De la mano de 20th Century Fox y Dreamworks Animation nos llega Turbo, una película que lo que carece de originalidad lo compensa en entretenimiento, buena animación y un correcto uso del 3D. Rápidos y Moluscos Turbo es un caracol de jardín común y corriente. Trabaja en una huerta de tomates junto a otros miles de caracoles donde todos los días son iguales al anterior y donde sus vidas pueden terminar en un instante por las distintas amenazas que los acechan a todo momento. Pero Turbo tiene un sueño: ser el caracol más rápido del mundo, y luego de un extraño accidente lo consigue. Lejos de la huerta Turbo conocerá a otros caracoles amantes de la adrenalina y a Tito, un empleado de un restaurante de tacos, quien al ver su velocidad y con ánimo de salvar su negocio y el de sus amigos, lo inscribe para correr junto con los autos más veloces del mundo en la Indy 500. Lo importante es compensar Desde que en el año 1976 Sylvester Stallone estrenó Rocky, la lista de películas sobre la perseverancia y la autosuperación es casi infinita. Este tema es también uno de los preferidos del cine de animación, por lo cual a esta altura difícilmente se pueda ver a Turbo como una novedad. Dicho eso, es digno de destacar que a pesar de tocar un tema tratado hasta el hartazgo, Turbo termina siendo una película simpática e inofensiva. El mayor acierto del film está en no caer en el exceso de sentimentalismo que muchas veces viene de la mano con una trama como esta, de hecho es todo lo contrario, Turbo apuesta fuerte al humor y consigue sacarnos más de una sonrisa y carcajadas. Aunque a nivel guión Turbo es “una más”, a nivel visual la película es excelente. La paleta de colores y las texturas (sobre todo si la ven en digital) son simplemente espectaculares. El nivel de detalle que se logró, sobre todo cuando vemos de cerca al caracol o durante las carreras, son un placer para los ojos. También es digo de mencionar el fantástico uso del 3D, y lo digo con todo el dolor del mundo porque no soy un simpatizante del formato. El film aprovecha al máximo las perspectivas y se puede ver lo mejor de esta tercera dimensión sobre los últimos minutos, cuando Turbo ingresa a la competencia de autos. Aunque en su idioma original la película cuenta con las voces de talentos como Ryan Reynolds, Samuel L. Jackson, Michael Peña y Paul Giamatti, por desgracia (al menos para los adultos) la versión que vimos estaba doblada al español. Y si bien soy un ferviente creyente de que las películas deben verse en su idioma original, cabe destacar que el doblaje está muy bien y acompaña el tono del relato. Conclusión Turbo es una película divertida que a fuerza de risas hace olvidar las falencias de un guión poco original. Tierna e inofensiva, los más chiquitos sin lugar a dudas la disfrutarán al máximo mientras que los más grandes difícilmente resulten aburridos. El 3D expande la experiencia cinematográfica y es uno de los pocos casos donde está al servicio del relato y funciona como se debe. Sin lugar a dudas es una buena opción para estas vacaciones de invierno.
Un elenco plagado de estrellas no es suficiente para salvar a esta comedia romántica de la ausencia de un guión mas ambicioso, escenas poco graciosas y una falta casi total de romanticismo. MI GRAN CASAMIENTO (NO) GRIEGO Alejando (Ben Barnes) y Missy (Amanda Seyfried) están a pocos días de casarse. Ella es hija única de una adinerada familia americana. El es de origen colombiano e hijo adoptivo de Don (Robert De Niro) y Ellie (Diane Keaton). A su vez, Ellie y Don están divorciados y no se ven a hace 10 años, desde cuando Don la engañó con Babe (Susan Sarandon), su mejor amiga y actual pareja de Don. También están Lyla (Katherine Heigl) y Jared (Topher Grace), hermanos de corazón de Ben, quienes obviamente tienen sus propios problemas. Lyla está recientemente separada y Jared es un medico de 30 años, virgen por elección, a quien cada día le cuesta más mantener el celibato al que se comprometió hasta encontrar el verdadero amor. Las cosas se complican (aun mas) cuando Alejando se entera que su madre biológica asistirá al casamiento. La mujer es una católica conservadora que cree que el divorcio es pecado y si se entera que Don y Ellie están divorciados desde hace años, se terminaría oponiendo al matrimonio de Ben. ¿La solución? Don y Ellie deberán fingir que siguen felizmente casados durante tres días. Pero, ¿Qué consecuencias traerá esto en la ya problemática familia? ESTRELLAS Y NADA MAS Por si no se dieron cuenta leyendo la sinopsis de arriba, la historia del film es un tanto convulsionada. Hay demasiados personajes y cada uno tiene sus problemas, a su vez todos estos deben tener un tratamiento y una resolución antes de que termine la película. ¿Pero como condensar todo eso en tan solo 89 minutos? La respuesta a esa incógnita no está presente aquí. Desde el poster o avance no caben dudas que el mayor atractivo de El Gran Casamiento es su elenco plagado de estrellas. Robert De Niro, Katherine Heigl, Diane Keaton, Amanda Seyfried, Topher Grace, Susan Sarandon y Robin Williams, cualquiera de ellos es razón suficiente para pagar una entrada al cine. Por desgracia cada uno de ellos está completamente desaprovechado aquí. Si, entregan simpáticas actuaciones que en algún que otro momento pueden robarnos una sonrisa, pero no hay mucho más que eso. Para ser justos, no hay nada más que eso. El guionista y director Justin Zackham (Antes de Partir) desarrolló una historia por demás de conflictiva e hizo poco y nada para agregarle emoción o humanidad a sus personajes. Los estereotipos y lugar comunes están a la orden del día y los problemas que plantea la película son por demás de ridículos, o al menos eso termina pareciendo por el poco desarrollo que se les da. Mientras uno mira el film resulta inevitable cuestionarse cuanto de lo que había en el guión terminó quedando en el metraje final, ya que el resultado se siente rebajado y apresurado. Quizás estos recortes en la historia se hicieron en busca de un ritmo que de todas maneras nunca se llegó a encontrar y sea cual fuere el caso solo termina por perjudicar a la película, ya que a la vez hace que el espectador se aburra pronto y nunca llegue realmente a engancharse con la historia o terminar de simpatizar con alguno de los personajes. Dicen los estudiosos del cine (vaya a saber uno quienes son) que el peor pecado que puede cometer una comedia es no ser graciosa. El Gran Casamiento redobla la apuesta, ya es una comedia romántica que no solamente no es graciosa sino que tampoco termina resultando romántica. Tenemos un casamiento, tenemos una pareja divorciada que se reencuentra después de diez años, tenemos un chico virgen en buscar de su gran amor y tenemos a una chica que acaba de quedar con el corazón partido, ¿Cómo es posible que a pesar de tener tanto potencial para el romance la película no termine de despegar? Nuevamente la respuesta a esto está en el superficial guión escrito por Zackham, que pareciera preocuparse más en hacer chistes sobre sexo que en profundizar en lo que realmente le da peso a la historia. CONCLUSION A pesar de algunos divertidos momentos cortesía de De Niro, Keaton, Sarandon o Williams, no hay nada nuevo para ver en El Gran Casamiento. Justin Zackham nos entrega una película que aunque no pretende reinventar el género si espera entretener, y difícilmente lo logra. No solo carece de ambición, ritmo, comedia y romance, sino que si uno se pone a hilar fino hasta termina resultado un tanto ofensiva a la religión y al pueblo latinoamericano. Cualquier espectador que quiera ver a estrellas de cine divirtiéndose en la pantalla más que uno mismo en la butaca seguramente pasará un grato momento, pero caso contrario recomiendo que esperen a verla en cable.
El guionista y director M. Night Shyamalan supo conocer tiempos mejores. Su película Sexto Sentido fue un sorprendente éxito de taquilla e incluso logro varias nominaciones al Oscar, lanzando la carrera del cineasta a otra dimensión. Sus siguientes proyectos (El Protegido, Señales y La Aldea) mantenían, en mayor o menor medida, la misma calidad por la cual supo hacerse un nombre dentro de la industria. Pero luego llegaría la hecatombe, la debacle total, una seguidilla de películas bochornosas como La Dama en el Agua, El Fin de los Tiempos y El Ultimo Maestro del Aire que no harían más que tirar a la basura lo que una vez pareció ser una prometedora carrera. Después de la Tierra, protagonizada por Will Smith y su hijo Jaden, es el nuevo intento de Shyamalan para volver a las grandes ligas. Con idea original del propio Smith de por medio el director filmó, quizás, su películas más ambiciosa. Pero ambición y calidad desgraciadamente no siempre van de la mano. Recuerdos de la tierra en que nací Luego de siglos de maltrato la tierra finalmente nos pasó factura. Mil años atrás los humanos debieron abandonar el planeta y refugiarse en otro dominado por temibles extraterrestres que pueden oler nuestro miedo. Cypher Raige es una leyenda entre los humanos que habitan allí. El hombre tiene el poder de “fantasmear” (ocultar el miedo) y así volverse invisible para estos seres a los cuales se intenta vencer. Kitai, su hijo, vive bajo la larga sombra que proyecta su padre e intenta impresionarlo y ganar su aprobación siempre que tiene la oportunidad. Pero luego de un accidente en un viaje de rutina ambos quedarán varados en la tierra, donde todo evolucionó para eliminar a los humanos. Con Cypher malherido, Kitai deberá vencer todos sus miedos y emprender un viaje en busca de ayuda. Espejito, espejito ¿Quién es el actor más bonito? Smith padre y Smith hijo ya habían trabajado juntos en un terriblemente manipulador film llamado En Busca de la Felicidad. Desde aquel entonces Will padre tuvo una sola idea fija en su mente: convertir a su hijo en una estrella de Hollywood para continuar su legado. Fue así que le produjo una no tan horrible remake de Karate Kid, donde el niño interpretaba el personaje de Daniel San y estaba coprotagonizada por Jackie Chan. Luego a Will Smith se le ocurriría hacer un nuevo film juntos, y así fue como nació la idea Después de la Tierra. La pelicula es básicamente un proyecto para lanzar la carrera cinematográfica de un niño sin ningún tipo de carisma pero con mucho, mucho dinero. Entonces, ¿Qué podemos esperar de una película donde la principal motivación detrás del ella es la vanidad y el narcisismo de su ideólogo, productor y protagonista? Absolutamente nada. Y en ese sentido el film es honesto, ya que no tiene nada para ofrecer. Uno no puede sentir más que pena por M. Night Shyamalan a esta altura. Quedó atrapado en el medio de este juego de vanidades de la familia Smith. A pesar de lo que la crítica y la gente suele opinar, realmente disfrute mucho las últimas películas del Sr. Shyamalan, sobre todo de El Final de los Tiempos, pero no hay nada en Después de la Tierra que pueda decir para defenderlo. El film está hecho para el lucimiento de sus estrellas, y aunque a primera lectura el argumento puede sonar original y hasta divertido, lamentablemente la película termina siendo un panfleto sobre el ecologismo y la autoayuda, cosas que no estarían del todo mal si no fuera por lo siguiente. Shyamalan, Smith y compañía se empecinan en hacernos creer que el mensaje que tienen para nosotros es profundo e importante, y aunque puedo estar de acuerdo con lo segundo, la banalidad y la redundancia que existe con la temática durante toda la película, hace imposible tomárselo con la seriedad que merece. Will Smith no se planteo demasiados desafíos a la hora de encarar su personaje. Está claro que interpreta a un hombre sin miedo porque lo repiten una y otra vez durante los primeros minutos del film. Pero al parecer para Smith no tener miedo significa tampoco tener ningún tipo de emoción. Su hijo tampoco se queda atrás, no solo no tiene la capacidad actoral para llevar adelante una película de este tamaño, sino que ni siquiera tiene el carisma y la presencia suficiente. Aparte de tener menos expresión que un ladrillo, su cara nos da la sensación de que acaba de chupar un limón. Por otro lado debo decir que la película no es un completo bodrio. A pesar de todos sus problemas y el tiempo que le llevar comenzar con la acción propiamente dicha, una vez que empieza nunca para, por lo cual resulta difícil sentirse aburrido. Dada la presencia de una estrella como Will Smith, Shyamalan contó también con un más que generoso presupuesto que fue bien invertido en un interesante diseño de producción y fantásticos efectos especiales. Conclusión Después de la Tierra es algo que saldría de un hipotético guión escrito entre el psicólogo Jorge Bucay y la organización ambiental Greenpeace. Will Smith pocas veces estuvo peor y su hijo debería estar agradecido a su padre por el regalo de $130 millones de dólares que le hizo al permitirle protagonizar el film. Shyamalan por desgracia acaba de poner otro clavo en su ataúd y pareciera difícil que pueda revivir su carrera después de este tremendo fiasco. Solamente puedo recomendar esta película a los fanáticos de Will Smith (si es que existe alguno) y a los amantes de la ciencia ficción. Por otro lado, absténganse o mejor, húyanle como a la peste.
El cine de género nacional sigue dando gratas sorpresas. La nueva película del director Daniel de la Vega es un efectivo festín de sangre, violencia y humor negro que derrocha originalidad en cada plano. El film se hizo con el premio a la mejor película Argentina en el último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Los hermanos sean unidos Matías es el típico joven al que podríamos referirnos como un perdedor. Esta perdidamente enamorado de una compañera de trabajo pero no se anima a avanzar con ella, su ex novia lo persigue y finge intentos de suicidio en su casa para reconquistarlo, sus compañeros de trabajo lo denigran y su jefe se niega a darle un aumento. Definitivamente la vida no es muy buena para Matías. Pero casi de casualidad (o no tanto) se rencuentra con un viejo conocido que no tardará en convertirse en su mejor amigo. Esta extraña figura es Nicolás, una persona que es todo lo contrario a Matías, y que convencido de que su nuevo mejor amigo merece una vida mejor, hará todo lo que sea necesario para que Matías sea feliz. Y cuando decimos todo lo necesario, eso incluye asesinar a cuanta persona se interponga en el camino. Nacimiento de un clásico de culto En los últimos tiempos, el cine de género nacional dio un importante salto de calidad. Películas como Malditos Sean!, La Memoria del Muerto y Diablo se estrenaron comercialmente en cines acompañadas de grandes criticas y buenos números, y aun es posible disfrutar de ellas en circuitos alternativos. Poco a poco la gente comienza a confiar nuevamente en este tipo de cine que también se puede hacer en nuestro país. Películas como estas demuestran que a pesar de contar con un presupuesto por demás de acotado, cuando hay un buen guión y gente inteligente detrás del proyecto se puede hacer grandes cosas. El director Daniel de la Vega y sus guionistas Martín Blousson, Germán Val y Nicanor Loreti (guionistas de La Memoria del Muerto y Loreti también director de Diablo) son personas que consumen este tipo de películas casi desde la cuna, conocen a la perfección la reglas del cine y sobre todo las del genero, es por eso que cuando uno ve un film que involucra a cualquiera de ellos ya no resulta una sorpresa la calidad de la historia y sobre todo los personajes y su excelente desarrollo. Si tuviéramos que catalogar a Hermanos de Sangre dentro de un género quizás el que mejor le quepa es el de comedia negra. Pero la realidad es que el film es difícil de encasillar. Hay suspenso, hay acción e incluso hay algo de terror. Tal como dije antes, De la Vega y compañía conocen los géneros y los tiempos del cine a la perfección y se divierten en el material. No es raro reírnos mientras los personajes charlan tranquilamente mientras están descuartizando un cuerpo, o cuando de repente le vuelan de un tiro la cabeza a alguien. En el plano actoral nadie desentona, Alejandro Parrilla está perfecto como el “loser” Matías e incluso Juan Palomino y Carlos Perciavale (haciendo de tía!) brillan cada vez que aparecen en escena, aunque por desgracia no son demasiadas veces. Las chicas del film Jimena Anganuzzi y Natalia D’Alenna tambien cumplen sus papel como se debe e incluso hay un pequeño rol para Coqui Sarli, hija de la Coca Sarli, quien tiene todos y cada uno de los atributos que hicieron famosa a su madre. Me reserve para el final a Sergio Boris, quien interpreta a Nicolás, la “otra mitad” de Matías. Boris encara a su personaje con una perfecta mezcla de seriedad y acides que hace que sea imposible quitarle los ojos de encima. Su personaje es diabólicamente divertido y me animaría a decir que es una de las principales razones por las cuales Hermanos de Sangre es una película que no se puede dejar pasar. Conclusión Hermanos de Sangre es una muy buena propuesta de un nuevo cine nacional que aun está en etapa de crecimiento. Como si apoyar este tipo de incursiones no fuera suficiente razón para ir al cine, la película hace valer cada peso de la entrada. De la Vega, junto a sus guionistas Blousson, Val y Loreti y de la mano de un gran elenco lograron un film intenso, que una vez que arranca nunca para y derrocha sangre, humor y violencia en las medidas justas.
¿Magos cometiendo estafas millonarias mediante trucos? A primera vista la idea suena interesante. De la mano de un elenco que derrocha carisma, el director Louis Leterrier (El Increíble Hulk, El Transportador) logra con Nada Es lo que Parece una película entretenida, pero que se limita a si misma debido a un guión muy poco trabajado. Abracadabra Cuatro magos callejeros son convocados por una misteriosa figura para formar Los Cuatro Jinetes, un equipo de ilusionista que mediante trucos de magia realizarán robos millonarios y regalarán ese dinero a su público. Los robos de Los Cuatro Jinetes parecen tener blancos específicos y los benefactores resultan ser siempre gente golpeada por la crisis económica. Pero luego de un acto en Las Vegas donde consiguen robar un banco en Paris sin siquiera moverse del escenario, llamarán la atención del FBI y la Interpol y así comenzará una cacería para intentar capturar a los Jinetes antes de un último y definitivo acto. Pero las cosas no serán para nada fácil, porque como dice el título del film, nada es lo que parece. El guión desaparece Desde los primeros avances Nada es lo que Parece llamó mi atención. Tiene una historia que promete una buena dosis de entretenimiento, dirigida por una persona que ,si bien no todo lo que toca es oro, logra divertir con sus películas, y por ultimo tiene un elenco de grandes figuras conformado por Jesse Eisenberg, Mark Ruffalo, Woody Harrelson, Mélanie Laurent, Isla Fisher, Dave Franco, Michael Caine y Morgan Freeman. Entonces ¿Qué puede salir mal? Quizás en depender demasiado de esos factores y no trabajar un poco más en el guion esté la respuesta. Verán, Nada es lo que Parece no es una mala película. Simplemente es una película poco inspirada y perezosa. Fuera de la breve sinopsis que pudieron leer más arriba, no hay absolutamente nada original en este film. En un comienzo los trucos y los giros de la trama tienen una explicación sensata, pero pareciera que a la mitad de la película los guionistas dejaron de intentarlo. Las cosas suceden porque suceden, por más que no haya ninguna lógica detrás o porque fue necesario meter un nuevo giro en el guión para mantener a la trama corriendo. El desarrollo de los personajes es casi nulo, por lo cual cuando llega la resolución final con el último gran giro, es casi imposible no ponerse a buscarle algún sentido a lo que acaba de pasar. ¿A caso me perdí de algo? No, para trazar un paralelismo con magia, podríamos decir que los guionistas sacaron esta resolución de la galera. Y si, al igual que la película es divertida, pero sin ningún tipo de sentido. Si algo hace que Nada es lo que Parece nunca termine de caer, es su gran elenco. Esta película, como pocas, avanza a fuerza de carisma. Aunque el guión no los exige demasiado, la simple presencia de Jesse Eisenberg, Mark Ruffalo y Woody Harrelson, al igual que la del resto de los actores, es suficiente para que el espectador no quiete los ojos de la pantalla. La acertada dirección de Louis Leterrier es también algo que mantiene a la película de pie, el hombre no pierde el tiempo y mantiene al film en movimiento, aunque a veces no separa para que lado agarrar. Conclusión Cuando comienzan a correr los títulos uno se cuestiona si realmente valió la pena lo que acabamos de ver. Nada es lo que Parece no tiene nada nuevo para ofrecer, a pesar de que en un primer momento pareciera lo contrario. Hay peor manera de pasar dos horas que esta, pero resulta inevitable (al menos para quien critica) lamentarse por la inigualable oportunidad que se acaba de perder. Quienes vayan a buscar un entretenimiento puro y sin sentido no van a salir defraudados, pero al segundo que uno comienza a cuestionarse sobre la lógica detrás del film, la película comienza a derrumbarse como un castillo de arena.
La directora inglesa Sally Potter, responsable de La Lección de Tango (película que filmó en nuestro país), regresa con Ginger & Rosa, un film honesto y maduro sobre la adolescencia y la amistad que a la vez intenta retratar las dificultades de crecer con un mundo (tanto a escala global como personal) que se viene abajo. ¿Alguien quiere pensar en los niños? Londres, 1962. Ginger y Rosa son amigas desde que tienen memoria. Ginger vive con su madre, un ama de casa y artista frustrada, y con su padre, un profesor idealista y pacifista. Rosa vive solo con su madre y sus hermanos. Las chicas hacen todo juntas, pero mientras Ginger se interesa mas por la poesía y por el activismo, Rosa parece interese en la religión y los chicos, pero en algo coinciden ambas, ninguna de las dos quiere llevar la misma vida que llevan sus madres y piensan que están destinada a algo mejor. Pero mientras tanto el mundo está al borde del desastre, la crisis de los misiles en Cuba y un posible holocausto nuclear son el tema de todos los días. Aquí las amigas comenzará a distanciare, Ginger empieza a militar por el desarme nuclear mientras que su familia poco a poco se desintegra, y Rosa comenzará a desarrollar un interés por Roland, el padre de Ginger. Inocencia Perdida Sally Potter no es una santa de mi devoción, de hecho es todo lo contrario. Nunca logré relacionarme con su cine y luego de ver solo un par de sus películas simplemente deje de preocuparme. Pero con Ginger & Rosa Potter logra lo que nunca había logrado antes, retratar a la perfección una edad y una época y de una forma más que accesible para el público. Elle Fanning, aquella divina niña de Súper 8, da vida a Ginger en más de un sentido. Es casi imposible para uno no relacionarse con ella, Fanning hace un trabajo estupendo transmitiendo sus sentimientos y emociones y vivimos con Ginger ese momento donde uno termina de perder la inocencia e inevitablemente deja atrás la adolescencia para convertirse en un adulto. Potter reflexiona de manera magistral con esto. ¿Cuándo uno se convierte en adulto? ¿Está relacionado directamente con la edad física y natural de una persona? O tal como le pasa a Ginger, ¿son las circunstancias de la vida las que llevan a uno a dejar atrás “las cosas de niños” y comenzar a comportarse de una manera un tanto más “responsable”? Es esto último sobre lo cual se explaya Potter. Ginger debe liderar con el divorcio de sus padres y con Rosa comenzando una relación con este último, es así como encuentra en la militancia un desahogo, una forma de canalizar lo que le está ocurriendo. Cuando Ginger dice que ella milita para salvar el mundo, ¿a qué se está refiriendo exactamente? ¿Al mundo tal como lo conocemos o a su propio mundo? Ese que se le está viniendo abajo. Es cierto que quizás Potter, por momentos, no tenga demasiada idea hacia dónde va la película. Pero esto está también directamente relacionado con el eje central del film, la adolescencia. Ginger & Rosa funciona como una gran metáfora sobre la misma y tal como nos sucede en esa etapa, muchas veces estamos perdidos, si saber para qué lado agarrar, comenzando cosas y dejándolas por la mitad, buscando nuestro destino. Todo por lo que pasan tanto Ginger como Rosa a lo largo del film no es más que un reflejo de esa lucha que tiene cada adolecente para encontrar quien realmente es y en quien se quiere convertir. Curiosa es la elección de Potter de contratar en su mayoría a actores norteamericanos para interpretar a ingleses. Como ya dije previamente, Fanning brilla en el papel de Ginger, y el resto del elenco secundario tampoco se queda atrás. Alice Englert también está fantástica como Rosa y lo mismo Alessandro Nivola, Timothy Spall (el único ingles del elenco principal), Oliver Platt, Annette Bening y la bella Christina Hendricks. La fotografía de Robbie Ryan es otro de los puntos a rescatar, filmada mayormente con cámara en mano y con un excelente uso de los colores e iluminación, ayuda a Potter a encontrar el tono perfecto que necesita la película. Conclusión Decir que Ginger & Rosa merece ser vista simplemente por la actuación de Fanning sería demasiado, pero no injustificado. El guión de Potter es un tanto desordenado y por momentos bastante literal, dejando pocas cosas a la imaginación, pero aun así el resultado es una película cálida y melancólica que retrata de manera casi perfecta la amistad, la adolescencia y eso gran paso que damos hacia la adultez.
Después de muchos años, Ana María Picchio vuelve a protagonizar una película (con idea propia de por medio), de la mano del director Rodolfo Durán y acompañada por Manuel Callau, Malena Solda, Alejandro Awada y Miriam Lanzoni. Y aunque el film tiene las mejores intenciones y brilla a nivel actoral, lo desparejo de la narración hace que el resultado final no termine siendo del todo satisfactorio. Que treinta años no es nada Hace 30 años Paco (Callau) partió hacia España dejando atrás a Magarita (Picchio), a quien a pesar de los años nunca olvidaría, y hoy está de regreso en Argentina para apadrinar la boda de una pareja amiga. Es aquí, con desencuentros de por medio, donde volverá a tener noticias de ella. Margarita hoy es una docente jubilada, viuda y maneja una pequeña empresa de catering junto a su socia Ethel (Lanzoni), quien es a su vez amiga de su hija (Solda). Cuando Paco y Margarita se reencuentran no tardará mucho en florecer aquel viejo amor que los unió por primer vez hace ya tantos años, pero viejos rencores y repeches saldrán a la luz de la mano de un secreto que se mantuvo guardado por años y podría cambiar la vida de ambos para siempre. El sabor del encuentro No es muy difícil sentir simpatía por Paco y por Margarita desde los primeros minutos de película. El director Rodolfo Durán, de la mano de la guionista Marcela Sluka, hace un muy buen trabajo presentándonoslos y estableciendo el interesante conflicto que se está por venir. Durán juega con el público y se divierte, paseando a sus personajes por una misma locación y al mismo tiempo, pero sin dejarlos cruzarse, postergando el encuentro, aunque quizás postergándolo por más tiempo del que debería. No caben dudas de que el film gira en torno a Paco, Margarita y la relación o encuentro entre ambos, pero los momentos se alargan innecesariamente hasta la llegada de este. Paco recorre la ciudad que dejó atrás hace 30 años y al mismo tiempo vemos flashbacks de su vida cuando aún era joven y vivía en Buenos Aires, cuando conoció a Margarita y ese horrible momento donde debe dejar todo atrás y partir hacia una nueva tierra. Si bien muchas de estas escenas nos ayudan a comprender lo que está por venir, la realidad es que muchas otras no, y daría la sensación de que están simplemente para ganar minutos y no terminar con una duración más cercana al mediometraje (la película dura alrededor de 85 minutos). Una vez que se concreta el encuentro entre Paco y Margarita la película retoma la buena senda, incluso con un “giro” que se ve venir casi desde los primeros minutos. Picchio, Callau y Solda sacan a relucir todo su oficio y entregan maravillosas actuaciones. Cuando yo te vuelva a ver no es ajena a dos problemas que aquejan ya casi de manera preocupante al cine nacional (o al menos a gran parte de él). El primero de todos es la musicalización. Me escapa si esto está directamente relacionado a cuestiones presupuestarias o son simplemente decisiones artísticas, pero aun se sigue musicalizando como si esto fuera una novela que se transmite al medio día durante cualquier canal de aire. La acentuación de la música en las escenas dramáticas roza el nivel de lo burdo y pareciera que lo único que le falta a la película es un subtitulo bien grande al fondo de la pantalla con la leyenda: ACA ES CUANDO TE TENES QUE EMOCIONAR. Y el segundo problema es la resolución, de la cual no voy a hablar mucho porque no me gustaría arruinar el final a quienes vayan a ver el film, pero déjenme decirles que uno sale con gusto a poco luego de acompañar a estos queribles personajes en lo que fue su encuentro después de 30 años. Conclusión Cuando yo te vuelva a ver es una película que está lejos de ser una obra maestra pero se las rebusca para contar una linda historia con buenos personajes. Si bien narrativamente no podría ser más dispar, el film logra mantenerse a flote gracias a las maravillosas actuaciones de gran parte de su elenco, entre los cuales sobresalen Picchio, Callau y Solda. No caben dudas de la película tiene mucho esfuerzo detrás y cuenta con las mejores intenciones, pero quizás con un guión mas fuerte el resultado hubiera sido otro.
Dirigida por Sang-soo Hong y protagonizada por la francesa Isabelle Huppert, En Otro País es una comedia surcoreana sin demasiadas pretensiones que logra todo lo que se propone. Una francesa en Corea del Sur Isabelle Huppert interpreta a Anne, una turista francesa en Corea, durante tres historias distintas. Lo único que tienen en común entre si es a Huppert como protagonista y que todas se desarrollan en un mismo pueblo costero. De Corea con amor En Otro País es una producción independiente que nos llega desde Corea y está protagonizada por la francesa Isabelle Huppert. Contada en tono de comedia, el director Sang-soo Hong simplemente se limita a posicionar la cámara y dejar que la magia fluya delante de sus ojos. Sacando entre escena y escena la película no tiene cortes. Sang-soo se limita a corregir sus planos mientras la película corre, ya sea aplicando un zoom o un paneo. Esto le da a En Otro País un gusto especial, ya que el film se limita casi totalmente a la interacción de Anne con los personajes de la zona y Sang-soo Hong nos la entrega sin ningún tipo de montaje. La película avanza a gracias a la simpática interpretación de Huppert y del resto del elenco. A pesar de tener siempre el mismo nombre, el personaje de Anne personaje cambia entre historia e historia. Y aunque a lo largo de los relatos muchos personajes, situaciones e incluso diálogos se repiten, es la espontaneidad de las actuaciones lo que terminan por lograr que la película nunca llegue a aburrir. Sang-soo Hong aborda algunos temas universales durante el film pero nunca profundiza demasiado en ellos. Al fin y al cabo esa nunca fue la intención de En Otro País. El personaje de Anne se cuestiona sobre el amor y la fidelidad, pero siempre mientras dialoga con alguno de sus ocasionales encuentros con los locales y luego continúa su recorrido. Anne también sufre las limitaciones del idioma, algo similar a lo que le ocurre a Scarlett Johansson en Perdidos en Tokyo, pero está lejos de sentir la soledad que si sentía el personaje de Johansson y era uno de los temas centrales de dicho film. Conclusión En Otro País es una película chiquita, sin demasiadas pretensiones, que logra su cometido. Es divertida, dulce y por momentos melancólica. Isabelle Huppert (impecable a sus 60 años) está fantástica en el papel de Anne y lo mismo el elenco secundario que la acompaña. Sang-soo Hong apuesta a sus actores más que al conflicto del relato mismo y eso hace que En Otro País funcione.
Las segundas partes nunca fueron buenas, dice el famoso saber popular. ¿Pero qué tal la secuela de una mala película? ¿Tienen oportunidad de mejorar todo lo que hizo mal su antecesora? ¡Claro que sí! Pero lamentablemente no es el caso de El Ultimo Exorcismo 2. De hecho es todo lo contrario, comete todo los mismos errores, y más. Exorcismos 1.0 Nell Sweetzer, por alguna razón, logró salir con vida de los eventos de la primera película. Aquí la encontramos intentando rehacer su vida, pero no le será para nada fácil. El demonio que alguna vez la poseyó está lejos de desaparecer y reclama con más fuerza lo que le pertenece, el alma de Nell. Una que sepamos todos Al parecer El Ultimo Exorcismo no era realmente el último, ya que tres años después de semejante bodrio, lo productores lo vuelven a intentar. El Ultimo Exorcismo 2 comienza no mucho después de los eventos de la primera y con una secuencia que recuerda al reciente film de terror Mamá. Luego de esta breve escena y un repaso por los hechos de la anterior película, vemos Nell intentando rehacer su vida. Si bien el film original estaba lejos de ser una buena película, si tenía algo original a su favor. Contada en formato “found-footage”, al mejor estilo documental, la película se convirtió en un éxito porque se estrenó cuando estaban de moda los films de terror filmados con esa estética. Hoy las cosas cambiaron, ese estilo está limitado a las parodias de dichos films como son Scary Movie 5 o ¿Y dónde está el fantasma?, por lo que los realizadores detrás de El Ultimo Exorcismo 2 decidieron dejar de lado el documental y contar el relato de una manera más convencional. Grave error. Dicha decisión no hubiera estado del todo equivocada si se contara con un guión original, con una historia interesante y buenos sustos. Tampoco es el caso. El Ultimo Exorcismo 2 es un cliché tras otro, mal actuado, aburrido y que solamente lograría asustar a jóvenes o adolecentes que recién comienzan a interiorizase en este maravilloso mundo que es el cine de terror. Entonces ¿por qué razón los realizadores decidieron dejar de lado la única cosa que volvía atrayente al primer film después de todo? La respuesta a eso me sobrepasa. El Ultimo Exorcismo 2 es una película lenta, muy lenta, que se construye de a poco hasta llegar a un clímax muy poco satisfactorio. Para hacernos una idea, imaginemos al film como una ruta en medio de la nada, que se hace sumamente larga y termina desembocando en un precipicio, eso mismo es El Ultimo Exorcismo 2. Para colmo de males, el film tiene un mensaje moralista salido de un manual que podría llamarse Como Ser un Fanático Religioso para Dummies. A lo largo de la película el demonio tentar a Nell con música de rock y sexo para llevarla nuevamente al “lado oscuro”. Pocas cosas se pueden decir a favor de este bochornoso intento de film de terror. Quizás lo único rescatable son los últimos cinco minutos de película, cuando por fin vemos en pantalla algunas ideas interesantes bien plasmadas, pero que llegan demasiado tarde para siquiera hacernos olvidar del desastre que acabamos de presenciar. Conclusión El Ultimo Exorcismo 2 no tiene nada nuevo para ofrecer. Todo lo que se ve aquí ya fue hecho y de mejor manera, ¡y ni siquiera estoy teniendo en cuenta a El Exorcista! película bisagra del cine de terror. Quizás el mayor problema aquí está en que la película se toma demasiado en serio a sí misma y no se permite jugar un poco con el material. Lenta, aburrida, mal actuada y poco original, el film simplemente es un “grandes éxitos” de películas de exorcismos, y de las malas.
Antoine Fuqua, el director de Día de Entrenamiento, y Gerard Butler, la estrella de 300, unen fuerzas en una superproducción ultranacionalista y no del todo original que, si se la acepta tal cual es, termina siendo una muy entretenida manera de pasar dos horas. Mi único héroe en este lio Mike Banning (Gerard Butler) es parte del Servicio Secreto y jefe de la Guardia Presidencial, pero luego de un fatídico accidente donde la Primera Dama pierde la vida, es removido de su cargo y trasladado a uno de menor relevancia. Dieciocho meses después, en un día como cualquier otro, un grupo de terroristas procedentes de Corea del Norte toma por asalto a la ciudad de Washington DC y capturan al Presidente de Estados Unidos (Aaron Eckhart) junto con gran parte de su gabinete, dejándolos prisioneros en la Casa Blanca. Pero los terroristas no contaban una cosa: Mike Banning. El hombre es un ex soldado de las Fuerzas Especiales y no va a dejar que arruinen su día tan fácilmente. Usando todo su conocimiento y con la ayuda de Seguridad Nacional, Banning se interna solo en la Casa Blanca con una clara misión: rescatar al Presidente. Con los terroristas En Ataque a la Casa Blanca, Gerard Butler se calza el traje de John McClane y sale a repartir tiros, trompadas, patadas y cuchillazos a cualquier norcoreano que se cruce por su camino. Butler definitivamente no es Bruce Willis, carece del humor acido que identifica a este último, pero así y todo hace una buena pseudo imitación del personaje principal de la saga Duro de Matar. Porque al fin y al cabo, Ataque a la Casa Blanca no es más que una Duro de Matar situada en un contexto un tanto más exagerado. Antoine Fuqua se toma su tiempo para establecer el conflicto. La película comienza con una secuencia durante la Navidad, donde la Primera Dama muere en un accidente y el personaje de Butler solo logra rescatar con vida al Presidente. Luego de esto comienza lo que realmente quiere contar la película: el ataque a la Casa Blanca. En una secuencia de acción por demás de espectacular, terroristas procedentes de Corea del Norte toman el control de aposento Presidencial y, como es costumbre, planean destruir a Estados Unidos. Esta secuencia de alrededor de 10 minutos esta fantásticamente filmada y, aunque los efectos especiales no son de lo mejor, logra su propósito. El inconveniente aquí es que nada de lo que ocurre durante el resto de la película logra si quiera acercarse a esa intensa secuencia de acción, por lo que la película poco a poco comienza a desinflarse. Butler está acompañado por un gran elenco, entre ellos Aaron “Dos Caras” Eckhart y Morgan Freeman, y a fuerza de carisma y acertadas actuaciones, logran sostener el film para que nunca termine por caer. El guión a cargo de los primerizos Creighton Rothenberger y Katrin Benedikt no es Shakespeare, pero es lo suficientemente inteligente para no meterse en lugares donde no debería ni plantear cuestiones que van más allá de una película de acción donde terroristas extranjeros toman la Casa Blanca. Rothenberger y Benedikt saben muy bien lo que están escribiendo y se divierten con el material. Conclusion El director Antoine Fuqua y su elenco, encabezado por Gerard Butler, hacen de Ataque a la Casa Blanca una película ultranacionalista hasta la risa y tremendamente exagerada, que lo único que pretender hacer es entretener y lo logra. Está claro que este film debe ser tomado como de quien viene y nunca debe tomarse en serio, dos cosas que son indispensables para su disfrute. Si logran coincidir en estos dos puntos, no tengo dudas que van a poder dejar de lado sus problemas por dos horas y divertirse.
