Podría comenzar diciendo que este filme es uno de lo mejores ejemplos para ratificar ciertas cuestiones que sigan dando que hablar en relación al llamado séptimo arte. Claro que la variable de duda a transformar en certeza, no es directamente el cine, sino su funcionamiento como industria y negocio. Intentando aclarar el panorama, la pregunta del millón ¿Sigue funcionando el llamado Star System? De ser así ¿Actúa con y desde los mismos parámetros? Todo esto lo estoy pensando desde el lugar en que la película como narración, como historia, o como usted quiera llamarlo, no vale nada. Entonces sólo queda saber si el público responderá a las figuras de Tom Hanks, aquí en el triple rol de co-guionista, director y actor protagónico, y Julia Roberts como corotagonista. El primero, merecido ganador de varios premios de la academia de Hollywood, y la querida Julia Roberts que lo obtuvo una sola vez. Lo que intenta contar la película es la historia de reinvención de un hombre de alrededor de los 45 años que, habiendo sido el mejor empleado del mes durante 9 meses consecutivos en la empresa que trabaja, es despedido ante la primera necesidad de “reestructuración” de la misma, ya que él no tiene estudios universitarios y sus colegas con cargos similares si. Ídem, él es el fusible a reemplazar. Que hacer cuando la vida te juega una trampa de esta naturaleza. Creo que la única escena que vale la pena, de los 100 minutos que dura el filme, es esa en la que, con una imagen muy clara, nos muestra la situación afectiva por la que esta atravesando el personaje, extirpando el hecho de haber sido despedido. Es la escena siguiente al mismo acto de despido. Realizado con una sencillez abrumadora en un plano en el cual la dirección de arte se lleva todos los lauros, mostrando la ausencia de objetos determinados que establecen claramente la situación del protagonista. Eso es todo, créame no hay mucho más, a punto tal que sólo el personaje de Julia Roberts aparece con un buen diseño de construcción y desarrollo, hasta es ella la única que hace verosímil su personaje, en realidad podría decirse que es el único creíble. Tom hace bien lo que sabe hacer, actuar, Julia sale bien parada, el resto hace lo que puede en relación a las actuaciones, y de los rubros técnicos, nada nuevo bajo el sol. Pero vayamos más concretamente a la película y a la historia. Al pobre de Larry lo despidieron por no tener estudios universitarios, él alega haber estado 20 años en la marina de los EEUU. ¿Esto no vale nada? Podría a partir de este interrogante ponerme a filosofar (barato), a tratar de encontrarle la quinta pata al gato y decir que esto es en si mismo una gran critica, encubierta, pero critica la fin, a la moral de los yankees, ya que desde un tiempo a esta parte es sabido que las fuerzas armadas de los EEUU se va nutriendo de descendientes de latinos, asiáticos, africanos, como de jóvenes nacidos en esas latitudes y que, intentando obtener la ciudadanía del gran país del norte, encuentra en esta una buena forma de conseguirla, entregarle años al gobierno de la madre patria sirviendo en el ejercito o la marina. Debo volver al film, (repito debo volver al filme, debo volver al film….), es entonces que le aconsejan sus vecinos que se anote en los cursos de la universidad de la ciudad. Son cursos cuatrimestrales, ¿Eso alcanza? El bueno de Larry se anota en varios, uno de ellos es el de oratoria, cuya profesora es…. ¡Adivinó! Julia Roberts. Primer encuentro, miradas que se cruzan, instalación definitiva del género comedia romántica. La película se termina de desbarrancar por la total previsibilidad del desarrollo, todo lo que suceda, y no importa que, tendrá lugar en pos del único objetivo: reunir a estos dos seres. Aquí chocamos de frente con el gran problema del filme. El guión es malo, o al menos no esta trabajado, ni hay diálogos que sustenten una escena. A propósito, recuerdo algunos diálogos entre protagonistas como en “Shrek” (2001) o “La Bella y la Bestia” (1991), y estoy hablando de películas de animación para niños, con mucho humor e inteligentes. Eso no pasa en “Larry Crowne”. Para colmo de males, ese curso que le terminara cambiando la vida a Larry, aparecen un grupo de personajes secundarios, todos menos probables que el salariazo de Carlos I de Añillaco (no lo nombro, por las dudas, ¿vio?) Mientras estoy escribiendo estas líneas me aparecen otros tantos ejemplos cinematográficos que trataron el tema del despido o el desempleo, desde la comedia, como “Full Monty” (1997), o a partir del drama, como “El empleo del Tiempo” (2001), que me parece encarado desde la óptica de Tom Hanks hasta una falta de respeto al público. Si me apura le cuento que respecto a la citada escena que me gustó, ahora que lo pienso, ni siquiera es una escena, es sólo un plano, y no precisamente tarkoskiano. Me resta ver como responderá el público al llamado de las estrellas de Hollywood. No se que más decirle para convencerlo que no vale la pena perder el tiempo.
Busco mi destino Exquisita comedia dramática que tiene además de un muy buen guión, basado en la novela de Mordechai Richler “La Versión de Barney”, escrito por Michael Konyves, con infinidad de detalles, ya sea en la construcción de todos los personajes, como en los diálogos, en las acciones, en el desarrollo de la historia, un plus la actuación de el genial Paúl Giamanti como Barney y al gran Dustin Hoffman como su padre, acompañados por un grupo de actores también extraordinarios. Giamatti tiene oportunidad provocarnos risas y lamentos, rechazo y cariño, de aparentar una tremenda borrachera, despiste, dolencia y pasión, sin que en ningún momento nos percatemos que está actuando, tal es la naturalidad con la construye al personaje. Además, demuestra una química con ese otro icono mundial de la interpretación que es Dustin Hoffman. Verdad es que su rol es secundario, pero luego de verlos juntos no cabría la posibilidad de que otro actor se instale como padre del protagonista, es un abogado, ex-policía judío sugestivamente ruin y a la vez encantador. En este relato dadivoso y agudo conocemos a Barney Panofsky, como él quiere que lo conozcamos: un hombre ilusoriamente ordinario, que tiene una vida que a él le resulta extraordinaria. La franca revelación de Barney abarca cuarenta años, se desarrolla principalmente en tres espacios específicos del orbe: Roma, Toronto y Nueva York. Su historia incluye tres esposas, de la primera poco sabemos, sólo que se casa sin pensarlo ni desearlo, la segunda es nada menos que Minnie Driver, quien personifica a una típica chica judía de alta sociedad, superflua por donde se la mire. Su tercera esposa, Miriam, interpretado por la bellísima Rosamund Pike, que es con quien conforma una familia, con quien tiene dos hijos, y será el gran amor de su vida. A estos hay que sumarles el ya mencionado padre lejos de ser ejemplar, pero padre al fin, un amigo de toda la vida, casi un hermano, entrañable, disloco y un misterio. Incluyendo como si fuese un homenaje, merecido por cierto, los cameos de grandes directores de cine canadienses, como son Atom Egoyan y David Cronenberg, personificando a sendos directores de series televisivas de precaria calidad de la productora de la que Barney es el dueño. Uno de los puntos más importante deja de ser esto, para pasar a ser la forma en que esta relatado todo, los cortes temporales, las idas y vueltas en el tiempo y la desaparición aparente del guión como estructura rígida a tener en cuenta por el director, y nunca necesitar del golpe bajo para emocionar o la exageración para hacer reír. Del mismo modo, la utilización de los espacios como lugares de retorno, el diseño de arte, especialmente lo referente al vestuario, pero con un gran trabajo de maquillaje, los personajes envejecen, es cierto, pero se nota por más por los cambios de actitud, que por la exageración de la cosmética. Un párrafo aparte para la muy buena banda de sonido, que en relación directa con los otros rubros, pasa desapercibida, pero queda registrada en la memoria del espectador. En definitiva, no es más que la historia de una vida, con momentos alegres y momentos tristes, con humor y amargura, logros y fracasos, simple, sencilla, sin tragedia.
Este film podría titularse “Pequeño Spielberg ilustrado”, si bien no esta dirigido por ese rey Midas de Hollywood, todo lo que toca se convierte oro, situación que no implica necesariamente que estemos hablando de grandes textos cinematográficos. Ni que alguna de sus películas vaya a ser bisagra dentro de la historia del cine como arte, ni tampoco narrativamente se pueda decir que hay un antes y un después de Spielberg. Si, y esto hay que reconocerlo, es un gran productor, también es un eximio contador de historias, siempre supo contar, de la manera más clásica, pero en este caso esto no esta en juicio. “Súper 8” hace referencia al formato de filmación, que estuvo de moda a finales de la década del 70, al que algunas familias podrían poseer para su uso particular y los jóvenes tenían acceso para hacer sus primera experiencias audiovisuales, y jugando ha hacer cine, como muchos directores de cine cuentan haber hecho en su infancia. Hay dos historias narradas en una especie de mezcla de géneros. Por un lado, un grupo de chicos que se disponen a filmar un largometraje con esa cámara, con una estructura muy parecida a “Cuenta conmigo” (1986), esa bellísima película dirigida por Rob Reiner; por otro, es un catalogo de los temas predilectos de su productor. Son reconocibles producciones como “ET. El extraterrestre” (1977), “Encuentros cercanos del tercer tipo” (1982), “La guerra de los mundos” (2005), por supuesto que se da tiempo de homenajear otras realizaciones de ese género. Una noche estos chicos se encuentran en una vieja estación de tren para filmar una escena de la película que habían proyectado, y son testigos involuntarios de un aparentemente increíble accidente de tren, no era cualquier tren, era un tren del ejército que trasladaba en sus vagones un secreto guardado por años. Ese accidente liberará al secreto y hará que en ese perdido pueblito de Ohio comiencen a ocurrir hechos que determine al poder de turno a tomar decisiones “drásticas”, y actuar protegiendo al secreto en perjuicio de la población. Se encontrarán con la resistencia de esos adolescentes y ya nada será lo mismo. La idea de conjunción esta muy bien estructurada durante la primera mitad del filme, con muchos aciertos y muy pocos defectos, la instalación de los diversos conflictos, tanto de las tramas principales, que como queda dicho son dos, como de las consecuentes subtramas de cada una de las sendas historias. Finalmente, al promediar la proyección, una de las principales se engulle a la otra, sólo quedan sus personajes, los chicos, quienes serán nuestros héroes anónimos. Es de destacar la actuación de una joven a tener en cuenta, Elle Fanning, la casi desconocida hermana de Dakota Fanning, quien compone, y demuestra con muy poco, sus grandes dotes de actriz, muy bien acompañada por Joel Courtney, el joven eternamente enamorado de ella, y Riley Griffiths, el director de la producción en súper 8 y antagonista de Joel en lucha por el amor de la niña. Hablar de los rubros técnicos sería casi una pérdida de tiempo, sólo con señalar que son muy buenos, desde la fotografía, pasando por el sonido, sobre todo su edición, hasta el montaje de clásico de cine de acción, salvo en los que se detiene para dar lugar al otro género, y es donde se lucen los actores. Lo dicho, dos historias mezcladas, géneros que se entrecruzan en lo que termina por ser uno de los aspectos más flojos de la producción, las escenas que deberían mover al humor están preanunciando la violencia que se viene, entonces la sonrisa no se termina de producir. Salvo al final, después de la palabra fin y durante los créditos, aparece lo mejor de esta producción, si ya entro no se vaya hasta que se enciendan las luces de la sala.
Mire que me gusta Jim Carrey, me parece un muy buen actor, con el cual la factoría de Hollywood cometió varias injusticias, especialmente no haberlo siquiera nominado por su actuación en “Truman Show” (1998), sin dejar pasar por alto las composiciones que realiza de Andy Kaufman en la película dirigida por Milos Forman “The Man On The Moon” (1999), o la de su personaje en “The Cable Guy” (1996) dirigida por Ben Stiller, como para mencionar algunas producciones donde el comediante, exageradamente caricaturesco, como si eso tuviese algo de malo, dio paso al actor con todas sus herramientas histriónicas. Pero acá no hace otra cosa más que repetir el personaje que supo jugar en “Mentiroso, Mentiroso” (1997), con la salvedad de que en esa comedia había un guión muy bien escrito, bien realizado, que instalaba un verosímil de excelente manera, y luego mentí que te creo. Había una infinidad de muy buenos detalles en la construcción del personaje, desde los diálogos, de apertura y cierre de cada una de las escenas que daban paso a la siguiente como si no hubiese un salto cualitativo, dando la sensación que cada una era la consecuencia inevitable de la anterior, y la causa justa de la siguiente, pasando por las relaciones entre los personajes haciendo anclaje en la historia relatada. En “Los pingüinos de papá” se recurre a la misma formula, pero muy mal realizada, pues apunta a que el público únicamente le crea al actor, y uno lo hace, y lo perdona, pero sólo a él. Se nota demasiado que el producto tiene por objetivo que las familias pasen un rato entretenidas, para luego salir del cine totalmente vacíos, asumiendo un discurso de falsa moral, mal constituido y por ende no creíble, incluido el que sostente el valor de la familia por sobre el valor del dinero. La historia se centra en Jim, un inescrupulosos alto ejecutivo de cuentas de una inmobiliaria, que se dedica a comprar propiedades, engañando a incrédulos, por poco dinero, actividad que lo instala como un sujeto que sólo vive para hacer una fortuna que todavía no logro. Divorciado, su actitud es lo opuesto a su padre, quien era un aventurero amante de la vida. Jim no tiene tiempo para dedicar a los hijos. Su hija adolescente esta inmersa en su mundo tratando de seducir jóvenes, y no recurre a su padre por consejos pues siempre la decepciona. Mientras se prepara para celebrar el cumpleaños del varoncito, en el departamento en el que habita, le llega desde algún lejano lugar del mundo un pingüino como insólita herencia, obsequio de su padre. Como olvidó comprarle un regalo al hijo resuelve que ese pingüinito lo salva pues, apremiado por el tiempo, será su regalo para el pequeño. Complica la ingeniosa solución el arribo de otra caja conteniendo otros cinco ejemplares tan simpáticos como el primero, de esos mal llamados pájaros bobos. Es sabido que no se pueden tener este tipo de animales en un departamento, ni siquiera en los condominios de lujo. Todo lo que sucede narrativamente a partir de ese momento es una catarata de gags, que no cumplen con el cometido de hacer reír, ni plantean conflictos es el desarrollo de la trama. Los pobres animalitos son utilizados por éste inescrupuloso personaje para granjearse el afecto de sus hijos, ganarse su cariño, pero se encuentra con la oposición de un empleado del zoológico, quien se ha propuesto hacerse cargo de los pingüinos para trasladarlos a un lugar adecuado a sus necesidades ambientales. Los yankees encontraron la formula para instalar el amor de los hijos hacia los padres, no hay construcción posible. Siempre creí que a los hijos hay que quererlos por quererlos, porque es un sentimiento que te nace, o por que en definitiva son ellos los que elegirán tu geriátrico (tache la que no corresponda) Pero sí queda claro que, definitivamente, Erich Fromm, el autor de “El arte de Amar” (editorial Paidos), a lo largo de sus doscientas paginas, tratando de explicar algo del orden de la construcción del amor, también estaba equivocado. Volviendo al filme, ese supuesto conflicto se resuelve de la manera más utilizada, simple y conocida del cine de comedia familiar, si es que se puede signar como un tipo de género de comedia a estas producciones. Para colmo, luego esa pequeña situación discordante se resuelve de la peor manera posible. O sea dando lugar a un final políticamente correcto.
Hace diez años que el gran John Carpenter no filmaba un largometraje, y para su retorno eligió el género que lo hizo famoso entonces, el terror. Si bien el filme cumple con las expectativas que había despertado el saber quien era su realizador, esto es, muy buen trabajo de dirección de arte, buena selección de actores, bien dirigidos, muy buena banda de sonido, impresionante creación de climas y suspenso. Pero todo pierde parte de su valor pues lo más endeble de la producción es el guión, incluyendo los diálogos y, en especial, el final que intenta explicar lo imposible de justificar, con una vuelta de tuerca que a esta altura del siglo XXI ya es un clásico cliché. Si bien se hacen presente todas y cada una de las obsesiones del maestro del genero, esto es, espacios claustrofóbicos, sin salida, personajes tortuosos, confinados a esos espacios y a su propio ensimismamiento, a su encierro psíquico trabajado como casi una encrucijada, y a en este caso particular la gran vedette, la enfermedad. El relato se desarrolla en un neuropsiquiátrico, al cual es llevada luego de ser perseguida, apresada y sin juicio de por medio, Kristen, una bella joven acusada de incendiar la casa familiar. Ella nada recuerda de esos hechos de que la acusan, se declara inocente y normal. Esto es casi un axioma de las películas que se desarrollan en instituciones psiquiatritas. Si el personaje reconoce la enfermedad esta en el lugar adecuado, si clama por que es un ser normal se instala entonces que, como no existe un complot real contra él, sufre de paranoia, por lo que esta en el lugar correcto para su atención. Esto último lo encontramos muy bien ejemplificado en la gran película “El Sustituto” (2008), de Clint Eastwood, en la escena en que Angelina Jolie es llevada para ser interrogada por el medico del psiquiátrico. Así como Christine Collins descubre lo oscuro de la trama en su contra en la realización de Clint, aquí nuestra heroína Kristen descubrirá que el método de cura más usado es el electroshock. Pero además se le revelará un secreto a voces, los pacientes, al menos de ese pabellón, no son dados de alta sino que desaparecen. Ella luchara para descubrir y reunir los elementos probatorios que demostrarían que tiene razón. Pero se suma en su contra que los responsables de esas desapariciones no son solamente los directores, médicos y enfermeros del establecimiento, complotados contra ella, sino que hace su aparición un ser endemoniado, que durante la noche circula por los pasillos del nosocomio, no se lo ve pero se lo intuye, se lo percibe. Debemos agradecer a Carpenter no caer en la imagen truculenta, sangrienta gratuitamente, o como se la llama habitualmente “gore”. El sentido del terror esta sustentado en la creación de climas, utilizando para ello los recursos clásicos, desde la fotografía con poca profundidad de campo, lo que determina no una visión clara sino la insinuación de los objetos, hasta la banda de sonido que, como cabe a todo buen director, no necesita del exabrupto sonoro para asustar. Trabaja muy bien el fuera de campo en conjunción directa con el arte del filme. Pero el problema mayor es que el guión y el desarrollo de la historia se tornan previsibles y aburridos, lo que va en desmedro de todos sus otros logros.
Podría ponerle cualquier nombre, da lo mismo, lo único para festejar es que por fin, eso espero, se termino. Parece ser que esta es la última entrega de una saga que le dio muchos dividendos a los productores, pero que le hizo mucho daño al cine como arte, y todavía no podemos vislumbrar las consecuencias en los miles de fanáticos que quedaron atrapados. Pero estos están dados por las terribles y millonarias campañas publicitarias, no por los logros ni de los libros ni de las películas, de una mediocridad que asustaban. ¿Que fueron 7 libros, 8 películas en 10 años? Ahora que lo pienso, menos mal que no fueron 6 con 7 en 8 años, sino algunos me podrían tildar de antiK. (yo no lo voté). Como decía el gran realiador japonés Akira Kurosawa, “es muy posible hacer una mala película de un buen guión, pero es imposible hacer una buena de un mal guión”, y este axioma se cumple aquí, y en toda la serie, a rajatabla, por supuesto que con altibajos. Posiblemente la dirigida por Alfonso Cuaron se la más rescatable, la menos de producción y la más autoral, pero tampoco llega a ser una gran obra, sólo un poco mejor que sus predecesoras y, a la postre, lo mismo respecto de las sucesoras. En esta parte 2 de “las reliquias de la muerte” lo primero que se pierde es la “magia”, entendido esto como sorpresa, pues nada sorprende, todo circula desde lo correcto técnicamente a lo previsible narrativamente. Es así que a medida que avanza el relato, esto es una forma de decir, bastante benévola de mi parte, la falta de construcción, la repetición constante de situaciones y escenas que no aportan nada nuevo, no hay una progresión dramática, no hay nueva información, como que todo esta dicho, sólo falta el desenlace, y este se hace esperar a lo largo de más de dos interminables horas. En su favor hay que decir que no se midieron en gastos, sobre todo a la hora de contratar actores, desde el gran Alan Rickman, la sorprendente Helena Bonham Carter, o la insustituible Maggie Smith, hasta es destacable la composición que hace Ralph Fiennes como el malvado Lord Voldemort, siendo este un personaje como todos los demás con muy poco desarrollo y menos vuelo, pero que, a diferencia de los otros grandes actores, él aparece mucho tiempo en pantalla y parecería que a cada plano de exigencia le encuentra un detalle para no repetir gesticulaciones o posiciones corporales, lo que mayormente hace un buen actor, obedeciendo o no a las directivas del director, cuando lo hay. El punto es que hace anclaje salvaje, en el sentido de enterrar el ancla y que el barco, en este caso el filme, no se encuentre flotando en aguas que fluyan, el problema que se suma es que aquí el protagonista Daniel Radcliffe nunca hace creíble al personaje, ni en esta ni en ninguna otra de la saga, sólo que antes podía disimularlo con la ingenuidad o la simpleza de la mirada. Tampoco lo ayudan demasiado sus fieles compañeros de travesuras, empezando por Emma Watson, la dulce niña, que se convirtió en una muy bella joven, cuyos encantos la transformaron en una sexy partenaire sin necesidad de ningún toque magia para seducir a nadie, pero con muy pocos recursos explícitos actorales, no hay mascaras ni expresividad corporal. En este punto debería aclarar que la sensación transita más por el personaje que por la actriz. El otro compañero, el joven Rupert Grint encarnado al pelirrojo Ron Weasley, es el que mejor parado sale de la saga, como mostrando que va teniendo recursos de actuación y los pudo demostrar, aunque más no sea a cuenta gotas. El pobre de Harry desde que nació debe luchar por sobrevivir. El bueno por definición debe hacerle frente a los malos por antonomasia, y todo el tiempo es lo mismo, la lucha entre el bien y el mal, y otra vez, y otra vez. Para que al final, cuando ya casi queda definida la historia, los responsables tengan la necesidad que un personaje cuente todo verbalmente, redundantemente. La última escena, si es que al postre le faltaba la frutilla, todo lo que demuestra es una gran falta de respeto por el público, su público, esto dicho en el orden de estructura narrativa, donde no se toma en cuenta ni el paso del tiempo ni la modificación de los espacios a través de este, ni la evolución de nada. Total quien se va a dar cuenta
La narración esta ambientada casi a fines de la década del los ’70. Intenta ser una radiografía de la sociedad estadounidense de entonces, pero con ramificaciones hacia la actualidad, ubicándola espacialmente en los alrededores de Long Island, dentro del estado de Nueva York, en la gran manzana, el lugar al que todos deberían ir, o al menos visitar una vez, aunque para mi todavía funcione la italiana “ver Nápoles y después morir”. El titulo original, producción de 2008, es “Lymelife”, y hace referencia, y no es casual, como casi nada lo es dentro del arte, especialmente el cinematográfico, a una enfermedad descripta por primera vez a mediados de esa década y cuyo agente transmisor es una garrapata. Entonces, y partir de estas premisas, tenemos varios tipos de lecturas sobre el texto. En principio, la garrapata es un parasito externo “chupasangre”, sin ser vampiro, que ataca a los animales de sangre caliente, principalmente a los venados y ciervos, mamíferos que abundan en los alrededores en donde transcurren las acciones. El agente transmisor luego de succionar la sangre de su “anfitrión” se despega y busca otra victima. Si pica a un humano, éste podría enfermarse. El punto importante respecto de esto es que produce la enfermedad. En principio debe decirse que es muy difícil de diagnosticar ya que imita síntomas de muchas otras enfermedades. En relación del filme también debería tomarse como una metáfora, o sea que la situación actual del mundo, o a lo sumo de la madre patria, tiene al menos un punto de origen o varios, ninguno se sobreentiende, por generación espontánea. El relato se centra en dos familias en apariencia disfuncionales. Por un lado tenemos a los Barttlet, cuyo jefe de familia, Mickey (Alec Baldwin), es un exitoso empresario, casado con la bella Brenda (Jill Hennessy), padres de dos hijos, el mayor, Jimmy (Kieran Culkin), es miembro del ejercito yankee, regresa de visita a la casa familiar antes de embarcarse hacia el frente de batalla, en lo que se constituiría en uno de los fallidos más importantes del filme. Ya que ese frente esta mencionado como las “Falkland Islands”, pero por estos lares sabemos que esto sucede a principios de la década del ‘80 y no los ’70, y si a ello le sumamos que los personajes un rato antes están viendo por televisión imágenes de la toma de la embajada yankee en Irán, ocurrida varios años antes, en 1972 exactamente, la confusión es completa. Dejando de lado estas nimiedades, digamos que Scott (Rory Culkin), hermano menor de Jimmy, es el verdadero protagonista de la historia, pues todo transcurre alrededor de él. El punto de vista elegido para narrarla es él y como debe ser, aunque intente demostrar lo contrario, esta producción termina siendo de formula desde el guión y, por supuesto, en su aplicación como lenguaje visual. Scott es un quinceañero que esta por aprender que todo aquello que creía en su mundo infantil desaparecerá de un plumazo. En este crecer de golpe estará acompañado por Adrianna Bragg (Emma Roberts), la vecinita que lo tiene loco de amor desde hace algún tiempo. Ella es la hija de Melissa (Cynthia Nixon), quien es además la empleada y amante de Mickey, el padre de Scott. Por último tenemos a Charlie Bragg (Timothy Hutton), padre de Adrianna, que es quien padece la enfermedad que da nombre al filme en ingles. Todo esto son verdades sabidas y ocultadas por todos, las que Scott las ira descubriendo de a poco, al mismo tiempo se ira descubriendo como va dejando atrás ese mundo infantil en el cual se sentía protegido y seguro, lejos de la hipocresía que realmente lo circunda. En este develar secretos aparece una escena que hasta podría justificar toda la realización, al igual que en el filme “Heat” (1995), una escena que se podría decir es para alquilar balcones (aquella era protagonizada por Al Pacino y Robert de Niro), que aquí tiene por locación un bar y esta protagonizada por Hutton y Baldwin que no tiene desperdicio. El problema principal de la producción es que intenta abarcar más de lo que puede resolver, se queda en intenciones. Las subtramas por momentos cobran más importancia que la trama principal, y eso va diluyendo el interés del espectador. No tiene otro elemento de valía, sólo las intenciones del discurso, ya que desde los otros elementos constitutivos de un filme también respetan la formula, no hay búsqueda estéticas, ni un gran trabajo de escenografía y vestuario, una correcta fotografía y una banda de sonido, especialmente la música que sólo intenta dar cuenta del tiempo de la narración, no del tiempo narrativo, valga la aclaración. Si como quedo dicho anteriormente lo que se despega de la mediocridad general del filme son sus actuaciones.
Si hay algo que debo aclarar antes de ponerme a pensar que decir de esta producción yankee es que, a confesión de partes relevo de pruebas y yo debo confesar que a mi Cameron Díaz me puede, ¡que quiere que le diga!, es una de las pocas a la que le perdono todo, desde que la conocí hace tiempo en “La Mascara” (1994), esa muy buena comedia protagonizada por ella y Jim Carrey. Pero con el tiempo supo demostrarme que no es sólo una cara bonita…. (¡Qué cuerpo, mamasita!), sino que también es buena actriz, como ejemplos puedo recordar “Locos Por Mary” (1998) o “Pandillas de Nueva York” (2002). Pero, siempre hay un pero, si hay algo que me molesta es presenciar una película que se instala del lado de la incorrección política o moral, que a fuerza de lo que sea intenta ser irreverente, más allá de lo que quiera significar con irreverente, ya que no se podría decir que es irrespetuosa. Digamos que no entra dentro de los parámetros normales de las comedias ligeras americanas. Pero termina como una clásica producción romántica, decepcionando no sólo al espectador sino traicionando todo lo que intentó decir en la mayor parte del metraje. Esto tampoco la salva de caer en lugares comunes, clisés típicos de este tipo de productos pensados para un público muy bien delineado: hombres jóvenes, adultos y viejos, todos babosos, entre los que me incluyo, pero no tanto. La historia se centra en la bella Elizabeth Halsey (Cameron Diaz), de profesión docente, pero con el único deseo de ser rica, tener muchísima plata para darse todos los gustos que quiera, todos materiales por supuesto, con un sólo problema, parece ser la seguidora incondicional de uno de los próceres argentino actuales, el sindicalista Luis Barrionuevo. Ella quiere llevar a rajatabla la famosa frase de su líder espiritual argentino: “Nadie hace plata trabajando”. Es por ello que todos sus esfuerzos están orientados a conquistar el bolsillo, perdón, el corazón, de algún acaudalado caballero dentro de su grupo etario, de ser posible. Es así que cuando es descubierta por su prometido en sus intenciones, y luego de roto el compromiso, debe volver, de muy mala gana, a trabajar como docente. Ella es la antitesis de cualquier imagen benévola o icónica de lo que debe ser un profesor: adicta al alcohol, a las drogas, al dinero (por supuesto), odia a los niños, no da clase, se duerme en ella, de cada dos palabras tres son un insulto. Despectiva con todos, sobre todo con sus colegas. Discriminadora, manipuladora, tramposa, y todos los etc. posibles hacen de su presencia un arma mortal. El primero en caer vencido a sus encantos es Russell Gettis (Jason Segel), el profesor de gimnasia, pero él no cumple con el primer requisito, no tiene un peso. Un día llega a la escuela en calidad de profesor suplente Scott Delacorte (Justin Timberlake), quien aparentemente no sólo es hijo de una familia acaudalada, sino que además es atractivo, esto al decir de las mujeres, tanto las de la sala de cine como los personajes de la película. La “falla” en el recorrido planeado por Elizabeth de seducir a Scott, esta constituida por Amy Squirrel (Lucy Punch), quien interpreta a una maestra en el polo opuesto a ella. Amy será la antagonista de nuestra protagonista. En este incesante suceder de posibles gags plagados por momentos con elementos rayanos en el mal gusto, que deberían intentar hacernos aunque sea sonreír, se va construyendo un filme pasatista, que pierde la efectividad por acumulación de repetición de situaciones, no sólo de esta producción sino de muchas otras del estilo, como “Porkis” (1982) o “Malos Pensamientos” (1998). El realizador, hijo de Lawrence Kasdan, con un pasado reciente en la TV yankee, demuestra ser uno más de los tantos directores técnicos de la factoría hollywoodense. Sabe que hacer y cómo hacerlo en relación al material que le entregan, léase guión, pero queda lejos de ser un artista, siendo bondadoso hasta podría decir que sabe contar, no mucho más, por ahora y con lo mostrado. En este caso ello queda explicitado por la elección en el diseño de arte, en especial la fotografía franca, sencilla, iluminar como para que se vea y nada más, la estética ausente. Solamente se rescatan las actuaciones, del orden de la corrección, salvo Justin Timberlake, bastante azarosa su construcción, y Cameron Diaz quien logra una muy buena performance. Una joven y bellísima actriz, demasiado poco como para justificar pagar una entrada de cine, siempre y cuando allá otra para elegir.
Contra viento y marea Posiblemente estemos ante una de las películas religiosas, no diría atea por que sería falsear el texto, más agnósticas que se hayan producido. Esto dicho desde la acepción clásica del agnosticismo como filosofía que plantea a esta corriente de pensamiento como la posibilidad del humano de acceder al entendimiento a partir de lo fenoménico, o sea por lo que algo se pone de manifiesto. Sencillamente el hombre se presenta a través de sus actos. Del mismo modo que se podría leer aquella otra maravilla del séptimo arte que es “Contra Viento y Marea” (1996) del ahora, y a partir del ultimo festival de Cannes, defenestrado director danés Lars Von Trier. En esta producción la actriz Emily Watson encarna a una esposa que lleva hasta las últimas consecuencias el derecho de sostener lo que cree que debe hacer por amor, ya sea a un hombre o a Dios, aunque ello implique su propio sacrificio. Ahora viene a mi memoria otra joyita como “El Sacrificio” (1986) del genial Andrei Tarkovski, quien construye un relato de implicancias similares, pero con otro discurso y otra mirada. El filme que nos convoca narra la historia real, ocurrido en 1986, de un grupo de ocho monjes trapenses internados en un monasterio ubicado en medio de las montañas del Magreb. Primero son testigos de la tragedia provocada por la locura de las guerras religiosas en Argelia entre musulmanes y católicos, para luego al decidir no abandonar el monasterio, por fidelidad a sus ideales y principios, pasar a integrar las victimas y moneda de canje entre ambos grupos en conflicto. Si bien a primera vista, como dije al principio, podría pensarse en un filme de neto corte religioso, los guionistas y el realizador tienen la sapiencia suficiente para manejar el texto dentro de los parámetros morales y éticos más universales. Construye a sus personajes desde la tópica de “practica lo que predicas”, y no a partir de “haz lo que yo digo y no lo que yo hago”. Obra multipremiado, con el Cesar a la mejor película francesa del 2010, el Premio del jurado en el festival de Cannes, seleccionada por Francia para competir al Oscar en el rubro Mejor película extranjera, cuenta en su haber el no tener que recurrir a efectos especiales ni a 3D (¡gracias a Dios!), ni a un montaje vertiginosos de cortes abruptos, para atrapar al espectador. Es muy clara la intención del director de instar al espectador como testigo del transcurrir del tiempo interno de los personajes, como así también del tiempo dentro del espacio por el que ellos circulan, planteando el ritmo constantemente dentro de los movimientos del tiempo en las tomas y no desde el montaje organizado según su propia dramaturgia. Esto se debe a todas las variables que conforman a una producción cinematográfica: el diseño de producción, la dirección de arte, destacándose en este punto la excelente fotografía, la banda de sonido, tanto en su función empática como la constituida a partir de cantos rituales realizado por los mismos clérigos, funcional a la creación de climas entre sugerentes y de suspenso, muy explícitamente en su corriente narrativa. Esto se percibe, y queda muy claro sobre todo en una secuencia en que uno de los personajes pone música y se escucha un fragmento de “El Lago de los Cisnes”, específicamente “la muerte de la doncella”. Nada es casual y se lo puede pensar como apoyando al ya mencionado excelente guión, en el cual se destacan especialmente los pocos, precisos y equilibrados diálogos. Esto posiciona al filme como una pequeña obra de arte en su totalidad, como una gran unidad. La imagen misma germina en los planos como preexistencia dentro de cada uno de ellos ya desde la planificación. Por lo cual el montaje, esto es la forma de pegar la toma de una imagen en continuidad con la otra, sólo cumpliría la misión de coordinar esa planificación de estructura narrativa. Sobre todo en cuanto al trabajo del tiempo, otorgándole al filme una impronta que lo presentifíca como un organismo en evolución, ya que fuera del cine como entretenimiento, o mejor dicho dentro del cine de autor, del cual este es un ejemplo ineludible. El buen montaje cinematográfico implicaría el no perjudicar su relación estructural hacia lo relatado. Con tonos por momentos de extremada poesía visual sin apelar a metáforas o simbolismos, que en este caso serían totalmente inútiles y/o redundantes. Pero quien lleva en sus espaldas casi todo el peso de la seducción de los espectadores son las magnificas actuaciones, todas, destacándose, como nos tiene acostumbrados, Michael Lonsdale dando vida a un medico, parte del grupo religioso, quien se hace responsable de la salud de sus vecinos sin ningún tipo de discriminación, y Lambert Wilson que personifica al guía espiritual, responsable de todos sus compañeros, siendo asimismo la cara visible de los religiosos en su relación a los grupos antagónicos en el exterior del convento. Lo dicho, Xavier Beauvois se toma un poco más de dos horas para contarnos una historia extremadamente humana pero, ¡qué quiere que le diga!, el tiempo en este caso pasa volando o es un tiempo muy bien invertido, elija lo que mejor responde a su visión de la obra, yo no puedo. (*) Realización de Lars Van Trier de 1996.
Un americano en Paris Ya la primera secuencia del film nos instala en el devenir de toda la historia, en tanto y en cuanto aparece como un pasatiempo superficial pero que en realidad esconde en forma subyacente ideas, pensamientos profundos, en relación con el deber ser. Al igual que con su “El sueño de Cassandra” (2007) que tenia varias posibilidades de lectura. Sobre todo por la justificación del titulo que aparecía a simple vista como el nombre del barco comprado por los protagonistas pero, atravesada por una especie de thriller, dejando al espectador que supiera de la historia de la adivina griega e hiciera su propia lectura, claro que sin llegar a la casi perfección que había logrado con “Match Point” (2005), posiblemente, en realidad es casi opinión unánime, la mejor realización del genio neoyorquino en su periplo europeo. El film abre con toda una gama de imágenes muy del orden de la mirada de un turista sobre la “Ciudad Luz” pero que, si se la piensa detenidamente, nos damos cuenta que el gran Woody Allen no se queda sólo en el hecho voyeurista, no sólo manifiesta su amor por la ciudad, sino que se podría inferir como “Un Largo Viaje de un Día Hacia la Noche” (perdón Eugene), más específicamente la medianoche de Paris, que da nombre al producto. Pasando por una mañana soleada, una tarde lluviosa, un atardecer romántico y la medianoche iluminada a pleno, casi postales, pero que no es sólo eso. La definición de “Ciudad Luz” hace referencia a que fue la primera en haber iluminado artificialmente los espacios públicos. Pero también se debe a que siempre fue un referente cultural de Occidente, el centro de todo emprendimiento de nuevas corrientes estéticas, y para cualquiera que se preciará de artista, escritor, plástico, poeta o cineasta en el siglo XX era como estar en el paraíso. En ese medio ambiente nos presenta a una pareja estadounidense de novios a punto de casarse conformada por Inés (Rachel Mc Adams) y Giil (Owen Wilson), éste que pasa a ser un muy buen alter ego (desde la actuación) de Woody, claro que con cuarenta años menos. Ellos están ahí supuestamente acompañando a los padres de ella, que arribaron con el propósito de concretar un negocio, pero Giil, que no es aceptado por sus suegros, esconde algo más, vivencias que se precipitan como de vidas pasadas en esa ciudad, cuando su aspiración era ser un escritor serio, quedo amarrado como un guionista para las producciones comerciales de Hollywood. Ahora, intentando retomar el camino trazado por sus sueños, esta dedicado a escribir su primera novela, que, vaya casualidad, tiene como protagonista a alguien que vive del pasado vendiendo objetos del pasado, pero pasado al fin. En esta estadía cambiaran muchas cosas. Una noche, luego de haber ingerido más vino que el recomendable, sin llegar a un estado de embriaguez, luego de caminar por las calles de la ciudad, se detiene en la curva de una de las arterias sentándose en un banco. El silencio es cortado por las campanadas de medianoche desde alguna iglesia lejana. De un vehículo antiguo que transita por el lugar es invitado a incorporarse al grupo de personas, que lucen elegante vestuario, con destino a una reunión de bohemios. Gil se incorpora a ellos y es transportado a otra época, a la que tanto ama (al igual que el director, por supuesto), los años 20 a pleno en Paris. Allí se encontrará con todos sus referentes culturales, desde Ernest Hemingway, Cole Porter, Scott Fitzgerald, Salvador Dali (magnifica composición de Adrien Brody, o la escritora yankee Gertrude Stein (otra gran performance de Kathy Bates). Pero la que cambiara su vida será el encuentro con Adriana (la genial y bellísima Marion Cotillard), ella es en ese momento la musa inspiradora, también amante, de Pablo Picasso. Este viaje fantástico al pasado es donde se produce el quiebre del filme, en casi todos los aspectos, principalmente desde lo estético, como una clara diferenciación entre uno y otro tiempo, el pasado que se idealiza y el presente que se torna insoportable. Con una gran reconstrucción de época, con tonos calidos, muy buen diseño de vestuario, vemos a Gil estar como no creyese lo que vive, en pleno éxtasis. Por las mañanas el presente se lo muestra distante, competitivo, sin sueños y menos futuro, debe lidiar contra la chatura intelectual de los padres de su novia y contra la impostura de ella. Siempre conservando, más allá de las diferencias temporales, una línea argumental sostenida por un guión de muy buena factura, apuntalado por diálogos que aparecen sencillos, coloquiales, pero que en el fondo esconden desde pensamientos claros y profundos hasta el acervo cultural de Allen, in cluso se da el lujo de hacer humor construyendo grandes homenajes. Posiblemente, tal como ocurría en la mencionada anteriormente “El sueño de Cassandra”, aquellos que no estén familiarizado con la cantidad de personajes que circulan por el relato se perderán posiblemente los guiños del guión (parece un juego de palabras, no?) pero tendrá otra lectura tan valida y placentera como los otros. Woody Allen había manifestado hace poco tiempo que envejecer no tiene nada de bueno, se presentaba como muy alejado de ser nostálgico, y si bien durante toda la proyección uno puede tener la sensación que todo esta trabajado desde el lugar contrario, sostenido por la frase “Todo Tiempo Pasado fue mejor”, el cierre muy del orden de cortesía a Chaplin, es más que esperanzador, tanto para este presente como para el futuro no sólo del personaje. (*) “Un americano en Paris” (1951), de Vincent Minelli.