La imaginación es el límite Prolífico, creativo y audaz, Mauro Andrizzi ha logrado construirse con cuatro largometrajes en cuatro años un lugar no menor en el circuito de festivales. Más allá de su simpatía personal y de su capacidad para las "public relations", ha llamado la atención con una polémica propuesta como Iraqi Short Films (construido en base a material de propaganda de fundamentalistas islámicos) y En el futuro, que le permitió participar y luego ganar un premio (el Queer Lion) en Venecia. Al Lido volvió (y fue nuevamente galardonado) apenas 12 meses después con Accidentes gloriosos, una película en la que redobla la apuesta ambiciosa y experimental de En el futuro. En este caso, son 9 extrañas historias diseminadas en poco más de una hora de metraje, acompañadas por una omnipresente y grandilocuente narración en off a cargo de Cristina Banegas. Choques de autos (inevitable la referencia a Crash, de David Cronenberg / J.G. Ballard), clubes pornos, rutas nocturnas, parques de diversiones, quirófanos, cartas y dibujos son algunos de los elementos que Andrizzi (con la colaboración del dramaturgo danés Marcus Lindeen) mixtura en una película que bebe de muchas otras fuentes: la pintura, el teatro y, sobre todo, de la literatura. Fantástica, onírica, surreal, Accidentes gloriosos se arriesga con efectos visuales bastante artesanales (no hay prurito aquí en caer en el artificio) para mostrar, por ejemplo, a un hombre volando sobre un zoológico. Más allá de cierta solemnidad, la película consigue por momentos climas visuales y dramáticos subyugantes. Si hay algo que queda claro es que Andrizzi tiene muchas ideas y un nulo prejuicio o miedo al ridículo. Es un artista que se juega, que arriesga y que, en muchos casos, termina ganando.
Demasiada actriz para tan poca película La mayoría de las fotos de prensa (una de las cuales ilustra esta crítica) muestra a una colorida Michelle Williams convertida en Marilyn Monroe y un inexpresivo fondo en blanco y negro. Es como si ya desde la producción hubieran querido resaltar sólo a la bella y talentosa actriz en medio de un film bastante... descolorido. Y lo lograron: incluso cuando se ubica lejos de sus mejores trabajos, la Marilyn de Williams le permitió a ese lobbysta feroz que es Harvey Weinstein sumar una nueva nominación a su abundante colección, aprovechando no sólo su indudable influencia en la industria sino también esa vieja predilección de la Academia de Hollywood por caracterizaciones de figuras tan famosas como trágicas (y Marilyn tuvo mucho de ambas facetas). Y recuérdese que Michelle finalmente perdió con Meryl Streep haciendo de Margaret Thatcher; o sea, otra biopic. A partir de dos libros de Colin Clark y de un guión tan correcto como elemental de Adrian Hodges, el director Simon Curtis (como el libretista, con amplia experiencia televisiva y poca en cine) nos lleva hasta el verano de 1956, cuando la rubia estrella arriba por primera vez a Inglaterra en busca de prestigio para trabajar en El príncipe y la corista, nada menos que con Laurence Olivier (Kenneth Branagh en piloto automático) como director y contraparte. Allí, en medio de un choque de culturas y, sobre todo, de egos, el rodaje se transforma en un verdadero caos. Marilyn -admirada y odiada, aclamada y ridiculizada- encuentra en Colin Clark (el anodino Eddie Redmayne), un joven, entusiasta e inocente asistente, el apoyo que no obtiene de ninguna otra persona. Más allá de que el foco está puesto en las desventuras de Marilyn, la película se narra desde la perspectiva, la intimidad, el punto de vista de Colin, y la unidimensionalidad, la escasa atracción que ejerce ese protagonista constituye una de las principales carencias del film. Por momentos, la narración adquiere cierto vuelo gracias a algunas pinceladas punzantes propias del subgénero cine-dentro-del-cine (léase las miserias de los artistas) y gracias al indudable carisma de una Michelle Williams que logra trascender el mero despliegue técnico de imitación de gestos y miradas. Pero la película no va mucho más allá. Estamos ante un film limitado, previsible, menor, realzado en parte por una gran actriz a la que esperamos seguir disfrutando en proyectos más audaces y logrados.
Cine de rapiña Con películas como Tiro al blanco, Medianoche en el jardín del bien y del mal, ¿Quieres ser John Malkovich? y Alta fidelidad, John Cusack fue uno de mis actores favoritos de fines de los años '90 y comienzo del nuevo siglo/milenio. Sin embargo, en la última década su carrera empezó a desbarrancar hasta convertirse, casi, en una parodia de sí mismo, un intérprete afecto a... la afectación. Aquí, en el papel del poeta Edgar Allan Poe, un hombre patético y alcohólico sumido en la miseria, que subsiste escribiendo textos amarillistas para un diario de mala muerte, parece seguirle los pasos a otro actor imposible que ha generado una suerte de veneración trash a fuerza de exageraciones y trabajos en cine clase B: Nicolas Cage. El problema es que El cuervo no divierte -al menos no voluntariamente- y, como su nivel de ironía y humor negro no convence, al espectador no le queda otra que rendirse y seguir la sucesión de asesinatos a puro gore inspirados en distintos textos escritos por el propio Poe, quien resulta víctima de un fan psicópata que decide ponerlo a prueba a partir de circunstancias de su propia obra. El cuervo es un film grasa y berreta, con una construcción de climas, suspenso y tensión que no tiene ningún material particularmente distintivo. Es como una casa prefabricada, edificada con elementos adquiridos en cualquier hipermercado de consumo masivo. A la falta de creatividad e ingenio se la puede combatir en parte con cierta osadía en la relectura paródica. Aquí, ni el director McTeigue (V de Venganza) ni un descentrado Cusack llegan a dar esa vuelta de tuerca como para hacer de este film menor al menos una experiencia disfrutable en plan delirante. Roger Corman, volvé...
Mundo surreal Tras la controvertida y muy politica Iraqui Short Films, Andrizzi rodó de manera muy artesanal esta película, que le valió el Queer Lion en el Festival de Venecia 2010. Construido como un libro (tiene un preámbulo, separación en capítulos, historias independientes presentadas como un falso documental y un epílogo en súper 8), el film -que propone una decena de recuerdos desde el presente de experiencias amorosas del pasado y una espera y unos deseos con vistas al futuro que indica el título- tiene algunos aspectos autobiográficos (al principio, incluso, se escucha al propio Andrizzi), que luego el guionista y director ficcionalizó, poniendo el énfasis en el lugar del narrador y en la tercera persona. Besos en todas las combinaciones y en primer plano, erotismo, climas enigmáticos, parejas bailando, fotografías, imágenes en un bello, cuidado y melancólico blanco y negro, y un aire al cine de David Lynch son otras de las cosas que propone esta extraña y fascinante película.
Campeones olvidados Mucho antes de los Manu Ginóbili (que tiene una participación especial aquí) y los Luis Scola, hubo una selección argentina de básquet que se consagró campeona del Mundo. Fue en 1950, en pleno gobierno peronista, que obviamente intentó capitalizar la hazaña de aquella victoria en la final contra Estados Unidos en beneficio propio. Los militares de la Revolución Libertadora no tuvieron piedad -entre otros- con esos jugadores, que prácticamente fueron borrados del mapa con una denuncia/pretexto por demás endeble. Cinco décadas más tarde, los hermanos Tokman recuperan aquella historia, reconstruyen la épica deportiva y la tragedia política de estos hoy queribles octogenarios. Los hechos (por sus múltiples derivaciones) son apasionantes y sirven como metáfora de esa argentinidad al palo que tanta vergüenza genera (con el cinismo, la hipocresía, la utilización de seres humanos con fines oscuros), pero más allá de la simpatía de los protagonistas y de algunos pasajes de genuina emoción, el documental resulta algo elemental y previsible. De todas formas, a partir de su tema y de su cuidada producción, debería alcanzar cierta repercusión, especialmente si consiguiera una buena difusión en las nuevas plataformas televisivas. (Esta reseña fue publicada durante el Festival de Mar del Plata 2010)
Por un cine de los sentimientos Gran ganadora de los festivales de Locarno y Mar del Plata, esta opera prima de Mumenthaler (que ya había llamado la atención como cortometrajista en el BAFICI) nos presenta a una directora muy segura de lo que quiere (y de lo que no). Algunos podrán vincular su cine con el de Lucrecia Martel, con el de Celina Murga y, en menor medida, con el Albertina Carri, pero más allá del interés común por construir climas, desarrollar atmósferas, describir estados de ánimo, sumergirse en el universo femenino (en especial el preadolescente) con su fuerte carga de erotismo, presentar la confusión y las contradicciones propias del despertar sexual y exponer los códigos de convivencia, Abrir puertas y ventanas resulta un film con personalidad y vuelo propios. No sabemos demasiado (y luego sabremos poco más) sobre por qué las tres hermanas (notables trabajos, llenos de matices, de María Canale, Martina Juncadella y Ailín Salas) que conviven en la casona familiar carecen de una contención adulta, pero ellas -que están en medio de un duelo, que estudian, que sueñan con independizarse, que se obsesionan por el bello y joven casero del lugar (Julián Tello)- parecen arreglárselas bastante bien. Sin embargo, con muy pocos elementos, sin apelar a subrayados ni sentimentalismos, Mumenthaler va describiendo en ese ámbito caluroso, encerrado, melancólico, la creciente tensión, los reproches mutuos, los caprichos, los celos, la incomodidad de cada una de las protagonistas. Y, también, los escasos espacios de placer y de encuentro, como cuando escuchan y cantan -en pasajes casi elegéticos- sus temas favoritos. Es difícil poner en palabras de qué va el cine de Mumenthäler. Creo que los términos más apropiados son delicadeza, elegancia, seducción, intimismo, sutileza, convicción… El trabajo visual, cada halo de luz, cada encuadre, cada gesto, cada una de las pequeñas observaciones tienen un sentido, una búsqueda, un espesor. Película sobre los sentimientos y las sensaciones, sobre el paso del tiempo y la ausencia, se trata de una propuesta que abre puertas y ventanas para que pueda surgir y podamos apreciar las inmensas dimensiones artísticas de una directora llamada a trascender.
El seleccionado británico juega en la India En las primeras escenas vemos la triste realidad de los múlitples protagonistas: Graham (Tom Wilkinson) es un ejecutivo al que jubilan; Evelyn (Judi Dench) lida contra la soledad tras la muerte de su marido; Muriel (Maggie Smith) es una mujer xenófoba y malhumorada que debe operarse de la cadera; Douglas y Jean (Bill Nighy y Penelope Wilton) son un patético matrimonio que sólo se mantiene unido porque no tienen las agallas para separarse. Estos y otros personajes se encontrarán en el hotel del título, en la India. Ellos creen que es un lugar esplendoroso, lujoso (las publicidades en Internet suelen engañar), pero en verdad es un edificio decadente regenteado por el joven y entusiasta Sonny (Dev Pattel, visto en Slumdog Millionaire). No conviene adelantar demasiado de lo que le ocurre a cada uno, pero lo cierto es que encontrarán allí la posibilidad de reinventarse, de una nueva existencia cuanto pensaban y sentían que la suya ya estaba consumida. John Madden (Shakespeare apasionado) y su dream-team de viejas glorias del cine británico nos regalan una comedia simpática, amable, pintoresca sobre las segundas oportunidades. No es nada del otro mundo (hay bastante de fórmula aquí), pero este canto a la vida -un crowd-pleaser en la jerga de la industria-se termina disfrutando. Como sostiene el dicho popular, nunca es tarde...
Justicia poética El director de Luces al atardecer y El hombre sin pasado incursionó en territorio francés (con diálogos en ese idioma) y no sólo no perdió su impronta (el tono tragicómico, su predilección por el humor absurdo, el amor por sus queribles perdedores, sus retratos de los bajofondos y la bohemia) sino que también se permitió cuestionar con dureza la política represiva del gobierno galo respecto de la inmigración africana. En efecto, el film narra la historia de Marcel Marx (André Wilms, el mismo actor de La vie de bohème), un ex autor devenido lustrabotas (y cliente preferido de los bares) que ve cómo su esposa Arletty (Kati Outinen) se está muriendo de cáncer. Mientras tanto, conoce y da refugio a un niño (un inmigrante ilegal de Gabón que intenta llegar a Londres para reencontrarse con su madre), ante la intensa búsqueda de la policía de esa ciudad portuaria. Pero no todo el contexto es tan duro, ya que Marcel contará con el apoyo de Monet (Jean-Pierre Darroussin), un veterano y duro detective salido de un film-noir, pero que en verdad posee un corazón muy blando. En esta historia entrañable, romántica, tierna y humanista (con una vuelta de tuerca propia de un cuento de hadas) tienen muy simpáticas participaciones especiales varios mitos franceses como Jean-Pierre Léaud, Pierre Étaix y el cantante local Little Bob, que ofrece en pantalla una performance a puro rock. Una auténtica joya.
Música sin espera ¿Puede la música arruinar una película? Vean Una cita, una fiesta y un gato negro y después me cuentan. No es que el guión de esta ópera prima de Ana Halabe sea un dechado de creatividad, ingenio y sorpresa, pero era un material digno para el despliegue histriónico, la simpatía y la belleza de dos actrices de indudable talento como Julieta Cardinali y Leonora Balcarce. Sin embargo, la omnipresente, tortuosa y desagradable banda de sonido (responsabilidad de la propia directora) que no sólo afecta los climas sino que además subraya y acentúa cada una de las situaciones (y lo que debemos “sentir” frente a ellas) termina conspirando contra el disfrute de una historia ligera sobre la mala suerte: la (re)aparición –luego de 15 años- de Felisa (Balcarce), una antigua compañera del secundario, en la vida de la hasta entonces feliz y exitosa Gabriela (Cardinali), transforma su vida en un infierno en apenas tres días. El film dialoga con elementos clásicos de la comedia popular (la figura del jettatore) y, si bien el eje es la relación entre estas dos “amigas” (Felisa invade y Gabriela trata de evitarla), hay un trasfondo ligado al mundo empresario (en este caso, el de las cadenas de pinturerías) y a las relaciones afectivas: Gabriela cree que su marido (Fernán Mirás) la engaña y se tienta con el padre de un compañero de colegio de sus hijos (Nicolás Pauls). La elección del casting no es mala (aunque hay grandes intérpretes no del todo aprovechados en los personajes secundarios) y la comedia es un género que el cine argentino pide a gritos en su búsqueda de reconciliarse con el público masivo, pero Una cita… termina siendo una película frustrante porque no es un producto redondo, no aprovecha en todo su esplendor el carisma de Cardinali y Balcarce, y -como quedó dicho- nos ametralla con una música torpe y berreta (no encuentro mejores adjetivos). Una verdadera pena.
Una narración poderosa y una gran ambientación en el nuevo film de Trapero En la portentosa secuencia inicial (previa incluso a los créditos), vemos cómo el padre Julián (Ricardo Darín) es sometido a una tomografía en la cabeza; cómo ese mismo cura viaja a Bolivia para rescatar en plena selva a un colega belga, Nicolas (Jérémie Renier), en medio de una matanza de indígenas por parte de narcotraficantes, y cómo ambos terminarán juntos compartiendo un duro trabajo social en las villas porteñas (el film se rodó en la Villa 31 de Retiro y en el edificio del título en la Villa 15 de Lugano). En esos primeros minutos están sintetizados el tono, el espíritu y las búsquedas de Elefante Blanco , una película que trasciende sus limitaciones (que las tiene) con una puesta en escena impecable, una narración poderosa y una ambientación siempre convincente. El cine de Trapero ha puesto desde el principio el foco en las contradicciones del entramado social (basta recordar desde Mundo grúa hasta Carancho , pasando por El bonaerense o Leonera ), pero nunca había explorado con tanta profundidad la marginación, la violencia, los efectos del narcotráfico y el trabajo de los curas villeros en ese desolador contexto. Lo primero que hay que decir es que Trapero elude la porno-miseria, el paternalismo y la estilización de la violencia en la línea de películas de proyección internacional como Ciudad de Dios . Prefiere, en cambio, un relato más clásico, en el que se destaca el aprovechamiento de las locaciones mediante un virtuoso trabajo de largos planos-secuencia que siguen a los personajes por los vericuetos del inmenso edificio abandonado y por los intrincados pasillos que rodean a las precarias construcciones de las villas. Puede que los tres protagonistas no tengan esta vez la complejidad ni los matices de otros films de Trapero (el padre Julián que Darín encarna con su habitual solvencia tiene algunas ocasionales y mínimas dudas, pero es "casi" un santo; la asistente social que interpreta Martina Gusman no tiene el desarrollo de sus papeles previos, y, así, es Renier quien saca mayor provecho de un personaje que va creciendo con el correr del relato), y puede también que el sentido homenaje al padre Carlos Mugica resulte demasiado obvio y explícito, pero el director trasciende esos y otros esquematismos con una pintura social, un fresco construido con los mejores recursos cinematográficos. La labor pastoral en medio de una sangrienta guerra de narcos que tiene incluso a niños y adolescentes como víctimas, las tensas relaciones con las autoridades políticas y policiales, y las diferencias entre los curas de base y la jerarquía eclesiástica son algunos de los aspectos que Trapero y sus coguionistas (los creadores de El estudiante y Los salvajes ) abordan durante las casi dos horas del film. Es cierto que algunos elementos de la trama (las contradicciones íntimas, la culpa, la impotencia, el cansancio, la ira, el sufrimiento, la tensión sexual) están más "explicados" por los diálogos o imágenes demasiado explícitas que trabajados con pudor, con ductilidad o mediante la construcción de climas. Trapero, queda claro, apostó aquí por la urgencia, la visceralidad, la fuerza de las imágenes. Y, en ese sentido, cada uno de sus planos tiene una potencia, una convicción, una carga emotiva que arrasan con cualquier cuestionamiento "intelectual". Es de agradecer, por lo tanto, que un director de su jerarquía -y con una frecuencia entre película y película que nunca supera los dos años- vaya siempre por más, con audacia, con rigor y, por supuesto, con talento.