samuel L. Jackson y Sharlto Copley), y -así- las cosas se complicarán aún más (en todo sentido). Si la Oldboy original conseguía una extraña mezcla de ferocidad (sadismo) y lirismo con una puesta en escena subyugante plena de maestría, lo de Spike Lee es -en cambio- una narración bastante elemental y de vuelo bajo para una historia confusa y sin demasiados matices. Poco favorecida en la inevitable comparación, esta Oldboy made-in-Hollywood no resiste el análisis ni siquiera como película autónoma. Es una propuesta menor (mecánica, hueca, efímera e intrascendente) que quedará rápidamente sepultada por el olvido ante la imponente sombra de su predecesora.
Los vericuetos del deseo femenino En su tercer largometraje después de Por sus propios ojos (2008) y Lengua materna (2010), la cordobesa Paolinelli describe la crisis que se desata en una pareja de lesbianas (Mecha y Ofelia) que lleva siete años junta cuando una de las dos confiesa una infidelidad. La presencia de una tercera (Ana Laura) derrumba la aparente solidez del vínculo y allí es donde empiezan a surgir -cual efecto bola de nieve- rencores, resentimientos, despechos, fantasías y revanchas (¿venganzas?) que llevan a los personajes (cuatro en total, porque también aparece un hombre violento y abusivo) a vivir situaciones cada vez más extremas. Por su temática, por su narración y hasta por su tono, Amar es bendito es un film difícil y provocador. No es que pretenda ser un trabajo intelectual o su estructura sea impenetrable para el espectador común (tiene incluso varios momentos logrados de humor), pero la guionista y realizadora apela a actuaciones, diálogos y situaciones bastante oscuras, inquietantes y asfixiantes que lo alejan del realismo y que hasta pueden resultar un poco chocantes. Hay ciertos parlamentos y algunos aspectos de las interpretaciones que me resultaron un poco forzados y antinaturales, pero aun cuando me costó creerme del todo los vericuetos, derivaciones y alcances de la trama reconozco la convicción y la audacia (la narración bordea lo policial, lo fantástico y regala incluso una coda musical) que hay en Amar es bendito, película que ratifica a la prolífica Paolinelli como una de las directoras más sensibles -sobre todo en su exploración del deseo femenino- del panorama actual.
Cuando el cine juega a la poesía Contar la trama (la anécdota) de El rostro sería reducir los alcances del cine de Gustavo Fontán en general y de este film en particular. Si bien podría decirse que es uno de los films más “narrativos” o “ficcionalizados” de su carrera, eso no significa demasiado: el talentoso director no busca contarnos una historia en términos clásicos o convencionales sino que sigue explorando -con absoluta coherencia y consecuencia- ese universo inasible conformado por los climas, las atmósferas, los estados de ánimo, los sentimientos y -por qué no- el lirismo que puede conseguirse en el arte cinematográfico. Es probable que una propuesta tan abstracta genere no pocos rechazos en cierto público que necesita explicaciones concretas, que no tenga paciencia para sostener al tempo cinematográfico que propone Fontán, pero si el espectador logra ingresar a y conectar con ese universo la experiencia puede llegar a fascinarlo. En ese sentido, El rostro es una de las películas más logradas y exquisitas de su filmografía. Un hombre llega navegando a una isla en el Delta del Paraná y, ya en ese destino, comenzará a relacionarse con otros personajes (pescadores de rostros curtidos, mujeres y niños) y, también, con esa naturaleza avasallante de la zona (animales, árboles y, por sobre todo, el majestuoso río). Fontán es un verdadero artesano y poeta del cine y, para esta nueva y siempre melancólica apuesta, trabaja el blanco y negro en diferentes formatos de registro (desde el Súper 8 hasta el 16mm, pasando por el video), sin diálogos y con un sonido asincrónico que generan extrañas sensaciones a la hora de explorar el pasado y el presente de unos personajes y de su lugar en el mundo. Una experiencia infrecuente. Y muy recomendable.
Considerado como uno de los directores de fotografía más talentosos de Hollywood a partir de sus trabajos para Christopher Nolan, Wally Pfister debuta en la realización con una película que comparte ambiciones con, por ejemplo, El origen, pero cuyo resultado final queda a años luz de la maestría del cine de su mentor. No es que este guión escrito por el debutante Jack Paglen carezca de ideas provocadoras. El problema es que, a nivel narrativo, Pfister se queda muchas veces en la superficie a la hora de exponer cuestiones económicas, políticas y, sobre todo, éticas ligadas al irrefrenable avance de la ciencia y los riesgos de su aprovechamiento en términos personales y no en beneficio de las mayorías. El tema de las computadoras y robots inteligentes, que sienten, que tienen conciencia e interactúan con los humanos no es nuevo: desde 2001, odisea del espacio hasta la reciente Ella, pasando por Star Trek, hay decenas de ejemplos. Pfister y Paglen parecen haber visto esos y otros films y haber leído a Isaac Asimov, Philip K. Dick y William Gibson (también hay algo de la figura de Frankenstein) a la hora de elaborar Transcendence. ¿Puede un científico lograr a una suerte de inmortalidad por vía de la tecnología? ¿Puede un genio de la tecnología reencarnarse y convertirse en una suerte de dios todopoderoso y manipulador? Esos son algunos de los interrogantes que plantea -entre elementos de inteligencia artificial, juegos de realidad virtual con hologramas y una apuesta demasiado solemne y pretenciosa- esta película apocalíptica y paranoica de Pfister. El film arranca con la presentación de los tres protagonistas: Will Caster (Johnny Depp) y su esposa y colaboradora Evelyn (Rebecca Hall) son los máximos referentes de la comunidad científica más experimental. El mejor amigo que tienen es Max Waters (Paul Bettany), un experto en neurobiología que funciona además como narrador de la historia. No contento con la veta tecnológica, Pfister le agrega una subtrama romántica y aspectos propios del thriller, que incluyen a unos extremistas neoluditas (liderados por el personaje de Kate Mara) que se oponen con métodos violentos a los científicos, a un veterano experto interpretado por Morgan Freeman y a un agente del FBI (Cillian Murphy) que investiga tanto al grupo terrorista como a las actividades de Will. Son demasiadas aristas para una película que regala un virtuoso despliegue de efectos visuales, pero que se torna demasiado grave, ampulosa y derivativa. Tras una primera mitad que prometía varias cuestiones inquietantes sobre el fanatismo y la omnipotencia, termina apelando casi siempre al trazo grueso y al diálogo didáctico. Promesas incumplidas y, por lo tanto, un resultado frustrante.
Marcelo Piñeyro, el director más exitoso del cine argentino de los años 90 con films como Tango feroz, Caballos salvajes y Cenizas del paraíso, desarrolló en la última década una carrera que penduló entre proyectos locales (Kamchatka, La viuda de los jueves) e incursiones en España. Allí, donde en 2005 ya había rodado El método, regresó para concretar Ismael, película que coescribió con su habitual guionista Marcelo Figueras. El film arranca con Ismael (Larsson do Amaral), un niño negro de ocho años, abordando solo en Madrid un tren rumbo a Barcelona. Tras múltiples promesas incumplidas por su madre Alika (Ella Kweku), de origen nigeriano, él ha decidido escaparse del hogar que comparte con ella y con su padrastro Eduardo (Juan Diego Botto) para ir en busca de su padre de sangre, Félix (Mario Casas), un maestro de escuela secundaria al que nunca conoció. Con una carta como única pista, se topará en un departamento con Nora (Belén Rueda), que no es otra que su abuela y dueña de un distinguido restaurante. Más allá de la sorpresa (incredulidad) inicial, ella recibirá y ayudará al pequeño. Las cosas, por supuesto, no serán sencillas para ninguno de los personajes (todos cargan traumas, sentimientos de culpa, rencores, secretos y torpezas varias) en un film coral que habla de los prejuicios, pero también de la posibilidad de la redención. Historia sobre una España multicultural y multirracial castigada por la crisis y la represión, sobre familias desmembradas y personas heridas en más de un sentido, Ismael es una película hecha a corazón abierto. Por momentos, resulta demasiado recargada, morosa y explícita en algunos diálogos confesionales. Allí está, por ejemplo, un niño protagonista que parece mucho más maduro que los adultos, viñetas superficiales sobre la dura convivencia en un colegio secundario o el personaje de un amigo de Félix interpretado por Sergi López, que se convierte en el comic-relief del relato mientras trata de seducir a Nora en una subtrama que termina por eclipsar al que aparecía como principal eje dramático del largometraje. Con una sobria puesta en escena que elude los golpes bajos y el aporte de sólidas actuaciones, Piñeyro consigue un film honesto y sensible -tiene algo de Martín (Hache), de Adolfo Aristarain-, que describe desde muy diversos puntos de vista las muchas veces conflictivas relaciones entre padres e hijos. De lo macro a lo micro, de lo social a lo íntimo, resulta una película que invita tanto a la reflexión como a la emoción.
Contra todos los prejuicios Si a alguien le propusieran ver “una historia de amor entre una adolescente con un cáncer de tiroides fase IV que se ha expandido a los pulmones y un muchacho de 18 años que ha perdido su pierna derecha a raíz de un Osteosarcoma” muy probablemente lo primero que sentiría es un fuerte rechazo. No es la primera vez que el cine y la TV se atreven con el tema del cáncer (allí están desde 50/50 hasta The Big C), pero en este caso estamos hablando de una producción de Hollywood, de “la” estrella del momento (Shailene Woodley, la revelación de Los descendientes y estrella de Divergente, muy bien acompañada por Ansel Elgort) y de uno de los más exitosos best sellers de los últimos tiempos (la novela de John Green). El resultado, contra todos los prejuicios (incluidos, reconozco, los míos) es bastante digno ¿Estamos ante una película audaz, novedosa, arriesgada, sorprendente? No… y sí. Tiene sus momentos ridículos, sus golpes bajos, sus excesos edulcorados (como los aplausos de los turistas cuando ellos se besan en la casa de Anna Frank), su pintoresquismo cuando los protagonistas se pasean por Amsterdam y miles de posibles reparos. Pero, al mismo tiempo, es una película digna, auténtica, sentida, cristalina, de esas que no esconden ni su costado cursi ni su búsqueda de emocionar y concientizar. Un tearjerker en todo su esplendor… (y con varios momentos divertidos). El cinéfilo más purista, el espectador más escéptico, seguramente odiará muchos pasajes del film (hay varios colegas que huyeron en la mitad de la proyección), se sonrojará viendo a los “lynchianos” Willem Dafoe y Laura Dern trabajando en un producto de este tenor, pero Bajo la misma estrella es una historia de amor hecha y derecha, que al mismo tiempo nunca banaliza los alcances y los efectos de las enfermedades de sus personajes principales (hay una sucesión de radiaciones, quimioterapias, resonancias magnéticas, cirugías, tubos de oxígeno y todo tipo de medicamentos). La voz en off nos advierte en el comienzo de que estamos ante “una historia triste” que no será “suavizada como en las películas”. Es cierto que esa voice-over recurrente en algún lugar funciona como elemento tranquilizador, pero no molesta dentro de un film sintoniza a la perfección con ciertos sentimientos que afloran en los chicos de hoy como la necesidad de ser reconocidos, a no ser olvidados, a refugiarse y sentirse contenidos entre sus pares. Es cierto que, en ese sentido, esta comedia romántica (y oncológica) tiene algo de manual de autoayuda, pero aun con sus excesos lacrimógenos, su profusión de baladas desgarradoras y sus frases de poster (el “pequeño infinito” al que se alude en la relación entre sus dos héroes), Bajo la misma estrella nunca deja de ser genuina, potente y emotiva. A dejar, pues, el cinismo de lado. Al menos por esta vez.
La canción sigue siendo la misma A los 84 años, Clint Eastwood ya ha hecho casi de todo como actor y director. Entre las pocas cosas que le faltaban concretar detrás de cámara figuraba un musical (El guerrero solitario y Bird no califican en el rubro). Finalmente, llenó incluso ese casillero pendiente con esta transposición de uno de los shows de Broadway más exitosos y longevos (casi una década en cartel) basado en la historia real de Frankie Valli y los Four Seasons. Y, aunque no estamos ante uno de los mejores exponentes de su filmografía ni tampoco frente a una propuesta que vaya a conmover a los cultores de este género clásico, se trata de un largometraje amable y honesto, trabajado con ese estilo quizás a esta altura old-fashioned pero siempre bienvenido, con ese medio tono que caracteriza al querido Clint. Si bien tiene una coda que incluye el momento en que los Four Season son incorporados al Salón de la Fama del Rock en 1990, el film arranca en 1951 y recorre desde la formación de la banda hasta su ascenso a la fama y su repentina disolución, que desembocó en una larga carrera solista de Valli, un cantante que se hizo popular entre los jóvenes con su falsetes en temas como Sherry, Big Girls Don't Cry, Walk Like a Man, I've Got You Under My Skin, Grease y Can't Take My Eyes Off You. El inicio de Jersey Boys remite al cine de Martin Scorsese con esa pintura de la comunidad italiana en Nueva York (en este caso de Belleville, Nueva Jersey), con sus mafiosos (está muy bien Christopher Walken como el principal gangster local) y sus delincuentes de poca monta. A uno de ellos, Tommy DeVito (Vincent Piazza), se le ocurre -mientras entra y sale de la cárcel- formar un grupo y convoca a su amigo Frankie Valli (John Lloyd Young) para que se sume como cantante principal. Es el inicio de un largo y bastante tortuoso camino que incluirá conflictos con managers, productores musicales, prestamistas y -claro- familiares. El film no es particularmente gracioso (aunque Eastwood se permite incluir unas imágenes suyas de Rawhide, la serie que lo lanzó a la fama a fines de los años ’50), la estructura a-la-Rashomon que incluye constantes cambios en la narración en off con miradas a cámara a-la-House-of-Cards no aporta gran cosa, las escenas musicales no son demasiado inspiradas (la mejor es la que acompaña los créditos finales con todo el equipo participando de una coreografía), los conflictos dramáticos son muy básicos (nada que no se haya visto en La Bamba, The Commitments: Camino a la fama, etc.) y, sin embargo, Jersey Boys no… desentona. Es allí donde aparece Eastwood para moldear un material decididamente ajeno (en todo sentido) a su gusto, con su rigor, con esa sabiduría y ese aplomo que lo han convertido en el último reservorio del clasicismo hollywoodense. Sólo por eso ya vale la pena acercarse a este film noble y menor del viejo maestro.
La inglesita me vuelve loco... Sophie (Felicity Jones) es una estudiante inglesa que llega por seis meses a partir de un programa de intercambio a la casona de una familia ubicada en los suburbios acomodados de Nueva York. Allí se encontrará con el patriarca Keith (Guy Pearce), un músico frustrado devenido maestro, su esposa Megan (Amy Ryan) y su hija adolescente Lauren (Mackenzie Davis). Desde los primeras miradas cruzadas podemos adivinar que entre Sophie y Keith pasa algo, una atracción mutua, una tensión creciente, una seducción inevitable. Hemos visto (y seguramente veremos) decenas, miles de películas sobre adulterios, sobre la relación entre un hombre adulto con su vida "hecha" y una muchacha atractiva que le mueve el piso, que lo lleva a replantearse todo, que le despierta fantasías de escaparse y reiniciar otra vida. En ese sentido, este film de Drake Doremus (el mismo de Like Crazy, también con la hoy tan de moda Felicity Jones) no propone nada demasiado novedoso. Sin embargo, Pasión inocente resulta una película medianamente valiosa no tanto por lo que es sino por lo que no es. Es un film cuidado, riguroso, austero, recatado, de esos que no caen en todas las trampas que aparecen tan a la vista. El largometraje (más allá de ese pianito que se escucha siempre de fondo) no es grasa, no cae en la perversión barata y expone el punto de vista de cada uno de los personajes con dignidad, sin caer en los estereotipos. Las viñetas de la vida escolar (Keith es docente de música en la misma institución donde Sophie y Lauren estudian) y la comunidad pueblerina ayudan a moldear un universo que resulta creíble y, por momentos, atrapante (hay algo de thriller en la construcción narrativa). Se trata de una película pequeña en ambiciones y alcances, pero hecha con nobleza. Es más de los que muchos "grandes" films nos regalan por estos tiempos.
Cuatro años después de la muy atractiva y exitosa historia de vikingos y dragones llega una segunda entrega también inspirada en los personajes creados por la escritora británica Cressida Cowell que resulta incluso superior a la original. Que el trabajo de animación y el despliegue visual de esta producción de DreamWorks sean prodigiosos puede no sorprender demasiado, porque esos logros ya estaban presentes en la primera película (aunque cuatro años en la industria de Hollywood es mucho tiempo como para seguir mejorando las condiciones técnicas e incrementando las posibilidades artísticas), pero lo que sí llama la atención de esta secuela es que ha podido profundizar los conflictos de los personajes (hasta llevarlos a extremos bastante oscuros) sin por eso descuidar la veta humorística ni mucho menos el sentido de la aventura épica que sobrevuela todo el relato. Han transcurrido cinco años desde la historia anterior y la isla donde se asienta el pueblo vikingo se ha convertido en un paraíso para los dragones, que han encontrado allí refugio y cuidados múltiples. Entre carreras que apasionan a los habitantes y las actividades cotidianas, el veterano rey Estoico tiene decidido traspasar el trono a su hijo Hiccup, un joven con algunos problemas de autoestima que no tiene demasiadas ganas de asumir responsabilidades y prefiere vagar por el mundo. En uno de sus tantos viajes -siempre acompañado por la bella Astrid- descubrirá que hay otras sociedades y no pocas amenazas, sobre todo en el caso de Drago, un despiadado pirata que domina a todos los dragones a partir del control que sobre ellos ejerce un ejemplar gigantesco que parece salido de las películas del magistral animador japonés Hayao Miyazaki. El guionista y director Dean DeBlois (que ya había tenido una participación decisiva en el primer largometraje) sabe cómo dosificar las espectaculares secuencias de batallas y las vertiginosas escenas de vuelos (aprovechando en este caso todas las posibilidades de las imágenes en 3D) con la constante tensión padre-hijo, las subtramas románticas, las situaciones humorísticas y los elementos más fantásticos, espirituales y líricos de la propuesta que están ligados con las tradiciones y leyendas del lugar. Una de esas películas que logran la proeza de sostener con inteligencia y convicción muy diversos niveles de lectura y elementos que resultan atractivos para niños, adolescentes y adultos.