El problema de la connotación Llega a nuestras salas El nombre, pieza teatral homónima que en estos momentos subió a escena en el complejo teatral Multiteatro, de Matthieu Delaporte (aquí también guionista y director junto a Alexandre de La Patellière) que dado su éxito inusitado rápidamente se convirtió en una comedia popular taquillera a partir de la traspolación de las tablas a la pantalla grande en un film de cámara, bien actuado, entretenido y llevadero para el público un poco más exigente. El vértigo de los primeros minutos con un prólogo que descubre una voz en off de uno de los protagonistas de esta historia ya define el tono sarcástico que se empleará en la trama, la cual se apoya en dos pilares básicos: el equívoco intencional y la idea de la connotación. La premisa es sencilla: Elisabeth (Valérie Benguigui) y Pierre (Charles Berling), matrimonio burgués y padres de dos hijos, Apollin (Alexis Leprise) y Myrtille (Juliette Levant), ella mucho más inteligente que su hermano menor, organizan una cena con el pretexto de festejar la paternidad de Vincent (Patrick Bruel), quien además es hermano de Elisabeth y que espera la llegada de su novia Anna (Judith El Zein) y de su amigo Claude (Guillaume de Tonquedec), especialista en la ejecución del trombón y que ante sus amigos se define como Suiza por su neutralidad frente a cualquier conflicto. Como Anna no llega, Vincent se anticipa con la noticia y abre el juego con una broma pesada que involucra al futuro niño, fiel a su reputación de chistoso en el grupo. Sin embargo, todo se precipita cuando informa que ha decidido el nombre de su hijo porque sus amigos y hermana no logran adivinarlo. Sin preámbulos, sentencia tajante que el pequeño y futuro vástago se llamará Adolphe, que fonéticamente remite a Adolf y así se desata la tragedia. El más indignado por semejante afrenta es Pierre, profesor universitario de literatura, dado que esgrime el argumento de lo que connota la palabra Adolf que no puede despegarse de la figura del tirano y genocida nazi, por lo que no está dispuesto a transigir con su amigo de infancia Vincent. A partir de esa discusión semántica, pirotecnia verbal de grueso calibre, y en retrueque dialéctico acalorado, cada personaje transitará por una pendiente cada vez más peligrosa que los llevará a sacar los trapitos al sol, con fuertes críticas y prejuicios, donde ninguno queda exento de la reprobación y el estereotipo del que tanto huyen u ocultan desde las máscaras sociales. El nombre tensa hasta el último minuto el poder de la connotación por encima de la denotación; desde lo que significa el juego de roles dentro de una dinámica de pareja o por ejemplo de amistad como la que se presenta, y se vale de un guión literario muy bien desarrollado y escrito para lucimiento de sus cinco actores principales, con momentos de mucho humor, otros más reflexivos pero que en el conjunto se amoldan a la propuesta que busca hacer del enredo verbal lo mismo que lo que podría ocurrir con una estructura de comedia de enredos tradicional más concentrada en las situaciones. Si bien por momentos pareciera estancarse en una puesta en escena excesivamente teatral –algo que no ocurría en Un dios salvaje, de similares características-, pues todo ocurre en cuatro paredes sin disolución de espacio salvo una pequeña transgresión –torpe- con flashbacks, son los intérpretes y su capacidad compositiva los que apuntalan el relato y en definitiva los que dan valor a las palabras, a los silencios y a los reproches. Esta comedia coral de pocos personajes se disfruta más que nada por el grado de identificación que el público puede establecer con algunas de las situaciones pero sobre todas las cosas por apelar a un humor más inteligente cuando busca la sutileza más que el efecto de la risa fácil y eso en el alicaído cartel hoy por hoy se agradece.
El hombre y la máquina Empecemos por despejar la gran incógnita ¿esta nueva entrega de la franquicia es superadora de la segunda o es más de lo mismo? La respuesta debe dividirse en dos estancos no compatibles y no es caprichoso el número dos para sumergirnos en el universo propuesto en Iron man 3. En primer lugar, estamos frente al capítulo más divertido y entretenido de la saga que sabe en este caso dosificar escenas de acción a todo trapo y donde el 3D post producido no pasa vergüenza, articulando el despliegue visual y el histrionismo del gran Robert Downey Jr, quien ha impregnado de vida propia a este prototipo de acero más allá de la autoparodia sobre su propia y caótica existencia como actor en consonancia con el personaje del excéntrico Tony Stark. Por lo tanto decir que la tercera Iron man aporta desde la historia más de lo mismo no es tan descabellado pero eso no implica reiteración o desgaste porque en este particular momento que atraviesa la saga en el que Jon Favreau se baja de la dirección para que lo reemplace el guionista Shane Black (responsable de las dos primeras Arma mortal o El último Boy scout) por un lado se aprecia mayor prolijidad en cuanto a puesta en escena y por otro una sana madurez y frescura que quitan todo tipo de solemnidad a un drama mezclado con aventura y mucha adrenalina. Decía anteriormente que el número dos cobra un significado importante en este relato desde el punto de vista conceptual porque si hay una idea interesante en la trama, ésa es la de escisión del hombre con la máquina, particularmente del héroe humano y torturado con el superhéroe de traje y armadura invencible. Tony Stark no es Iron man y eso queda evidenciado en el conflicto interno del protagonista, quien no puede sobrellevar sin consecuencias el lastre de su último gran combate junto a Los vengadores. Trauma que detonó ataques de ansiedad y pánico, así como pesadillas que confrontan con los propios demonios internos. No por nada, irónicamente, se introduce la historia a partir de una suerte de confesión donde el propio Tony desnuda sus defectos y se lamenta de sus actos por las consecuencias, tanto de su egoísmo como de su irresponsabilidad ante los peligros a los que se enfrenta. De este modo, el juego de despojarse de sus emociones y de su armadura lo expone como humano más que como personaje; lo confronta con la imagen que transmite su justiciero vengativo (lo aclara desde el vamos aquí) y además lo enfrenta a la proyección de su villano de turno: un terrorista, El mandarín, con más de un parecido a Bin Laden, que Ben Kingsley se encarga de dotar de humor, personalidad y desparpajo, aunque el verdadero antagonista es un empresario científico que guarda cierto resentimiento pasado en la piel del correcto Guy Pearce, dispuesto a atacar las debilidades y las vulnerabilidades del héroe. A fin de evitar anticipos que puedan adelantar sorpresas para una trama que no está bombardeada de giros o vueltas de tuerca forzadas, sólo cabe mencionar que el personaje de Pepper (Gwyneth Paltrow) gana espesura tanto en lo dramático como en lo físico; Don Cheadle se consagra como un gran acompañante y alivio cómico –aunque no le puede ganar la pulseada a Downey Jr- mientras que la incorporación de Rebeca Hall como decodificadora de ADN y de un niño cerebro que entabla una buena relación con el apático Tony y lo reconecta con su chico interior sin caer en sentimentalismos burdos suma elementos atractivos que se acomodan armoniosamente a los acontecimientos. Tal vez el único reparo obedezca a la excesiva duración (cabe aclarar que hay que quedarse hasta el final de los créditos porque se incorpora una escena) en la que por momentos se nota un innecesario alargamiento de escenas que podría haberse evitado. En conclusión Iron man 3 no defraudará a fanáticos y no tan fanáticos, sencillamente por haber logrado amalgamar la alquimia de una película blockbuster para todo tipo de público: buenas actuaciones, guión sólido y buen uso de efectos visuales.
Oda al relato cinematográfico El nombre de Miguel Gomes llegó a la cinefilia local gracias al Bafici con una bellísima película Aquel querido mes de agosto (2008). A partir de ese grato descubrimiento surgió la necesidad de investigar sus orígenes y el dato relevante sin lugar a dudas estaba circunscripto por su carácter de crítico cinematográfico antes que director de cine. La referencia no es antojadiza y tratándose de Tabú, su último opus estrenado ahora comercialmente en salas porteñas, mucho menos aún porque sobrevuela el fantasma de aquel film del año 30, de tono antropológico en sociedad entre F. W. Murnau y Robert J. Flaherty, dominante en la primera parte -o capítulo- bajo el título Paraísos perdidos, cuyo extraño formato de 4:3 genera en el espectador sensaciones diversas, así como el poder hipnótico de las imágenes en blanco y negro complementadas con un texto de una riqueza literaria admirable. Allí, la voz en off, en contraste con un registro más afín con el cine mudo que con el sonoro, recupera la fuerza del mito o la leyenda para narrar en breves fragmentos una historia de amor protagonizada por un cazador y el espectro de una mujer que lo convoca a los confines del mundo y lo condena a la eterna melancolía, simbolizada en la figura de un cocodrilo que lo enguye. Y es la melancolía, por ende el recuerdo y la memoria, precisamente el nexo con la segunda parte de este sugestivo relato la que abre el abanico a diferentes capas narrativas que irán aflorando a la superficie y a un ritmo sostenido para desplegar otra historia de amor donde la principal protagonista es Aurora (Laura Soveral en su faz de anciana y Ana Moreira en su etapa juvenil), primero en un mustio presente que recorre los últimos días de su vejez y luego en retrospectiva hacia su juventud en una colonia portuguesa de Mozambique, tironeada por el amor irrefrenable de un amante aventurero, Gian Lucca Ventura (Carloto Cotta cuando joven y Hernique Espiríto Santo de anciano), y un marido que no merece semejante traición (Ivo Muller). Es a través de la mirada de Gian Lucca y de su evocación de Aurora y de ese pasado idílico, a la vez que trágico, donde se desarrolla por un lado la tragedia romántica devenida del triángulo amoroso con la particularidad formal de que imagen y sonido no presentan correspondencia, es decir entre lo que se escucha y lo que se ve no hay una relación dramática pero sí cinematográfica. En ese sentido el término de “tabú” podría relacionarse entre otras cosas con aquello que está vedado o lo que se oculta y se vincula estrechamente con lo secreto; que se resignifica en el film de Gomes al apelar como recurso narrativo a la ausencia del sonido directo para reemplazarlo con un discurso más interno o más precisamente una voz en off que cumple la función de lo que significaba el intertítulo para una película muda, que narra en tercera persona a los personajes e intercambia narradores en relación con la primera parte en la que Aurora se construye desde el punto de vista de su vecina Pilar (Teresa Madruga) y su mucama Santa (Judite Evaristo), a quien ella acusa de estar influenciada por las fuerzas oscuras y paganas al sentirse indefensa y abandonada por una hija –siempre fuera de campo- que jamás aparece y presa de un castigo por sus pecados del pasado. Tabú condensa metatextualmente lo cinematográfico con lo literario, aspecto formal que para un lenguaje esencialmente visual (de ahí la conexión intertextual con el cine mudo ya mencionada) la introducción de un texto en off generaría más ruido que armonía pero que en este desafío modifica satisfactoriamente la percepción y en un segundo plano el prejuicio que predica que la literatura y el cine no pueden enamorarse sin traicionarse, por lo que se considera a esa unión antinatural también como un tabú. Con Tabú Miguel Gomes supera a su Aquel querido mes de agosto en cuanto a propuesta cinematográfica per se y reescribe de cierta forma y sin pretensiones ni arrogancia alguna un más que interesante capítulo del cine moderno que se nutre de dos orígenes: el primitivismo de la imagen y el poder de la imaginación para acompañarla en esta oda al relato cinematográfico.
Ficciones Las decisiones y la culpa atraviesan el universo de esta ópera prima, Palabras robadas –título poco feliz para el original The Words- que apela al trillado recurso de la ficción dentro de la ficción, como si se tratara de un elemento novedoso que no hace más que trasladar a la pantalla una fórmula tan vieja como el cine mismo. Los guionistas y directores debutantes Brian Clugman y Lee Sternthal (Tron: el legado) toman la estructura narrativa de un mecanismo de cajas chinas para introducir tres historias, cuyo nexo es un libro y del que se desprenden diferentes capas o ramificaciones que cuentan con el protagonismo de un personaje, siempre escritor. Así las cosas, todo comienza con la lectura en público del primer capítulo de una novela a cargo del exitoso Clay Hammond (Dennis Quaid), quien narra la desventurada existencia de un joven aspirante a escritor Rory Jansen (Bradley Cooper), cansado de los fracasos editoriales y a punto de echar todo por la borda. Sin embargo, un elemento azaroso durante su viaje de luna de miel con su esposa Dora (Zoe Saldana) en Paris modifica el curso de los hechos y como por arte de magia el escritor fracasado se transforma en la revelación de la literatura joven al publicarse su novela donde cuenta las peripecias de un joven soldado en la Segunda Guerra, su romance con una joven francesa y la tragedia tras pocos meses de felicidad junto a ella. La popularidad del joven Rory lo vuelve más vulnerable y cierto secreto que pretende resguardar (unos papeles que encuentra en un viejo maletín en Paris) rápidamente se revela a partir de la introducción de un personaje misterioso interpretado por Jeremy Irons. No sería adecuado avanzar desde este lugar en el relato cuando desde el título local se puede anticipar en qué radica el verdadero secreto y por qué gran parte de este argumento toma como uno de los ejes narrativos la culpa sin posibilidad de redención alguna. Lo cierto es que en el campo estrictamente de la ficción habría lugar para la justicia poética pero como en este caso se trata de establecer un límite entre lo real y lo ficticio esa carta no se jugará jamás. La moraleja un tanto fácil de comprender y en definitiva lo que da forma a la trama se sintetiza en la premisa de que una vida es más importante que una novela, o que las palabras que construyen esa ficción basada en el hecho real, aunque para eso los autores se hayan tomado cien minutos de película; agregando personajes sin demasiado peso más que el funcional al guión como es el caso de aquel interpretado por la bella Olivia Wilde, quien no aporta mucho pero actúa de elemento revelador para que la historia cierre no tan caprichosamente -como parecía- al entrelazar las dos ficciones, en las que la presencia del anciano misterioso opaca a la figura del joven escritor. La falla fundamental de Palabras Robadas no es otra que su predictibilidad, a pesar de los giros y vueltas de tuerca para desviar la atención del espectador y sostener un drama bastante elemental que sale a flote gracias a las buenas interpretaciones de Irons y Bradley Cooper.
¿Quién engañó a Elena Roger? La ópera prima de Ariel Broitman, basada en la novela de la cantante y escritora Silvia Arazi intitulada La maestra de canto, exhibe su mayor defecto desde el comienzo: su ampulosidad. Todo es grandilocuente y trágico al exceso en lo que puede representarse como un sencillo triángulo amoroso, cuyos vértices están conformados por dos cantantes líricas muy distintas; de coloraturas vocales complementarias interpretadas por Elena Roger y Esmeralda Mitre, para debatirse entre envidias, celos y la atención de Federico (Sergio Surraco), pareja de Ana (Roger) que queda obnubilado al conocer a la misteriosa úrsula (Mitre). El otro pivot en el relato lo constituye la fuerte influencia y presencia de la maestra de canto, bajo la piel de una correcta Adriana Aizemberg, sabia consejera que atraviesa durante toda la trama el derrotero sentimental de Ana y es receptáculo de sus propios miedos y de sus inseguridades, elementos que transmite en sus performances líricas. La ampulosidad de la que se habló al comienzo la arrastra en tono y registro toda la película con una omnipresente y molesta voz en off en carácter de personaje torturado que en este caso le toca a Federico y a su desesperanza tanguera, en contraste con la fortaleza de la ópera como parte de este juego que busca cruzar la música y el estilo desde el sello del contraste pero que no se ajusta armoniosamente con el guión. Elena Roger en esta ocasión no descolla ni con su canto y mucho menos desde su actuación contenida y sin matices para un personaje que necesitaba por sus características trágicas mayor intensidad, cuerpo y alma. No ocurre lo mismo con Esmeralda Mitre, aunque su rol es menos interesante desde el punto de vista dramático al ocupar ese espacio de tercero en discordia habitual. Por la propuesta y su origen, da la sensación que La vida anterior se fascina muy rápidamente con sus figuras y no deja que ellas crezcan en escena más allá de la exposición en cuadros prolijos donde se puede apreciar un repertorio clásico acorde a las circunstancias y a las potencialidades de cada una de ellas como cantantes notables.
Contigo a la distancia El choque de culturas entre Oriente y Occidente y los prejuicios de la Europa globalizada hacia los inmigrantes, que reniega de sus orígenes fronteras hacia afuera, eclosiona en este drama social teñido de historia de amistad y algo más entre una mujer proveniente de China y un marinero de origen eslavo a punto de jubilarse. Tanto Shun Li (Tao Zhao) como Bepi (Rade Sherbedgia) comparten entre charlas su afición por la poesía y guardan cierta sensibilidad por la vida, que los separa del entorno, reacio y hostil ante el cruce de culturas y con una fuerte xenofobia detrás. Ella, en su condición de inmigrante, adeuda a su amo chino una cantidad de dinero que debe ir pagando con trabajo en los lugares a los que es enviada, primero como empleada textil y luego detrás de la barra de un bar en la ciudad pesquera italiana de Chioggia, frecuentada por Bepi y su grupo de amigos, también pescadores como él. La camaradería y caballerosidad de este veterano yugoslavo, un tanto parco con sus semejantes pero muy cortés con la empleada china, cimenta los pilares de una relación que comienza con amistad pero que con el correr del tiempo y la confianza mutua va solidificando un vínculo amoroso que funciona como válvula de escape para mitigar la soledad en el caso del anciano y para insertarse de a poco en una sociedad bastante dura en el caso de Shun Li, cuyo único objetivo es un reencuentro con su hijo residente en su pueblo natal y al que debería ver una vez saldada la deuda. El registro cuasi documental que perdura durante todo el desarrollo de la trama, donde se respira la frescura del cine asiático en cuanto a los tiempos y la elección de los elementos minimalistas para contar la historia se mezcla con un cine de tipo social que se acomoda en el contexto de una Europa que atraviesa una enorme crisis de identidad y económica con sectores empobrecidos como es el caso de la ciudad donde transcurre este relato de amor. El director Andrea Segre, conocido por sus trabajos documentales, en esta ocasión apuesta a la ficción para encontrar un puente narrativo capaz de transmitir desde la metáfora y la alegoría cinematográfica un mensaje elocuente y crítico desde el punto de vista sociológico, donde el fenómeno de la migración no se tiene tan presente y surge más como un conflicto coyuntural que como un fenómeno social en expansión que avanza hacia otras latitudes. No obstante, por momentos La esperanza de una nueva vida parece abandonar la causa para concentrarse en la anécdota de esta particular amistad entre una joven asiática perdida y desamparada en la fría Venecia pero que finalmente puede ser rescatada de ese naufragio por el galante marinero.
El paroxismo del mal gusto A pesar de las estrategias de marketing que intentan vincular a este deplorable film con la saga de la exitosa ¿Qué pasó ayer?, es imposible reírse o divertirse con 21 la gran fiesta básicamente porque sus protagonistas adolescentes son tan malos actores que causan vergüenza. Tampoco se salva un guión a cargo de los directores del film Jon Lucas y Scott Moore que acumula situaciones sin ninguna cohesión interna y en función de la escatología o el mal gusto con la sencilla idea de provocar al espectador o al menos robarle una sonrisa con las desagradables escenas que involucran vómitos en cámara lenta o la ingestión de un tampón en estado de absoluta ebriedad. Para los norteamericanos eso es gracioso y a esta altura incluso lo consideran transgresor en épocas donde internet ha superado cualquier limite en lo que a mal gusto se refiere y el cine parecería estar en este caso al servicio de ese mal gusto más que de la comedia revulsiva en sí. La historia prácticamente es una copia de la fórmula ensayada en ¿Qué pasó ayer? pero con la diferencia de hacer hincapié en el cumpleaños número 21 del joven Jeff Chang (Justin Chon), estudiante aplicado con un padre extremadamente rígido que ve con muy malos ojos los ejemplos de estudiantes desperdiciados a causa de la diversión y el exceso en las fiestas. Por eso, la llegada de dos amigos como Miller y Casey (Miles Teller y Skylar Astin) precipita los acontecimientos a niveles paroxísticos que incluyen drogas, alcohol, mujeres desnudas y un sinfín de humillaciones al protagonista que resuelve todo con una risa enfermiza. Fiesta alocada, una fraternidad de mujeres que se vengan del machismo, concursos sobre quién resiste mayor ingesta de alcohol forman parte de este producto maloliente que por esas cuestiones comerciales se estrena en nuestros cines a caballo del éxito de una comedia con similares características pero con buenos actores en su reparto que garantizaban la efectividad de chistes mal escritos pero bien actuados.
El Indiana ibérico Esta propuesta de origen español para todo público y generada a partir del éxito de dos cortometrajes es la carta de presentación del personaje Tadeo Jones: un albañil que de niño soñaba con convertirse en arqueólogo y formar parte de aventuras en busca de tesoros ocultos o misterios ancestrales, pero que se le negaron durante toda su existencia en un trabajo más que rutinario y carente de todo tipo de emociones. La idea como concepto y producto cinematográfico tiene por objeto ponerse a la par de los grandes Estudios como Disney o Pixar, aunque con menos ambiciones desde la gestación del proyecto y siempre concentrado en la mirada de afuera más que la de preservar una identidad para el adentro. En esa operación es donde se puede notar por un lado el acierto en la construcción de esta aventura animada en 3D, a la que no le falta acción pero tampoco le sobra nivel, equiparándose con cualquier film ATP que no necesariamente pase por el tamiz Pixar, como así también observar ciertas falencias sobre todo en materia de guión más que en lo referente a la dirección o a los rubros técnicos. El film de Enrique Gato comete el error de mirarse en un espejo que le queda demasiado grande; se somete de manera constante a una mirada externa con un forzado intento For export que le quita personalidad y lo estanca en un conformismo peligroso. Así, queda desaprovechado el diseño de los lugares en donde se desarrolla la acción como por ejemplo Machu Picchu y se transforma a una interesante leyenda incaica en un mero pretexto narrativo, que para el público infantil debería haber sido tratada con mayor respeto. Más allá de estas definiciones y apreciaciones particulares, estamos frente a una película que entretiene y cuenta con una sustanciosa galería de personajes secundarios atractivos, bien construidos desde el guión a cargo de Javier Barreira, Gorka Magallón, Ignacio del Moral, Jordi Gasull y Neil Landau, entre quienes se destaca un loro mudo de color rojo que actúa de alivio cómico, junto a un simpático perro, fiel compañero del protagonista Tadeo, quien se verá por azar involucrado en una expedición hacia el Perú ocupando el lugar de un experto en cultura incaica para dar con el tesoro perteneciente a los incas. Allí, además conocerá a la hija de otro avezado investigador de las culturas precolombinas –mezcla de Cachorra y Lara Croft- a quien deberá salvar de las garras del villano de turno, un hombre con una mano mecánica al que sólo le interesa la arqueología como negocio y también deberá alejarla de la influyente presencia de un explorador mediático con intenciones poco claras. No obstante, Tadeo, el explorador perdido es un digno intento de animación española destinado al público infantil que a pesar de sus desaciertos seguramente cuente con el apoyo del espectador argentino más pequeño por contar con los ingredientes básicos del entretenimiento: acción, humor y personajes queribles
Desapariciones A la película norteamericana independiente de terror, Ausencia, que finalmente se estrena de manera comercial en nuestro país, le alcanzan dos elementos efectivos para construirse y lograr con muy poco concluir un film interesante desde el punto de vista del planteo y diferente a lo que se viene estrenando en materia de cine de terror en los últimos años. Gran parte de ese mérito debe atribuirse a su director Mike Flanagan, quien desarrolla con meticulosidad un relato minimalista que explota al extremo la idea de las presencias fantasmales, mezclada con la culpa cristiana que alimenta los monstruos internos que toda explicación psicologista reviste de entidad y como parte del juego perverso de la mente. A esas fuerzas que se contraponen, el agregado de una atmósfera tensa y atravesada por ambigüedades sumado a una serie de hechos misteriosos más cercanos al policial sobrenatural que a una película de terror en sí misma se le debe agregar una ecléctica galería de personajes secundarios bastante convincentes gracias a buenas elecciones de casting, donde se destaca el actor Morgan Peter Brown, personaje clave sobre el que gira el derrotero de la trama. Callie (Katie Parker) visita a su hermana Tricia (Courtney Bell) para ayudarla a cerrar una etapa dolorosa en su vida al haber desaparecido Daniel (Morgan Peter Brown), su pareja, hace 7 años. Sin rastros sobre su paradero y con una investigación policial infructuosa detrás decide declararlo muerto en ausencia para poder continuar con su proyecto de vida y con asuntos legales en vistas a que pronto dará a luz. Todavía el duelo de la pérdida hace mella en su frágil mente y la atormenta la presencia fantasmal del desaparecido Daniel cada vez que intenta olvidarlo. En paralelo, su hermana también católica y devota, descubre a metros de la casa un túnel en el que encuentra personas extrañas y que en cierta medida se vincula con la desaparición de Daniel. Un hecho inesperado que es conveniente no anticipar aquí modificará drásticamente el rumbo y tono de los acontecimientos para que el realizador saque a relucir algunos trucos y vueltas de tuerca lícitas que hacen de este producto de bajo presupuesto y buenas ideas una propuesta más que satisfactoria tanto para amantes del género como para aquellos que buscan todavía encontrar películas bien narradas y que logran mantener atado al espectador a la butaca a fuerza de pulso y nervio más que de efectos visuales o golpes de efecto.
La nostalgia del ayer Una premisa básica como la devastación del planeta Tierra a causa de una guerra contra alienígenas que vinieron a conquistarnos marca el prólogo en off donde el protagonista Jack Harper (Tom Cruise) narra cuál es su función en el nuevo panorama en el que según sus palabras los sobrevivientes humanos ganaron la guerra pero perdieron el planeta. Jack es algo así como un encargado de seguridad y mantenimiento de drones programados para aniquilar al enemigo extraterrestre que aún persiste con sus ansias de conquista y que se denominan carroñeros. Trabaja día a día explorando la geografía y las ruinas de lo que quedó tras las batallas -y no fue alcanzado por la radiación- junto a su compañera Vika (Andrea Riseborough) bajo las órdenes de la autómata Sally (Melissa Leo), quien se encarga de dejar todo preparado para que ellos partan hacia Titán, el nuevo planeta cerca de Saturno donde los humanos sobrevivientes comenzarán de nuevo. Sin embargo, a pesar de que la memoria de Jack y de los otros soldados fue borrada totalmente, un recuerdo recurrente se niega a desaparecer y lo conecta de cierta manera con un pasado en el que el rostro de una misteriosa mujer (Olga Kurylenko) ocupa el centro de sus sueños en los que se lo puede observar feliz y menos frio de lo que es actualmente. Todo tomará otro cauce cuando Jack, en una misión extra oficial, descubre unas cápsulas con presencia de personas, quienes a pesar de ser humanas son objetivo de los drones y entonces ese recuerdo cobrará otro sentido en su vida desde el momento que se reencuentra con Julia, la mujer misteriosa del sueño. Poco más se puede agregar (sin revelar información sustancial) sobre esta historia que toma como punto de partida la lucha de un hombre por preservar sus rasgos de humanidad contra la mecanización y la deshumanización en un futuro muy cercano, dominado por un poder en la oscuridad y por manos invisibles que digitan operaciones secretas y manipulan el relato para no perder el privilegio de la dominación sobre la sociedad. Tópico que la ciencia ficción ha desarrollado desde Un mundo feliz hasta 1984 pasando por Blade Runner por citar los casos más paradigmáticos donde siempre hay un grupo que resiste al orden instaurado en pos de una lucha desigual por la libertad. Tom Cruise se luce en este rol de héroe melancólico y su carisma aparece cada vez que la película lo necesita, aunque el diseño de producción y la puesta en escena son las estrellas del film, dirigido por Joseph Kosinski, quien ya con su trabajo en Tron: el legado demostrara talento para este tipo de megaproyecto en el que los efectos visuales juegan un rol trascendente pero siempre en función a la trama y no a la exhibición gratuita. El mayor problema de Oblivion... es la extensa duración teniendo en cuenta un prólogo y una introducción demasiado larga para lo que se quiere contar, defecto que arrastra a lo largo de los 126 minutos de metraje al que le sobran por lo menos 30 minutos y le falta algo más de acción porque no puede negarse la estructura del western impregnada en un producto de ciencia ficción como éste. Los personajes secundarios están bien construidos, ninguno desentona pero tampoco brilla por sí mismo como es el caso de las dos actrices principales que se disputan a Jack en un pseudo triángulo amoroso, que no aporta mucho al argumento pero alcanza para disfrutar de dos rostros muy fotogénicos que -por decir de alguna manera- calientan la fría imagen saturada de blancos y falta de personalidad en un mundo donde los sentimientos y las emociones parecen haber quedado en el olvido hasta que un nostálgico se acordó de su humanidad.