Sin rumbo La directora de la bastante más interesante Caramelo (también protagonista de ambos films) apela en su segundo largometraje al pintoresquismo for export, al patetismo pueblerino y al artificio (varias secuencias musicales poco inspiradas) para describir la lucha de un grupo de mujeres por aliviar las tensiones religiosas entre musulmanes y cristianos dentro de una comunidad del Líbano, que vive entre carencias múltiples y minas que pueden explotar en cualquier momento. Una tragicomedia que ha ganado varios premios en festivales internacionales (incluídos algunos del público), pero que para mi gusto resulta torpe, grotesca, caótica (con algo que recuerda al peor Emir Kusturica) y decididamente manipuladora. El riesgo, por lo tanto, corre por cuenta del lector.
Volver a vivir En 1984, con sólo 26 años, Tim Burton presentó un cortometraje de 29 minutos titulado Frankenweenie , que terminó con su despido como animador de Disney. Casi tres décadas más tarde, ya convertido en uno de los directores más prestigiosos e influyentes de Hollywood, regresa con un largometraje basado en la premisa y la estética de aquel trabajo y producido, sí, por... Disney. El resultado es una tragicomedia bella, nostálgica, fluida y divertida a la vez, que mantiene el espíritu artesanal del original (la técnica stop-motion de animación cuadro por cuadro y el uso de títeres) y las imágenes en blanco y negro, aunque esta vez pensada para su explotación en salas 3D. Para aquellos que cuestionaron los resultados de Burton en sus tres films anteriores - Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet, Alicia en el P aís de las Maravillas y Sombras tenebrosas-, Frankenweenie es, a tono con la trama, una suerte de resurrección artística, un regreso a las fuentes, a sus obsesiones y referencias, al cine más personal de Beetlejuice, El extraño mundo de Jack, El joven manos de tijera, El cadáver de la novia o Ed Wood (extraordinario, en este sentido, el precario corto casero del principio realizado por el pequeño protagonista). El punto de partida está claramente inspirado en el Frankenstein de la novela de 1818 de Mary Shelley y de la película de 1931 de James Whale, pero el director lo instala en el seno de una típica familia disfuncional burtoniana (y de un patético pueblo) con un niño experto en ciencias llamado Victor que revive a su amado perro Sparky -que había sido atropellado por un auto- apelando a la energía que obtiene en plena tormenta eléctrica. Lo que sigue es una película que combina la dinámica familiar, la escolar (brillante el personaje del aterrador profesor de ciencias que interpreta Martin Landau) y cinéfila, con citas a decenas de películas propias y ajenas de terror (de Drácula a Godzilla ). En esta vuelta a los orígenes, Burton trabaja con viejos colaboradores (el apuntado Landau, Catherine O'Hara, Winona Ryder y siguen las firmas). Por ellos, y porque ningún doblaje podrá acercarse a la expresividad y ductilidad de los intérpretes que aportaron sus voces, es una excelente opción para el público adulto buscar las escasas funciones nocturnas que la exhibirán en versión subtitulada. Para disfrutar del talento de Burton y su equipo en toda su dimensión.
Un Bond clásico y moderno Primero, la sorpresa: Sam Mendes, director de la pretenciosa Belleza americana y sin grandes antecedentes en el género, regala una muy buena película de la saga Bond. Después, la ratificación: tras su brillante trabajo en Casino Royale y la decepción de Quantum of Solace , Daniel Craig se consolida como uno de los mejores 007 de la historia. Lo tendremos en al menos dos entregas más como para completar una serie de cinco participaciones. Aunque pueda resultar un poco larga, aunque sus chicas Bond (Berenice Lim Marlohe y Naomie Harris) esta vez no se luzcan demasiado, aunque pueda ser calificada -otra vez- de machista y misógina, Operación: Skyfall es un muy sólido entretenimiento a gran escala que conjuga la espectacularidad de las largas escenas de acción (rodadas en su mayoría por el director de la segunda unidad Alexander Witt) y una densidad emocional en los personajes que no es habitual en la franquicia y que es el principal logro de Mendes. Lo que también combina con solvencia este 23er. film de la saga es la elegancia y los inevitables (y premeditados) clichés, la tradición de 50 años de historia y la modernidad de un tanque modelo 2012. El film arranca -incluso antes que los créditos de apertura- con un largo set-piece de más de diez minutos con una persecución en moto por escaleras, techos, calles y bazares de Estambul para terminar sobre un tren a toda velocidad. Esa secuencia termina con el (aparente) fallecimiento de Bond, al punto de que M (Judi Dench) escribe su obituario. Pero, claro, el agente 007 vuelve de la muerte y regresa -física y mentalmente maltrecho- al servicio de M (que esta vez sí tiene una participación protagónica) y de un MI6 jaqueado por terroristas informáticos que hasta vuelan sus instalaciones. Recién a los 70 minutos aparece el villano perfecto, un lunático megalómano interpretado con gracia y desparpajo por un excesivo y desopilante Javier Bardem, quien parece salido de una película de Pedro Almodóvar e incrustado en un film de espías. La trama -de la que no adelantaremos ningún detalle- va de Estambul a Londres y de allí a Shanghai y Macao, con un despliegue de locaciones y recursos que el talentoso director de fotografía Roger Deakins aprovecha en todas sus posibilidades. Así, Mendes (con Deakins, Craig, Dench, un cínico Ralph Fiennes y hasta una notable aparición en la excelente secuencia final del enorme Albert Finney) termina redondeando un Bond para el disfrute. Y, por qué no, para el recuerdo.
A mitad de camino ¿El vaso medio vacío o medio lleno? ¿Con cuál quedarse? Que se estrene una comedia con Will Ferrell producida por Adam McKay es, sin dudas, una muy buena noticia para este dúo que no ha tenido demasiada suerte en el circuito comercial argentino pese a sus notables aportes. Sin embargo, pese a que tiene algunos pasajes logrados y un puñado de observaciones impiadosas y punzantes respecto del estado de las cosas en la política norteamericana contemporánea, se trata de un film decididamente menor dentro de la filmografía del gran Will. Jay Roach -quien ya había incursionado con éxito en la sátira con la trilogía de Austin Powers y en el cine político de denuncia con los telefilms de HBO Recount y Game Change- construye una película que se queda en todos los terrenos a “medio” camino: es medianamente divertida, medianamente incorrecta, medianamente eficaz. Ferrell es Cam Brady, un demócrata a-lo-John Edwards que va por su quinto periodo en el congreso por un distrito de Carolina del Norte pese a sus escándalos sexuales y excesos varios; y Zach Galifianakis es Marty Huggins, un agente de turismo sin ninguna experiencia en política que se convierte en el contrincante republicano a-lo-Newt Gingrich. En el trasfondo aparecen dos lobbystas multimillonarios (Dan Aykroyd y John Lithgow) que manipulan a los candidatos para imponer negocios sucios con China. La película -que cuenta con la participación de algunos reconocidos periodistas de grandes medios estadounidenses- nunca va más allá de lo esperable (OK, Cam le pega a un bebé y a un perro), de una superficialidad que por momentos se disfruta, pero que deja una sensación de cierta insatisfacción, de que la cosa podría haber ido más allá, haber sido más profunda, haber golpeado más ácidamente en el corazón de la podrida estructura política, justamente en un año eleccionario. Con Mitt Romney en campaña, Ferrell y Galifianakis jamás podrán resultar tan patéticos y ridículos en pantalla.
Pacto de silencio Nahuel Machesich -guionista, codirector y protagonista/narrador de este documental- es “nacido y criado” en Rawson, aunque desde hace muchos años está radicado en Buenos Aires. En el inicio del film, decide regresar a su ciudad para reconstruir aspectos, personales, familiares y, sobre todo, sociales de una comunidad marcada por la presencia de la inmensa cárcel de máxima seguridad (donde estuvieron en los años ’70 militantes de Montoneros, el ERP y las FAR) y por un pacto de silencio respecto de la actuación de muchos de los vecinos en tiempos de la dictadura militar. Con una propuesta similar -titulada, precisamente, Pacto de silencio-, Carlos Echeverría indagó en y desnudó las miserias de Bariloche y su connivencia con el nazismo. Por ese camino transita también Machesich (con la colaboración de su coequiper Luciano Zito) al entrevistar a sus propios padres, amigos y familares, pero también a ex presos políticos y guardiacárceles para exponer las contradicciones, el cinismo y la hipocresía de una comunidad que prefiere olvidar -o hacerse la distraída- antes que hacer un necesario ejercicio de memoria. Machesich aparece en cámara conduciendo la narración (la voz en off, también suya, no es del todo convincente) y la película adquiere intensidad con algunos testimonios viscerales, demoledores (en una ciudad chica, por ejemplo, conviven hoy torturadores y torturados), pero la pierde en parte en otros momentos que lucen más calculados, más forzados, más falsos e inverosímiles. De todas formas, y más allá de haber apelado a cierta “fórmula” del documental de creación en primera persona, se trata de un intento nada desdeñable, que busca (y encuentra) unas cuantas verdades sobre esos comportamientos colectivos tan difíciles de comprender y, sobre todo, de aceptar.
De regreso a la vida El uruguayo Henry Engler vive desde hace un cuarto de siglo en Suecia, donde encontró al amor de su vida y se especializó en medicina nuclear hasta convertirse en una eminencia internacional en la investigación sobre el mal de Alzheimer. Pero Engler también tiene un pasado que le ha dejado heridas demasiado profundas, de esas que nunca dejarán de sangrar: fue uno de los líderes del grupo guerrillero Tupamaros y, tras ser baleado y detenido, pasó 13 años como "rehén" (así se lo conocía) de la dictadura militar en condiciones infrahumanas (torturado y sin ver la luz del día). Lo que los directores José Pedro Charlo y Aldo Garay hacen con esta historia de vida es un trabajo admirable. Cuando estaba todo servido para un obvio documental politizado que exaltara la heroicidad y la redención del protagonista, los cineastas apuntan -en cambio- a un registro íntimo, tierno y pudoroso a la vez, que resulta profundamente maduro y humano (humanista) en su exposición de los mecanismos internos a los que debe apelar alguien para sobrevivir en condiciones extremas. Ensayo sobre la locura, la amistad, la religión y la memoria, El círculo arranca y termina en el bucólico pueblito de Uppsala y -en el núcleo del relato- sigue el viaje de regreso de Engler a Uruguay, en el que recorrerá las distintas cárceles en las que estuvo detenido y se reencontrará con sus viejos compañeros de lucha y cautiverio: desde el actual presidente José Mujica hasta Mauricio Rosencof. Todos aparecen en pantalla con un discurso inteligente y alejado por completo de cualquier dosis de victimización o revanchismo. Que la película haya apostado por esa austeridad y esa simpleza tan uruguayas no quiere decir que eluda los rigores físicos y, sobre todo, los psíquicos que sufrió Engler. Los testimonios del protagonista son impactantes, conmovedores, pero alejados de cualquier tipo de especulación. Y los directores -que además registran todo el viaje con una precisión y un talento asombrosos- vinculan con acierto aquel pasado lleno de alucinaciones y paranoias con la actualidad de un Engler que -no por casualidad- se convirtió en un emblema mundial en el estudio del cerebro humano.
Veo gente muerta Tras su excelente presentación en sociedad con Coraline y la puerta secreta (2009), el estudio Laika regresa con esta película sobre un chico de 11 años que -como aquel de Sexto sentido- ve gente muerta. El resultado es una atractiva película de fantasmas, zombies y brujas realizada con la técnica artesanal stop-motion (animación cuadro por cuadro de muñecos), pero también con un amplio despliegue tecnológico y un acabado en 3D. Los directores Chris Butler y Sam Fell -con algunos antecedentes en la factoría británica Aardman- narran las desventuras de Norman, un muchacho que tiene la extraña habilidad de conectarse a toda hora y en cualquier lugar con los múltiples espíritus que pululan por la ciudad. Esa capacidad, sin embargo, lejos de darle una ventaja comparativa, lo convierte en el freak de la escuela, en el objeto de todas las burlas e incluso de la violencia (el bullying, que también afecta a un amigo obeso, es uno de los temas laterales de la trama). Así, todos verán al pobre Norman hablando solo, cuando en realidad lo hace con su abuela fallecida o con algún fantasma que viene a reclamarle algo (no parece haber muchos muertos felices con su condición de tales). Si el desdichado Norman debe enfrentarse a la trabajosa rutina cotidiana (con una mezcla de empeño y resignación), su situación se complica aún más cuando se entera de que una poderosa bruja de 300 años amenaza con una devastación a gran escala. Sólo él puede detenerla. Lo que sigue es una narración que incluye ejércitos de zombies, encantamientos y persecuciones varias en las que la belleza visual se mantiene, pero el vértigo le gana por momentos a la creatividad, generando así cierta sensación de agotamiento. Más allá de algunos desniveles en el relato, ParaNorman es un film de notable factura, que se suma a una tendencia reciente (combinación de terror y comedia para un público infantil no tan pequeño) que ya tiene en cartelera a Hotel Transylvania y que desde la semana próxima sumará a Frankenweenie, de Tim Burton. Tres nobles productos del siempre lucrativo mercado de la animación..
Mujeres estimuladas Este tercer largometraje de la estadounidense Tanya Wexler es una pequeña (también modesta en hallazgos) comedia de enredos sobre la sexualidad femenina ambientada en la Londres victoriana. El film empieza con un tono algo grotesco que hace temer lo peor, pero -por suerte- con el correr del relato adquiere cierta gracia, interés y -digamos- complejidad, sobre todo gracias a los buenos aportes de intérpretes como Maggie Gyllenhaal y Rupert Everett. El protagonista, de todas maneras, es el inexpresivo Hugh Dancy, que interpreta a Mortimer Granville, un médico que se rebela contra el conservadurismo y la ignorancia de sus veteranos colegas y, por lo tanto, dura muy poco en cada uno de los hospitales que lo emplean. Rechazado una y otra vez, termina trabajando con Dr. Robert Dalrymple (Jonathan Pryce), un facultativo que se ha especializado en tratar casos de histeria en insatisfechas mujeres maduras con una “técnica” que consiste en… masturbarlas. El agraciado Mortimer se convertirá en una “celebridad” entra las aristócratas inglesas al punto de sufrir tremendos dolores en sus manos tras las intensas sesiones. Además, Dalrymple tiene dos hijas: la cerebral y eficiente Emily (Felicity Jones) que vive con su padre y pronto se convertirá en prometida de Mortimer; y la impulsiva y contestataria Charlotte (Gyllenhaal), una mujer protofeminista y con ideas socialistas que se ocupa de ambiciosas y esforzadas tareas asistenciales. Todo está servido, entonces, para un triángulo afectivo entre el protagonista, la seguridad que ofrece Emily y la audacia de Charlotte. La otra vertiente de la historia tiene que ver con su amistad con el millonario Edmund St. John-Smythe (Everett), con quien irá desarrollando -un poco de casualidad- un invento que se convertirá en el… ¡vibrador! La película no ahorra en clichés, estereotipos y licencias históricas, pero aun con su vuelo bajo y sus altibajos (hay escenas bastante logradas y otras que bordean el ridículo) termina siendo medianamente eficaz y entretenida, sobre todo porque Wexler (Finding North, Ball in the House) supo contagiar a sus intérpretes del tono ligero, fluido, casi lúdico que le imprimió al relato. No es un logro notable, es cierto, pero termina compensando las limitaciones del material.
Comedia bien manejada En primera instancia, habrá que indicar que este debut en el largometraje de ficción de los hermanos Levy luego de su interesante presentación en sociedad con el documental Novias - Madrinas - 15 años es una comedia con toques de humor sobre la familia judìa con el énfasis puesto en una pequeña estafa que sale mal. Sin embargo, con el correr del relato, el (auto)robo de un auto (un impecable Siam Di Tella) o los engaños con tarjetas de crédito van dando lugar a una zona bastante más delirante y sensible a la vez, en la que Mariano (Alan Sabbagh), notable antihéroe del film, encuentra en una insólita, improbable amistad con un homeless al que le falta (por lo menos) un tornillo (Andrés Calabria) un refugio frente a un universo personal que parece desmoronarse. La presentaciòn del film (Mariano está a punto de mudarse con su novia y trabaja en una agencia de publicidad) sirve para construir el personaje principal, pero es en esa segunda mitad cuando la pelìcula consigue un tono y un vuelo realmente propios. Aún con ciertas limitaciones en la puesta en escena, los Levy se sostienen en un buen guión y, sobre todo, en las excelentes actuaciones de Sabbagh y de ese freak que es Calabria (uno de los vendedores de Novias - Madrinas - 15 años). El timing cómico (físico y verbal) que consiguen en muchas escenas es algo que no abunda en el cine argentino. Además del salto que significa para los Levy, Masterplan resulta una muy bienvenida rara-avis.
Con espíritu concientizador Cuidado, prolijo, bienintencionado, este documental de Mónica Gazpio y Fermín Rivera aborda el tema de la adopción con claro espíritu concientizador. La idea es romper con la victimización (propia y ajena) que se hace contra (y desde) aquellos que no pueden tener hijos pero quieren ser padres y, también, por aquellas mujeres que tienen hijos pero no desean ser madres y prefieren dar sus niños a otras familias. El film -que debería tener por su estructura y temática más futuro en la TV que en su limitado paso por el cine- ofrece múltiples testimonios (desde los científicos a los psicológicos o sociológicos, pasando por los de aquellas parejas que han atravesado situaciones ligadas a la adopción), ofreciendo así un panorama bastante amplio sobre el tema. Ante la dificultad de obtener los relatos más extremos a cámara (sobre todo, las de aquellas madres que deciden no quedarse con sus bebés o los de matrimonios que han tenido experiencias conflictivas), la dupla de directores apela a actores profesionales (Laura Azcurra, Osvaldo Laport, Celina Font) para que “interpreten” esos testimonios, tratando de mantener la emoción, la densidad de aquellas confesiones íntimas. En este sentido, suena un poco absurdo el cartel que al comienzo del film aclara que los intérpretes no atravesaron por ninguna de las situaciones que actúan, algo que ya quedaba claro desde el momento en que los testimonios reales son en las casas o lugares de trabajo de esas personas, mientras que las performances se realizan en estudio con un infinito como único fondo (véase foto). Más allá de sus logros y limitaciones, Alumbrando en la oscuridad logra su cometido principal: investigar, indagar, cuestionar, informar, visibilizar, humanizar y -quedó dicho- concientizar. Misión cumplida.