A bailar la cumbia Algunos documentales eligen priorizar la información a la hora de fundamentar su existencia, otros tienen su fuerte en la descripción, mientras que un tercer grupo como en el caso de Cumbia que te vas de ronda (2020) encuentra en el ritmo su razón de ser. En este caso en particular, el ritmo de la cumbia. Pablo Ignacio Coronel indaga en los orígenes de la cumbia, comenzando en Europa, más precisamente en Portugal, donde vive. La pregunta antropológica invita a cruzar el océano Atlántico y recorrer Latinoamérica para luego, cruzar el Pacifico en un introspectivo recorrido por Asia, tratando de bucear en los ritmos de la cultura ancestral para finalmente, llegar a países (Vietnam, Camboya, Filipinas) donde nunca se escuchó la festiva melodía. Lo hace con su equipo de rodaje que también, es un grupo de cumbia. Las imágenes viajan junto a los sonidos, en una interesante experiencia de intercambio cultural. El viaje, la cultura popular y el ritmo bailable se imponen en este documental que invita a disfrutar las canciones y celebrar el encuentro (de culturas, de nacionalidades, de experiencias musicales). La premisa inicial de la película “¿qué es la cumbia?” se va modificando al igual que las melodías ni bien se fusionan con las costumbres y música de cada región. Esa transformación la evidencia la película en su recorrido geográfico, que también da cuenta del movimiento, ya sea de la danza como del viaje que traza puentes. Cumbia que te vas de ronda tenía una tarea difícil que no era definir conceptualmente el ritmo carnavalesco de la cumbia, sino contagiar el encanto e inspirar el baile. Hecho que logra con creces, lo vemos en cada grupo humano que mueve sus pies y caderas al son de la música, sea del lugar del mundo que sea, interpelando incluso al propio espectador que, paradoja mediante, no podrá disfrutar de esta película sentado, por más cómodas que sean las condiciones de su hogar.
Mujeres de la historia Mujeres no reconocidas en la historia hay muchas, y aún más si nos remontamos a tiempos lejanos y a relatos de hazañas siempre protagonizadas por el género masculino. La isla de las mentiras (2020), que se puede ver en CINEAR, desentierra un hecho oculto en la historia oficial: El hundimiento de un barco apodado el Titanic español, y el acto heroico de tres mujeres isleñas para rescatar a cuantos pudieron. La película española en coproducción con Argentina, se traslada a las costas de isla Sálvora en los años veinte. Horas antes del acontecimiento presenciamos los hechos ficcionados que anticiparon la tragedia de la madrugada del 2 de enero de 1921, el inmenso Santa Isabel, con 260 emigrantes naufragó. Tres mujeres lugareñas a cargo de tareas rurales, María (Nerea Barrros), Josefa (Victoria Teijeiro) y Cipriana (Ana Oca), se suben a una pequeña embarcación y logran salvar a 48 personas. La historia no termina ahí, un periodista argentino, León (Dario Grandinetti), acude a Sálvora para cubrir la noticia para el diario Crítica del buque que se dirigía a la Argentina. En una suerte de investigación policial va recogiendo pistas para desentrañar el misterio que evita otorgarle el indiscutible mote de heroínas a las isleñas. La isla de las mentiras es una impecable producción desde lo técnico, con una cuidada recreación de época y una fotografía que confronta los bellos paisajes marítimos con las oscuras relaciones ocurridas entre los personajes. El film de Paula Cons hace hincapié en un tiempo y lugar dominado por los hombres, en el que las mujeres marginales como las protagonistas, recibían todo tipo de maltratos e injusticias. La película se cuestiona los motivos mientras le rinde homenaje esperando devolverle el lugar que merecen en los libros de historia.
Feos, sucios y buenos Con la frase “Está película no discrimina, ofende a todos por igual” se abre el paraguas del tipo de film que estamos a punto de ver. Esta coproducción chilena-Argentina es una animación para adultos insolente y gratamente subversiva, al estilo de Rick and Morty, Ren & Stimpy, South Park o las que realiza Ayar Blasco, por poner un ejemplo del hemisferio sur. La historia se presenta como una crítica mordaz al capitalismo, o mejor dicho, a todos y a cada uno de sus seres: millonarios, clase media, pobres y los homeless del título. No se salva nadie de la parodia satírica y tampoco, ante la ausencia del dinero virtual, del caos mundial. Los homeless -un lisiado, un artista, un idealista de izquierda y un niño ex rico que perdió su fortuna-, serán los encargados de detener a Waldo Alegría (que no es otro que Walt Disney) y su ejército de ratones del parque de diversiones Felicilandia para restablecer, paradoja mediante, el sistema. Muchas ideas son llevadas al externo con un humor anárquico -por momentos repulsivo- que busca y logra incomodar (de ahí la aclaración inicial) tanto como entretener. El niño rico apodado “queso” es el primero que cuestiona la noción de felicidad impuesta por su millonaria familia y luego por Waldo, el villano descongelado de la historia. Pero la sátira no está solo en ellos sino también en los políticos (hay una reunión en la ONU con Trump y Merkel), los hippies a quienes llaman “fumetas” y demás. Un mundo donde la ausencia de dinero rompe las jerarquías sociales y eso, desencadena el caos. Es interesante algunas concepciones que el film dirigido de manera tripartita por Santiago O'Ryan, José Ignacio Navarro, Jorge Campusano hace, acerca del dinero o sobre el sistema. En los roles asumidos -y por ende parodiados- está el quid de la cuestión. La película no se posiciona de un lado u otro de la grieta del sistema sino en la grieta misma. Una película desbocada, delirante y excesiva por momentos que, claramente, no es para todo el mundo. Aunque el capitalismo tampoco lo sea. Se puede ver en CINEAR.
Un pasado oscuro Una chica desaparecida, un comisario (Claudio Rissi) extrañamente amigable, una ex novia fantasmal, y un negocio con una casa semi abandonada, son los enigmas que el film de Nicolás Herzog (Orquesta Roja) irá develando a lo largo de la trama del ex policía caído en desgracia que interpreta Lautaro Delgado Tymruk. La sombra del gallo (2020) estructura la historia con la fisonomía de un policial negro. Otra vez un pueblo del interior es un espacio asfixiante donde la corrupción reina y la frontera entre el bien y el mal son difusas. En ese contexto el protagonista acaba de salir en libertad condicional y deambula por el pueblo perturbado. Los fantasmas del pasado se harán presente literal y metafóricamente para un personaje que tiene todas las fichas para convertirse en el héroe menos pensado. Con tales condimentos argumentales, y una banda sonora elocuente, la película coquetea también con el western. El hombre que llega del más allá para salvar -y salvarse en este caso- a un grupo de personas con ansias de ser liberadas del oscurantismo que gobierna el pueblo, articulan una trama de redención personal. Pero de la misma forma que la multiplicidad de símbolos y registros hacen intrigante al relato, también le juegan en contra en una película confusa por momentos, que insinúa muchos temas de coyuntura (la corrupción, la violencia hacia la mujer), y tal vez, no llega a desarrollarlos todos con éxito. Sin embargo es una propuesta que se vale por el riesgo asumido y la fortaleza actoral de su reparto. Un dato a favor son los pasajes surrealistas que describen la perversidad latente en el pueblo, como una violencia implícita que se despliega por las personas y los paisajes. Esa re lectura del interior del país realizada por el cine nacional en los últimos años ayuda a pensar en los abusos de poder desde otra óptica. Una idea a la que La sombra del gallo adscribe con firmeza.
Robame una sonrisa La grata sorpresa que entrega El robo del siglo (2019) no está asociada a contar los pormenores del asalto a la sucursal del Banco Río con un plan maestro, sino al hacerlo con humor. La película es una comedia de aventuras a partir del caso, disfrutable de principio a fin. Detrás de cámaras está Ariel Winograd, un tipo que no es considerado un autor cinematográfico al estilo Cahier du cinema, sino un director de oficio, de esos que agarran cualquier historia y le aportan el tono y ritmo que el género requiere. Winograd conoce los códigos y sabe cómo pasar con estilo y gracia de uno a otro (suspenso a comedia en este caso) al modo americano. No por nada ha dirigido los últimos éxitos del cine nacional. Antes de narrar el atraco a la sucursal Acassuso del Banco Río realizado el 13 de enero de 2006, está película cuenta la historia de sus personajes: la de Fernando Araujo (Diego Peretti), el ideólogo del robo, un tipo en estado canábico permanente con dilemas existenciales; y la de Mario Vitette Sellanes "El uruguayo" (Guillermo Francella), el ladrón profesional que maneja los hilos dentro del Banco. Completan el equipo Alberto de la Torre "Beto" (Rafael Ferro), un adicto al sexo, "El marciano" (Pablo Rago), el tornero que abre las cajas de seguridad, el "Doc" (Mariano Argento), un delincuente devoto del catolicismo, y el "Gaita" (Juan Alari), el conductor del camión. Como buen cine clásico, conocer a los personajes es entrar en la historia con ellos e interesarnos por sus destinos. El género de robo de bancos (preparación del plan, atracó y huida) funciona como estructura narrativa en una película cuyo mayor valor es aportar la dosis de humor necesaria para hacer amigable y placentera la anécdota policial. El robo del siglo es una película redonda, de esas que no dejan tiempo para la distracción e invitan a pasar un agradable momento de esparcimiento a partir de hechos reales para hacer, lo que se dice, un eficaz producto cinematográfico.
Mi amigo el Führer Jojo Rabbit (2019), la nueva película del director de la divertida e incorrecta Casa vampiro (What we do in the shadows, 2014), es un relato de iniciación. Claro qué decir esto implica simplificar el argumento y la propuesta de la película de Taika Waititi, que trata sobre un niño que tiene de amigo invisible nada más ni nada menos que a Adolf Hitler. La historia está basada en el libro Caging Skies (El cielo enjaulado, 2004) de Christine Leunens y cuenta la historia de un chico alemán de diez años (Roman Griffin Davis) fanatizado con el nazismo. Tal es así que su amigo invisible y alter ego es el mismísimo Führer (Taika Waititi). Junto con otros niños entra en un campo de entrenamiento nazi comandado por el Capitán Klenzendorf (Sam Rockwell) para formarse en la milicia de la juventud hitleriana, pero por accidente recibe el impacto de una granada y debe pasar más tiempo en su casa. En ella descubre que su madre (Scarlett Johansson) tiene escondida a una chica judía (Thomasin McKenzie). Waititi utiliza un tono burlón para referirse al fanatismo que despierta el nazismo en medio de un pueblo iconico alemán durante la Segunda Guerra. Ya desde los créditos la versión en alemán de I Want to Hold Your Hand de The Beatles musicaliza las reconocidas imágenes de ciudadanos alabando a su líder bajo el saludo emblemático. Pero la película trata de la idealización del niño con la figura de Hitler y todo lo que representa. Por eso van al campo de entrenamiento militar “para aprender a ser hombres” y la realidad le estalla literalmente en su cuerpo. El dolor y la crueldad se presentan desde el primer minuto para el protagonista. Ese recorrido hacia la maduración implica la dolorosa pérdida de la inocencia y con ella, de la mirada ingenua de la realidad. Para el film es quitar el velo de fascinación que produce la Alemania nazi y descubrir su siniestra y terrible verdad. El argumento traza el camino para que el protagonista haga ese aprendizaje. La barbarie nazi es tamizada (nunca enmascarada) por el humor subversivo del director, que también interpreta con histrionismo a Hitler, en cada escena de drama o suspenso. El humor aliviana la tragedia sin ocultarla, incluso, con el mismo mecanismo que la nueva comedia americana, introduce la incorrección política necesaria para hacer posible la representación. En otras palabras, es necesario el humor para presentar tales cruentos hechos desde la mirada de un niño. Jojo Rabbit sigue la estructura del relato de iniciación también al presentar la figura femenina, aquella que reemplaza no solo a la madre sino también al padre. Pero para no entrar en cuestiones psicológicas freudianas, diremos simplemente que la película utiliza detalles sutiles para establecer los pasos del chico hacia la adultez. Entre esos elementos utilizados de manera simbólica por el relato aparece el baile, como signo de libertad en el que la película enfatiza. El baile es la liberación (del espacio que habita, de su rol de súbdito) por la cual se celebra la vida y se rehuye del horror. Jojo Rabbit también habla de la necesidad de la narración, siempre presente en la vida diaria. Entiéndase la ficción como recurso saludable para sobrellevar la tragedia de la guerra o del holocausto, implícitos sin nombrarse en el film. Taika Waititi lo sabe y utiliza el recurso en su propia película, adosando realismo mágico en cada pasaje que, junto con el humor satírico, invita a celebrar la ocurrencia y hasta descolocar -gratamente- por momentos al espectador.
Contra viento y marea Si Hollywood tuviera intenciones de narrar la épica de Vito Dumas en alta mar, seguramente filmaría una megaproducción llena de tomas majestuosas y momentos emocionantes, porque la historia de este “navegante solitario” cuenta con todos los condimentos para la epopeya. Pero Vito Dumas nació en Argentina y, por cuestiones varias, su historia es tan extraordinaria como enigmática. El director Rodolfo Petriz no contó con el presupuesto para hacer la súper producción de ficción pero sí con el ingenio para contagiar -y contagiarse- de la pasión del navegante a la hora de contar su historia. Se siente en El navegante solitario (2019) la pasión de Petriz por la narración, su trabajo trasmite y le hace honor a la hazaña de Dumas. Vito Dumas tuvo la osadía de aventurarse a realizar varios viajes en solitario por el mundo. Su periplo más extraordinario fue dar la vuelta al mundo a bordo de su pequeña embarcación, un velero apodado LEHG II, el significado de las siglas continúa en el mundo de los secretos. Deportista apasionado y con un temple físico y psíquico como pocos, Dumas enfrentó solo las fuerzas de la naturaleza aunque, cómo le ocurre a los grandes hombres, sus mayores obstáculos vinieron de parte de los hombres. Le tocó protagonizar otra grieta -o quizás la misma de siempre- al ser asociado con el peronismo y defenestrado por sus opositores. Esto le produjo la falta de reconocimiento, el ninguneo de Estados Unidos (quizás por eso nadie filmó su increíble historia) y el haber quedado en el olvido a pesar de todo. Rodolfo Petriz crea una gran historia sobre la gran vida de Vito Dumas, el director se las rebusca para, con escasos recursos (así como Dumas enfrentó el Mar), encarar una producción documental narrada en primera persona por el propio Dumas a través de sus libros escritos como diarios de viaje durante sus travesías. El material de archivo ayuda a trazar las rutas marítimas, y las animaciones, dramatizaciones, datos aportados por especialistas y demás recursos, invitan al espectador a imaginar los componentes audiovisuales faltantes de esta gran historia de vida. El foco está siempre en la historia contada de manera cronológica y con un halo de misterio que vuelve fascinante el relato. El nombre del barco, el contexto histórico, y hasta cuestiones sobrenaturales que hicieron posible que el hombre llegue hasta donde llegó, son utilizadas con inteligencia por la película para darle el tinte místico necesario que la figura de Dumas requiere. El navegante solitario es un homenaje, un sentido reconocimiento y una extravagante hazaña merecida por Vito Dumas. Pero sobre todo es una gran película, hecha con entusiasmo y la fuerza de la pasión que excede la información y la historia en sí misma. Esa que los americanos no supieron o no quisieron filmar.
La chica del bote De todos los relatos existentes sobre las clases marginales La botera (2019) brinda una mirada madura e innovadora, sin facilísimos ni clichés a la hora de representar los anhelos de su protagonista. Tati (Nicole Rivadero) es una adolescente de la isla Maciel que vive sola con su padre (Sergio Prina). Ella sueña con manejar el bote que cruza personas por las aguas del Riachuelo, mientras experimenta la pérdida de la inocencia en cuanto a su relación con los hombres y con el mundo adulto. Como si se tratara de una película de los hermanos Dardenne, la ópera prima de Sabrina Blanco describe el contexto marginal de la vida en la isla pero siempre desde su personaje principal, uno de los más vulnerables del entorno, a quien sigue con un registro realista sin efectismos ni condescendencia. No se trata de hacer un retrato social sino de narrar los pormenores de cualquier ser humano intentando subsistir en condiciones adversas. Tati avanza y retrocede, duda como todo ser humano, y se mueve entre las limitadas opciones que tiene (manejar el bote de su padre es la única y efectiva salida laboral) y las impuestas por su padre (quien no sabe cómo guiarla en sus inquietudes adolescentes). Conoce un chico que le resulta atractivo, mientras juega con su amigo de la infancia. En ese ir y venir la película conjuga su complejo estado emocional diciendo sin decir, mostrando su accionar e invitando al espectador compenetrarse con su psiquis. Esta película apertura de la competencia argentina del 34 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, ancla el relato en una mujer en estado de vulnerabilidad (por el contexto y edad que atraviesa). La falta de referentes femeninos para la protagonista son evidentes, cuestión que acrecienta la dificultad de expresar sus “debilidades” con palabras o emociones. Ese pasaje de la niñez al mundo adulto inevitablemente endurece el carácter de Tati, una consecuencia casi necesaria para la supervivencia. La botera representa la vida en un contexto marginal con todos los matices, complejidades y entramados sociales que la situación requiere, siempre desde los miedos y pasiones de su joven protagonista. Y lo hace desde un retrato humano, serio y sensible a la vez, que prioriza a la persona con sus particularidades y puntos de vista.
Contra las mujeres Eduardo Pinto (Palermo Hollywood, Caño Dorado, Corralón) filma una fábula de terror a pleno sol, siguiendo una tradición de films contemporáneos que rompen con el ideal romántico alrededor del campo argentino. La historia sigue a tres amigas Mara, Tini y Luz (Sofía Gala Castiglione, Paloma Contreras y Analía Couceyro) que alquilan una casa en medio de la nada para “desconectarse”. Una noche los lugareños las invitan a una fiesta que deviene en un extraño ritual ancestral. Al día siguiente Tini desaparece y sus amigas emprenden su búsqueda, que desata una red de complicidades asociada a una violenta tradición propiciada por los hombres del lugar. En tiempos feministas la película propone una parábola histórica: Las aberraciones realizadas hacia los indios en plena Campaña del Desierto en el siglo XIX, hoy en día son sufridas por las mujeres. Cómo si la violencia en ese entorno rural jamás hubiera dejado de existir desde entonces, solo que ahora en el siglo XXI, el blanco de las agresiones masculinas no son los aborígenes sino el género femenino. Para establecer esa conexión la película se vale de una serie de indicios -quizás demasiados- que deambulan sobre la primera mitad de la trama. Cabezas de ganado son utilizadas como máscaras para rituales, vestidos y pinturas del siglo XIX circulan por las casonas de campo. Estos indicadores van presentando el clima terrorífico del relato. Hace tiempo que el campo dejó de ser el ideal de armonía para el cine nacional, desde Aire libre (2014) hasta Infierno grande (2019), pasando por la reciente Pistolero (2019), el escenario rural es representado como un entorno peligroso en el que prima la claustrofobia. La sabiduría (2019) sigue esa línea narrativa desde el subgénero de sectas: las protagonistas llegan a un espacio del cual no podrán salir, se codean con personajes que transforman su amabilidad en violencia inesperada cuyos comportamientos huelen a conspiración secreta. No aparece el Diablo como figura mitológica, pero si el pasado histórico/violento en el cual se gestó el dominio por la fuerza. La película carece por momentos de claridad para contar el cuento. Los episodios oníricos no subrayan el viaje al pasado y su relación histórica con los hechos, dando un carácter fantasioso al relato y alejándolo de la alegoría planteada. Lo mismo sucede con las pistas desperdigadas por la trama que abren interrogantes y generan ambigüedad, mas para desorientar el camino que transitará el guion, que para encauzar la trama. La película se sostiene en dos pilares que resultan fundamentales, uno es el gran elenco que completan Daniel Fanego, Luis Ziembrowski, Diego Cremonesi, Lautaro Delgado Tymruk, Juan Palomino, Leonor Manso y Pablo Pinto, quienes sortean los vaivenes narrativos mencionados, el otro es su propuesta estética. Eduardo Pinto es un director visual, característica que predomina toda su filmografía, aquí reafirmada por una sorprendente dirección de fotografía (hecha por el mismo) que pone de relieve cuanto atardecer y rayo de luz se posa sobre sus personajes en medio del paisaje. La sabiduría es una película potente en cuanto a sus imágenes y los hechos que describe pero que se siente despareja en su narración. Las actuaciones elevan la propuesta a dimensiones épicas y ayudan a transitar la verosimilitud de un relato terrorífico y desolador.
Cuenta conmigo Podríamos catalogar a Ciegos (2019) de Fernando Zuber como una pequeña gran película, privilegiado grupo dentro del cual se encuentran las sorpresas más inesperadas del año en materia cinematográfica. Esto se debe a que el vínculo de Juan (debut de Benicio Mutti Spinetta que, cómo su hermano Ángelo, tiene un futuro inmenso en la actuación) con su padre no vidente (Marcelo Subiotto confirmando ser uno de los grandes actores de su generación) entra en crisis cuando tienen que viajar al pueblo de la infancia, donde vivía la abuela de Juan y madre de su padre que acaba de fallecer. Mientras el primero tiene la necesidad de experimentar la adolescencia (le gusta una chica, prueba drogas y alcohol), el segundo se enfrenta a sus recuerdos del pasado. Todo en la película se presenta de manera sutil con inteligencia, a través del punto de vista de Juan, a quien su padre por una cuestión de preservación, no le suministra demasiada información. Al espectador le sucede lo mismo que al chico y debe ir deduciendo el conflicto del padre con su tío (Luis Ziembrowski) por la herencia de la casa familiar, y rastrear su daño físico psíquico en la guerra de Malvinas. Fernando Zuber sabe dónde poner la cámara para contar mejor su historia, dejando que sus actores expresen sus emociones internas desde la contención y desplazando la tensión siempre al fuera de campo. De esta manera la puesta en escena condensa la punta del iceberg de una serie de situaciones universales que el film viene a sugerir. En definitiva se trata de una película conmovedora y sensorial sobre los vínculos de afecto y dependencia que nos obliga a identificarnos y a pensar 'qué haríamos nosotros' en una situación similar. Grandes películas se lo han propuesto y pocas lo han logrado.