Maratón de la muerte Siempre resulta interesante aproximarse a una película argentina que incursiona en el cine de género y, más aún, cuando se basa (se inspira) en hechos reales. La plegaria del vidente, transposición de la novela homónima a cargo de su propio autor, Carlos Balmaceda, reconstruye una serie de asesinatos de prostitutas ocurrida en la Mar del Plata de los años '90 que en principio fueron atribuidos al misterioso "Loco de la ruta" y que tuvo un fuerte eco mediático en aquella época. En la elección de los personajes -El Vasco, un experimentado y torturado detective ya demasiado cansado y algo decadente, de esos que están de vuelta de todo (Gustavo Garzón); y Riveros (Vando Villamil), un veterano periodista experto en casos policiales- hay un intento de trabajar sobre ciertos códigos del film-noir, búsqueda que se amplifica en la fotografía de una Mar del Plata completamente alejada de La Feliz soleada y veraniega: sórdida, lúgubre, opresiva. Lo que no me terminó de convencer de la puesta en escena de Calzada -un director con amplio dominio de la técnica de su oficio- es su tendencia a la acumulación (de datos, de detalles, de vueltas de tuerca, de personajes, de planos...). El realizador opta por un patchwork visual (casi un collage) construido mediante un montaje que por momentos remite a aquellos tempranos videoclips de la MTV. Así, con esa edición taquicárdica, se pierde espesor dramático, se dilapidan climas bien concebidos, se deriva demasiado la atención y en ciertos pasajes se termina abrumando al espectador. Hay, también, ciertas dosis de sadismo (en la línea de las sagas de El juego del miedo y Hostel), con amputaciones y desmembramientos de cuerpos, y una tendencia a la estilización exacerbada, al regodeo esteticista. Calzada (Luisa) se rodeó de buenos intérpretes (en algunos casos, no del todo aprovechados en personajes secundarios sin demasiado desarrollo), como Valentina Bassi (una médica forense), Juan Minujín (un vidente solitario que es acechado por imágenes apocalípticas) y Rodolfo Ranni (un corrupto que parece importado directamente de los policiales ochentistas de Juan Carlos Desanzo). Precisamente, la corrupción política y policial aparece como trasfondo de un thriller que, si bien no resulta del todo redondo y convincente, tiene unos cuantos atributos valiosos que lo convierten en una opción para tener en cuenta. Necesitamos más cine de género en la Argentina...
Orgullosamente cursi Hubo un tiempo en que el sueco Lasse Hallström era un director de prestigio y nivel, con películas de la talla de ¿A quién ama Gilbert Grape? Sin embargo, en las últimas dos décadas se decidió por productos más comerciales y elementales hasta convertirse en un artesano tan eficaz como impersonal. Con Un amor imposible -transposición del best seller de Paul Torday-, ofrece una película digna de un culebrón centroamericano (de los de antes): un triángulo amoroso bastante edulcorado que se sostiene a partir de una propuesta excéntrica, con conflictos casi ridículos, siempre apelando al subrayado y el trazo grueso. Sin ánimo de salir en defensa del film, valoro que jamás trata de esconder su origen, su búsqueda, su tono, su objetivo, su método. Es una película desaforadamente cursi, concientemente grasa, desprejuiciadamente demagógica, obscenamente manipuladora, pero orgullosamente romántica. No hay aquí delirios de grandeza, no hay ánimo de trascendencia, no hay ansias de prestigio. Se sabe lo que este tipo de público quiere y se lo dan en dosis más que generosas. Dos protagonistas confilctuados (traumados) que de a poco se irán conociendo y enamorando (Emily Blunt y Ewan McGregor), un proyecto tan faraónico como absurdo financiado por un jeque musulmán (implementar la pesca del salmón en pleno desierto) y un toque de negrura y cinismo político de la mano de Kristin Scott Thomas, quien se divierte y divierte como la ácida y oportunista jefa de prensa del gobierno, aunque con su chispa y su ironía parece estar trabajando en otra película. El resto... el resto no engaña, pero es pura fórmula.
Una historia violenta Este penúltimo trabajo de Javier Diment (La memoria del muerto, vista en el BAFICI 2012) combina documental y ficción para reconstruir la (pre)historia de los principales lìderes de la Triple A, organismo paraestatal responsable de cientos de muertes (como las de Rodolfo Ortega Peña, Silvio Frondizi y el padre Carlos Mujica) y miles de actos de violencia contra los militantes del campo popular en el perìodo previo al golpe militar de 1976. En tèrminos de investigaciòn -contò con el aporte de gente valiosa como Ricardo Ragendorfer y Nicanor Loreti-, la propuesta es más que sólida e incluye no pocos hallazgos (como el testimonio de la viuda de Eduardo Almirón Sena, uno de los jerarcas de las AAA, todo un exponente de aquella locura y de la insólita capacidad de negación de un ser humano) y una multiplicidad de capas, historias y puntos de vista. No me convenció, en cambio (admito que casi nunca me convencen), las escenas de ficción que intentan transportarnos a aquellos años de violencia desatada. En plan film-noir, Diment muestra las torturas, los asesinatos y las traiciones internas, pero allí no reside el fuerte de la película. Los pasajes de mayor potencia e intensidad se consiguen cuando los protagonistas de aquellos tiempos o los investigadores de este tema (como Marcelo Larraquy) aportan detalles, datos, anécdotas no demasiado conocidas sobre López Rega y su entorno, la burocracia sindical y los ex policías que integraron la Triple A, elementos que nos permiten dimensionar el grado de locura, fanatismo, impunidad y odio que guiaron su accionar. Un film duro, impiiadoso, desgarrador, riguroso y, sí, necesario.
El film de Ridley Scott crea un mundo, un diseño visual y una mitología propia que, en parte, lo aleja de Alien Con ese impactante clásico del terror cósmico que fue Alien, el octavo pasajero (1979) y con la no menos influyente Blade Runner (1982), Ridley Scott se convirtió en uno de los directores más admirados por los fans de la ciencia ficción. Tras aquellos memorables trabajos, su carrera -bastante irregular- se diversificó hacia otros temas y registros hasta que recién ahora, tres décadas más tarde, regresa al género que lo hizo famoso (aunque antes ya había hecho una joya como Los duelistas). La primera incógnita que proponía Prometeo era dilucidar si funcionaba o no como una precuela directa de Alien. Hay -en términos de nombres de planetas, de época en la que transcurre, de características de personajes (algunos, incluso, androides), de conflictos y hasta de diseño visual- múltiples elementos en común, pero lo cierto es que aquí la idea no es simplemente remontarse al origen de aquel film de 1979 sino construir una nueva saga, presentar un universo propio, proponer una mitología que le permita a Scott y al estudio 20th Century Fox iniciar otra serie de películas. Así lo deja planteado, además, un final que seguramente generará más de una polémica. Como en todo intento de crear una nueva "franquicia" en el cine actual, Prometeo abre gran cantidad de interrogantes, de líneas argumentales, de posibles derivaciones que, en muchos casos, quedan abiertas. Esas preguntas sin respuestas pueden generar cierta dosis de insatisfacción en el espectador (sobre todo, el más ansioso). A cambio de esos "puntos suspensivos", Scott regala un embriagador, elegante (por momentos algo suntuoso) despliegue visual que incluye un aprovechamiento notable de las posibilidades de los efectos 3D, que permite sumergirnos en la acción y no sentirnos invadidos por ella. Si la película puede resultar algo ambigua en su planteo y demasiado pretenciosa en sus explicaciones sobre la genética y en sus búsquedas filosóficas y religiosas sobre el origen de la raza humana (aquí, el indudable referente es 2001, odisea del espacio, de Stanley Kubrick), Scott construye varias secuencias de antología, que van desde irrupciones del terror hasta frenéticos momentos, como cuando el personaje de la científica Elizabeth Shaw (Noomi Rapace, la Lisbeth Salander de la saga sueca de Millennium) debe practicarse a toda velocidad una operación (una cesárea) en su propio cuerpo. También es posible que ciertas motivaciones y comportamientos de los personajes (sobre todo del robot David, que interpreta con notables recursos Michael Fassbender) no queden demasiado claros, pero es probable que esa falta de información no provenga de una falla de los guionistas Jon Spaihts y Damon Lindelof sino de una intención consciente de develar ese y otros misterios en los films por venir. En medio de un elenco muy sólido -en el que cada personaje tendrá la oportunidad de exponer sus dudas y sentimientos- se destacan el apuntado Fassbender (su David tiene ciertas similitudes con el androide que hacía Ian Holm en Alien, pero también con los de AI: Inteligencia Artificial y 2001.) y la Elizabeth Shaw de Rapace, que se aleja por completo de la rudeza y la imponencia física de la Ripley de Sigourney Weaver y se convierte con el correr del relato en una heroína de acción sensible, contradictoria y vulnerable, más acorde con estos tiempos.
Documental de impecable factura que asegura el disfrute para los chicos y los grandes Luego de los celebrados documentales La Tierra y Felinos de Africa, el sello Disneynature presenta este acercamiento a un grupo de chimpancés que vive en plena selva de Uganda y Costa de Marfil. La película describe las desventuras de Oscar, un pequeño chimpancé de apenas tres años que queda huérfano y es rechazado por otras madres (la naturaleza también puede ser muy cruel), pero -en una situación que registra pocos antecedentes- termina siendo adoptado por Fred, el poderoso jefe del grupo, que se convierte en su padrastro y maestro para sobrevivir en medio de la exigente y riesgosa jungla africana (el grupo es atacado varias veces por monos vecinos). Las imágenes registradas por el equipo en condiciones muchas veces extremas (durante los créditos finales hay una suerte de making of que expone en toda su dimensión las características épicas del rodaje) son casi siempre fascinantes e incluso conmovedoras, aunque también es cierto que en el efecto que producen hay un importante incentivo por parte de la música y, sobre todo, de una narración en off que resulta un poco excesiva, intrusiva y manipuladora. De todas maneras, estamos ante un documental de impecable factura que regala pasajes de gran belleza (las imágenes nocturnas y las escenas de tormenta, trabajadas a veces con cámara lenta o ultrarrápida, son fascinantes). Para el resto de los 78 minutos, está la simpatía avasallante de estos chimpancés que aseguran el disfrute de grandes y chicos.
El refugio de la masculinidad Esta es la típica película "caza votantes del Oscar" y, también, de no pocos colegas que se llenan la boca hablando de la "notable caracterización" de Glenn Close (por supuesto, nominada este año por la Academia) haciéndose pasar por un hombre. No sé por qué a tanta gente le impacta ver a un hombre vestido de mujer y viceversa ¿Es algo tan arriesgado, tan difícil de hacer para un buen actor o una buena actriz? Para mi gusto, esta película de Rodrigo García (Márquez Jr.), el mismo director de Con solo mirarte, Amor de madres y la serie En terapia, está por momentos bastante cerca del ridículo, del mal gusto e incluso de ser ofensiva (¿qué dirán las militantes lesbianas sobre este guión pergeñado por la propia Glenn Close respecto de su mirada sobre la sexualidad y la masculinidad como refugio?). Pero, más allá de las distintas lecturas que puedan hacerse, El secreto de Albert Nobbs resulta bastante maniquea, manipuladora y por momentos hasta un poco tediosa. Ambientada en la aristocracia de Dublin de fines de siglo XIX, la película narra la historia de Albert Nobbs (una Glenn Close rígida, contenida, casi inexpresiva para exponer la represión del personaje), una mujer que se viste y se comporta como hombre para poder trabajar como sirviente en una mansión liderada por Jonathan Rhys Meyers. Allí, convivirá con gente que la aprecia y que la desprecia, que elogia su eficiencia o que se refiere a ella (a él) como un "freak" apenas da media vuelta y se va. Y habrá también, un/a colega y mentor/a (Janet McTeer) y, claro, un objeto del deseo (Mia Wasikowska). Este film de espíritu trágico y aleccionador me resultó demasiado esquemático, calculado, obvio y cansino (cansador). No pude ingresar ni en la propuesta de la historia ni conmoverme con este personaje que Close ya había interpretado 30 años antes en el teatro y que luchó durante mucho tiempo para poder llevarlo también a la pantalla grande. Logró su objetivo (premios, prestigio), es cierto, pero -al menos en este caso- no mi admiración.
El mundo contra mí Jazmín Stuart (buena actriz) debuta en la dirección en compañía de Juan Pablo Martínez, quien sí tenía ya alguna experiencia previa en el largometraje. El resultado es una película ambiciosa y despareja, pero al mismo tiempo llena de energía, de búsquedas, de riesgo. Estamos frente a una tragicomedia coral con escenas muy logradas y otras bastante fallidas, de situaciones creíbles y otras inverosímiles, con personajes entrañables y otros estereotipados, pero siempre inteligente y, por momentos, fascinante. La (anti)heroína del relato es Carla (un más que digno trabajo de Florencia Otero en su debut protagónico), una chica de 19 años que se ha criado sin padre y con una madre casi ausente (vive en España y está mucho más preocupada de sí misma que de la suerte de su hija). Pero el sorpresivo regreso de ella (Claudia Fontán, algo afecta a la sobreactuación), a causa del secuestro de su ex marido (Arturo Goetz), cambia por completo su universo ya de por sí bastante complicado y dominado por la angustia existencial, la descontención, las contradicciones íntimas y la falta de identidad y autoestima. Su madre es egocéntrica y avasallante a la vez, con una gran capacidad (impunidad) para humillarla y Carla no tiene otra que responder a esa "invasión" con crudeza, cinismo y una tardía rebeldía adolescente. La protagonista se siente atraída por un empleado de su padrastro (Nazareno Casero), pero también por una de sus mejores amigas (la tensión sexual es una de las cuestiones que trabaja el film), mientras que la relación madre-hija sigue crujiendo en cada nuevo encuentro. El guión (basado en la premiada novela Para ella todo suena a Frank Pourcel, del mexicano Guillermo Fadanelli) tiene como trasfondo el secuestro, pero ese caso policial poco aporta a la narración (nadie parece estar demasiado preocupado por la suerte de la víctima). Tampoco funcionan siempre los múltiples flashbacks a la hora de exponer el pasado y los conflictos de los distintos personajes. De todas maneras, más allá de la apuntada irregularidad del film, Desmadre ofrece varias secuencias de inusitada intensidad y verdad en la descripción de los códigos que manejan los jóvenes de hoy a la hora de relacionarse (para bien y para mal). Película de, con y sobre mujeres, Desmadre surge como una más que interesante carta de presentación para Stuart, que supo brillar en pantalla y, ahora, demuestra que tiene igual sensibilidad y talento detrás de cámara.
A los bifes... Había visto La traición en un avión (la escala más baja del consumo cinematográfico) y me había parecido un producto menor, concebido con oficio por Steven Soderbergh al servicio de Gia Carano, popular luchadora de artes marciales mixtas (MMA) y kickboxing en la vida real, que aquí concreta su debut absoluto en cine. Como criticar una película vista en un monitor de ¿10? pulgadas, entre azafatas que cruzan bandejas y paneras delante de tu cabeza o bebés que lloran en el asiento de al lado, es indigno de un análisis "profesional", decidí que La traición se merecía una segunda oportunidad y, claro, en cine. La cosa cambió bastante. No es que ahora me haya parecido la gloria del cine de acción, pero vista como corresponde (calidad de imagen, formato de pantalla, música y sonido tal como el director la concibió) la película resulta un muy noble entretenimiento en plan clase B. Reitero: no será Drive, pero Carano y Soderbergh nos regalan unos cuantos momentos de genuino disfrute. Gina es Mallory Kane, una mercenaria que es contratada (y luego perseguida) por una corporación que se dedica (a veces al servicio del gobierno, a veces al mejor postor) a todo tipo de tareas sucias: secuestros, asesinatos y un largo etcétera. Casi sin descanso, Mallory -en medio de una narración que va y viene en el tiempo- deberá arriesgar su vida por las calles de Barcelona o Dublín (buen uso de las locaciones reales), por los bosques nevados del estado de Nueva York o en la cálida Mallorca, en un típico juego de gato y ratón (a veces será "gata" y en otras "ratoncita"). En este sentido, es cierto, puede verse a La traición como un exponente sub-Bourne. Carano no es un dechado de expresividad, pero es bastante bonita, tiene su "presencia" en cámara y, a la hora de demostrar sus cualidades para la lucha cuerpo a cuerpo, se luce (y Soderbergh sabe cómo hacerla lucir). El director de Traffic y La gran estafa apela a su marca de fábrica: planos-secuencia y encuadres virtuosos conseguidos con cámaras digitales que le dan a la película esa veta documentalista, urgente, espontánea, que a él tanto le gusta. En otros momentos, en cambio, apela a la combinación de escenas de acción y música como una suerte de videoclips, de coreografías que permiten acercarse al arte de Carano ya no desde los visceral sino como una experiencia contemplativa de cómo un director puede filmar a su heroína dejando en ridículo a sus contrincantes. En un mundo de hombres (en distintos papeles secundarios desfilan Michael Fassbender, Ewan McGregor, Antonio Banderas, Michael Douglas, Bill Paxton y Channing Tatum) surge, sobrevive y se impone una mujer. El poder es masculino, nos dice y nos muestra Soderbergh, pero a la hora de los bifes -literalmente- siempre nos quedará Gia. Larga vida a la reina (de las trompadas).
Gol en contra Hasta ahora, estaba convencido de que una comedia con Diego Peretti no podía ser del todo mala. Es que con su timing para el diálogo y para el humor físico, el actor de No sos vos, soy yo, Tiempo de valientes, ¿Quién dice que es fácil? y Música en espera lograba elevar el nivel de cualquier película, por limitada que la misma pudiera ser. Con Fuera de juego se cortó la racha: el film es muy flojo y ni siquiera Peretti está bien. Como para justificar la coproducción, la película arranca en Buenos Aires (donde hay algo más que un cameo de Ricardo Darín y un bolo de Martín Palermo) y luego transcurre casi íntegramente en España. No tiene sentido ser muy detallista con la sinopsis, pero lo concreto es que Diego (Peretti), un médico solitario que odia el futbol, terminará en la Madre Patria tratando de negociar el pase al mismísimo Real Madrid de un joven y talentoso jugador (un inexpresivo Ricardo “Chino” Darín) junto a Javi (Fernando Tejero), un típico chanta/oportunista que también se arroga el derecho de representar al muchacho. Además de enredos y vueltas de tuerca ligadas a un negocio futbolero plagado de buitres y mafiosos (todo presentado de manera muy torpe, obvia y previsible, por cierto), hay unas subtramas románticas que resultan todavía peores. Los personajes femeninos (ay... Carolina Peleritti) son simples rellenos para una historia sustentada en lugares comunes y estereotipos varios. Más allá del esfuerzo de producción (recrear el universo de la Liga de España), a nivel de narración, de fluidez y de dirección de actores lo del realizador David Marqués es poco menos que indignante (el guión tampoco lo ayudó mucho). Con esta película Warner Bros. vuelve a distribuir cine argentino en la Argentina. Es una buena noticia y el lector habrá notado que el despliegue de marketing para el lanzamiento ha sido muy amplio. No sé cómo le irá comercialmente al film (no es el ámbito de una crítica el ideal para un análisis económico), pero seguramente WB encontrará en el futuro productos más nobles para trabajar. Este es un verdadero gol en contra.
En 2005, los vimos escapándose del zoológico del Central Park de Manhattan. Tres años más tarde, las aventuras fueron en plena jungla africana. Ahora, en esta tercera entrega de la exitosa saga animada, es tiempo de que el león Alex (Ben Stiller), la cebra Marty (Chris Rock), la jirafa Melman (David Schwimmer) y la hipopótamo Gloria (Jada Pinkett Smith) -acompañados como siempre por pingüinos, lémures y otros simpáticos animales- pisen tierra europea. El marketing y la diversidad geográfica así lo exigen. La larga, vistosa y adrenalínica secuencia inicial no deja dudas respecto de lo que propondrá el film en sus 93 minutos: los protagonistas desembarcan en la distinguida Costa Azul y a los pocos segundos generan un enorme caos en el mismísimo Casino de Mónaco y en las calles de Montecarlo, esta vez perseguidos por la despiadada policía Chantel DuBois (Frances McDormand). Lo que sigue es un recorrido a puro vértigo por distintas ciudades de Europa (Roma y Londres incluidas) con nuestros antihéroes sumados a una compañía de circo ambulante. En este terreno, las escenas sobre la pista regalan un virtuoso despliegue de corte surrealista de movimientos, formas y colores que se ubica entre lo mejor de la propuesta. En esta saga -así como el resto de las apuestas de la productora DreamWorks- el eje está puesto en el ritmo (de la acción, de la música), en el gag verbal (gana mucho ver la versión original subtitulada para apreciar el talento de las estrellas que prestan sus voces) y en la belleza indiscutible, en la perfección de su animación. No hay aquí demasiado tiempo y espacio para la contemplación, la sensibilidad, la audacia y el lirismo de esa rara avis que es el estudio Pixar. Sin embargo, con su fórmula y con sus recursos (que no son pocos), este tercer episodio de Madagascar logra lo que busca y, seguramente, satisfará las exigencias de sus millones de fans.