Peligros Ocultos. Crítica de “El Cuidado de los Otros” de Mariano González. Luego de sorprender al público con su ópera prima “Los Globos” en el 2016. En el marco de la Competencia Internacional del 34º Festival de Cine de Mar del Plata, el director vuelve al ruedo con un drama de la vida cotidiana, donde se cruzan las culpa, el remordimiento, las relaciones laborales y sentimentales. Por Bruno Calabrese. Luisa (Sofía Gala Castiglione) tiene dos trabajos, uno en una fábrica de artesanías y otro de niñera de Felipe, un niño de clase acomodada. Una serie de descuidos, donde se mezclan una distracción de ella y otra del novio que viene a atender su urgencia, desencadena una emergencia médica en el niño de consecuencias muy graves. Luego de superado el percance, los padres del niño atraviesan esos días con total hermetismo. Eso provocará en Luisa una angustia sofocante que afectará su relación con Miguel, quien afronta la situación sin sobresaltos, y con todo su entorno. Mariano González logra con esta película un relato íntimo yprofundo. Un film que relata de manera sostenida, pero contundente, profundos sentimientos aterradores, como la culpa y el remordimiento La cámara sigue de manera permanente a Luisa en cada una de las instancias que deberá afrontar después del casi trágico suceso. A raíz de ese suceso, se ponen en juego circunstancias de la vida cotidiana a la cual todos estamos expuestos, sin distinción de clase social. Peligros ocultos, el azar y accidentes inmanejables por descuidos o negligencias a los que todos estamos expuestos. La diferencia acá es el límite existente entre la relación laboral y la relación sentimental a la que se enfrenta la protagonista: amorosa pero que no deja de ser de trabajo con un niño. También refleja la diferencia de sensibilidad que se da en los distintos estratos sociales, la cual está marcada por la complejidad que existe en las relaciones laborales de este estilo. Luisa tiene una sensibilidad especial, no solo hacía el niño, sino también hacia los padres. No así ellos, que solo ven en la protagonista solo una empleada que no cumplió con la tarea para la cual se la contrató, algo entendible y complejo, teniendo en cuenta que está en juego la vida de un hijo, pero que da para el debate. La película encuentra su punto más alto en la magnífica y consagratoria actuación de Sofia Gala Castiglione. En ella se ven reflejados sentimientos de angustia, de culpa y remordimiento, pero a la vez de impotencia por no saber como manejar esos sentimientos sin explotar. “El Cuidado de Los Otros” es un relato profundo, marcado por la cercanía que genera en el espectador la cotidianidad de las acciones que refleja. Un film que no recurre a sobresaltos ni a golpes bajos para mostrar el conflicto, pero que a la vez incomoda y duele. Puntaje: 95/100.
Super Malas. Crítica de “La Noche de las Nerds” de Olivia Wilde En su primer incursión como directora, Olivia Wilde, conocida por su participación en la serie “Dr. House” nos trae una divertida comedia sobre la amistad en la adolescencia. Por Bruno Calabrese. Molly (Beanie Feldstein) tiene una idea sobre el mundo y su lugar en él. Un terremoto existencial cae sobre ella el último día de clases, en un baño de la escuela. Ella cree que es mejor que todos los demás, con excepción de la mejor amiga, Amy (Kaitlyn Dever). Presidenta del cuerpo estudiantil, a punto de ingresar a Yale y luego de graduarse en la universidad, está segura de que va a tener un puesto en la Corte Suprema. Molly forma parte del juego meritocrático, y en base a su meditación matutina se propone a dominar el día. Ella y Amy han pasado sus cortas vidas entre bibliotecas y libros para llenar sus currículum, mientras sus compañeros se pasaron la preparatoria de fiesta en fiesta. Molly se siente defraudada cuando en el baño de la escuela, se entera que un grupo de compañeros a los que consideraba perdedores también han ingresado a mejores escuelas. A partir de esa revelación se desencadenará un sinfín de sensaciones en ellas que convierte a “La Noche de las Nerds” en una una comedia adolescente rápida e inteligente y muy agradable. Molly y Amy, que está a punto de irse a un programa de beneficencia de verano en Botswana antes de matricularse en Columbia, tienen una noche libre, y la película sigue sus pasos mientras rebotan por Los Ángeles en busca de la fiesta que sea lo suficientemente salvajes como para compensar todo el tiempo que han perdido jugando según las reglas. La extraordinaria química entre las dos protagonistas y el reparto coral, con algunos papeles secundarios desopilantes hacen de la película una de las mejores comedias del año. Abordando vínculos tan especiales y cercanos que se forjan durante la adolescencia. Entre chistes y situaciones bizarras, “La Noche de los Nerds” logra que pasemos de lo divertido a lo emocional con una habilidad llamativa por parte de la directora, abordando temas esenciales durante la adolescencia como la sexualidad y la presión social. En la escuela conviven muchos jóvenes de diferentes estratos sociales y culturales: drags, deportistas, latinos, nerds, skaters, etc. En ese contexto vemos como cada uno se relaciona con el ámbito de maneras distintas, entre ellos, enfrentados, pero siempre con el humor como herramienta elegida por la directora para enfocar su punto de vista sobre la adolescencia actual. Así como durante los ochenta, John Hughes con “The Breakfast Club” logró trasmitir, en tono de comedia, las problemáticas de los adolescentes de la época, como también lo hizo Richard Linklater con “Dazed and Confused” y en los 2000 “Superbad” con un par de jóvenes, Olivia Wilde logra similar resultado para los tiempos actuales, pero vista desde otro punto de vista, el femenino. Apela referencias de grandes clásicos del género, tanto desde lo musical como en el perfil de los personajes. Se hace inevitable no comparar a Molly con Tracy Flick, personaje interpretado por Reese Whinsterpoon en “Election”: insoportable, idealista, una pesadilla para los docentes y se cree un escalón arriba de todos sus compañeros. La música disco en algunas escenas nos hace recordar a “Superbad”, en este caso muy bien conectada con temas de Dan The Automator, famoso compositor musical, musicalizador de otro clásico adolescente, “Scott Pillgrim vs The World”, y productor de Gorillaz junto a Damon Albarn. La película cuenta además con apariciones especiales como Lisa Kudrow (Phoebe de “Friends”) y Will Forte (Nebraska), como los padres liberales de Amy, y Jason Sudeikis (“Quiero matar a mi jefe”), como el director que las sufre en la escuela y que por las noches maneja un UBER lleno de luces de navidad. “La Noche de las Nerds” es una comedia adolescente con un mensaje antiguo dentro del género: la importancia de las amistades. Pero que no se aprende dentro de los libros, que no tiene teoría, es pura práctica. Molly y Amy lo construyeron durante años, con los mismos deseos, pero se pondrá en disputa cuando, en esa última noche que les queda para recuperar el tiempo perdido, sus deseos se encuentren en contraposición. Desopilante, frenética y divertida, una de las mejores comedias del año. Puntaje: 90/100.
Adorable Puente. Crítica de “Apurimac: El Dios que habla” de Miguel Mato Cuatro comunidades con varios siglos de historia a 3.700m de altura en medio de la cordillera peruana unidas por un ritual ancestral, nos llevan con sus voces a conocer el rito de renovación del puente Q`eswachaca y nos regalan la posibilidad de otra mirada sobre el mundo. Por Bruno Calabrese. Cuencos tibetanos, percusiones y ocarinas, el hermoso antiplano peruano, un paisaje lleno de llamas y guanacos. Un silencio interrumpido por el ruido del viento sobre el pastizal. En la paz del lugar se encuentras cuatro comunidades, la Qollana Quehue, Winchiri, Chaupibanda y Choccayhua. Año tras año renuevan un ritual que significa la unión de los pueblos que de otra manera estarían desconectados entre sí. La tradición consiste en destruir y volver a construir el puente Q`eswachaca. Miguel Mato elige solo ser testigo con su cámara, dejando que las imágenes hablen por si solo. Desde las reuniones previas a la ceremonia hasta la finalización de la construcción, pasando por los trabajos realizados a mano que tienen como objetivo renovar el ritual, la cámara está quieta ahí y enfoca toda su atención en la descomunal tarea que significa llevar a cabo semejante evento. Maravillosos rituales que se llevan a cabo desde la cultura incaica, como la búsqueda natural del material para fabricar el trenzado que sostendrá el puente, la unón de todas las comunidades para lograr construir un puente que logre unirlos y no separarlos. Pero para eso es necesario que ese vínculo se refuerze, y ellos eligen destruir la unión, para volver a construirla y hacerla más fuerte. “Apurimac” es una experiencia notable, que permite inmiscuirnos en un ritual estimulante en todo sentido. Apoyado en la belleza del paisaje peruano y en los bellos sonidos musicales y ambientales, crea el climax perfecto para admirar un evento tan extraordinario como llamativo. Puntaje: 70/100.
La Vuelta de la Vieja Guardia Mafiosa. Crítica de “El Irlandés” de Martin Scorcesse. En el cierre del 34° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, se proyectó en el Auditorium la nueva película del director newyorkino, autor de grandes clásicos como “Toro Salvaje”, “Taxi Driver” y “El Lobo de Wall Street”, entre otras. Por Bruno Calabrese. Cuesta escribir una crítica que pueda expresar todas las sensaciones que provoca “El Irlandés”. Sabemos que estamos en presencia de lo que será un clásico instantáneo, por lo tanto todo lo que se pueda escribir sobre ella será poco. Como primera medida hay que hablar del gran trabajo que hizo Scorsese, con ese trio de maravillosos actores que son De Niro, Pacino y Pesci, verlos a los tres juntos es un sueño hecho realidad. Se transforma en un cuarteto cuando aparece en escena el genial Harvey Kietel, lo que agranda el combo y la hace doblemente disfrutable. De Niro interpreta el papel principal de Frank ‘The Irishman’ Sheeran y la película arranca con el contando historias de sus días como asesino a sueldo de la mafia y aliado cercano de Jimmy Hoffa (Pacino), el jefe de la Hermandad Internacional de Teamsters. Frank está en un geriátrico, cómo terminó aquí, solo, después de 40 años de trabajo duro y decisiones más difíciles formará la mayor parte de las próximas tres horas. La película salta a los años 50, al primer encuentro de Frank con el jefe de la familia criminal de Russell Buffalino (Pesci). Volver a los actores más jóvenes requeriría gran cantidad de maquillaje o varios cambios de reparto, pero Scorsese decidió una tercera opción, dando estiramientos faciales CG a algunas de sus estrellas, particularmente Robert De Niro, quien interpreta a Sheeran. El resultado no es el mejor, los primeros planos de un De Niro supuestamente de 30 años no convencen por completo. Pero estas son solo tomas ocasionales en una película de más de tres horas, y el resto compensa rápidamente.. La historia tiene a Sheeran comenzando su carrera como camionero corrupto, pero pronto se eleva al puesto de ejecutor de la mafia hasta llegar a relacionarse con Jummy Hoffa, magistralmente interpretado por Al Pacino. Los discursos políticos de Hoffa tienen una carga política y emocional maravillosa, tanta carga que dan ganas de salir con las banderas a militar con él. Joe Pesci es el que lo inicia en la mafia y quien se transformará en su sabio consejero e inseparable amigo hasta los últimos dás (la última escena de Joe Pesci en silla de ruedas, despidiéndose para ir a rezar a una iglesia es tan sencilla como emotiva) En “El irlandés” vemos a un Scorsese con una cámara a menudo sinuosa, monólogos ocasionales que rompen la cuarta pared, humor perverso y explosiones de ternura repentina y violencia casual. Y su media hora final saca algo aún más profundo del cineasta: momentos de reflexión, remordimientos, preocupaciones por las posibilidades desperdiciadas y reflexiones sobre la muerte. Las casi tres horas y media pueden sonar excesivas, pero es una vuelta épica para estos titanes del género de películas de la mafia que nos entregan actuaciones tan fuertes como las de hace 20 años. “El irlandés” es Scorsese en su máxima expresión y se siente como algo especial; tan excelentemente diseñada que se siente nueva y nostálgica. Puntaje: 100/100.
Dormidos al borde del abismo. Crítica de “Los Sonámbulos” de Paula Hernández. En el cierre de la Competencia Internacional del 34 Festival de Cine de Mar del Plata, se proyectó la cuarta película de Paula Hernández. Un viaje hacia los oscuros secretos de una familia. Por Bruno Calabrese. Luisa (Erica Rivas), llega con su hija de 14 años y su marido a compartir unos días con la excusa de festejar fin de año a la casa de campo de su suegra. La joven es sonámbula y está en pleno despertar sexual, mientras los padres se encuentran inmersos en una crisis silenciada. Una familia matriarcal, que gira alrededor de las decisiones de la señora mayor.Luisa es la única nuera dentro del grupo familiar, por lo cual es el blanco de todas las indirectas de la suegra. Su esposo (Luis Szebrowski) es el mayor de los tres hermanos. El resto de la familia está compuesta por Daniel Hendler, un bohemio separado y padre de tres hijos y Inés, una madre soltera que carga con el peso de tener un hijo recién nacido y una madre que no coopera en nada, y encima, la manipula. De manera inteligente y totalmente natural, Paula Hernández nos inserta en la dinámica familiar de ese fin de semana. La sorpresiva llegada de Alejo, el hijo mayor de Hendler, el nene mimado y protegido de la abuela provocará una revolución. Coqueteos con Luisa y con su hija. Mirada celosas de la joven hacia la madre, todo dentro de un contexto familiar de discusiones por la venta de la casa, competencia entre hermanos, peleas entre parejas y entredichos familiares Los tiempos de la película están manejados de manera eficiente y la trama familiar se despliega con total espontáneidad. Nos inserta dentro de su conflictiva dinámica, hasta llevarnos a naturalizar cada discusión que se va sucediendo. Sodomiza al espectador, con situaciones que parecen no tener sentido pero que resultan necesarias para meternos dentro del seno familiar. Así es como veremos una simple pelea de migas de pan entre Alejo y Ana se transforma en un peligroso juego de seducción que tendrá graves consecuencias en el final, mientras los adultos discuten por conflictos económicos relacionados con la venta de la casa Luisa huele el peligro en Alejo para con su hija. Pero todo un entorno desfavorable, con una marido que no le da lugar a sus opiniones y la trata de sobreprotectora con su hija, la hará cuestionarse y no dejarse llevar por lo que ella siente. Toda esa tensión imperante explotará en el final. Con una Erica Rivas impecable, que estallará como un volcán ante una situación familiar que la sobrepasa y una tragedia que se veía venir pero que todos obviaron o no quisieron ver. Lo maravilloso de “Los Sonámbulos” es que te envuelve en una telaraña familiar y te sodomiza poco a poco, hasta clavarte el aguijón en ese vertiginoso y angustiante final que se podía prever pero que todos pasamos por alto. Puntaje: 90/100.
Tomate un bondi. Crítica de “Te Pido Un Taxi” de Martín Armoya.InicioUncategorizedTomate un bondi. Crítica de “Te Pido Un Taxi” de Martín Armoya. 31 octubre, 2019 Bruno Calabrese Una comedia romántica sexista, solo para fanáticos de “Casi Ángeles” o “Rebelde Way” y productos de Cris Morena. Por Bruno Calabrese. La historia gira en torno a Rodrigo (Nicolás Riera), un joven editor de videos de una agencia de publicidad que por las noches sale a conquistar mujeres para solo pasar una noche de sexo y descartarlas al otro día. Por la tarde se junta con sus amigos, a jugar a la play y a fumar marihuana en casa de uno de ellos. Sus amigos son distintos a él, uno (el dueño de la casa), un nene de una mamá liberal, la cual se sienta a fumar marihuana con ellos. El otro, un joven que no tiene suerte con las mujeres y espera la llegada de una Celeste, supuestamente el amor de su vida. Dentro de ese micromundo que rodea a Rodrigo se encuentra su compañero de trabajo que se la pasa viendo vídeos de animales copulando y una asistente, quien aparentemente tuvo alguna historia con el protagonista. Rodrigo le huye al compromiso, es por eso que no pasa más de una noche con las mujeres. Pero todo cambia cuando llega Sol (Inés Palumbo) una nueva encargada de personal, quien lo seduce hasta terminar teniendo sexo en el departamento de ella. Hasta ahí todo normal, pero algo diferente pasa, quien le pide que se vaya porque tiene cosas que hacer es ella, con lo cual todo ese lugar de macho que copula y descarta que Rodrigo llevaba adelante cambia de manos. A partir de ahí, se vendrá una comedia romántica forzada, cuya premisa de divertir es lo que menos logra. Un compendio de situaciones inconexas, mal resueltas cuyo discurso sexista canchero se torna insoportable y anticuado. Un personaje principal cuyas reflexiones sobre el amor son huecas y sin sentido, que juega a ser un estilo Ryan Gosling en “Loco y Estúpido amor”, pero no llega a ser convincente ni seduce como lo puede llegar a hacer el actor hollywoodense,. La naturalización de ciertas acciones que lleva a cabo el joven resultan por lo menos polémicas. El cambia cuando una mujer le hace lo mismo que el le hace a ellas, pero su reacción es la de un acosador, con acciones como espiarla a través de las cámaras de seguridad del trabajo o haciendo vigilia en la puerta de la casa de ella para poder verla. Y encima, cuando la ve con otro hombre (las cosas estaban claras desde el principio, solo se verían si se encuentran de casualidad), cómo buen macho dominador se enoja, y ella se siente culpable. Una situación absurda y mal resuelta que lo pone al chico en el papel de víctima. Por momentos la película intenta ser una comedia romántica atípica al estilo ‘500 días con ella” (entendamos que está a años luz a de esa pequeña joya de Marc Webb) y reflexionar sobre las relaciones amorosas. Pero termina transformándose en una exacerbación de histeriquismo juvenil sin sentido, con escenas inconexas y mal actuadas (la pareja principal no despierta ni química). Los únicos personajes rescatable son el abuelo (aparece muy poco) y el joven fumon (Julian Larquier) que pasa sus días jugando a la play y nadie sabe a qué se dedica (a esta altura poco importa). Por otro lado, tiene algunas escenas que nadie entiende para que estuvieron si no tienen un papel importante en la trama, la del amigo de Tacho que parece gustarle mucho la madre de su amigo (Ana Celentano) es una de esas. Ni hablar de la escena final en el casamiento, cuando ambos se emborrachan. Poco creible, mal actuada, rozando lo absurdo, dejando la sensación de que quisieron cerrarla rápido y que mejor que una borrachera para hacerlo (los borrachos y los niños dicen la verdad). “Te pido un taxi” es una exacerbación del macho copulador que aburre, no causa gracia y para lo único que sirve es para que Nicolás Riera esté en pose para el goce histérico del público adolescente que lo idolatra. Puntaje: 30/100.
Larga vida al rock and roll. Crítica de “Los Knacks: Déjame en el pasado” de Mariano y Gabriel Nesci. Pioneros del beat garage en Argentina, Los Knacks, ya entrados en años, deciden reunirse, convencidos de que esta vez finalmente obtendrán el reconocimiento que merecen. Pero los tiempos cambiaron, y la industria musical es muy diferente. Por Bruno Calabrese. Gregorio Carrizo era el mejor amigo de Maradona. Según Diego Armando, “Goyo” (así lo apodaban) era mejor que él. Su carrera parecía dirigida a ser tan exitosa como la del astro argentino, pero una fatídica lesión cuando apenas tenía 20 años lo convirtió en una de esas tantas promesas que no llegan a la cúspide del fútbol. O en este caso, en una triste comparación con el que muchos consideran el mejor futbolista de todos los tiempos. Así como en el fútbol son muchos los artistas que quedan en el camino y no llegan al status de legendarias bandas como The Beatles o The Rolling Stones. Es el caso de la banda argentina “Los Knacks”, posiblemente el mejor grupo beat de fines de los 60. La banda surge gracias al cimbronazo provocado por la aparición de la banda de Liverpool en todo el mundo. La alineación original, unos jovencitos de colegio secundario en aquella época, era Oscar “Robbie” Paz (batería), Carlos “Charly” Castellani (voz y guitarra), Armando “Armi” Aschenazi (voz y guitarra), Vicente “Chito” Bulotta (teclados) y Eduardo “Mossy” Mykytow (bajo), muchachos que justo cuando estaban grabando para la EMI Odeón su debut discográfico fueron prohibidos por el régimen militar en el poder por cantar en inglés. Su carrera fue corta y los hermanos Nesci cuentan su historia en solo 20 minutos. Lo que sigue después es la historia de una segunda oportunidad, cuando descubren en 2010 el culto inesperado que la banda generó en Europa. La reunión de ellos luego de cuarenta años de no tocar juntos los encuentra impecables en lo musical, aunque mo todo es color de rosa en el documental. El reencuentro no es como esperaban ellos, en el camino surgen contratiempos que debe afrontar la banda para poder demostrar que la magia está intacta. Los problemas son los que les toca vivir a la mayoría de las bandas de rock actuales, pero cuyo espíritu juvenil les permite sacarlos adelante. Ese espíritu está en el alma de The Knacks pero no así en el físico. Como dice Carlos Castellani ” No somos pendejos de 20 años”, por eso el tocar últimos, a las 2:30 de la mañana es algo que a ellos les cuesta y mucho. El documental refleja todo esos problemas que son comunes en el ámbito del rock, pero no solo eso aqueja a los integrantes de la banda, también enfermedades propias de la edad. Algunas crónicas, otras pasajeras; todos esos factores coaccionan para que la banda no pueda regresar de la manera que ellos esperan. Con todo esa mochila a cuesta, el disco lo llegan a grabar, a los tumbos, pero el sueño se concreta. Ahí surge otro inconveniente, el formato disco hoy no es una plataforma muy comercializada, por lo cual el éxito es casi nulo. Pero ellos no bajarán los brazos en pos de cumplir su sueños de ser reconocidos como se merecen. Por la música, para recuperar ese tiempo perdido que quedó entre medio de su fugaz éxito y la actualidad. Por eso, a pesar de los contratiempos, Los Knacks seguirán juntos, por que siempre habrá una excusa para juntarse; por los que se fueron y porque juntos hacen un equipo perfecto. A Goyo Carrizo el fútbol no le volvió a dar una oportunidad de destacarse, la música si la da, y ellos no piensan renunciar a pesar de los golpes que la vida les va dando en el camino. Gabriel Nesci, quien ya nos había sorprendido en el 2012 con la entrañable “Días de Vinilo”, vuelve a demostrar su pasión por el rock. Esta vez en compañia de Mariano, su hermano, con quien arman un equipo de dirección impecable. “Los Knacks: Dejame en el pasado” transpira vínilo, es una película llena de nostalgia, de sueños por cumplir, de un grupo de amigos que lucha contra el paso del tiempo. Un documental dinámico y emocionante; con una narrativa impecable, donde cada testimonio vale la pena y el amor por la música está presente en cada momento. Puntaje: 95/100
El Arcón de los Recuerdos. “La Forma de las Horas” de Paula de Luque.I Un hombre (Jean Pierre Noher) y una mujer (Julieta Díaz) se juntan después de un año de haberse separado para vender la casa de veraneo que ambos tenían mientras habían sido pareja. Por Bruno Calabrese. La ruptura de una pareja es una situación dura, traumática. Plagada de idas y vueltas, recuerdos tristes, recuerdos lindos. Algunos difusos, otros contradictorios. Todos esos recuerdos suelen vivir en la memoria de quienes han pasado por una crisis similar. Muchas veces son los objetos los que traen esos recuerdos a la memoria. En este caso es una casa, con todo lo que eso encierra. Encima al borde de la playa, donde se suelen pasar vacaciones, momento relacionados con la felicidad y el reencuentro familiar. Ana y Fernando se juntan para vaciar esa casa, floreros, fotos de ellos y de sus hijos. Todos recuerdos de un pasado juntos que ya no es, pero que se hace presente cuando entran en esa casa. La directora juega con esos tiempos de manera sutil. Divide el relato en 10 capitulos, lo que uno podría interpretar 10 horas. En cada una de ellas conviven eso momentos guardados en la memoria de ellos. Momentos de diálogos, de historias contradictorias, de recuerdos en los cuales muchas veces la memoria juega una mala pasada y se transforman en confusión. Pero eso no importa, porque esos recuerdos están. Inteligentemente la película sabe interpretar los juegos de la memoria, y lo refleja con detalles. En muchos momentos no sabemos si estamos en el presente o en un recuerdo. Un anillo en un dedo delata el pasado pero en el momento siguiente el anillo no está, porque la memoria muchas veces no está en los detalles. Al igual que en “Ghost Story” del año 2017, acá los recuerdos muchas veces son fantasmas que deambulan en la casa. Fantasmas que uno llama y no aparecen, y otros que se niegan a desaparecer, pero que son necesarios para cerrar un duelo de una forma sana pero cuyo proceso es doloroso. E “La Forma de las Horas” habla del duelo por un amor que se terminó, cuyos recuerdos estarán para siempre en la memoria de esa casa que sirvió como arcón de la memoria. Un dolor hecho una poesía lenta, melancólica y triste. Puntaje: 80/100.
Volver a resplandecer. Crítica de “Doctor Sueño” de Mike Flanagan.I Terror y espíritu nostálgico en la segunda parte de uno de los clásicos más grande del cine de terror. Por Bruno Calabrese. Al ser la continuación de “El Resplandor” surge inevitablemente la comparación con el clásico de Stanley Kubrick protagonizada por Jack Nicholson de 1980. Eso es lo primero que hay que evitar, es casi imposible lograr algo que esté a la altura de una película considerada como una de las mejores del género de terror de la historia. Así y todo, Doctor Sueño entretiene gracias a una historia atrapante, buenas escenas de suspenso y personajes aterradores. En el film veremos a Danny Torrance (Ewan Mcgregor), quien ahora es un adulto atormentado por los eventos ocurridos en el Hotel Overlook. Actualmente, después de superar sus problemas con el alcohol, vive en un pequeño pueblo de New Hampshire trabajando en una residencia de ancianos. Allí utiliza su habilidad mental denominada ‘resplandor’ para proporcionar consuelo a los moribundos. Pronto conocerá a una niña con su mismo poder, con un resplandor aún más brillante que el suyo. El escritor Stephen King había criticado la película de Stanley Kubrick porque la misma se centraba en los problemas de alcohol de Jack Torrance (Jack Nicholson) que en la crisis creativa que sufre el escritor, cómo relata en el libro. A pesar de eso, el director elige seguir la línea argumental de esa película, obviamente con el aval del escritor. Es por eso que vemos a Danny tratando de luchar contra los mismos problemas de alcohol que sufría el padre. Pero el eje central de conflicto no estará planteado en ese ámbito, el principal problema son unos vampiros que aspiran el resplandor para vivir eternamente. Una especie de secta asesina que recorre kilómetros en busca de niños poseedores del poder para torturarlos y aspirar el vapor que emanan. Siempre utilizando el angelical rostro de Rose The Hay (un maravillosa Rebecca Ferguson) como carnada para atraer a sus víctimas. Los mismos están muy bien presentados y tienen un sadismo aterrador. La película tiene dinámica y en ningún momento aburre. Tiene un tono depresivo atrapante e hipnótico. Nos sacude por momentos cuando los eternos consiguen presas para saciar su sed. Pero hay algo que reprocharle: es el final en el hotel Overloock. Intenta funcionar que como una especie de homenaje a la resplandor original pero su conclusión se da muy rápido y no da tanto miedo como si lo hacen en toda la película “los eternos”. Sin ir más lejos, el año pasado, Steven Spielberg en Ready Player One le hizo un mejor homenaje. La ambientación y el manejo de las escenas de terror que Mike Flanagan le imprime a sus película es realmente admirable. Ya desde su ópera prima “Absentia”, pasando por “Oculus” y la atrapante Hush (si no la vieron, véanla está en Netflix), hasta llegar a la serie “La Maldición de Hill House”, el director mostró un manejo del suspenso envidiable. Acá lo vuelve a demostrar pero con un guión sólido cuya adaptación era muy esperada por fanáticos del género. “Doctor Sueño” es un aterrador relato de aventuras, con la eterna lucha entre el bien y el mal. Una película que, a pesar de no estar a la altura de su antecesora, cumple con creces a las expectativas generadas. Puntaje: 75/100
Terror bajo la luz del sol. Crítica de “Midsommar” de Ari Aster.In Después de sorprender el año pasado con “Hereditary: El Legado del Diablo”. El director vuelve con una gran propuesta terror distinta y visualmente chocante por la crudeza de sus escenas. Por Bruno Calabrese. Ari Aster vuelve a tocar la misma temática que en su película anterior, el duelo y relaciones interpersonales conflictivas o tóxicas (ahora que está tan de moda esa palabra) Mientras en la primera era entre madre e hijos (con una pérdida incluida), en esta aborda desde otro tipo de relación, de una pareja de novios estudiantes en crisis. La muerte de los padres y la hermana de ella en circunstancias terribles, hace que ambos tengan que unirse para superar la tragedia, sobre todo el dolor de ella por la pérdida. Comenzando con una horrible tragedia sobre un fondo oscuro y nevado, Midsommar envía a un grupo de estadounidenses al mundo bañado por el sol de un pueblo sueco aislado. El grupo está formado por Dani ( Florence Pugh ) y su novio Christian ( Jack Reynor ), junto con William Jackson Harper como el estudioso Mark y Will Poulter como el divertido Josh, que se ríe a carcajadas. La relación de Dani y Christian es tensa, por decir lo menos. De hecho, Christian ha jugado con la idea de deshacerse de Dani, pero aún no lo ha hecho. Su guía para todo este viaje es Pelle (Vilhelm Blomgren), quien es oriundo de la pequeña y remota aldea, y ha traído a sus amigos a casa para celebrar un raro festival de midsommar. Como primera medida, tenemos que entender que estamos en presencia de una película de ruptura, cuya tensa y dolorosa relación entre Dani y Christian ocupa un lugar central desde el principio. Está claro que Christian no ama mucho a Dani, así como está claro que Dani tiene dificultades para ver esto y sigue dependiendo de Christian. A pesar de que en el prólogo no se explican los problemas de su relación, Aster se basa en sugerencias sutiles, junto con las actitudes de su actor, para resaltar cuán dañada y condenada está esta relación. Para eso, Aster retoma premisas de clásicos del terror popular como “The Wicker Man” (la original, no la remake hecha por Nicolas Cage) para su segundo largometraje pero “Midsommar” tiene algo diferente, su sentido del humor. Es divertida, con Poulter robando una gran parte de la parte humorística como el hilarante y despistado Josh. Pero todo ese clima festivo aparente con el que circula la película es sacudido por escenas impactantes y momentos de violencia perturbadora. A medida que se desarrolla la historia, las cosas en el pueblo se vuelven más terribles y mortales. Pero lo llamativo es que, en contraste con el ambiente sombrío de su antecesora Hereditary, el director de fotografía Pawel Pogorzelski lo muestra todo a pleno sol. Una experiencia surrealista maravillosa para el público que está acostumbrado al horror que se sumerge en la oscuridad. Con solo dos películas en rápida sucesión, el director ha demostrado que comprende el género más que la mayoría. Con un estilo inconfundible e historias únicas y revolucionarias que contar, y que, a pesar de recurrir a películas pasadas para contar sus historias de terror, termina creando películas que se destacan por completo y de manera distintiva. “Midsommar” es una película de terror diferente, aterradora e hilarante. Miedo increiblemente soleado y alegre pero novedoso y pertubador, con un director que viene pisando fuerte en el género. Una de las mejores películas de terror del año, que seguramente dividirá las aguas, pero que no pasará desapercibido para nadie. Puntaje: 90/100.