En su ópera prima, el guionista y director Federico Finkielstain propone un retrato generacional que describe un estado de angustia e insatisfacción generalizado, pero también una búsqueda por trascender los miedos y apostar por el cambio. Este drama sobre las historias de vida de varios veinteañeros y treintañeros de clase media (y media-alta) está construido con una estructura coral que remite a ciertos parámetros impuestos desde hace tiempo por el cine independiente norteamericano. El film apuesta por una gran diversidad de historias y miradas e intenta aprovechar -en términos artísticos y de marketing- el aporte de varios intérpretes reconocidos. Lo mejor de No te enamores... es la crudeza con que se presentan los conflictos sexuales y las contradicciones afectivas de los múltiples personajes. Finkielstain es muy franco y directo en la exposición de las sensaciones íntimas de sus criaturas, seres frustrados por lo que tienen y, por lo tanto, tentados a vivir nuevas experiencias como vías de escape. El gran problema de la película no tiene que ver con la idea conceptual ni con el aporte del elenco sino con las limitaciones de un guión que plantea y resuelve de manera bastante obvia las distintas subtramas y, sobre todo, de la puesta en escena. Finkielstain no consigue dotar a la narración de la agilidad que requiere un relato que salta de historia en historia, de personaje en personaje, y -así- el interés se resiente y la tensión se diluye. Sin profundidad en la descripción psicológica, sin fluidez en la narración, con escenas de sexo pobremente filmadas y una solemnidad sólo matizada por unas pocas irrupciones de humor, No te enamores de mí intenta -con logros parciales- definir a los jóvenes de hoy, con sus problemas de identidad, de comunicación, con su falta de compromiso y, muchas veces, de rumbo. La idea original, esta vez, es más interesante que el resultado final.
Una superproducción que no le tiene miedo al ridículo, gracias a la apelación a clichés Transformers en el agua o un largo institucional de la marina estadounidense para captar nuevos reclutas. Entre esos dos conceptos hay que bucear a la hora de explicar la búsqueda casi desesperada de espectacularidad que hay en el film, pero también las múltiples carencias de una superproducción que mixtura cine bélico con ciencia ficción, más algunos toques no demasiado logrados de comedia y romanticismo. Para entender la primera premisa hay que indicar que estamos ante la nueva franquicia de Hasbro, la misma compañía de los Transformers , y, en ese sentido, la historia es bastante (demasiado) parecida: con un protagonista bastante torpe (Taylor Kitsch) que de estar a punto de ser expulsado de la carrera militar por su arrogancia y su individualismo terminará convirtiéndose en héroe frente a una arrasadora invasión alienígena. Esta previsible, obvia evolución del personaje -que, para completar el festival de lugares comunes, está enamorado de la bella hija (Brooklyn Decker) del capitán de la flota (Liam Neeson)- no es ni siquiera lo peor de este film de Peter Berg ( Hancock ). Porque lo que sigue es una risible, grotesca apelación al patriotismo, a la valentía y al sacrificio de los combatientes estadounidenses. La película -que parece no tenerle miedo al más absoluto de los ridículos- recurre finalmente a la figura de unos veteranos de guerra para salvar al planeta de la extinción. La primera media hora de película (la presentación de los "personajes" y del "conflicto") es una de las peores cosas que el cine de Hollywood ha concebido en los últimos años. El resto tiene, al menos, un poco de tensión con largas secuencias de batallas. Este despliegue de explosiones y efectos visuales no es nada del otro mundo, es cierto, pero entre tantos barcos hundidos, misiles y naves extraterrestres los recargados y aleccionadores diálogos van disminuyendo en su frecuencia. Algo es algo.
Los hombres suburbanos Tras el notable uno-dos del BAFICI 2009 con Bonus Track y 180 grados, Perrone presentó en la edición 2010 del festival porteño un film en el que describe -con su habitual capacidad de observación y sensibilidad para captar la intimidad cotidiana de sus personajes/"actores"- las miserias de una familia de clase media-baja de su Ituzaingó: grupos disfuncionales y disgregados, con empleos precarios, escasa comunicación y contención. Como siempre, Perrone evita el subrayado, la bajada de línea y apela a pequeñas situaciones recurrentes -el obsesivo uso de los sms de los celulares, la omnipresencia de la televisión, las escenas con un pájaro enjaulado, los permanentes reclamos de ella hacia él por su falta de compromiso y adultez- para exponer así la monotonía, el hastío, la falta de incentivos y perspectivas de esos seres del conurbano bonaerense. Perrone opta por trabajar en interiores y el resultado en términos visuales (y en cuanto a calidad de imagen final) es menos interesante que en los films apuntados de 2010. Si en distintas etapas de su carrera se fue vinculando al Perro con Jim Jarmusch, Abbas Kiarostami o Gus Van Sant (en las películas sobre skaters), esta vez el referente parece ser el portugués Pedro Costa. De todas formas, más allá de filiaciones posibles, aún con un film menor como éste, Perrone sigue siendo un genuino, intuitivo y a esta altura sólido observador de su gente, de su zona y de sus contradicciones.
Ella ya me olvidó... Película "de concepto" (un matrimonio de gente joven, bella y feliz sufre un accidente automovilístico, ella pierde la memoria "reciente", no recuerda nada de él ni de la relación, decide regresar con su odiosa familia y a sus gustos adolescentes, mientras él trata de reconquistarla), Votos de amor es uno de esos melodramas románticos hiper edulcorados, lacrimógenos, cursis, grasas, pero que -por lo menos- no tiene miedo de serlo. Es decir, no trata de disimular nada, no pretende esconder ni siquiera sus elementos de fórmula más rancia. Eso no la salva, es cierto, pero de alguna manera la convierte en un producto más honesto y cristalino. Esa absoluta autoconciencia, esa falta de "represión" la tornan casi insufrible para algunos (entre los que me encuentro), pero eficaz para quienes tienen otra sensabilidad, gusto y percepción (recordemos que lideró durante mucho tiempo la taquilla norteamericana hasta convertirse en uno de las sopresas comerciales del año). El guión (¡ay, esa voz en off!) y el director Michael Sucsy (cuyo único antecedente más o menos importante era el telefilm Grey Gardens) no dejan estereotipo o golpe de efecto por acumular y, en este sentido, cabe destacar la nobleza, el profesionalismo con que los dos protagonistas (los carilindos y muy de moda Rachel McAdams y Channing Tatum) sobrellevan las situaciones más torpes, ridículas y exageradas y hasta aportan una más que encomiable "química" física/romántica. Si salen airosos de semejante desafío, queda claro que están capacitados para todo y que, por lo tanto, para ellos lo mejor aún está por venir. PD: Da pena ver a los veteranos Sam Neill y Jessica Lange degradados a encarnar a dos tristes personajes como los padres manipuladores de la protagonista.
Atrápame si puedes El gran maestro polaco ratifica que, a los 72 años (y con casi cinco décadas de carrera), está atravesando un gran momento (su regreso luego de una larga ausencia había sido con la también muy interesante Cuatro noches con Anna). El director de joyas como El grito y Trabajo en negro narra, con una enorme potencia visual, absoluta crudeza y un tono alucinatorio que prescinde casi por completo de diálogos, la persecución por parte de soldados estadounidenses a un luchador talibán, un afgano inmerso en la Yihad (Vincent Gallo) que se ha fugado de una de las bases ubicada en Europa del Este. El film apela a lo más instintivo, visceral y descarnado de un ser humano en permanente lucha por la supervivencia en medio de las condiciones más inhóspitas. Es, por lo tanto, una épica física y emocional que Vincent Gallo -actor habituado a soportar situaciones extremas en pantalla- sobrelleva con absoluta convicción. Para quienes esperen una fuerte dimensión política o sociológica, puede que Essential Killing resulte algo decepcionante. Para quienes, en cambio, se sumerjan en el denso entramado dramático y estético que propone Skolimowski vivirán una experiencia provocativa y fascinante en medio de los bosques nevados de Polonia. Ganadora del Premio Especial del Jurado y del galardón a mejor actor en la Mostra de Venecia y del Astor de Oro a la mejor película en el Festival de Mar del Plata 2011.
Exigente y atrapante película del iraní Asghar Farhadi Este nuevo largometraje del talentoso guionista y director iraní Asghar Farhadi (el mismo de la también notable About Elly ) recibió en los últimos meses con absoluta justicia una catarata de reconocimientos: en su estreno mundial, arrasó con casi todos los premios de la competencia oficial del Festival de Berlín 2011 y coronó su amplio recorrido internacional hace pocas semanas, cuando ganó el Oscar al mejor film extranjero. La película -inteligente, moderna, provocadora, exigente, atrapante- derriba de una vez y para siempre los (muchas veces infundados) prejuicios respecto de que el cine iraní no "cuenta nada" o que es una moda impuesta por algunos críticos snobs. Farhadi habla de temas íntimos y sociales a la vez con un rigor, con una profundidad, con un pudor y con una elegancia que no abundan en la producción contemporánea, ya sea de Hollywood o de cualquier país periférico. Se trata de una propuesta de una solidez formal (jamás aburrida) y de una complejidad temática (nunca críptica) que necesita de la participación activa, comprometida del espectador. La historia se centra, en principio, en la conflictiva relación de un matrimonio de mediana edad. Simin ha hecho todos los trámites necesarios para conseguir las visas para salir del país con su marido, Nader, y su hija adolescente Termeh, pero él se resiste a partir porque tiene que cuidar de su padre, que sufre un avanzado estado de Alzheimer. Ella abandona el hogar y pide el divorcio en un juzgado. El, mientras tanto, se queda en el departamento con Termeh y se ve obligado a contratar a una empleada doméstica para que cuide del enfermo. La recién llegada -de una clase social bastante menos favorecida- está embarazada y al poco tiempo sufre la pérdida del bebe. Luego de este planteo inicial, lo que sigue es una intrincada y apasionante combinación entre el drama familiar y el thriller judicial -trabajada además en múltiples capas y con diferentes niveles de lectura- en el que se confundirán desde la codicia hasta la culpa, pasando por todo tipo de dilemas éticos y morales. Las insospechadas derivaciones de la trama (de 123 minutos que jamás decaen) convierten a La separación en un intenso, poderoso y revelador retrato sobre los bruscos cambios y las fuertes contradicciones entre tradición y modernidad que irrumpen en una sociedad iraní contemporánea tensionada entre el conservadurismo religioso y las tentaciones del capitalismo. Una historia local, es cierto, pero de alcance universal.
Dicen que viajando se fortalece el corazón... Luego de la decepción que me provocó Velódromo en el BAFICI 2010, con Música campesina me reconcilié con el cine de Fuguet y con su actor-fetiche Pablo Cerda. Tras las anodinas desventuras del ciclista que deambulaba por Santiago en su film anterior, el reconocido escritor ahora traslada a su antihéroe a la ciudad de Nashville (contó con el apoyo de la universidad local en la que es profesor): un chileno que viene de sufrir un desengaño amoroso con una novia estadounidense. Entre hoteles y casas compartidas con losers/dealers/slackers (la mirada sobre la sociedad norteamericana es despiadada sin por eso caer jamás en la bajada de línea), Alejandro Tazo tendrá trabajos precarios (como limpiar baños en hoteles), amistades fugaces (incluida una con una... ¡argentina!) y experiencias musicales (es un fan de Johnny Cash). Si bien al film le hubiese venido bien una puesta más "aireada", Fuguet da aquí un enorme salto cualitativo como narrador (aparecen algunos encuadres muy virtuosos), como director de actores y como observador de la soledad, de las contradicciones de los inmigrantes, y de las diferencias culturales, de costumbres y, claro, de idiomas entre norte y sudamericanos.
Escuela anormal Las películas basadas en series suelen, en su gran mayoría, salir bastante mal. Las buddy movies (esas comedias policiales con dos protagonistas opuestos entre sí que pendulan entre el amor y el odio, el resentimiento y la amistad) tienden a repetir fórmulas y a cansar al poco tiempo. Sin ser una genialidad, esta versión de la serie coprotagonizada por un entonces jovencísimo Johnny Depp (estamos hablamos de 1987) sortea ambos riesgos: no sólo es buena sino que tiene vuelo propio. El gran Jonah Hill (que ratifica una vez más su enorme timing para todos los matices de la comedia) y Channing Tatum (carilindo y convincente) son dos ex compañeros de la secundaria devenidos policías. Tras egresar de la academia (el primero con sus dificultades físicas y el segundo con sus limitaciones intelectuales), son enviados a un patético escuadrón para infiltrarse como agentes encubiertos en... un colegio, donde una nueva droga sintética está haciendo estragos. La película se ríe del subgénero de high school comedies (contrapone las costumbres adolescentes de hoy con las que los protagonistas consideran cool según sus experiencias del pasado) y, así, la narración -especialmente durante la primera mitad- fluye con gracias, ingenio y convicción. En la segunda parte, si bien el relato se resiente un poco y tiene algunas resoluciones algo obvias, sigue siendo un producto más que disfrutable, sobre todo por su incorrección política que se ríe con inteligencia de los estereotipos. Bien por los notables intérpretes (hasta aparece sobre el final un simpático cameo de Depp, Peter DeLuise y Richard Grieco, todos miembros del cast original en TV) y por los directores Phil Lord y Chris Miller, quienes luego de la muy simpática película de animación Lluvia de hamburguesas demuestran que tienen también mucha pasta para la ficción con personajes de carne y hueso.
¿Reconstrucción de un amor? Luego de un más que interesante documental como Sofía cumple 100 años, Hernán Belón debuta en el largometraje de ficción con este film que llega a los cines comerciales luego de haber participado en la Semana de la Crítica de la Mostra de Venecia y en la Competencia Latinoamericana del Festival de Mar del Plata. Elisa (Dolores Fonzi) y Santiago (Leonardo Sbaraglia) compran una casa de campo bastante venida a menos luego de cinco años de abandono con la idea de recuperar en contacto con la naturaleza y lejos del stress urbano los bríos perdidos, la pasión en merma de su matrimonio, y criar allí a su pequeña hija. Pero los jóvenes padres nunca encuentran la tranquilidad deseada: el frío, los ruidos, los animales, una tormenta, la aparición de otra persona... cualquier mínimo desajuste sirve para que vuelva toda la carga de incomodidad, de angustia, de miedo, de desconfianza, de tensión y de reproches que hay entre ellos. Del sexo como intento de volver a conectar afectivamente a la agresión y violencia que los vuelve a separar, Belón propone un juego pendular bien trabajado en sus contradicciones junto a los dos sólidos protagonistas. Hay en esta "fuga hacia adelante" algo del cine de Michael Haneke en la exploración bastante perturbadora del fracaso, la frustración burguesa y un gran trabajo de ese virtuoso director de fotografía que es Guillermo "Bill" Nieto. En definitiva, una muy auspiciosa ópera prima.
Una película centrada en las fragilidades de estos tiempos para apelar al debate Película-escándalo desde el preciso instante en que se estrenó en la competencia oficial de la Mostra de Venecia de 2011, esta nueva apuesta del director británico Steve McQueen (quien ya había impactado con su ópera prima Hunger) se propone como una despiadada e implacable exploración de la sexualidad, del consumo, de la descontención y de esa angustia que corroe el alma, síntomas todos que definen a estos tiempos modernos. Audaz y perturbadora, esta suerte de Ultimo tango en París del nuevo siglo está predestinada -por la explicitud, la carnalidad de sus imágenes- al debate cinéfilo y, también, a la discusión apasionada en muchos otros terrenos. Michael Fassbender (ganador de la Copa Volpi al mejor actor en Venecia por este trabajo) interpreta a un ejecutivo irlandés radicado en Nueva York con una incontenible, desesperada compulsión (adicción) al sexo. Mientras seduce a diestra y siniestra en bares y glamorosas fiestas de Manhattan, contrata prostitutas de lujo, consume todo tipo de pornografía en revistas e Internet o corre a los baños de su oficina para masturbarse, es incapaz de establecer mínimos contactos emocionales, ni siquiera con su conflictuada y sensible hermana (una Carey Muligan que se luce además como cantante), quien aparece de forma sorpresiva en su loft, o con una compañera de trabajo con la que intenta sin suerte iniciar una relación afectiva. McQueen -quien además es un consagrado exponente del arte contemporáneo más vanguardista- prescinde de explicaciones psicológicas tranquilizadoras y sabe cómo impactar, fascinar, provocar e irritar al espectador. Su cine, trabajado en muchos pasajes con largos y virtuosos planos-secuencia, es siempre elegante, aprovecha muy bien las locaciones neoyorquinas y nunca deja de fascinar, aunque también resulta por momentos algo frío, distante, calculado y manipulador. Más allá de las aristas discutibles que tiene Shame, en lo cinematográfico, tanto por su despliegue visual como por la imponente interpretación de Fassbender, el saldo es favorable. En lo ideológico o moral, claro, el debate queda abierto a las diversas interpretaciones y sensibilidades de los espectadores. Bienvenido sea, pues, un film que abre tantas posibilidades de análisis en un universo cinematográfico tan cerrado, muchas veces chato y casi siempre previsible. LA CADENA CINEMARK NO EXHIBIRÁ EL FILM Shame, sin reservas se estrena hoy en la Argentina con limitaciones, debido a que la cadena Cinemark no la incluyó en la programación de sus complejos de la Capital Federal y el Gran Buenos Aires. Según la distribuidora del film, el hecho es consecuencia de una resolución de alcance global tomada por la empresa en su sede central de Estados Unidos. "La cadena internacional Cinemark decidió no proyectar en ninguna de sus salas alrededor del mundo la película Shame, sin reservas, debido a las escenas de contenido erótico que el film posee", indica el comunicado divulgado ayer por Diamond Films. La decisión limitó en apenas tres copias el lanzamiento de la película. En vez de las 18 previstas originalmente, circularán 15 copias de Shame, sin reservas, que se exhibe desde hoy sin problemas en el resto de los complejos multipantalla (Hoyts, Showcase, Village) y en las otras cadenas de exhibición cinematográfica de la metrópoli. Ante las consultas de La Nacion, la filial local de Cinemark no hizo ayer ningún comentario. La única declaración oficial de esa compañía a propósito del tema se conoció en diciembre de 2011, cuando Shame, sin reservas se estrenó en Estados Unidos, sin que pudiera verse en las salas de esa cadena, la tercera en magnitud dentro del mercado norteamericano. Allí se dijo que la política de Cinemark es no exhibir títulos con la calificación NC-17, que corresponde allí a "films de contenido adulto que incluyen violencia, sexo, comportamientos aberrantes, consumo de drogas y otros elementos que los padres consideran demasiado fuertes para ser vistos por sus hijos".