Antonio Banderas protagoniza un film en un futuro distópico, con robots y todas las aristas de este tipo de historias. Pero si crees que es una película de las que ya conoces, pensalo de nuevo. Porque si hay algo que tiene Autómata, es que no es tu típica película de robots pensantes… Las leyes Los robots de Autómata, diferencia de los de Asimov, solo tienen dos leyes. No pueden dañar humanos, y no pueden automodificarse. Nada mas. Antonio Banderas compone a un agente de seguros de la compañía que construye los robots, Jacq Vaucan. Se ocupa de asegurarse que todos las demandas de los clientes sean validas o no. Y para hacerlo, chequea que las dos leyes encriptadas en los robots estén activas. Pero todo cambiara cuando Vaucan se encuentre con robots que aparentemente intentan repararse o cambiarse a voluntad. Lo que indudablemente será el nacimiento de la inteligencia artificial, un próximo paso en la evolución humana, a quien el planeta está matando de forma lenta pero segura. Sin tomarla ni beberla, Vaucan se verá en una carrera hacia el medio del desierto, donde no hay vida, y donde los robots rebeldes se esconden con una sola idea en mente. Una pista, no es la revolución, es algo mas simple. Un futuro de porquería Así se define, y así lo muestra el director de Autómata Gabe Ibañez. (Gabe… ¿tan wannabe podes ser que te pusiste Gabe? Si sos Gabriel y venis de un rioba de Madrid!). El mundo que Ibañez nos muestra es realmente atractivo, sofocante, agonizante y definitivamente sin futuro. La utilización de la paleta de colores es más que acertada ya que cada plano nos muestra lo muerta, seca y mustia que esta el planeta tierra. Los robots ayudan, ya que lejos de ser como Sonny de Yo, Robot, son apenas más evolucionados mecánicamente que la porquería de ASIMO. Apenas más avanzados que los robots que tenemos actualmente. Y esto es un acierto, ya que antropomórficamente hablando, los robots están lejos de parecerse a nosotros. El tema va por adentro, como en Her. Lo que los robots piensan o empiezan a pensar. Ahí es donde esta la verdadera evolución de los muchachos electrónicos. Atípica y rara Es la única manera de definir Autómata, le escapa a todos los clichés del género y eso es un punto a favor. La ambientación de la película es siempre inquietante, y uno no puede evitar decirse cada 20 minutos: “che, que película rara”. Banderas compone su personaje sin ningún problema y compartirá pantalla la mayor parte del tiempo con robots, el cual uno de ellos esta personificado por Javier Bardem. Dyllan McDermott y Melanie Grifitth no llegan a desarrollar demasiado sus personajes ya que tampoco tienen tanto tiempo de pantalla, pero están ahí. Suman y no desentonan. En definitiva, lo más jugoso de la narrativa está en la relación entre Banderas y sus compañeros robots, con quienes mantendrá conversaciones, si bien cortas, de profundo contenido filosófico sobre la vida y la moral humana. Conclusión Autómata es una rara apuesta de Ibañez y Banderas, pero que considero digna de ver. Sus efectos visuales son realmente muy buenos, y ayudan a que la narración sea fluida y bien contada. En la misma linea de Yo, Robot o Blade Runner, pero definitivamente tomando otro camino para llegar al mismo lugar, Autómata es una cinta que debe ser vista por todos los amantes del género. Gran viaje por el desierto de lo humano de la mano de Banderas. El glamour de los robots no está en su forma, si no en su mente. Si es que tal cosa finalmente existe…
Jazmín Stuart escribe y dirige su segunda película en clave de road movie, la cual cuenta con Juan Minujin, Erica Rivas y Hugo Arana. Será un viaje de reconocimiento, de búsqueda en el alma del otro, de encuentro y sobre todo de desentierre tanto figurativo como literal. ¿Llegará esta road movie a buen camino? Los hermanos sean unidos Juan Minujin y Erica Rivas componen a dos hermanos, Pascual y Dinah, que viven vidas bastante desdichadas. Chatas y con poco brillo. Ademas de casi no hablarse y no tener relación. Pronto se verán viajando a Entre Ríos ya que su padre a tenido un accidente y tienen que traerlo de nuevo a Buenos Aires. Allí al hablar con el padre, no solo se enteraran de que hizo una pequeña fortuna, la cual enterró en el medio del bosque a lo Fargo, sino que además, el padre, tiene la dirección y ciudad de la madre de los chicos, fugada desde hace 30 años. Así comenzará una búsqueda del tesoro, ya que la única que sabe como encontrar el bolso con el dinero, es la madre que hace 30 años que no ven. Este viaje los llevará al centro y corazón de ese abandono, a enfrentarlo en solitario, de a dos, de a tres, como familia, como se pueda. Espacios íntimos La película, a pesar de ser una road movie, es muy íntima, como la relación entre Dinah y Pascual, que van a tener momentos realmente brillantes de catarsis, de reencontrar el cariño que se tienen mutuamente, y de aventurarse a ponerle cara a una madre ausente por tanto tiempo. Y serán, según palabras de Stuart, los únicos capaces de escupirse verdades insoportables a la cara, que nadie más que un hermano tiene autoridad para hacer. Aquí es donde radica una de las fortalezas del guión, es imposible para quienes tienen hermanos del sexo opuesto, no sentirse identificados en cierto punto. La empatía con todos los personajes es realmente casi instantánea. Y pronto uno estará en ese auto destartalado, ahí adentro, metido en el asiento de atrás, desandando las rutas de Entre Ríos, buscando, deseando, llorando y riendo… La intensidad al palo Que Erica Rivas es una actriz intensa no es novedad, y es así como nos presenta su Dinah, quizás por momento tiene algunos picos de demasiada intensidad, que bordean lo inverosímil, pero basta entender la presión, el lugar y estrés del personaje para normalizar todo y entender, que probablemente uno hubiera reaccionado de manera similar. Juan Minujin es un coequiper natural. Se sienten naturales como hermanos, bajándole varios cambios a la intensidad de Dinah. Párrafo a parte merecen tanto Hugo Arana en el rol del padre de los chicos como Beatriz Spelzini en su pequeño, pero genial e intenso papel. Van a conformar realmente un grupo no solo entrañable si no que nos va a invitar a saber que pasa, como termina y si encuentran “el tesoro”. Conclusión Pistas Para Volver a Casa es una peli con una tibieza y un corazón que van a disfrutar todos. Sin estupideces, sin lugares comunes o clichés, Jazmín Stuart presenta una historia entrañable que es imposible no disfrutar. Realmente aquellos que tengan oportunidad de verla, encontrarán en este, un viaje al corazón de los recuerdos, de la intimidad intocable, de aquella historia, que solo un hermano conoce y puede compartir. Imperdible.
Reese Witherspoon protagoniza un drama basado en una historia real, en el que una mujer perdida espiritual y socialmente, encabeza un largo peregrinaje para reencontrarse con ella misma nuevamente. Un largo camino a casa La tragedia familiar a veces tiene una extraña manera de disparar diferentes cosas en alguien. En Cheryl, personaje que interpreta Reese, solo disparó abusos, abusos y mas abusos. Consumo de drogas indiscriminado, alcohol, sexo casual, inseguro y extra-marital, etc. Un evidente y seguro espiral descendente a su propio desastre. Allí habitaba el personaje de Cheryl cuando su madre sucumbe a una terrible enfermedad, lo cual la deja con una depresión tal que la única manera que encuentra de evadir la realidad es el exceso. Cuando realmente se siente frente a su muerte, frente al peligro de una enfermedad, frente al divorcio de un esposo que la quería, llega a replantearse todo nuevamente, y decide irse. Camina el llamado "Pacific Crest Trail", el cual tiene 1100 millas, o sea 1800 kilómetros. Acompañaremos a Cheryl en estos 1800 kilómetros, en su viaje de reencuentro consigo misma, atravesado por flashbacks que nos irán contando de a poco, quien fue su madre, y sobre todo de que huye. Esfuerzo enorme Tanto Reese Witherspoon como Laura Dern quien compone a la madre de Cheryl fueron nominadas al Oscar, y lo tienen merecido. La interpretación de ambas es realmente muy buena. Pero sobre todo la Cheryl de Reese, quien no solo está a cara lavada la mayor parte de la película, si no que tiene muchas escenas de desnudo y sexo durante toda el film. Ademas de esto, la mochila que llevaba tenia peso real, y no tuvo dobles para caminar. Un gran esfuerzo de composición y compromiso con el personaje. Incluso llegó a preguntarle a la Cheryl Strayed original si era necesario tantas escenas de sexo, a lo que Cheryl respondió "Co**a mucho en esa época. Mucho." El camino de Santiago y el Pacifico Alma Salvaje parece una hermana gemela de la genial película de Emilio Estevez protagonizada por su padre Martin Sheen en el 2010, The Way, o El Camino, como se la conoció acá. Donde lo único que cambia es el Camino de Santiago de Compostela por el Sendero del Pacifico. Ambas películas, si bien abordan situaciones diferentes, se tocan con la misma temática. Una extensa caminata de reencuentro con uno mismo, y con seres queridos que no están mas. Recomiendo mucho, The Way, que puede ser vista back to back con Alma Salvaje. Ojo, bajo ningún punto de vista digo que haya copia o plagio. En absoluto, si no que son parecidas, porque ambas historias son similares. Y porque es algo común, es algo que la gente hace, camina para pensar, los mas normales, algunas cuadras, y los que después hacen películas sobre ello, miles de kilómetros. Conclusión Alma Salvaje es un viaje intenso al corazón de la reconstrucción espiritual, mental y social de alguien perdido por la angustia. Seremos testigos de este viaje, y acompañaremos con dolor, angustia y alegría cada paso que Cheryl tome. Contundente actuación de Reese Witherspoon para una historia aun mas contundente, sin lugares comunes, sin clichés y sobre todo sin golpes bajos, Alma Salvaje nos transporta al sufrimiento, caída y renacimiento de una mujer sin esperanzas. Caminen junto a Reese Witherspoon, será un viaje largo, pero valdrá la pena.
Muy de vez en cuando, una película se alza por entre la porquería en la cual está basada. Muy pocas veces una película se transforma en un relato épico de lo que era un libro visible y absolutamente inferior. En contadas ocasiones, una película sorprende con su calidad, dejando en ridículo al relato literario que le dio vida. No es el caso de Cincuenta Sombras de Grey. Edulcorante, soda y agua por demás A estas alturas es redundante ahondar en la temática y la sinopsis de la historia escrita por E.L. James. La cual ni literaria ni socialmente hablando tiene nada de rescatable, más bien diría todo lo contrario. Una saga espantosa, por demás misógina, que intenta promover el maltrato femenino, y estandarizar cierto tipo de objetos y popularizar su uso, con el solo fin de vender y hacer dinero. Si nos ponemos conspiranoicos, podemos decir que a E.L. James la financio ni mas ni menos que Rockefeller, con la intención de levantar, estandarizar y popularizar la venta y el mercado de juguetes eróticos, artículos cuyas ventas se encuentran en un aumento sin precedentes.. Hagan las cuentas. Pero volvamos al tema que nos comPete. La historia mostrada en el film está edulcorada, aguada y hasta diría aniñada a tal punto que las escenas de sexo tan escandalosas que vienen queriéndonos vender, podrían estar tranquilamente a la tarde en una película de Virginia Lago. Tetas y nada mas, para ser exactos. Pero claro muchachos ¡no podemos hacer una peli para mayores de 18! ¿Cuánta gente nos perdemos que pague su entrada? Bajemosla a 16 con reservas, (que termina siendo: si tenes 14 y sos alto, pasá), y destruyamos lo único "respetable" que tenia la saga. ¿Por qué digo, "respetable"?, porque si bien, Cincuenta Sombras de Grey me parece una obra deleznable, aun así, se para firme en una posición y la mantiene. Sexo, sado, bondage, amos y sumisos. Mas sexo duro, sexo escatológico, y un sinfín de catervas afines que no están en la película. Haciéndola ni mas ni menos que Twilight, pero con tetas. Vergüenza ajena... Ni mala, ni buena, ni osada Efectivamente, la cinta está tan edulcorada que termina siendo un dramón juvenil, lejos de lo que es el libro. Por lo que ni siquiera llega a obtener el rotulo de mala película, lo cual hubiera levantado la visceralidad en mi. No, es mediocre, simplemente una película mediocre y cobarde. ¿Se puede filmar Lolita de Vladimir Nabokov tal cual al libro? No. El intento de Adrian Lyne por ejemplo, si bien acertado y más provocador que el de Kubrick por simples cuestiones de época, queda siempre en el terreno de la insinuación. Obviamente no estoy comparando ambas obras literarias, en absoluto. Ademas, las escenas sexuales tienen una connotación y lugar psicológico diferente en ambas Cincuenta Sombras de Grey exigía ser gráfica, así de simple. Gráfica como el libro, gráfica como la infame escena del tampón, o como muchas otras dejadas afuera. Si le sacas eso, queda una historia casi ridícula, que ni siquiera entretiene ni se aleja de nada que hayamos visto antes. Aun así, por momentos siendo mediocre, juvenil, lisa y llanamente estúpida, la película se las ingenia para apestar menos que el libro, si eso es acaso posible. El peor pecado: No calentar En ultima instancia, Cincuenta Sombras de Grey está escrita para calentar a Doña Rosa, así de simple. Si algún hombre la leía, por la naturaleza un tanto... "ludica" que tenemos los hombres, también se habría calentado. Pero no, ni siquiera eso, esta película no tiene nada de eso. La tensión sexual que había en la sala de proyección antes de iniciar la película, se fue diluyendo con el correr del tiempo, para terminar con una libido similar a la que todos tenemos cuando tomamos mate los domingos mirando la tele con mamá . Pecado mortal para este metraje, ya que prometía escenas de sexo por todos lados. Les puedo nombrar al menos cien películas con más y mejores escenas de sexo que esta porquería y que calientan en serio (de hecho ya se viene la nota al respecto). Los actores elegidos tampoco ayudan. Ella, Dakota Johnson, insulsa, apática y sin depilar. Ademas, su personaje estudia Literatura Inglesa, y las únicas palabras que parece saber usar son "cool" y "wow". Y ni hablar de la molesta, aburrida, empalagosa y mal actuada mordida de labio inferior, la cual la redundancia en pantalla lleva a que la odiemos y queramos que tenga un accidente. Grave. El, Jamie Dornan, sobreactuado, fuera de eje y absolutamente poco creíble. Y su frase clave: "I'm fifty shades of fucked up", pasa sin pena ni gloria... Conclusión Aburrida, embolante, sin sexo, no calienta, predecible, y sobre todo tibia y cobarde. Si las escenas de sexo hubieran mas jugadas o mas gráficas, seguramente habría odiado más la película, pero al mismo tiempo, la habría respetado mucho más. Por tomar posición, por jugársela, por ir con un mayores de 18 con reservas. Pero no, hay que dejar que los niños la vean. Todo lo que podía salir mal salió mal. Los detractores de la saga la van a odiar. Y los fans, también deberían. Y el peor de los casos es que todavía estamos condenados a sufrir dos secuelas. Que encima, si se la juegan más con las escenas, lo único que harán es recordar cuan mal era la primera. Quieren sexo en el cine? Nymphomaniac. Quieren sexo en papel? Sade. Quieren sexo? Festejen el 14 de Febrero en casa, no gasten en esta película. Acá no encontrarán nada de eso.
Una película dirigida por Angelina Jolie, con un aproach a-la-Clint Eastwood, sobre héroes de guerra y sus peripecias. A priori puede sonar irrisorio. Pues créanme que de no haber escrito el guión los hermanos Coen, quizás hubiera sido el caso. En resumen Es fácil resumir este tipo de películas, que como la industria lo impone, tienen todas un mismo molde. Es muy fácil pararse en la vereda de los buenos en la Segunda Guerra Mundial, por lo cual se podría resumir esta película de la siguiente manera: Segunda Guerra Mundial bla bla bla. Japoneses y Nazis malos bla bla bla. Naufragio bla bla bla. Tortura bla bla bla. Historia de vida bla bla bla. Me salvó Diós y por eso me hago difusor de su palabra bla bla bla. Y les puedo asegurar que con eso me bastaría para resumir esta película. Ojo, no entiendan que es mala, para nada. Pero simplemente esta tan llena de cosas que YA VIMOS HASTA EL HARTAZGO que no puedo evitar, como diría mi colega Santiago Balestra, advertirles antes de que paguen $95. Increíble pero real La historia que nos cuenta Angelina es la de Louis Zamperini, quien nacido en medio de una familia italiana que migró a Estados Unidos. Tras una infancia difícil en la que llegó a delinquir, llega a ser atleta olímpico compitiendo en los juegos de Berlin y donde si bien no ganó logró llamar la atención del mismísimo Adolf Hitler, quien pidió estrecharle la mano (hecho que no aparece en el film). Obviamente, como todos los jóvenes de aquel momento, es llamado a defender su país, y en una misión de rescate (el tipo es tripulante de bombarderos), su avión cae al mar. Tras sobrevivir varios días en el mar, llega a tierra… japonesa. Allí es puesto en al menos 2 campos de concentración donde un conocidísimo criminal de guerra se la hará pasar muy mal. Pero MUY mal… Nada de esto es spoiler, ya que no solo esta es una historia real, sino que ademas lo que les conté esta en la sinopsis oficial de la película. Los Coen y Angelina La película no esta mal, es redundante, llena de lugares comunes, pero no esta mal. Cosa que no le atribuyo a Angelina, sino a los Coen. Si uno tiene a Maradona, Messi, Neymar y Batistuta en el equipo, con saber que la pelota es redonda basta para sacarle buenos resultados a ese equipo como director tecnico. Acá pasa lo mismo, con guión de los Coen, con saber plantar mas o menos las cámaras, y sacarles actuaciones medianamente convincentes a los actores, zafas el producto. Esto se ve todo, es así. Y es donde radica el error de la cinta. Esta tan llena de lugares comunes que tampoco se la juega a ser lacrimogena. Ergo, ni siquiera busca emocionarte fuertemente con una historia a pedir de boca para maricones como yo. Ni siquiera eso. La historia transcurre, a Louie le pasa de todo y vuelve a casa, fin. Conclusión Inquebrantable se ve bien, se escucha bien y esta bien actuada (aunque el muchacho que hace de Watanabe esta DEMASIADO MAQUILLADO. Por dios, aflójenle a la base!). Está toda manejada dentro de los cánones de la industria, apunta a no fallar, pero no ambiciona más. Como cuando uno estudiaba para zafar en la secundaria, y los profes nos decían: “si tan solo estudiaras más serias alumno de diez”. Angelina, si tan solo te la jugaras más, tu peli seria de diez. Pero no. Les recuerdo, $95 pesos por entrada, piénsenlo si la quieren ver en cine, o esperar un poco mas y verla en casa, o esperar unos años y verla presentada por Virginia Lago, ya que le queda como anillo al dedo.
Jose C. Campusano escribe y dirige El Perro Molina, una película donde los códigos de la calle, los yeites de los chorros, fiolos, y la policía, se funden, se confunden, y sobre todo dan lugar al choque de una especie de nueva delincuencia, con los códigos de la vieja escuela. Molina esta de vuelta La trama sigue al Perro Molina, un tipo que solía laburar afanando y demás, que ya esta de vuelta, y que quiere, de algún modo mantenerse al margen de la marginalidad, valga la redundancia. Obviamente no se podrá, ya que viejas deudas, y lealtades eternas, lo pondrán a “trabajar” nuevamente. Tanto en un ajuste de cuentas por encargo, como luego en un posterior robo y ajuste final de cuentas, esta vez personal. Podemos ver como Molina, un tipo con códigos, que quiere de algún modo arreglar las cosas sin violencia al pedo, como por así decirlo. Un tipo que no va a dudar un segundo en descargarle una 9mm a alguien en el pecho, pero que va a preferir por todos los medios no hacerlo. Por otro lado, en paralelo, seguiremos la historia de Natalia, la esposa sumisa del comisario Ibañez, que tras pelear por última vez se va a separar y le va a pegar a su ex marido donde más duele. Se hará prostituta en los peores tugurios habidos y por haber. Esto forzará la mano del comisario, ya que querrá muerto a cualquier fiolo que emplee a su ex mujer. La cosa se complicará cuando el que la emplee sea uno de los pocos amigos que tiene El Perro. Los hechos, como es de suponer, se precipitaran y confrontarán a un veterano Molina, con todos los valores de antaño, contra un psicópata y joven Gonzalito, interpretado de manera genial por Assiz Alcaraz. Actores y actores La propuesta actoral de Campusano no será del agrado de todos, esto es así. Daniel Quaranta, Florencia Bobadilla y Assiz Alcaraz son los puntos altos de la película a nivel actoral, componiendo personajes sólidos, queribles, entrañables u odiables según corresponda. El trabajo de Quaranta como el Perro Molina va de menor a mayor, teniendo escenas realmente memorables, quedando algunas entre mis preferidas de este festival. Lo mismo va para Bobadilla, quien tiene escenas jugadas desde lo físico, y mental. Assiz Alcaraz se destaca con su Gonzalito, psicótico violento y border, el cual maneja a la perfección sin caer en ningún momento en la exageración o lo caricaturesco. Y esto no solo es merito de los actores, se ve la mano de Campusano en todo. Por otro lado, completan el resto del elenco, actores y actrices pertenecientes al pueblo donde se filmo la película (Marcos Paz), quienes en su totalidad suponemos son amateurs. Es por eso que e algunas escenas el cambio de registro actoral, entre actores que componen la escena es notorio y visible. Pero dicho esto, se entiende una vez que uno conversa con Campusano, y el expone su visión del cine, y te dice como debería ser para el. Aquí es donde TODO cobra otro sentido, y El Perro Molina alcanza otros niveles más que interesantes. Para ver Tanto el arte, como la dirección, realmente se lucen de la mano de Campusano. Vemos exactamente lo que el director quiere que veamos, haciendo una utilización de la cámara y el encuadre, consciente y sobre todo honesta y rotunda. La función de la misma es mostrarnos lo que pasa, y en esto es excelente. El resto, se va agregando mientras transcurre la trama, mostrándonos los lugares en los que todo sucede, metiéndonos en los lugares en los que todo pasa, ya sea en exteriores o interiores. Conclusión El Perro Molina, es una excelente propuesta de Campusano, la cual no solo nos cuenta una historia basada en hechos reales, y sobre todo en relatos de protagonistas de historias similares, sino que ademas nos deja un personaje que quedará en la memoria, como lo es El Perro Molina, que por su realidad, por su potencia y por su contundencia se quedará, a la fuerza, en nuestras mentes. Recomiendo fervientemente darle una oportunidad a esta película, ya que no va a defraudar en absoluto. Aguante El Perro!
Jauja de Lisandro Alonso abrió el festival de Mar Del Plata en lo que era una de las proyecciones más esperadas de este año, y seguramente una de las candidatas fijas a ganar. ¿Pero le alcanza con ser candidata? ¿Le alcanza con tener a Viggo Mortensen como actor principal? Belleza Natural Técnicamente hablando, Jauja es BELLISIMA, no hay punto medio. La elección de iluminación, vestuario, encuadre (en un aspecto de 1:1, o sea cuadrado) dotan de una belleza singular a la película. La Patagonia cobra colores pocas veces vistos. Esta es la primera decisión valiente de Lisandro Alonso, en todo lo que respecta a la técnica y lo que se ve en pantalla,realmente IMPECABLE. Lo mismo pasa con el diseño sonoro, la ausencia casi constante de música, para darle entrada en diversos momentos específicos, ayuda a la experiencia realmente inmersiva de Jauja. Viggo y cía. Actoralmente la película también se destaca, obviamente Viggo hace lo suyo de manera brillante dándole vida a un agrimensor danés adelantado, de la época de la conquista del desierto (o al menos eso parece). Habría que preguntarle a Viggo cuantos idiomas habla, ya que en esta película habla danés y un español forzado que le sale muy bien. Ya sabemos que habla un perfecto porteño. El resto del elenco acompaña de manera acorde, y hacen de cada personaje un polo opuesto en la frontera del desierto, en ese lugar tan inhóspito de la historia Argentina. Viggo, lleva adelante el 70% de la película, mayormente, en silencio. Tengamos en cuenta que el guión tan solo tiene 20 paginas, por lo cual sabemos de movida, que se habla poco, pero el que habla es el viento, la lluvia, los ruidos del campo y del desierto, que es por excelencia un personaje de extremada importancia y relevancia en esta historia. Panamericana y colectora La historia es simple, la hija de Gunnar Dinesen de 14 o 15 años, se escapa con un soldadito al medio del campo. Sobre toda la historia sobrevuela la figura de un gran general renegado, Zuluaga, quien se unió a los cabeza de cocos, o indios o salvajes, no queda demasiado claro tampoco, y está bien que así sea. Ante semejante peligro, Gunnar, se embarcara solo, hacia el corazón del desierto a rescatar a su hija. Les pisara los talones, y sin spoilear demasiado todo irá de manera medianamente normal hasta que Alonso pegue el volantazo y agarre por colectora. Recuerdo estar mirando una escena, en la cual Viggo escalaba un pequeño cerro y el ángulo de la cámara no dejaba ver el otro lado del cerro. Recuerdo haber pensado, de manera fantasiosa, “que loco si del otro lado hubiera una nave espacial”. Así de loco, así de incoherente. No pasaron ni dos minutos, para darme cuenta que mi loca idea, había pegado en el palo. Bajo ningún punto de vista puedo ni quiero contar como Alonso agarra colectora. Solo puedo decir que es su segunda decisión cojonuda. La cual dividirá las aguas, y lograra amor u odio, según el caso. Argumento solido/blando La película desde su factura técnica, como dije, es excelente, lo que va a dividir aguas es su propuesta argumental. O sea, lo que se cuenta, el modo del que se cuenta, y como se cierra la historia. Es allí donde radica el verdadero meollo de la cuestión, donde realmente el espectador es desafiado, y cacheteado, obligado a salir de la modorra para tomar partido. Jauja, es una película que obliga a tomar partido. Conclusión Jauja es hasta el tercer acto una película impecable, y a partir de allí una película inclasificable. Pero bajo ningún punto de vista quiero decir mala. Considero que Jauja es de visión obligada, para que cada uno pueda sacar sus propias conclusiones. Jauja merece ser vista y disfrutada en el cine, más allá de lo que cada uno piense de su historia o su argumento. Los invito a verla, y a recordar volver a esta opinión, para comentarme que les pareció, y sobre todo que fue lo que entendieron.
Nolan nos trae su última película, escrita y dirigida por él mismo, muy esperada, plagada de buenos actores y despliegue técnico… Pero ¿es suficiente para llevar a buen puerto esta historia de mas de 160 minutos? Un Futuro Redneck La historia transcurre en un futuro donde la tierra es asolada por una sequía de años y años, las especies animales y vegetales se extinguen una a una. No hay lugar ni para la tecnología, ni para los ejércitos, ni para las universidades. El mundo solo se aboca en formar granjeros, y nada más. El personaje de Matthew McConaughey se llama Cooper y solía ser piloto de NASA, y ahora esta devenido en un frustrado granjero, que utiliza como todos, viejas maquinas de guerra para sembrar y cosechar. Su hija Murph es brillante y curiosa, y se la ve completamente incómoda con la formación escolar, únicamente volcada a la agricultura. La tierra se acaba. Así de simple. Sin embargo, algo en la habitación de Murph intenta comunicarse con ella, algo o “alguien”, intenta dejar pistas o mensajes,que finalmente llevaran a Cooper a iniciar un viaje interestelar como última esperanza no de la tierra, sino de la humanidad toda. Allí es donde empezaran los dos viajes de esta película, el interestelar y el otro, hacia el corazón y el alma humana. Rudo y Cursi Esta es sin duda la película más singular de Nolan, es una especie de proyecto en solitario, en el cual hizo lo que quiso y como quiso, y se nota mucho. Visualmente es realmente increíble, la fotografía (si se le puede decir así a ambientes generados por computadora), es asombrosa. También lo son las actuaciones de toda la plétora de actores que habitan este singular mundo. Todos están muy bien, incluso quienes dan vida a los robots que acompañan a los astronautas en su viaje, quienes poseen inteligencia artificial. (Tranquilos, casi no se le da bola al tema). El guión si bien algo simplón, no esta nada mal. Sobretodo porque a pesar de “pedir cosas prestadas” de películas como 2001, El Árbol de la Vida, La Fuente de la Vida, La Delgada Linea Roja, y demás, esta bien. El tema que va a dividir aguas realmente es el amor, y su poder como fuerza principal en la trama de la película. Alguien me pregunto si Interestellar era para Nolan lo que La Dama del Agua fue para Shyamalan. A lo que dije un rotundo SI. (cabe aclarar que ADORO La Dama del Agua). Interestellar es una aventura en el tiempo, el espacio y la naturaleza de la fuerza del amor. Asi de simple. Como en The Forgotten, pero mucho, mucho mas cursi. El Corazón de las tinieblas El amor juega un papel más que predominante en la historia, ya que es el motor que mueve a Cooper hacia adelante y lo impulsa a sobrevivir. Pero también es donde más se le puede pegar, sobre todo aquellos detractores de Nolan que tanto le vienen pegando después de The Dark Knight Rises y aquellos otros que no se bancaron no ver si el trompo se cae o no (gente de poquita imaginación, bah, que quiere todo servido, regurgitado y digerido). Igualmente puedo entender a quienes van a seguramente defenestrar esta película por su parte sensible y cursi, la cual yo veo como uno de sus puntos altos. Este viaje al corazón humano, al centro de lo que más amamos. A nuestras promesas incumplidas, a aquellas decisiones de las cuales nos vamos arrepentir toda nuestras vidas. A lo que fue y no debería haber sido, a lo que nunca fue y daríamos todo por que sea. De eso se trata Interstellar, de como el amor lo une, lo llena y lo conecta todo. De como una fuerza tan poderosa es capaz incluso de salvar al mundo. Aunque suene muy muy cursi. Conclusión Interstellar es una película única en la filmografía de Nolan. Bellísima y espectacular a nivel visual. Con sus majestuosos efectos especiales. Con actuaciones sólidas y por momentos descollantes, como las de Michael Caine, Matthew McConaughey y Jessica Chastain. Un viaje a los confines del universo y del corazón, donde el tiempo y el espacio van de la mano al momento de confundirnos, y hacernos preguntar cuan profundo es el agujero del conejo. Interstellar es una película imperdible que debe ser disfrutada con todos los sentidos.
NO por dios no! Otra adaptación de saga de libro teen. Basta por favor! Eso es lo que pensé cuando me senté a ver Maze Runner, pero vaya sorpresa, la peli me termino gustando más de lo que esperaba. La comarca, dentro de un laberinto La historia arranca en un montacargas, que deja al protagonista en una especie de pedacito de bosque en medio de un laberinto gigante. En el, Thomas como en un nacimiento, llega a la luz sin ningún recuerdo de quien era antes. Sera recibido por una comunidad de jóvenes de distintas edades, quienes le explicaran que viven en una sociedad a lo Señor de las Moscas. Cada uno cumple un rol, y Thomas, en pocos días, dada su curiosidad y algunos flashes que aun conserva, querrá ser un Maze Runner, o mejor dicho un Corredor del Laberinto, miembros de la comunidad que durante el día recorren el laberinto mapeándolo desde hace 3 años sin encontrar salida aun. Thomas cambiará todo para siempre. Hasta aquí la historia, con dejos de Lost y mucho de Los Juegos del Hambre. Un poro de pasto y mucho chroma The Maze RunnerEl chroma es lo que llamamos como pantalla verde, donde los actores actúan en un set, y después en la pantalla verde meten todo hecho por computadora. Eso es lo que vemos en Maze Runner, los muchachos están de campamento en un espacio verde, y todo lo demás es chroma, nada es real, muy poquito es realmente practico y tangible. Ojo, no por eso esta mal hecho ni mucho menos. Todo lo contrario, los efectos, y sobre todo el arte es realmente muy bueno. Hay efectivamente sensación de estar inmerso en un laberinto. Es verdad, por razones calculo que temporales, el laberinto, no es tratado como tal. No esperen a Sarah y a Jarreth con Hoggle y compañía resolviendo el laberinto. Acá el laberinto representa otra cosa, porque ademas, como nos enteraremos mas adelante, no es TAN laberinto este laberinto intrincado. Y como para añadir un “otro”, el laberinto por las noches esta habitado por unos bichos llamados Grievers o Penitentes en su horrible traducción. Son una especie de bichos biomecanicos que se morfan todo lo que encuentran. Y si no llegan a morfar, son portadores de una toxina que vuelve locos a los habitantes de The Glade, nombre demasido, DEMASIADO similar a The Shire… En fin. Estos bichitos simpáticos, parecen a priori no tener importancia, pero pueden ser la clave de todo el asunto. La “labertinidad” al palo Algo muy bueno de la película es su dinamismo y velocidad que marcan un excelente ritmo que no decae en ningún momento. Ojo no se confundan, no es vertiginosa e inentendible como una pelea de Jason Bourne. Si no que el ritmo que tiene ayuda a la narración y sobre todo a un guión algo básico y poco condimentado. La peli va a adelante sin problemas gracias a una trama sencilla como efectiva: Salir de un lugar. Como la película El Cubo, pero a cielo abierto. Las actuaciones están bien, y se destaca el rubio Thomas Brodie-Sangster quien fue el hijastro de Liam Nesson en Love Actually. Thomas encarnado por Dylan O’Brien no desentona en un papel no demasiado jugado. Otro aspecto a destacar es el papel de Teresa, una muchacha que aparecerá en cierto momento de la historia dentro de The Glade. Y contrario a TOOOODO lo que podía esperar de una mujer inserta en una comunidad TOOOODA de hombres, la historia no hace la obvia, y lo toma con cierta naturalidad. NADIE hace demasiado espamento por ella y su condición de mujer, si no por las implicancias argumentales de su presencia en el grupo. Ergo, nada de historia de amor pedorra. NADA. Bien. Gol. Conclusión Si la querés pasar bien, anda a ver Maze Runner, es una buena opción. Buen exponente de adaptación de libros juveniles que tan de moda están, tanto fanatismo despiertan, y tan como vomito salen unos atrás de los otros. Se que ciertos fanáticos se han quejado por cosas de la peli las cuales me importan poco y nada por no haber leido el libro. Lo cual al momento de sentarse a ver la película, fue una buena decisión. Acción, pochoclo, conspiración y algún que otro subtexto social blandito para una buena experiencia en cine. A correr!
Un found footage argento, a priori, no suele ser demasiado original o bueno. Sin embargo, Sin Señal tiene más de un as bajo la manga para compartir con sus espectadores. La película se planta sin ningún tipo de disimulo o vergüenza como un “Blair Witch argentino”. Todo lo que vemos es lo que hay, es lo que es, la realidad siempre estará ahí cerca, escupiéndole todas sus imperfecciones o falta de glamour a los espectadores, y si bien en un principio nos hace sentir incómodos, es en el desenlace en el que encontramos una explicación para muchas cosas, no solo a nivel guión, sino también a nivel cinematográfico en si mismo. Esta expedición a la isla deshabitada en algún lugar de nuestra república, no tiene desperdicio, si bien por momentos cae en lugares comunes, no por eso dejan de ser en principio efectivos, y en definitiva bien ejecutados. Más de un susto real tuve al ver la película, y algo que RARA vez se ve en una película argentina, o del genero en general:Tensión. Sin Señal genera tensión en ciertos momentos, por medio del cámara en mano, donde es uno el que esta expuesto a “lo otro”. Como siempre dije, en una peli de terror “convencional” es al personaje al que le pasan las cosas, en cambio en un found footage, al estar la cámara en primera persona las cosas nos pasan a “nosotros”, y esto esta muy bien explotado. Sin embargo, si bien el final, tiene una excelente vuelta de tuerca, y resuelve muchas cosas de la película, es algo flojo. Si es jugadisimo a nivel apuesta, sobre todo para una película de genero, lo cual, al menos, es respetable. No por eso, arruina el resto del viaje ni mucho menos. Incluso veo mucho futuro en un próximo film del director, el cual seguramente después de Sin Señal tenga mas dinero para desarrollarlo.
