La venganza será femenina Daniel Alvaredo (Paternóster, El peor día de mi vida, La señora Haidi) vuelve a trabajar desde el género con Sentadas en el umbral (2020), una película que tiene todos los condimentos para ser una historia de conspiración pero, afortunadamente, se presenta como una comedia de enredos. Una triangulación de dinero a empresas offshore se complica y unos misteriosos personajes que responden “al negro” (al que nunca vemos) solicitan la ayuda de un abogado sin escrúpulos. Este hombre mete en el plan a dos jóvenes abogadas (Victoria Césperes y Soledad García) a quienes utiliza de chivo expiatorio. Todo va viento en popa hasta que las chicas sospechan del plan y deciden tomar cartas en el asunto. Historia de traiciones, estafas y negociados ilegales, la película cuenta con todos los elementos de un policial negro, con personajes de dudosa moral y la corrupción que sobrevuela la trama, pero -por suerte- no lo es, porque elige contar sus vueltas de tuerca a plena luz del día con un tono cómico. La tragedia se convierte en farsa y se aliviana el drama en una entretenida comedia de enredos. La ocurrencia está en el guion con sus vueltas de tuerca, la música de Pablo Sala ayuda a remarcar el tono del relato, y su corta duración (otra buena decisión), dan a la historia el cierre preciso, justo cuando sus giros empezaban a sentirse forzados. Otro punto a favor son las buenas actuaciones que proporcionan un buen timming para la comedia, y hacen pasar por alto algunas escenas resueltas de manera cursi (sobre todo las de hotel). Daniel Alvaredo, de filmografía irregular, hace en compañía de Mónica Roza una película correcta, con el plus de destacar la figura femenina en un mundo netamente masculino, en línea con los tiempos actuales.
Construcción y destrucción La ópera prima de Eduardo Gómez desarrolla con una estética expresionista la problemática de la explotación de la tierra por parte del hombre en Villa El Chocón, entre Río Negro y Neuquén, en Argentina, y en Orcoma, en la provincia de Capinota, Cochabamba, Bolivia. A través de varios personajes vemos la historia de la apropiación del espacio, y con ella, la pérdida de la memoria colectiva mediante la destrucción de los restos fósiles existentes en el lugar. Por una lado, Juan Cuevas cuenta sus experiencias como obrero en la extracción de piedras y en la construcción de edificios en la ciudad. Por otra parte, los pueblos originarios cuyos cementerios fueron sepultados por el negocio inmobiliario de Barrios Privados, hablan de siglos de despojos. A su vez, un investigador de CONICET reflexiona sobre el tema mientras, por otra parte, un paleontólogo encuentra pequeños fósiles de animales que existieron junto a los dinosaurios. La conquista de las ruinas (2020) está filmada en un estético blanco y negro y con una composición visual precisa, que da textura y expresividad a los territorios. De este modo, junto con el trabajo del enrarecido sonido, la película le otorga personalidad a los espacios, convirtiendo a los humanos en meros personajes secundarios. El trabajo sobre el ambiente excede a esta coproducción entre Bolivia y Argentina, los despojados y damnificados por la extradición fueron retratados en varios documentales. De igual modo sucede con el (mal)cuidado del medio ambiente, el otro gran problema de nuestro tiempo. Pero el trabajo de Eduardo Gómez tiene la capacidad de recuperar todos esos temas y atravesarlos por la destrucción de las ruinas que, como el paleontólogo menciona, son indicios sobre nuestro pasado que la tierra nos entrega.
La película excusada Con la frase “en el cine no hay excusas, el cine es la excusa” abre Ecosistemas de la Costanera Sur (2020), el documental de Matías Szulanski (Astrogauchos, En peligro) que se vio transformado por la pandemia mundial. Quizás se trate de la primera película en estrenarse en estas condiciones, cuya producción se vio atravesada por el Coronavirus. Lo interesante aquí es que lejos de desestimar su proyecto sobre la Costanera Sur, que iba a tener un humor irónico (al estilo Néstor Frenkel, quien oficia de productor), Szulanski convierte el film en otra cosa sin perder la esencia inicial. Ecosistemas de la Costanera Sur habla del pasado y presente del simbólico espacio al aire libre de la Ciudad de Buenos Aires, así comienza con Fabián Arenillas dando información útil -y de la otra- a la cámara mientras come un choripán en uno de los legendarios carritos del lugar. Era el inicio de la película que no pudo ser, según narra en off el mismo Szulanski mientras explica su decisión de que el cine, aborde la Costanera Sur. No es el cine en términos de retrato cinematográfico de la Costanera Sur, sino el cine en cuanto concepto y materialidad. Las maneras de registrar la Costanera que distinguen los capítulos en cine contemplativo, cine experimental, cine casero, cine de género de terror (en donde se explaya en la filmación fallida de un corto sobre el ser mitológico "reservito" habitante de la Reserva Ecológica), cada uno con su didáctica definición y razón de ser. Por otro lado la imagen y sonido que varía de súper 8 a digital y otros formatos que tiñen de diferentes texturas al material. También como buen documental contemporáneo la película hace foco en el proceso de construcción más que en el resultado final. Los obstáculos presentados forman parte del producto final pero, como dice la cita inicial, no para salvaguardar defectos sino para fundamentar su virtuosa fisonomía. La película no deja por esto de tener un buen sentido del humor, información sobre el lugar retratado y registros variopintos de personajes, mitos y paisajes de la Costanera Sur. Se puede ver en la TV y la web de CINEAR.
Un zorro enjaulado Francisco D´Eufemia viene de dirigir Fuga de la Patagonia (2016) junto a Javier Zevallos, una película atravesada por un género al que podemos denominar “thriller rural”, en el que la naturaleza es un personaje central de la historia y la razón de ser de los personajes que la habitan. Con esta misma lógica se embarca en soledad en la dirección de Al Acecho (2020), película que sucede en el Parque Pereyra Iraola, un entorno selvático geográficamente ubicado en el medio de un centro urbano como es la Ciudad de La Plata. Al lugar llega de manera transitoria el guardaparques que interpreta Rodrigo de la Serna, luego de un confuso episodio policial que vimos en el inicio de la película. Desconocemos los motivos y el pasado del personaje, pero su accionar ambiguo reina en la trama cuando descubre en los recónditos del Parque Nacional a un grupo de personas que trafican animales salvajes de manera clandestina. Al intentar detenerlos no sabemos si el protagonista busca redimirse (por el hecho del inicio), o apropiarse del negocio ilegal. En ese dilema ético moral deambula la trama que presenta el espacio natural como un entorno laberíntico en sintonía con el presente del protagonista, propicio a caer en su propia trampa. El clima de film noir con personajes que no son lo que parecen, la claustrofobia que genera el lugar y el misterio constante, reafirman las ideas planteadas por esta historia co-escrita por el director y Fernando Krapp. Belen Blanco, Walter Jakob y Facundo Aquino completan el reparto de este film que se estrena en CINE.AR por la pandemia.
El desencanto Ezequiel Tronconi y Juan Sasiaín intercambian roles en El encanto (2020), drama romántico protagonizado y dirigido a dos manos por el actor de Astrogauchos (2019) y el director de Choele (2013), quién también interpreta al amigo del personaje principal. Se trata de la clásica historia de la pareja perfecta -porque se aman, porque su relación está consolidada- que entra en crisis al querer ella tener un hijo y él no. Lo que sigue es una sucesión de lugares comunes cargada de clichés propios de este tipo de relatos. Bruno (Ezequiel Tronconi) y Juliana (excelente Mónica Antonópulos, lo mejor de la película) mantienen una pareja estable. Ella es famosa y él tiene una tienda de vinos con una joven y bella empleada (Yamila Saud). Ella quiere ser madre y él no se anima a la paternidad. La crisis de la pareja no tarda en llegar. Como es habitual en este tipo de películas, Bruno empieza el derrotero existencial abrazándose a comportamientos inmaduros: tiene un affaire con su empleada, asiste a fiestas adolescentes con su amigo, se reencuentra con su rol de hijo al dialogar con su canchero padre (Boy Olmi), vuelve a tocar la guitarra y escucha a la madre de su joven empleada (Andrea Frigerio) despotricar contra la maternidad. El problema de El encanto no reside en caminar por territorio conocido, podría hacerlo de manera fluida y funcional a través de una propuesta simpática y sin pretensiones. Pero el film elige exacerbar los momentos cargados de sentimentalismos, transitando por previsibles escenas dramáticas que paradójicamente, cuanto más profundas se suponen, más superficiales se presentan. Un ejemplo de esto son los elementos cursis (el oso de peluche, la cajita musical), utilizados para subrayar emociones. Una película con buenas intenciones en el abordaje de un tema universal como lo es la paternidad, y los miedos e inseguridades que trae consigo, que no consigue distanciarse de la larga lista de películas con temática similar.
Cantar las penas Lina de Lima (2019) es una extraña, onírica y emotiva película sobre una migrante peruana en tierras chilenas que trabaja de ama de llaves. La película sigue a Lina (Magaly Solier, La teta asustada), una mujer desarraigada de su Perú natal. La navidad se acerca y planea visitar a su hijo adolescente que ahora se lleva muy bien con la nueva familia de su ex esposo. Mientras tanto, ella busca su espacio en el mundo, entre la casa “a estrenar” de la familia que la contrató y su pieza de pensión subalquilada a un haitiano. Lina de Lima tiene un registro realista, casi documental, de la vida diaria de la protagonista. La cámara la sigue de cerca con escasa información que el espectador debe dilucidar. Sin embargo, lejos del drama social la directora María Paz González añade oportunos segmentos musicales, como si se tratara de los sueños y anhelos que la protagonista no se atreve a expresar con palabras, puestos en coloridos números musicales. Este rasgo diferencia a Lina de Lima de otros tantos relatos con personajes que acarrean problemas económicos y emocionales, dándole un tinte alegre y hasta humorístico en contraste con la gris realidad. Estos sketch musicales utilizan música popular peruana de diferentes estilos cada uno (imperdible la banda sonora), y las paletas de colores, iluminación y vestimenta varía de cuadro a cuadro. Pero la película trasciende sus propias barreras, e invita reflexionar sobre el lugar de los migrantes de clases bajas, que deambulan por las ciudades de sitio en sitio, sin importar su nacionalidad como si se tratara de una única etnia. El migrante se configura como un marginal más dentro de una sociedad que expulsa al diferente y al pobre. El gran logro del film es trasmitir sus temas sociales mediante un discurso colorido y alegre -sin por eso menos reflexivo- acerca de la capacidad de buscar la felicidad de una mujer, condenada a subsistir.
El proyecto de Baltazar Tokman pasará a la historia por ser la primera ficción nacional filmada en cuarentena. Murciélagos (2020) que se puede ver por la plataforma de Amnistía internacional con fines solidarios, cuenta ocho historias en confinamiento, con una esperanzadora apuesta para sobrellevar la situación social. Virginia Martínez estuvo a cargo del guión (salvo en la historia de Paula Hernández) y el arco de directores incluyó a Hernán Guerschuny, Paula Hernández, Daniel Rosenfeld, Tamae Garateguy, Diego Fried, Martin Neuburger, Connie Martín, Azul Lombardía y Baltazar Tokman. Por su parte Oscar Martínez, Peto Menahem, Julieta Vallina, Luis Ziembrowski y su hija Clara, Carlos Belloso, Moro Anghileri, Juan Pablo Geretto, Marcelo D'Andrea, Maida Andrenacci, Héctor Díaz y Azul Lombardía integran el elenco de la película. ¿Pero de qué va Murciélagos? Distintas historias conectadas por imágenes de murciélagos dentro de casas que intentan ser expulsados por sus propietarios. Muchos de ellos se comportan igual que los pequeños roedores, entre el miedo y la indiferencia se comportan dentro de los hogares. Cada relato de una u otra forma reflejan situaciones que exceden a la cuarentena, e incluso, la anteceden. Homofobia, individualismo, incomunicación, aburrimiento, obsesiones, son algunos de los motores de las historias. Baltazar Tokman demuestra su ingenio creativo en la edición, entrelazando las diferentes historias que van desde la comedia romántica al drama familiar, pasando por el terror y el costumbrismo, con total fluidez narrativa, sin notar el cambio de tono y registro de manera abrupta en ningún momento. Además se permite experimentar con la mezcla de formatos (grabados con celulares) e insertar tomas con drones o imágenes de murciélagos que generan el sentido final de este film, todo en una breve hora de duración.
La dificultad de ser José Celestino Campusano viene describiendo y narrando distintas aristas de los contextos marginales. Su cine llega a esos terrenos que otras cinematografías no llegan y desde ahí representa realidades que se escapan a la pantalla nacional. Lo hace con una visión política ideológica muy particular desde su productora CineBruto que se ha instalado en el medio como un golpe a la mandíbula de problemáticas históricamente invisibilizadas. En esa dinámica representó la homosexualidad en el campo (Hombres de piel dura), la hipocresía de las clases altas (Placer y Martirio), la trata de personas en la cotidianidad del segundo cordón del conurbano (Fantasmas de la ruta), el abuso dentro de familias bolivianas (El silencio a gritos), la lucha de la asistencia social en un barrio marginal de Bariloche (El azote), etc, etc, etc. Con Bajo mi piel morena (2019) le llega el turno a la problemática social que viven las chicas trans. La película cuenta la historia de Morena (Morena Yfrán), una chica trans que trabaja en una fábrica de operaria, rodeada de compañeros hombres. De su amiga Claudia, docente de una escuela pública, de su prima Myriam, prostituta con clientes policías. Las tres son chicas trans y sufren el estigma de la sociedad que las discrimina y rechaza por su condición. Si bien cae en varios lugares comunes sobre todo en los diálogos, el film tiene la capacidad de ir con los tapones de punta en cuanto denuncia social de conflictos experimentados por sus protagonistas. Bajo mi piel morena no anda con rodeos para tratar el tema, va directo al grano. La discriminación explicita (un compañero de la fábrica que se violenta verbalmente contra Morena) o la implícita (sus compañeras mujeres que le ponen llave al baño para que no pueda entrar) son representadas con la misma intensidad. Lo mismo le sucede a Claudia en la escuela, de manera explícita una madre la insulta por su condición y de manera implícita la directora trata de disuadirla para que no tome el puesto de maestra. O a Myriam, mientras sus proxenetas la humillan verbalmente, su padre la trata con afecto pero la llama “Luisito”. Otra vertiente es desarrollada por la amiga de Morena. Una mujer heterosexual en pareja con un hombre casado. Ella hace alarde de su independencia femenina y el control sobre su vida que no termina siendo tal. Esta mirada denuncia la hipocresía de lo héteronormativo que se muestra abierto en cuanto al discurso pero sus pensamientos y sentimientos siguen siendo conservadores. Acá no solo hay como en la chilena Una mujer fantástica (2017) una mujer intentando resistir a la marginación de la sociedad, también hay contextos con problemas económicos graves que condicionan a la aceptación del otro, por ser diferente y por no tener herramientas para poder sobrellevar la injusticia social que la propia acción de sus cuerpos. Si la protagonista de la película de Sebastián Lelio lucha para sentirse libre, las de Campusano luchan por eso pero también por su condición de clase. Mucho mejor lograda técnicamente en cuanto a movimientos de cámara y composición de planos, el film como otros de Campusano invita a relacionar los conflictos amorosos de las protagonistas con melodramas costumbristas, mientras presenta valentía y frontalidad a la hora de encarar con intenciones de denuncia, temáticas sociales sin precedentes en el cine.
La vanguardia es así Resulta interesante la curaduría de la sala virtual de la Asociación de Directores de Cine PCI www.puentesdecine.com al darle espacio a films marginales por su temática, por su duración, por sus cualidades formales, que en el streaming encuentran su público específico con mayor facilidad. Retrato incompleto de la canción infinita (2020) es el rockumental sobre Daniel Melero, músico y compositor argentino tan reconocido en el ambiente como desconocido entre el público. Melero trajo la electrónica -o música tecno- a la Argentina y la fusionó con el rock nacional. Pero lejos de encasillarse en un estilo musical, su trayectoria se destaca por estar siempre a la vanguardia. El músico participó de la producción de los principales discos del rock argentino (entre las bandas se encuentran Los redondos y Soda Stereo para entender la magnitud de su trabajo) y es dueño de una capacidad reflexiva increíble sobre su propia obra. Cada frase es un titular periodístico. El documental de Roly Rauwolf sigue la línea vanguardista del músico. Intercala imágenes en VHS de grabaciones y conciertos, con superposiciones sonoras que nos acercan a la búsqueda musical de Melero, sin dejar por eso de rendirle un cálido homenaje. Sus inicios con su banda Los encargados, sus colaboraciones musicales, su exploración con el sonido “me gusta más que la música” como el mismo Melero afirma en un momento, pero sobre todo, una declaración detrás de otra de su particular manera de ver y sentir el rock nacional.
Testigo y protagonista Son tres las maneras de sumergirse en el film Algo con una mujer (2020): desde la adaptación de una obra de teatro, desde la estructura de un policial o desde la detallista riqueza visual de un film de época. Estás tres “dimensiones” funcionan en conjunto en la película de Mariano Turek y Luján Loioco (La niña de tacones amarillos) para imponer una mirada de reivindicación femenina en la Argentina de 1955. Algo con una mujer (2020) La historia de Rosa (María Soldi), una costurera afín al peronismo que vive en la Argentina pos derrocamiento del General Perón, está basada en la obra La Rosa de Julio César Beltzer. Los tres actos se notan claramente con una primera parte decididamente descriptiva sobre la época, con fachadas de casas y edificios sin faltar los autos antiguos, pero sobre todo con un detalle exhaustivo sobre el clima enrarecido del momento, similar a una guerra fría entre los que tomaron el poder por la fuerza y los peronistas que pasaron a la clandestinidad. El terror es latente y la amenaza de peligro se percibe en el aire. El film es contado desde los ojos de Rosa, una mujer subestimada por su género que desconoce los pormenores políticos del momento y nadie, ni siquiera su marido (Manuel Vignau), le dice ni explica nada. Pero una noche, al modo de La ventana indiscreta (Rear Window, 1954), otra referencia a la época, ve desde su casa a su vecino (Abel Ayala) asesinar a alguien. Ese crimen la inquieta y empieza a investigar las causas. En ese momento aparecen los elementos del cine policial en el relato, marcando la segunda parte de la historia. El último acto es el mas teatral, con la cámara en un plano abierto dejando que los actores hagan todo el arco dramático en una sola toma en la que brilla María Soldi, al pasar de la alegría a la catarsis en una misma secuencia. Rosa se convierte en sujeto modificador de los hechos, tomando las riendas de su vida. El nivel de tensión es magnífico y cierra la idea acerca del rol femenino en tiempos netamente patriarcales. Algo con una mujer es una película que encandila desde su concepción visual, incluso en los momentos en que la narración parece ceder ante la descripción (con detalles de copas, vestidos, peinados y hasta modismos en los comportamientos) la imagen atrapa por su estilismo formal. De esta manera buceamos en la Argentina de 1955 desde la mirada de una mujer decidida a dejar de pedir permiso para poder ser.