A filmar que se acaba el cine No apto para cultores del “en esta película no pasa nada”, el tercer largometraje del notable director de Bucarest 12:08 (2006) y Policía, adjetivo (2009) es una carta de amor al cine y a una mujer (una actriz), un ensayo sobre la neurosis de un director y sobre las inseguridades propias de todo proceso creativo. Con ese rigor, experimentalidad y virtuosismo (que jamás cae en el regodeo) tan propios del nuevo cine rumano, Cae la noche en Bucarest está construida en apenas17 planos-secuencia que suman 89 minutos con largos diálogos entre los dos protagonistas (el realizador y su amante/musa inspiradora), aunque en algunos pasajes aparecen también un par de personajes secundarios (la productora del film que se está rodando y otro director). A Paul (Bogdan Dumitrache) le quedan dos semanas de rodaje y se siente insatisfecho con el material conseguido hasta el momento. Mantiene un affaire con Alina (Diana Avramut), una actriz secundaria que -a medida que avanza la relación afectiva- va ganando espacio en la trama de ficción. El la quiere filmar desnuda, pero ella no está convencida de que “esté justificado”. Paul es un fumador empedernido, alguien que come y bebe (alcohol, café) en demasía y, para colmo, a sus excesos le agrega una faceta hipocondríaca: cree estar somatizando en su cuerpo los conflictos mentales que le genera la producción y está convencido de tener una úlcera, aunque según el diagnóstico lo suyo es apenas una gastritis. En las largas y fascinantes escenas del film (varias de ellas trabajadas con planos fijos o dentro de un auto), este ser bastante egocéntrico, autoritario, inmaduro, mentiroso y manipulador expone su visión sobre el cine (la muerte del fílmico, el imperio del digital y los cambios en el concepto de lo que fue, es y será una película) o su obsesiva búsqueda de la credibilidad y el naturalismo en su obra, aunque también se sumerge en otras cuestiones como las diferencias entre la cocina oriental y la occidental o cómo sería vivir en Francia. No es difícil ver en Paul una suerte de alter-ego del propio Porumboiu, pero lo que en principio parecía servido para un ego-trip, una mirada nostálgica, autoindulgente y narcisista se convierte gracias a la capacidad irónica y la austeridad del director en un film tan inteligente como incómodo a la vez, que excede el mero marco del cine-dentro-del-cine y que se sostiene con las herramientas más puras de la narración. Una oda cinéfila (hay citas explícitas a Michelangelo Antonioni pero con irrupciones absurdas que remiten sobre todo a los films de Hong Sang-soo) sin artificios (mucha luz natural, no hay música que distraiga o subraye emociones) y con mucha sensibilidad, creatividad y talento. Aquí se puede leer una nota sobre este y otro reciente film de Porumboiu, The Second Game, exhibidos durante el último BAFICI.
Son como niños (y con niños) Figura clave de la segunda ¿o tercera? camada de la denominada Nueva Comedia Americana, Nicholas Stoller fue otro descubrimiento de la factoría de Judd Apatow, ese Rey Midas que suele bendecir y lanzar a tantos realizadores e intérpretes para luego dejarlos en libertad de acción para que desarrollen de forma independiente sus carreras. Pese a los múltiples elogios recibidos, ninguno de los tres largometrajes previos de Stoller (tiene también un telefilm) se estrenaron en los cines argentinos, aunque sí llegaron con no poca demora al DVD (y, claro, circularon por todas partes en la web) con curiosos -por decir algo- títulos locales: Cómo sobrevivir a mi novia/Forgetting Sarah Marshall (2008), ¿Cómo sobrevivir a un rockero?/Get Him to the Greek (2010) y Eternamente comprometidos/The Five-Year Engagement (2012). Así como para dos de sus films apelaron al “Cómo sobrevivir a…”, en este caso bien podrían haberlo titulado “Cómo sobrevivir a los vecinos”, pero finalmente quedó el Buenos vecinos (el original es el aún más simple Neighbors). Mac y Kelly (Seth Rogen y la australiana Rose Byrne) son una pareja que está tratando de poner fin al período de abstinencia sexual luego de haber tenido una beba. El tiene un trabajo que no le gusta, pero que les ha logrado conseguir un techo propio. Ambos desean regresar de a poco al mundo “real”, recuperar ciertos hábitos de cuando eran jóvenes solteros, pero el sentido de la responsabilidad y, sobre todo, el cansancio hacen que se sientan bastante frustrados. Más o menos las mismas problemáticas de cualquier matrimonio con hijo... Pero a los pocos minutos ven cómo la adorable pareja gay de la casa de al lado se muda y, en su lugar, llegan decenas de adolescentes que conforman una cofradía fiestera denominada Delta Psi Beta, una hermandad de muchachos cuya único objetivo en esa etapa de la vida parece ser la parranda eterna. Mac y Kelly intentan convivir con sus bulliciosos vecinos liderados por Teddy (Zac Efron) y Pete (Dave Franco), primero por las buenas y luego, por supuesto, por las no tan buenas, dando lugar así a una guerra que generará todo tipo de enredos, confabulaciones y víctimas de ambos bandos. La película no es particularmente sorprendente ni inspirada, pero sostiene durante casi toda su hora y media de duración una innegable e irresistible simpatía (salpimentada por algunas irrupciones de humor absurdo que sí tienen efecto hilarante). Aun en sus momentos más mediocres (cuando no logra trascender los estereotipos a-lo-Adam Sandler o apela a los viejos chistes escatológicos de siempre), Buenos vecinos nunca cae por debajo de una medianía muy llevadera. Y, cuando logra conectar con ese síntoma social de la angustia de hombres inmaduros incapaces de asumir responsabilidades y compromisos (el personaje de Rogen), se convierte en una mirada bastante punzante y descarnada. No es una gran película (ni pretende serlo), pero bien vale acercarse a este primer desembarco de Stoller y compañía en los cines argentinos.
Noble entretenimiento En el mundillo de Hollywood se asegura que toda película debería poder sintetizarse con un breve concepto. En ese sentido, Un golpe de talento sería algo así como una mezcla de Jerry Maguire: amor y desafío con Slumdog Millionaire - ¿Quién quiere ser millonario? Es que esta nueva incursión de Disney en el universo de las películas deportivas describe las desventuras laborales y afectivas de un otrora exitoso y siempre ambicioso agente de estrellas (Jon Mad Men Hamm) y lo vincula con la historia real de unos ignotos jóvenes de la India que desembarcaron en la poderosa liga profesional de béisbol de los Estados Unidos. El guión del siempre eficiente Tom McCarthy (Visita inesperada, Up, una aventura de altura) dirigido con convicción (y sin miedo al ridículo) por Craig Gillespie (Lars y la chica real, Noche de miedo) tiene como protagonista a JB Bernstein, un representante californiano que se ha quedado sin clientes y se embarca en un proyecto insólito: organizar en distintas zonas de la India una suerte de reality televisivo llamado (como el film) Million Dollar Arm, con la idea de encontrar un par de lanzadores con capacidad suficiente como para triunfar en el béisbol norteamericano y, así, explotar un mercado masivo y virgen como el de ese país asiático. Las cosas, claro, no serán fáciles (la película aborda los choques culturales jugando muchas veces con los clichés y los estereotipos), sobre todo porque se encuentra con muchos más entusiastas del cricket que de la especialidad que él busca. Con financiamiento de un millonario chino (el film sintoniza con la creciente globalización incluso en los deportes más tradicionales de los estadounidenses), finalmente encuentra dos candidatos (Suraj Sharma y Madhur Mittal), que lo acompañarán a Los Ángeles para su entrenamiento y posterior presentación ante los buscadores de talentos de los principales equipos. Aquí entran en escena varios personajes secundarios que potencian la labor de Hamm. Por un lado, dos veteranos expertos del béisbol (Bill Paxton y el interminable Alan Alda); y, claro, la contraparte femenina para la inevitable subtrama romántica (una estudiante de medicina que subalquila un sector de su casa y pondrá en jaque el costado más machista de este solterón empedernido, interpretada con gracia por Lake Bell). Aun cuando pueda resultar un poco superficial y estereotipada (sobre todo cuando transcurre en la India y se excede en el pintoresquismo local o cuando quiere mostrar la inocencia de los queribles jugadores indios en la selva mediática norteamericana), Un golpe de talento resulta siempre disfrutable. Una película digna, noble, porque no esconde nada de su esencia ni se disfraza de algo que no es. Cine popular bien entendido (y realizado)
Dobles, simetrías, opuestos..No es que el director canadiense Denis Villeneuve ofrezca aquí una clase matemática, pero esta muy libre transposición de la novela de José Saramago tiene una estructura (circular por un lado y dominada por triángulos y cruces, por el otro) que bien podría ser analizada a través de cuadros, gráficos y diagramas. El hombre duplicado bebe del cine de David Cronenberg, Brian De Palma y David Lynch, al trabajar no sólo el tema del doble sino también al apelar al erotismo y sumergirse en el terreno de las obsesiones más enfermizas, con una apuesta que por momentos se enfoca más en la construcción de climas y en exponer los vericuetos psicológicos de sus personajes que en desarrollar una trama más clásica, precisa y contundente. El film está diseñado para el lucimiento de Jake Gyllenhaal (que también trabajó con Villeneuve en la reciente La sospecha), quien interpreta a dos hombres de rostros y físicos idénticos, pero muy distintos entre sí en cuanto a su personalidad: Adam es un tímido e inestable profesor universitario de historia que mantiene una aburrida relación con su novia Mary (Mélanie Laurent); y Anthony, un impulsivo actor de poca monta cuya esposa, Helen (Sarah Gadon), está embarazada de seis meses. Cuando viendo un video Adam descubre la existencia de Anthony no puede contener la ansiedad de conocerlo. Lo que en principio era una simple curiosidad se convertirá luego en obsesión y no sólo de él sino mutua y con alcances inesperados, que incluirán también a sus respectivas parejas. El talentoso director de Incendies regala a pura estilización algunos pasajes sugerentes y enigmáticos, con no pocos toques de un voyeurismo perverso (el arranque remite a Ojos bien cerrados, de Stanley Kubrick). La película -que algunos podrán conectar desde lo cinematográfico, también, con Vértigo, del gran Alfred Hithcock, o con ese clásico literario sobre el desdoblamiento de personalidades que es Dr. Jekyll y Mr. Hyde, de Stevenson- no es todo lo concisa y seductora que podría esperarse, pero aun con sus desniveles resulta una propuesta poco convencional, que asume múltiples riesgos y que, por lo tanto, resulta bastante valiosa.
Ladrones sin destino Las historias que combinan enredos románticos, comedia y robos con los glamorosas locaciones de la Costa Azul de fondo conforman una suerte de subgénero en la historia del cine. Love Punch se suma a la movida con pocas luces: un subproducto que dos estrellas como Pierce Brosnan y Emma Thompson intentan sostener aportando mucha más dignidad que el previsible guión y la torpe realización de Joel Hopkins. El film -que podría definirse como una mixtura entre Los enredos de Wanda y Para atrapar al ladrón, con múltiples referencias más en el medio- narra la historia de Richard (Brosnan) y Kate (Thompson), ex pareja con hijos ya grandes (una chica que se marcha a la universidad y un adolescente hacker) que volverá a unirse para hacerse pasar por un matrimonio de texanos y concretar el improbable robo de un collar de 10 millones de dólares durante una fastuosa boda en Cannes. La víctima es una hermosa joven (Louise Bourgoin) que está a punto de casarse con un cruel empresario (Laurent Lafitte), quien ha vaciado la compañía londinense en la que Richard se desempeñaba como ejecutivo (él y todos sus compañeros se quedaron sin trabajo y sin pensión). La idea, por supuesto, es vengarse del desalmado capitalista (el típico tiburón de las finanzas) porque, como sostiene el dicho, quien roba a un ladrón… Love Punch es de esas películas en las que se puede predecir la escena siguiente y, por supuesto, el desenlace. La creatividad y la capacidad de sorpresa no parecen ser el fuerte de Hopkins (el mismo de Tu última oportunidad, también con Emma Thompson). Hay muy pocos momentos de humor logrado (pese a los esfuerzos de Timothy Spall y Célia Imrie como el matrimonio de amigos que llega para ayudarlos en el robo), una mínima química romántica entre Brosnan y Thompson (más por carencias atribuibles al director que a ellos) y una sensación de fórmula, de narración fatigada y siempre atada a las fórmulas. Demasiado poco… punch.
La fiesta de todos (los sentidos) Extraordinario fotógrafo y artista plástico, Marcos López debuta en la dirección con una película disfrutable de principio a fin, y bastante más compleja y arriesgada de lo que en apariencia es (un retrato del ya casi nonagenario y eximio cantautor, poeta y pintor misionero Ramón Ayala). Viniendo de López -dueño de una capacidad de observación, de una creatividad, de una estética y de una sensibilidad únicas-, se sabía que las imágenes iban a ser bellas (Marcos puede ir del pop a lo político, de lo sórdido a la alta cultura sin mayores esfuerzos), que cada detalle adquiriría una dimensión inusitada. Pero, ¿le alcanzaría ese background para hacer una buena película? El cine, se sabe, no es “sólo” una sumatoria de lindos planos sino algo bastante más complejo, más vasto. Y, en este sentido, López sale más que airoso del desafío. En Ramón Ayala conviven la biopic, la reivindicación desde los más diversos ámbitos y, claro, el tributo en vida. Se mixtura el documental clásico (testimonios a cámara de artistas como Juan Falú, el Tata Cedrón, Liliana Herrero o los Tonolec) con unas cuantas incursiones en la ficción (hay actores que interpretan a personajes que parecen de “la vida real”) y hasta se incluye un fragmento -bien utilizado- de Las aguas bajan turbias, de Hugo del Carril, para conectarlo con el tema El mensú. López consigue momentos de enorme fluidez y naturalidad, mientras que en otros apela a (y expone) el artificio. Esta multiplicidad de capas, de elementos, de recursos no siempre funciona con la misma eficacia, pero los pasajes en que la estructura se resiente y se percibe un poco forzada son breves y no demasiado esenciales. Y, para compensar cualquier desnivel o desajuste, allí está el carisma descomunal de Don Ramón, capaz de recitar, cantar a capella o acompañado por su guitarrón para que la película sea una verdadera fiesta para (todos) los sentidos.
Amapola es la película de un eximio diseñador de producción, pero también el debut de un director sin experiencia. Ambos aspectos quedan plasmados de forma contundente (para bien y para mal) en los poco más de 80 minutos de un film deslumbrante en lo visual, pero fallido en cuanto a su fluidez narrativa y solidez actoral. El cordobés Eugenio Zanetti ganó el Oscar por su aporte a Restauración (1995) y fue nominado tres años después al mismo premio por Más allá de los sueños. Se trata, por lo tanto, de un artista de prestigio internacional, pero que debió luchar durante mucho tiempo para concretar en la Argentina su ópera prima como realizador. Y lo hizo finalmente a partir de un guión propio que recorre tres décadas (arranca con la muerte de Evita, en 1952; tiene su pico dramático durante el golpe militar de 1966, y cierra durante la guerra de Malvinas, en 1982) de la Argentina. De todas maneras, y más allá de ciertas alegorías políticas, Amapola no pretende ser un fresco histórico, sino una fábula, un tragicómico cuento de hadas, un musical con elementos fantásticos. El film está narrado desde el punto de vista de Ama (la californiana Camilla Belle, con serios inconvenientes para trabajar en castellano y mucho más suelta cuando tiene que afrontar diálogos en inglés), una niña que es testigo de los cambios que se producen en el Gran Hotel Amapola, ubicado en Tigre, a orillas del Paraná. La protagonista va y viene (se habla de que posee una percepción del tiempo y el espacio diferente del resto) para intentar cambiar los destinos del imponente lugar (abandonado a su suerte fruto de constantes desmanejos económicos), de sus parientes y hasta de su amante Luke (el galán canadiense François Arnaud), un desertor de Vietnam que viaja sacando fotos por el mundo. Más allá de la apuntada subtrama romántica, de las sucesivas internas familiares, de las múltiples secuencias musicales (coreografiadas por Ricky Pashkus) a puro mambo o de una puesta de la shakespeareana Sueño de una noche de verano que se hace en el lugar, el film luce bastante caótico y deshilachado, con un abuso de la omnipresente banda de sonido de Emilio Kauderer (como si el director no confiara en la posibilidad de generar climas y sensaciones sólo con las imágenes), con una utilización muchas veces torpe e innecesaria del montaje paralelo, con personajes secundarios que desfilan por la pantalla casi sin desarrollo, carnadura ni profundidad y, en muchos casos, con diálogos ampulosos y con llamativos desniveles interpretativos en un mar de sobreactuaciones. Está claro que Amapola está jugada siempre al artificio, pero incluso una propuesta de esta índole debe generar algún rasgo de identificación y empatía con el espectador que el film no logra. Queda, por lo tanto, admirar el aporte del director de fotografía suizo Ueli Steiger (habitual colaborador de Roland Emmerich), que utiliza sobre todo tonos sepias para dar una pátina nostálgica al relato, y el exquisito trabajo de dirección de arte, supervisado, por supuesto, por el propio Zanetti. Un gran despliegue de producción que enriquece la forma, pero que no alcanza a salvar el contenido.
Hijos nuestros Este penúltimo largometraje de Paolo Virzì (su más reciente trabajo, Il capitale umano, ya fue adquirido también para su estreno comercial en la Argentina) aborda un tema que obsesiona a muchas parejas (el deseo de tener hijos), sobre todo cuando afrontan dificultades para que la mujer quede embarazada. La presión social (de amigos y familiares, sobre todo), el paso del tiempo que va amplificando los conflictos, los múltiples y muy diversos tratamientos… Todo eso está retratado en el film. Y, en ese sentido, puede verse a Tutti I Santi Giorni como una película que sintoniza con las angustias, temores, mandatos y prejuicios de estos tiempos. El film -más allá de que siempre está trabajado sobre contrastes bastante obvios como los de esta pareja de intelectuales sensibles vs. la italianidad al palo con su machismo y su brutalidad- arranca con algunos toques de comedia que la hacen fluir con cierta dignidad. El problema es que, cuando la pareja empieza a desbarrancar, la cosa se pone cada vez más solemne, sentimental y, para peor, moralista. Los protagonistas son Guido (Luca Marinelli), un muchacho tímido y culto (está fascinado por la cultura clásica y el latín) que trabaja como conserje nocturno en un hotel de lujo; y Antonia (la compositora y cantante Thony, que tiene algo de P.J. Harvey), una pasional mujer de 33 años que atiende de día al público en una oficina de alquiler de autos mientras intenta desarrollar una carrera musical. Ellos se ven poco, pero tienen química y se entienden bastante bien tras seis años de estar juntos. El problema, claro, es que no quedan embarazados, mientras a su alrededor todos empiezan a tener más y más niños. El director de la exitosa La prima cosa bella evita en un principio caer en el subrayado discursivo y logra de sus intérpretes (sobre todo de Thony en su debut absoluto en cine) buenas dosis de naturalidad y credibilidad. Pero con el correr del film -que nunca lograba superar una medianía amable- se torna insostenible y en ciertos momentos hasta irritante… Un parto.
A los tiros (y a los pedos) El creador de Family Guy y Ted redobla su apuesta por el humor absurdo y provocador, pero esta vez jugando con los clichés, estereotipos y códigos del western. El resultado, sin ser del todo decepcionante, tampoco deja demasiado margen para el entusiasmo. Hay, sí, un puñado (¿5? ¿10? ¿15 con toda la furia?) de gags y diálogos inspirados, pero que no alcanzan a disimular la sensación de comedia bastante esquemática, artificial y forzada. Los anacronismos, la fuerte carga escatológica y los chistes sexuales funcionan razonablemente bien durante los primeros minutos, pero luego MacFarlane parece quedarse sin ideas y, con el tanque ya vacío, apela una y otra vez a los mismos recursos para llenar las casi dos horas de película. Hay desde el trabajo fotográfico (el imponente desierto de Arizona) y musical algunos homenajes bastante logrados al más tradicional de los géneros del cine norteamericano, pero en el terreno de la parodia MacFarlane no llega a ser ni la mitad de un, digamos, Mel Brooks. A nivel actoral, lo de Farlane es aún peor: su Albert Stark, típico antihéroe, hombre racional y sensible en una época (1882) donde todo se resuelve a los golpes o a los tiros, resulta muy poco atractivo. Abandonado por su novia (Amanda Seyfried), que pronto encontrará refugio en el adinerado y bigotudo Foy (Neil Patrick Harris), Albert -patético pastor de ovejas- se topará luego con Anna (Charlize Theron), la esposa del sanguinario villano Clinch Leatherwood (el siempre convincente Liam Neeson). Todo queda servido, por lo tanto, para una serie de enredos románticos y violentos (con duelos incluidos). MacFarlane se da unos cuantos gustos: desde un simpático homenaje a Volver al futuro con el mismísimo Christopher Lloyd y otros cameos de figuras como Ewan McGregor, Jamie Foxx o Ryan Reynolds, entre otros. El resto pasa por situaciones demasiado obvias, torpes, previsibles, con un mar de eructos, pedos y diarreas. El más terrenal espíritu adolescente (tardío) llevado al ambiente del Viejo Oeste.
Ensayo sobre la locura Este film reconstruye la tortuosa vida de Miguel Ángel Danna, un cuarentón que pasó buena parte de su vida en el seno de una secta liderada en Córdoba por un gurú misógino que combinaba para sus “guerreros” filosofía oriental y de las otras, un riguroso entrenamiento en artes marciales y neo-hippismo (con mucho sexo, por supuesto). Su historia personal (padre divorciado y sin trabajo), la de su multitudinaria y caótica familia (que incluyó la muerte en una piscina de una de sus hermanas siendo una niña) y la de esa comunidad espiritual plagada de excesos, abusos y manipulaciones le permiten al director de Tiempo muerto y Planetario trabajar el tema de la despersonalización y la locura. Con testimonios conmovedores, una puesta en escena con varios momentos "lisérgicos" y materiales reveladores (sobre todos las imágenes en VHS tomados dentro de la secta), se trata de una incursión en los aspectos más profundos y oscuros del alma humana. Todo terminó en un sonado caso mediático con el profeta Mehir y la madre de Danna prófugos de la Justicia. Inquietante, perturbadora, por momentos aterradora, y siempre fascinante.