Amamos odiar a Sandler. Es por eso que la mayoría de la gente o no ve sus películas, o ve para criticar feo las posteriores al año 2004. Pixeles esta dirigida por Chris Colombus, quien es una especie de garantía escrita, ademas está basada en un genial corto fanmade y en toda esta onda retro 80s que se avecina en el horizonte de Holywood. Memorabilianostalgiosa Construir una película a partir de un corto, suele ser una tarea titánica que pocas veces llega a buen puerto. Se me viene a la cabeza Mama, la cual tiene un EXCELENTE primer acto, pero un espiral al aburrimiento y al lugar común en el resto de la película. Si bien hay buenos exponentes del caso como The Hard Case y Lock, Stock, and Two Smoking Barrles, 9 y 9, Alive in Joburg y District 9, la regla dice que es difícil y complicado salir airoso. Pixeles basa todo su poderío en un corto con una excelente premisa. Video juegos ochentosos atacando la tierra y pixelandola al punto de hacerla un cubo en el espacio. Sin diálogos, sin personajes, sin nada mas que de donde sacar una historia, era tarea de quien tomara la posta escribir un guión y sacar adelante una película. Y puedo decir que la idea que sacaron es BASTANTE pasable. El resto de la película se hace sola con todos los personajes de los juegos de principios de los 80s (no esperen nada posterior a 1982). Entonces… ¿por que la critica mundial en general esta MATANDO a esta película? Cosecharas tu siembra Sandler hace más de DIEZ AÑOS que viene haciendo porquerías. Asi de simple. Aburrió, no hace reir, es monotono y su humor comienza a atrasar. Entonces si aparece en una pelicula más o menos pasable como lo es Pixeles, la inercia de collar de melones que tiene Sandler hunde todo. Estoy SEGURO que si el protagonista hubiera sido Owen Wilson o Vince Vaughn, la recepción hubiera sido distinta. MISMA PELÍCULA, MISMO GUION, DIFERENTES ACTORES, y todo habría sido diferente. Pixeles es una buena película que sufre de Adam Sandler. Así de simple. No obstante, considero que Sandler no esta mal, para nada teniendo en cuenta sus últimos 10 años de cine. Como un niño (nerd) La peli explota todo lo posible lo nerd dentro de nosotros. Cada vez que los que tenemos más de 35 pusimos un fichín en un arcade para dejarnos fascinar por las luces, los flashes y esos ruidos geniales que tenían las viejas casas de arcade que solían abundar en Buenos Aires. Y lo hace bien. El guión está lleno de agujeros como toda comedia de ciencia ficción. Tiene chistes que no funcionan como toda comedia común, y falla en algunas elecciones actorales. Aun así es una buena película, entretenida y sobre todo que explora un campo poco explorado hasta hoy. Es la mitad de camino NECESARIA entre Ralph, El Demoledor y la proxima Ready Player One. Porque por momentos parece un poco de las dos, quizás demasiado para mi gusto. Aun así, funciona bien como comedia, bien, ahí, sin sobrarle absolutamente nada, y dejando que desear más de una vez, pero llenando cierta parte nerd en el corazón para aquellos que la tenemos. Música ochentosa, fichines viejos y algún que otro chiste bueno, no pueden ser mala combinación. Ademas la factura técnica, cómo están interconectados los pixeles con el resto de la película esta realmente bueno. Conclusión Si, Pixeles no es lo que esperábamos de un buen corto y Chris Columbus. Aun así, no es una mala película en absoluto. Si no te bancas más a Sandler, no vayas, la vas a pasar mal. Pero si te gusta o si querés darle una segunda oportunidad, anda al cine, que vas a pasar un buen rato. Por otro lado, padres están advertidos, no es una película PARA CHICOS, si bien es apta todo publico y no hay muertes, si hay ciertas cositas que quizás no sean para niños pequeños. A menos que quieras explicarle a tu nene de 5 años por qué una persona se descompone íntegramente en pixeles y grita aterrorizada durante el proceso. No obstante considero que Pixeles es una buena opción, aunque será pronta y rápidamente olvidada…
Con Edgar Wright fuera de la película (iba a ser su más maravilloso bebé), Marvel pifiándola bastante en la segunda parte de Avengers, con un actor cómico como Paul Rudd en el protagónico... eran muchas las razones que teníamos para dudar de Ant-Man. ¿Pasará a la posteridad o será destruida por la critica como en un holocausto de Formitox? Por lo menos eso está Si hay algo que no se le puede criticar a Marvel, es la entrega de productos pulidos y sorprendentes a nivel visual. Y con una película en la cual el 35% de lo que pasa es al estilo Chapulin Colorado cuando tomaba las pastillas de chiquitolina, los efectos especiales están a pedir de boca. El riesgo no es que ese CGI fuera malo, si no que aburriera. Pero no, no lo hace. Ant-Man a nivel visual es realmente brillante. Aun así, esto no es un gran logro, ya que como vengo diciendo de unos años a esta parte, tener buenos efectos visuales hoy en día en Hollywood, es STANDARD. Pero podrían haber chocado ahí, y no lo hicieron. Estilo nuevo, guión viejo Edgar Wright sigue acreditado como co-guionista, y créanme que si pensaban que Peyton Reed (director de Bring it On, esa película en la que Kirsten Dunst es porrista) iba a hacer borrón y cuenta nueva, están equivocados. Muchísimo del humor de wrightense quedó y se coló en la película, es indudable. Esta vez SI, hay MUCHO de Wright en Ant-Man. Muchísimo. Tanto que por momentos esta heist movie parece una comedia. Allí se entiende y se justifica la elección de Paul Rudd como Scott Lang. Pero quien brilla realmente en el apartado cómico de esta película es Michael Peña. TODAS sus intervenciones son geniales, y son geniales por merito de Peña, y también por lo bien escritas que están, que me animaría a decir, que es donde más queda a la vista el puño y letra de Wright. Ant-Man es básicamente como todo el mundo anda diciendo por ahí, una película de robos y estafas cómica, con escenas de acción. Con Michael Douglas como Hank Pym y Corey Stoll como YellowJacket poniéndole seriedad y dramatismo al asunto. El resto, es una sucesión de punch lines a las que nos tiene acostumbrados Marvel, donde casi todas funcionan y hacen reír. La historia, cabe en dos renglones, Scott Lang, es un ladrón que intenta reformarse, a quien Pym viene siguiendo desde hace años y ni bien queda libre de la cárcel, "contrata" para que lo ayude a robar algo, pasándole en ese acto, el traje de Ant-Man. Simple, sencillo, y al hueso. El resto es buen desarrollo y timing por parte del director. Lo que nunca será Sin embargo, por más buena que sea Ant-Man, por siempre estará en deuda y deberá luchar contra el ejército enardecido de fanáticos de Wright, que no importa lo que pase, no importa lo que vean en la pantalla, van a creer que la Ant-Man de este hombre hubiera sido, épica, genial y mejor que lo que están viendo. Seguramente así hubiera sido. Pero lo cierto es que no veo a Wright siguiendo ordenes corporativas de Marvel, para insertar guiños, y crossovers si no lo hubiera sentido necesario u orgánico. Ergo, adiós Edgar. Aun así, Ant-Man se para sobre sus propios pies, y conserva gran parte de su espíritu en el desarrollo. Aunque mientras escribo esto imagino a fans del buen Edgar ilusionándose de más. No, no lo hagan. Dije "espíritu" y "pinceladas", no esperen ver Hott Fuzz con Paul Rudd, ¿ok? ¡No digan que no les avise! Universo Marvel Que quilombito que es el universo Marvel. Que phase one, que phase two, que Spiderman, que los X-men, que dos Quicksilvers, etc, etc, etc... No voy a spoilear nada, pero hay mucha referencia, cameo de Stan Lee, y algún que otro Avenger por ahí dando vueltas. Incluso, referencia a Spider-Man (YES!). Que si la agarran se ganan un chupetin, porque está bastante oculta y pasa rápido. En este sentido, Ant-Man es un festival de referencias, cameos y escenas post crédito (hay dos, al estilo Aarvel. a mitad y final de los créditos). Ya se, hay aberraciones que los comiqueros de primera hora van a odiar. Yellowjacket es alguien diferente a Hank Pym, Hank Pym nunca creó a Ultron, aunque si odia y defenestra a Stark, Hope Van Dyne, el personaje de Evangeline Lilly, era Red Queen y no era hija de Hank Pym, etc, etc, etc... Pero si pueden ver mas allá de eso, van a ver una buena película. Conclusión Ant-Man es una muy buena película de acción, con mezclas de cine de estafas y comedia a-la-Wright que va a entretener y gustar. Definitivamente Marvel acá pega mas de las que erra. A priori parecía una película condenada por la partida de su director, pero logró sobreponerse, en parte gracias al mismo Wright y a las porciones de su guión que sobrevivieron al cambio de dirección. En resumen, buena película, buena diversión, one liners, punch lines, crossovers, referencias, cameos. Marvel en estado puro. Algo que no puede llegar a ser malo.
Cuando se estrena una secuela como es la de Socios Por Accidente, una película horrorosa, olvidable, detestable y sobre todo vergonzosa, es normal que uno piense que va a ver más de lo mismo, o incluso peor. Pero afrontémoslo, no había manera de hacer algo peor que Socios Por Accidente, así que ¿hay realmente mérito en una mejora, si tan solo se podía ir hacia arriba después de la primer película? Que parezca un accidente Loreti y Forte insisten una vez mas con Listorti y Alfonso, en esta especie de buddy movie venida a menos, de la que nos llega la secuela. Que para sorpresa de todos… no es mala. Así es, Socios por Accidente 2 no apesta. Plot twist tremendo! Esta vez tenemos estructura narrativa, desarrollo de personajes, y hasta algún que otro intento de vuelta de tuerca. O sea, tenemos una película. Matias está en la cresta de la ola, es un traductor exitoso, esta de novio con una pendeja linda, y su hija lo quiere. Digamos que todo bien, hasta que nuevamente se topa con Rody, quien le informa que en realidad, lo que parecía un trabajo soñado como traductor del primer ministro ruso, es en realidad es un complot para matarlo. Y en el proceso, de paso, matar al propio Matias. Una vez más deberán trabajar juntos, ahora para desactivar la célula terrorista que intenta llevar a cabo el atentado. Mejoró el lápiz Esta vez, hay un guion con forma (hago hincapié en esto, porque la película anterior salió SIN GUIONISTA ACREDITADO, así de desastrosa era la cosa). Que sea malo o bueno, disfrutable o no, ya es cuestión del espectador. Pero el guion está ahí, la historia tiene forma y se narra de manera consistente. Es más, incluso se narra todo desde un flashback inicial, utilizando de manera interesante este recurso narrativo para sembrar duda e incertidumbre. Las actuaciones no variaron en absoluto. Listorti es realmente poco creíble y roza lo desastroso, en cambio Pedro Alfonso, vuelve a demostrar que al menos es el más sobrio de los dos. Y como sobrio, cumple con las directivas y lleva adelante una labor aceptable, convirtiéndolo a priori en mejor actor que su coequiper. Lo que si funciona mejor sin dudas, es la dupla. Esta más aceitada y tienen mejores momentos. De hecho, se los nota más orgánicos y más relajados. Completa el trío Luz Cipriota, componiendo una clásica rubia tarada y lo hace bien. Nada más que añadir. Cristian Sancho tan solo es casi un extra mudo y no aporta mucho. Sí hay un muy buen cameo de Campi, que es realmente gracioso. Puntito alto de la peli, sin dudas. En general, la historia esta bien, incluso logro sacarme algunas risas, cosa que la anterior había fallado estrepitosamente. Hay para largo Que Loretti y Forte son tipos capaces, que han realizado películas de factura altísima dentro del cine de genero no es novedad. Ambos son tipos brillantes, que aún no entiendo que hacen con esta (¿saga?) de películas. Ambos hacen de esta segunda entrega un producto mucho más pulido, con apenas pocos meses entre guión, rodaje y post-producción. Algo que en un comienzo parecía imposible. Seguramente tendremos más entregas de Socios por Accidente, y a este ritmo, quizás anualmente por desgracia. Pero si al menos mantienen los estándares de la segunda, lograran un mínimo aprobado con lo justo. Quizás en el futuro se animen a más, y le pongan verdadermente todo el sabor y gustito que pueden llegar a ponerle a una película, y se alejen de la comedia para grandes y chicos tan solo un poco. Pero lo único que espero en el futuro es que no vuelva Agapornis, quien compone y empeora lo único que se podía empeorar de la primera entrega, la canción de la película. Espantosa canción a cargo de los coverteros seriales. Horrible. Conclusión Sin brillar, y sobre todo sin convencer demasiado, Socios por Accidente 2 supera fácilmente a su antecesora (la cual quedó segunda cómoda entre mis peores del 2014), Con un guión por lo menos bien estructurado y chistes que esta vez sí funcionan un poquitito mejor, le alcanza para ser un producto cerrado y bastante solido dentro de un género como la comedia familiar. Si uno no va con demasiadas pretensiones, y tiene en cuenta que la dupla actoral está compuesta por Listorti y Alfonso, por ahí llegue a pasarla un bien. Quizás la tercera sea la vencida.
Ezequiel Acuña compone una historia melancólica, en la cual una banda de rock intenta unirse después de muchos años para editar un disco nunca terminado. Todos intentarán tirar para el mismo lado, pero un fantasma ronda la vida de Guille, compuesto por Santiago Pedrero, y la sombra del auto-boicot lo cubrirá todo. Si lo sabe, cante La vida de alguienLa vida de alguien, como dije, cuenta la historia de Guille, quien muchos años después de haber grabado un disco entre amigos de la secundaria, es contactado ya en sus treintas para retomar aquel viejo disco y por fin editarlo. Para tal fin, deberá rejuntar lo que queda de la banda, y emparchar lo que no encuentre con componentes nuevos. Uno de ellos es Luciana, compuesta por Ailin Salas. La película es un drama más bien intimista, de lugares y situaciones pequeñas. Pero con muchas, muchas canciones. Y esto es siempre una apuesta, ya que si las canciones no están buenas, la película aburre. No es el caso, la banda uruguaya La Foca, compone todas las canciones que son cantadas tanto por Pedrero como por Salas a la perfección, con dos voces mas que interesantes, con todas las canciones siendo realmente buenas. Es por eso que a las escenas con canciones que pueden a priori parecer lentas o pesadas, se pasan rápido por el valor musical de las canciones y el tenor artístico de ambos interpretes. Gran acierto. Fantasmas del pasado A Guille lo atormenta un fantasma del pasado, que recién en el tercer acto sabemos bien que paso, por lo cual no puedo spoilearles quien es. Basta decir, que la inseguridad de Guille, con todo lo que esta pasando es palpable. A esto se le suma el personaje de Luciana que visiblemente intentará avanzar sobre este Guille apático y casi sin libido. No obstante el arte es lo que mueve a Guille hacia adelante, y es donde conectara profundamente con Luciana, no solo a nivel argumental, si no a nivel musical real, creando momentos realmente buenos a nivel sonoro. Pocas veces me paso viendo una película, que quería volver a ver una escena de canción, ya que la banda sonora, y el tratamiento sonoro en general es realmente excelente. El color de la música Visualmente la película también se destaca, filmada en 35mm, algo que comienza a ser no standard, realmente tanto las puestas, como la iluminación y fotografía se destacan. Representan a la perfección esos espacios íntimos y pequeños que nos presenta la historia, obviamente, todo llevado adelante por los actores. El ritmo cancino de la historia, para mi está justificado, en un increyendo melancólico que recién sobre el final tiene resolución. El cual no solo satisface, sino que ademas reconforta. Acuña, maneja el timing de su historia, con mucha habilidad, haciéndola avanzar solo cuando hay riesgo de estancamiento, esta es sin dudas una película con mucho amor por la música, por lo cual es una protagonista excluyente de la misma. Conclusión La vida de alguien es una película pequeña, con mucho amor por la música, con mucho amor por su historia, por sus personajes, que invita a vivirla, disfrutarla y acompañarla a cada paso, a cada ensayo, a cada canción. Pedrero y Salas se lucen tanto en sus papeles como cantando, (dejando de lado lo hermosa que es Ailin Salas). Acuña dota a la historia del tranco necesario para que de apoco acompañemos a Guille en este camino de encontrarse a si mismo, realmente una película más que recomendable, que ni bien pueda volveré a ver.
El español Carlos Saura dirige este documental / musical / ensamble de todo lo que es el folklore argentino. ¿Podrá la mirada de este gran director añadir algo nuevo a la escena? (No) Puesta en escena Zonda es una concatenación de números musicales de todos los rubros de nuestro rico folclore argentino, atravesando a todos sus grandes exponentes artísticos. También el baile está presente, en casi todas sus expresiones. Lo mismo que glorias que no nos acompañan más, como el caso de Mercedes Sosa, en lo que es un hermoso homenaje al ritmo de su Cambia, todo cambia. Todo esto filmado en un galpón enorme de La Boca. Si bien no hay puesta en escena, por momentos si hay un atisbo de componer desde el arte un fondo con retro-proyecciones tanto fílmicas, como feedback en video de lo que esta pasando o simplemente colores para componer el tono de lo que estamos escuchando. Esto último con resultados dispares. Si bien la fotografía es realmente buena, acá lo que importa es lo que se escucha mas que nada. Aunque como dije, están también representadas todas nuestras danzas folclóricas, incluida una escena que da algo de vergüencita ajena con seis bailarinas pintadas como gatitas, (si, como en cats). Te oigo bien Todos los artistas dan una gran performance de la parte que les toca interpretar. Siendo todos eximios interpretes y/o compositores. Quien disfruta de nuestro rico folclore es imposible que no se sienta llevado por el andar de Zonda. Sin embargo, hay algo que falta. O sobra. Toda la obra, sencillamente parece una edición de Argentinísima Satelital o el Festival de Jesús María en Ultra HD. Nada de lo que vemos aquí no lo hemos visto antes. No digo que sea ni malo ni bueno. No se puede buscar la originalidad cuando se habla de la historia musical y artística de un pueblo, de una nación. Aunque si se podría haber buscado en la forma de retratarlo. Que quede en claro que bajo ningun punto de vista es malo lo que se ve, por el contrario, la calidad de lo que vemos y oimos realmente es excelente. Pero por momentos, uno tiende a cabecear, y no es por seguir el ritmo de la musica en pantalla. Aun así, este resumen documental de la música de nuestro pueblo, habla por si solo y realmente deja en claro lo rico y variopinto de nuestra música y baile. Conclusión Zonda es una propuesta al menos interesante. Un compendio de música folclórica argentina que seguramente abundará en escuelas de ahora en mas, ya que parece haberse hecho a medida. Sin embargo, para el publico en general, si bien resume de manera por momentos espectacular nuestra cultura (increíble la Chacarera por Lito Vitale!), realmente en otros momentos no veremos nada que no hayamos visto por televisión en nuestra época estival repleta de oferta folclórica. Quizás una mano española no fue lo mejor que le podría haber pasado a Zonda. Pero ahí esta la paradoja, Zonda no se le ocurrió a un argentino.
Incomprendida (Incompresa) es el tercer largometraje de la actriz y directora Asia Argento (Scarlet Diva, The heart is deceitful above all things), que narra las vivencias de una niña de ocho años en un contexto muy particular. Incomprendida Italia, mediados de los 80. Aria (Giulia Salerno) es una niña de ocho años, hija de un actor de cine (Gabriel Garko) y una música (Charlotte Gainsburg), quienes a su vez tienen otras dos hijas. Aria es vista como una carga por sus padres, quienes sólo piensan en sacársela de encima cuando les causa algún tipo de molestia; es el chivo expiatorio de la familia, y su hermana y hermanastra tampoco ayudan a mejorar la situación. Pero no todo es cuesta abajo en la vida de Aria: se destaca en la escuela por su talento para la escritura y encuentra refugio en su mejor amiga y en Dac, un gato negro que encuentra en la calle que lleva consigo en sus reiteradas mudanzas de casa. La llegada de la pubertad, el despertar sexual se hacen presentes en la convulsionada vida de Aria. Los 400 golpes al borde de un ataque de nervios Se destaca el uso de la música en la película, interpretada en su mayor parte por The Penelopes, acompañando el gran contraste de emociones que atraviesa Aria. Giulia Salerno hace un trabajo excelente interpretando a la pequeña heroína punk que es Aria, sin desmerecer al resto del elenco, que entrega buenas actuaciones. Incomprendida parece una hermosa combinación del Almodóvar de los 80 con Los 400 golpes de Truffaut. Colores saturados, las emociones a flor de piel y un registro muy acertado de cómo influyen en una niña de ocho años el contexto bohemio de sus padres artistas y su falta de cariño, como también la llegada de la pubertad, los ritos de iniciación y demás. Una niña que sufre la falta de comprensión y amor pero que a su vez no teme enfrentar las calles por su cuenta. Quizá hacia el final pierda un poco de potencia, pero es destacable las libertades que se toma Asia Argento para narrar. Conclusión Incomprendida es un melodrama en colores saturados con espíritu punk, con una pequeña protagonista que se pasea por los límites del quiebre emocional. Se lleva el mundo por delante, pero no deja de ser una niña buscando el amor de sus padres. Se nota un gran cariño de la directora por sus personajes, y mantiene un buen ritmo durante casi toda la película. La incomprendida del título pide a gritos que la vean (y la quieran).
30 años después de La Cúpula del Trueno, Max Rockatansky vuelve encarnado por Tom Hardy y dirigido por el padre de la bestia, George Miller. ¿Podrá este sobrevivir al paso del tiempo y trasladar a Mad Max de los años ochenta al nuevo siglo? Furia en el camino Max esta más loco que nunca. Así de simple y así arranca esta historia. Solo en el camino y perseguido por los fantasmas y alucinaciones de la gente que no pudo salvar. Esto no solo hace alusión a su familia, la cual perdió en la primer película, también a algunos otros que no conocemos. Cabe destacar que esto es una secuela DIRECTA de Mad Max Beyond Thunderdome, por lo cual todo lo que vemos pasa algún tiempo después de dicha película. Es más, Miller mismo se ocupó de explicar que se revive la franquicia y que este Max es el mismo interpretado por Gibson. Pero al mismo tiempo, no lo es. Es raro... Lo claro es que no es una reboot. No arrancamos de cero. Todo lo que vimos antes pasó y ocurrió. Pero volviendo a la locura, parece haberse comido a Max hasta dejarlo solo con el instinto de sobrevivir. Pero cuando es apresado por una de esas sociedades locas que abundan en la Australia post-apocalíptica de Miller, es cuando comienza esta nueva aventura. No me pares ahora Mad MaxLiteralmente, un 80% de la pelicula es persecución. La acción no para y es realmente increíble. Los momentos de calma son pocos y puestos para que respiremos un rato, porque como dije, acá la acción no para un segundo. La trama dirá que Max es secuestrado por un grupo de humanos que tienen un extraño código social. Cuando Imperator Furiosa, compuesta por Charlize Theron, se rebele y trate de escapar, Max quedará en el medio de todo. Y su tendencia a ser el caballero andante, hará que sea quien salve el día. Todo esto en vehículos rarísimos, al ritmo de una orgía de hierro fundido, nafta de alto octanaje y rock metal! Entre medio de todo esto está el personaje de Nicholas Hoult, Nux. Quien será el que experimente el mayor cambio de personaje en su arco argumental. No solo eso, sino que definitivamente, este muchacho se recibió de promesa. Compone un personaje realmente fuera de la zona de confort de cualquiera y la descose. Es realmente sorprendente, demostrando en definitiva que no es solo otra cara bonita y que podemos esperar más de él que solo sonreír a cámara y besar adolescentes. Hardy, por otro lado, es un solido Max, pero le falta un poquito. Quizás porque no es Mel Gibson, o quizás porque aun no se encuentra en el personaje. Igualmente tendrá algunas películas mas para desarrollarlo ya que firmo por varias más. Acción Si hay algo que esta película tiene es acción. En su mayoría realizada con efectos prácticos (es decir, "reales"), solo se utilizo el CGI para borrar edificios, el brazo de Charlize Theron, y la escena del tornado. El resto, lo que ves es tal cual se filmó. Y es realmente increíble. Las escenas no paran un segundo, nos llevan de nuevo al gran clásico de culto que es la segunda entrega de la saga, The Road Warrior. De hecho hay un guiño a la misma, ya que hay una escena en la que le tatuan la espalda a Max, y se puede ver en la descripción que dice Road Warrior. La acción de esta película realmente hace que uno se muerda la lengua y disfrute el gustito a sangre en la boca, no para, no da tregua y es por demás gratificante. Diría que tiene espiritualmente mucho que ver con Dredd o la última entrega de Riddick, las cuales son mas puristas en su concepción, y sobre todo leales a lo personajes originales y a sus fans. Claro que Mad Max: Furia en el Camino contó con 100 millones de presupuesto. Todos y cada uno de esos dolares muy bien gastados. Por otro lado, Miller, se separa de la media de la industria, donde el escenario post-apocalíptico es siempre lavado, sin colores, o en alguna paleta apagada. El mundo de Mad Max, por el contrario, está saturado de colores y lleno de tonos brillantes. Miller dirá que es porque en un mundo así, todos intentarán tener al menos un gramo de belleza. Conclusión 30 años pasaron de La Cúpula del Trueno y la espera dio sus frutos. Esta nueva entrega de Mad Max hará que los fans deliren aunque tengan que acostumbrarse a Hardy. Miller vuelve con todo, y transforma a su criatura una de sus mejores versiones, incluso rivalizando con la favorita de los fans, The Road Warrior. Hierros retorcidos, velocidad y post-apocalipsis, todo en una sinfonía cacofónica que hará que los sentidos nos exploten. Los amantes de Mad Max disfrutarán de principio a fin esta nueva entrega, y los que no hayan visto nunca una peli de la saga, los convertirá en creyentes instantáneamente. Mad Max: Furia en el Camino es la película que Max Rockatansky siempre mereció. Imposible dejar de verla!
Piensen en un domingo a la tarde, en verano, en un pueblo que tiene tan solo 10 mil habitantes... Todo lo que puede pasar en un domingo así es lo que pasa en Choele. Para bien y para mal. La del pibe que se hace hombre Choele parte de la típica historia del pibe que tiene su despertar tanto amoroso como sexual durante un verano en un pueblito recóndito. Donde el tranco de la historia es cansino y hasta medio apacible en su manera de transitar. Coco va a visitar a su padre, Daniel, interpretado por el versátil Leonardo Sbaraglia. Cuando llega a su casa se llevará una sorpresa, ya que ahí encuentra a Kimey (que en mapuche quiere decir lindo o bello), una joven muchacha que se está hospedando con su padre. Kimey ademas tiene la particularidad de no contar con ropa, ni equipaje, ni nada, ya que le usa la ropa a Daniel, y hasta el cepillo de dientes a Coco... en fin. Kimey se pasea medio en bolas delante de Coco, que no tardara ni un segundo en enamorarse perdidamente de ella. Al mismo tiempo, dos amigos del pueblo serán confidentes de Coco, en especial uno de ellos, que será quien más lo banque. La otra amiguita, será quien desde la inocencia quiera ser novia de Coco. Pero poco tiene para competir contra Kimey, y su bikini omnipresente. Dale gas! Como dije, el transcurrir de la peli tiene un tranco a paso de hombre. Lento, tranquilo y por momentos hasta aburrido. Si bien hay una historia de trasfondo, donde se nombra a la madre de Coco quien esta llegando al pueblo para firmar unos papeles con Daniel (de divorcio), pero esta nunca aparece. Esto no le impide estar presente todo el tiempo y a toda hora. Coco de a poco se animara a ir con todo por el amor de Kimey, quien obviamente en realidad está con su padre, en lo que devendrá en el primer desengaño amoroso de Coco, con borrachera galopante incluida. Aun así, Coco aprenderá (demasiado rápido) que no debía ser, y que estaba bien para su padre (un tipo maduro este Coco, yo a su edad hubiera estado llorando mínimo 2 años). Igual, hay que restarle puntos a Kimey, que le histeriqueó a un pobre pendex de 10 o 12 años. No pasa mucho más en Choele, como podrán imaginarse. Todo va por dentro, por el arco de los tres personajes nodales. El resto de la película transcurrirá entre paseos en la F-100 de Daniel, juegos de niños entre Coco y su amigo, escenas de histeriqueo de Kimey y nada mas. Pero qué bien se te ve Hay que destacar la fotografía y el arte de Choele, que son realmente buenos. Todo se ve de maravilla y realmente es un apartado muy trabajado y pulido. Las puestas naturales de pueblito, que ya de por si, en cualquier pueblo argentino no necesita demasiado retoque, son realmente bellas en si mismas, y suman para lo que se quiere mostrar y contar. La casa de Daniel parece haberse encontrado así, y solo haberle puesto las cámaras para filmar, ya que se siente organicamente como una casa de clase media-baja de mecánico de pueblo. Y esto suma muchísimo a la construcción del personaje de Sbaraglia. Por otro lado las actuaciones están más que bien. Sobre todo la de Lautaro Murray (Coco), quien debe llevar la película adelante. Sbaraglia suma desde su experiencia y contraposición paternal, tanto actoralmente como desde su personaje para con Lautaro Murray. Y Kimey, compuesta por Guadalupe Docampo, es muy linda. Conclusión Choele es la típica película para cierto público argentino. Público que disfrutara enormemente de la historia que narra Juan Sasiain. Se regodearan en las tomas y la fotografia. En Coco y su historia. Y estallaran de orgullo al ver un nombre mapuche en pantalla. Y otro cierto publico se pegará el embole de su vida, ya que para mucha gente, en Choele no pasara nada. Pero la belleza esta en el ojo del que mira. Y aquí esa regla se aplica a rajatabla. Están avisado y advertidos, a disfrutarla enormemente o dormirse una siesta en el cine, va a depender tan solo de ustedes.
Basada en la novela de Claudia Piñeiro (Betibú), Tuya promete un thriller con toques de humor para entretener y gustar. ¿Logra su cometido la cinta dirigida por Edgardo Gonzalez Amer? Como agua Si bien la premisa de la película ya la vimos mil veces, no por eso dejamos de darle una oportunidad. Andrea Pietra compone a Alicia Soria, una esposa devota de su matrimonio, pero no tanto de su familia ya que descuida y desoye a su hija. Este nivel casi obsesivo de adoración por con su esposo Ernesto, interpretado por Jorge Marrale, la lleva a descubrir cartas de amor dirigidas a él, firmadas tan solo con lápiz labial y la palabra tuya. Una vez descubierto esto, Alicia seguirá a su marido hasta un encuentro en el medio de la nada con una secretaria, quién en medio de un forcejeo caerá muerta por accidente. Frente a esta situación Alicia no solo no dirá nada, sino que sin que su marido lo sepa intentará cubrir huellas del crimen, para que su él siga impune y recomponer su matrimonio. Pero lo que ella no sabe es que tuya puede no ser la secretaria muerta, y es allí donde entra en escena Charo, el personaje que encarna Juana Viale. (escuché decir por ahí que es su mejor papel hasta el momento, ya que no dice una sola palabra en todo el metraje). Con pinzas Por momentos la historia fluye y parece que lleva buen destino, pero pronto comienzan a aparecer desprolijidades que nos sacan poco de contexto, y sobre todo de clima. Hay un momento determinado donde la tibia tensión creada es descomprimida por pasajes graciosos. Los cuales no solo descomprimen la situación, sino que se pasan y van mas allá, cambiando el tono completo a la película, y haciendo que partes relativamente serias, sigan en tono comedia. Como por ejemplo que una madre y un padre no se den cuenta que su hija esta embarazada de 8 meses, en sus propias narices. No tuve el gusto de leer la novela, por lo que no se si la sub-trama del embarazo tenía más fuerza o no en el libro, pero aquí en el film es sencillamente redundante, carente de sentido y sobre todo, aburrida. Al rescate Sin embargo, no todas son pálidas en Tuya, ya las participaciones de Marrale y Pietra son mas que respetables, sobre todo Pietra llevando adelante una trama que por momentos flaquea y hace agua por todos lados. El resto del reparto parece por momentos netamente decorativo y logra que la empatia con ellos sea nula. No nos importa esa adolescente embarazada, no nos importa el personaje de Viale o la secretaria muerta, ni nada. Solo queremos que el estúpido de Ernesto se lleve su merecido, y rápido. Así nos podemos ir a casa. Conclusión Si bien Tuya no es una película que sobresalga, tampoco es un desastre, ni mucho menos. Cumple con el cometido de al menos engancharnos y llevar una trama los suficientemente entretenida como para que queramos saber como termina. Pero ahí hasta ahí llega su encanto. Por otro lado, es medio aparatoso el lugar que tiene el personaje de Pietra, ya que pasa de mujer que tolera todo a asesina vengativa sin pestañear un instante. Y con quien es imposible empatizar, más allá de su pobre matrimonio, y su posterior dulce venganza, ya que su peor pecado es no atender ni entender una hija a quien dejó sola toda su vida. Están avisado, como diría mi madre, Tuya es ni linda que encanta, ni fea que espanta.
Martin Piroyansky escribe, dirige y protagoniza una película en la que compone un personaje misógino, inescrupuloso y por demás detestable, en algo que no llego a entender si fueron “ganas de hacer una peli”, o de tener escenas de sexo y besos con actrices lindas. Garche, porro, merca, hongos y más garche Si todo bien, pero no hablé de El Lobo de Wall Street. Y para hablar de esta película, voy a utilizar su misma clave idiomática, por lo cual a partir de ahora, eliminaré todo tipo de escrúpulos en la redacción de esta review. Nicolás (Piroyansky), es una especie de “cogelotodo”, que muy a pesar de su aspecto exterior por todos conocidos, consigue garcharse todo lo que camina, según sus amigos. Organiza un viaje de fin de año de algunos días a una casa del Delta de Tigre con varios amigos, en total, dos hombres y 4 mujeres. El Chino Darín, en pareja con Violeta Urtizberea, Vera Spinetta compone una enigmática mujer, para mi lo mejor de la peli, Inés Efron, una voladora y soñadora, y compone el sexteto Justina Bustos, a quien el personaje de Piroyansky quiere garcharse a toda costa. Yo me las cojo a todas Ni bien llegados a la isla, Nico, viene teniendo relaciones con Ines Efron, pero tras un discurso absurdo de macho alfa, termina garchandose a Vera, quien solo quiere sexo, sin amor. Tras esto, intentara por todos los medios levantarse al personaje de Justina Bustos con frases trilladas y estúpidas. Cabe destacar que logra componer un personaje superficial, incapaz de querer, empatizar y abrazar a otro. Sea amigo, amiga, mujer, garche, pareja, etc… Tras los fracasos por levantarse a Bustos, Nico, se pondrá a fumar porro con Violeta Urtizberea, novia del mejor amigo de Nicolás, y también procederá a garchársela, o casi. Al menos por ahora. Y de eso va la película, de como todos terminan garchándose a todos, en una casa en el delta, fumando porro, tomando merca y comiendo hongos, ademas de tener escenas completamente en pedo. Si bien, es cierto que tiene escenas que hacen reír, (no cómicas), es la propuesta argumental la que falla, presionándonos personajes con los que poco podemos simpatizar, sobre todo con el protagonista que no tiene respeto alguno por la gente que lo rodea. Mi peli con chicas hot Es por eso que no puedo evitar fantasear con la idea de que Piroyanski se escribió esta peli para besar, toquetear, manosear apoyar y etc. con actrices tan hermosas como las del reparto. No creo que sea el caso, ya que todo se filma de manera responsable y hablamos de actores profesionales con trayectorias por demás conocidas. Pero… es imposible no fantasear… Un amigo dice que está en contra de “el mensaje en las películas”, y decididamente Vóley también, ya que carece del mismo. Quizás si tenes entre 20 y 25, y las hormonas a full, y seguís por la vida de garchini, de boliche y chamuyándote cuanta minitah hay por ahí, la pases bien en esta peli. Si sos fan de “escuchame fresco”, seguramente vas a salir en pija de esta película, la vas a disfrutar y te vas a reír, es más, si vas con amigos, seguramente se van a hacer pija, imbéciles. Conclusión Vóley, falla rotundamente o la pega en todas, según el gusto. La factura técnica y las actuaciones son por demás correctas, quedando todo en la propuesta argumental, haciendo que te guste o la odies pura y exclusivamente por afinidad con la historia que relata Piroyansky. Si la vas de garche, de misógino, de culitos de Showmatch, de cogerte a cualquiera sin escrúpulos, y de darte cuenta demasiado tarde de lo que es el amor, (o tan solo sufrir por no poder cogerte a la única que no te da bola), esta es tu película. Si no, te vas a quedar mirando, con un toque de asco, mientras la pendejada hipster, drogona y cool se ríe a tu alrededor.
