Vincent Gallo perdido en la nieve El afgano Mohammed (Vincent Gallo) que se encuentra bajo tutela de militares de Estados Unidos, es conducido a un centro secreto de detención en Europa. Sin embargo, el vehículo en el que es transportado sufre un accidente y el prisionero recobra, al menos parcialmente, su libertad, lo que motoriza un escape hacia ningún lugar en medio de un bosque tapizado por la nieve. Esta intensa película del realizador polaco Jerzy Skolimowski se alzó con el premio mayor del festival de Mar del Plata, el Astor de Oro, en la edición del año 2010. El dato es anecdótico en relación a los valores del film pero ayuda a comprender la importancia de un opus que con pocos diálogos y una cámara inquieta, logra una dinámica visual de alto impacto, acorde a la historia del guionista del primer largo de Roman Polanski, El cuchillo bajo el agua. Por su parte, Vincent Gallo, superhéroe de la actuación del método, de la performance interpretativa pero también tanto del matiz (Buffalo '66) como del alto contraste (Tetro), ofrece un trabajo formidable, en el que cada cuadro, cada fotograma es la posibilidad de encontrar un gesto destacable. La marca personal que establece Gallo con este trabajo (que a nivel mundial para el gran público pasó casi desapercibido) justifica los conflictos que mantuvo con el director durante el rodaje, no solo económicos (en relación a su cachet) sino también en la relación con quien lo dirigió con mano firme. Essential Killing habla de una guerra contra el terrorismo que lleva varios años, muchos más que los que pasaron desde los brutales atentados contra las Torres Gemelas. Pero también habla de la irracionalidad a la hora de combatir al enemigo, de elegirlo y de terminar con él. El afgano que protagoniza el relato está más allá de su culpabilidad presunta y de sus actos de violencia a la hora de esquivar una condena. El Mohammed que corre en zig zag contra un destino inesquivable transita la desesperación de un laberinto de final escrito y minotauro acechante. Como relato de época y como mirada sobre una globalización que se relaciona cada vez más con la mirada siempre presente del Big Brother de turno, Essential Killing es tanto una película urgente como un pequeño gran clásico de su tiempo. Podría hablarse de cine "necesario", de obra "importante". Pero quedémonos simplemente con que se trata de una de esas (pocas) películas que hay que ver más allá del pochoclo y el combo con gaseosa.
Hollywood sale a reclutar Basada en el popular juego de mesa luego llevado a las consolas de videogames, Batalla naval se centra en la historia del joven teniente de marina Alex Hopper (Taylor Kitsch), quien está a punto de comprometerse con la hija de un almirante (Liam Nesson). Por supuesto, con las cosas así planteadas lo que sucede es que el galán de marras comete un error tras otro y su posible suegro no hace otra cosa que odiarlo. Rihanna, en plena batalla anti extraterrestre Rihanna, en plena batalla anti extraterrestre En este marco, y durante un ejercicio de práctica en el medio del Pacífico, la marina descubre nada menos que naves extraterrestres plantadas en pleno océano. ¿Qué buscan los alienígenas? Importa poco o al menos se corre de foco rápidamente, porque la realidad es que, otra vez, el centro de todo es que las cosas suceden en el escenario excluyente de los Estados Unidos, capital del mundo en la que la batalla de cinco contra cinco se plantea a todo o nada. Una vez más el cine de Hollywood toma las riendas y, siguiendo una línea histórica a la que siempre le ha sido fiel, hace campaña por la cultura bélica y recluta marines a través del fílmico. Battleship, con su impresionante parafernalia técnica y su prodigioso trabajo de FX a cuestas, es quizá el más grande folleto militarista que el cine ha escrito en los últimos lustros, superando el promedio de fuego de la dinastía de films como la más o menos reciente Pearl Harbor o series como Nam y la ya clásica Combate. Todas y cada una de las escenas de la película dirigida por Peter Berg (el mismo de la pobretona comedia Hancock) forman parte de un rompecabezas que algo tiene que ver con el género de aventuras, pero que más aún se relaciona con el concepto de cine como vehículo de la acción política y el discurso de imposición. Los alienígenas son despiadados en su tarea de búsqueda de agua a cualquier precio. Agua que pretenden robarle al planeta Tierra y por la que atacan sin reprimir una sola bomba. Pero más allá de la pontificación militartista, el gran problema de este relato protagonizado por el galancete que viene de hacer estragos con Stanislavsky en John Carter, es la falta total de lógica interna, la estructuración de una narración pobre montada sobre una obsesión de trajes camuflados y armas de grueso calibre. Todo sucede en un único lugar, centralizado en los intereses del gran país de norte y, tal como indica la tradición, todo lo que allí ocurra tendrá consecuencias sobre el resto del mundo. Poco importa el desastre que muestran las imágenes que aparecen al comienzo de la película, con reportes desde ciudades de todo el planeta sobre la invasión; sea como fuere, todo remite a América del Norte y lo que pase allí es lo que replicará a los demás países. El resto es épica de cartón y una forma de resolución tan paupérrima que asombra, como si faltara el rollo en el que las cosas adquieren sentido para que terminen como terminan. Poco cine, millones invertidos en fuegos artificiales y, sobre todo, demasiada transpiración gastada en banalidades de un patrioterismo con naftalina. Nada más que eso hay en esta humedecida batalla naval.
De la TV al cine 25 años después A mediados de la década del 80, un joven Johnny Depp coprotagonizó la serie que llevaba el mismo título que esta película del tándem Phil Lord-Chris Miller (responsable del proyecto en marcha Lego: The Movie). Hoy, 25 años después del serial catódico, llega una de esas producciones con las que Hollywood hecha manotazo de ahogado e intenta tapar la descomunal falta de ideas que viene aquejando a las majors desde hace varios lustros. Comando especial es una humorada bastante extensa (de casi dos horas) con algo del slapstick de la comedia clásica pero mucho, mucho de las guarradas de la saga fumona Harold & Kumar (aunque con un importante barniz moralista) y demasiado de lo más tonto de los hermanos Farrelly (que acaban de estrenar en EE.UU. la desastrosa The Three Stooges). El duo protagonista es efectivo, principalmente por Jonathan Hill, hombre de peso en la comedia norteamericana de los últimos años, que viene de brillar en The Sister y que en 2014 lo tendremos en Zoolander 2. Su labor es por lejos lo mejor de la película, que se apoya en gran parte en él y sus efectivas morisquetas. El resto es un compendio elaborado con cierta efectividad en el guión, aunque apelando a un altísimo número de reiteraciones y gags ya remanidos que la tiran para atrás, tanto que por momentos pareciera que estamos ante una fallida comedia adolescente de los 90s en clave American Pie. La tradición de la gran comedia hollywoodense está lejos de este ejemplo de ramplonería bien facturada y envuelta para regalo, incluso pese al clímax final en el que las dos estrellas invitadas (y no acreditadas en los títulos) le dan un poco de lustre a un producción gastada desde el vamos.
El nuevo cine chileno Este film, que forma parte de lo que podría definirse como "nuevo cine chileno", se encuadra dentro de las características establecidas por el cine rutero al que el Hollywood menos industrial le puso su firma, y al que realizadores de todo el mundo supieron nutrir, sobre todo y en los últimos años, en la Argentina, donde la falta de presupuesto ayudó a dotar de ideas al subgénero de la cámara rodeada de polvareda y vehículos que pasan en loop. En síntesis, un cine que hizo del no-lugar, un escenario posible. El realizador Alberto Fuguet redondeó una idea base (el inmigrante latino que llega a la tierra prometida del Norte exitoso) y la puso en la mochila del protagonista pero con los elementos necesarios como para que el laberinto que transita Alejandro no se transforme en un pasaje monóto y tan desértico como las tierras sureñas, que rompen su gris cotidianeidad apenas con los acordes del gran Johnny Cash. "Soy fanático de Johnny Cash", dice en algún momento el trotamundos chileno que tarda más de lo previsto en hacer pie en la aridez del sur estadounidense. Sin embargo, el derrotero que traza Alejandro es el de la búsqueda y la superación personal en medio de una tierra hostil, que esconde el rechazo al extranjero bajo una pátina de dreamland que nunca termina de sentarle del todo cuando el que debió emigrar muerde el polvo. ¿La música campesina del título? A lo largo del relato las notas se derraman de a poco, con timidez, asomando de entre las barreras que se plantan a nuestro antihéroe. Y es que la película tiene, entre otros méritos, la sutileza. Ahí es donde el cuento se vuelve querible y vívido. Planos cortos, buenas líneas de diálogo, interacciones certeras entre personajes y una puesta tan minimalista como las expectativas reales del protagonista, son las que coronan un buen ejemplo de cine con cámara y mirada inquieta. El cine chileno tiene con qué y con Música campesina queda en claro.
Los superhéroes de la Marvel, unidos Nick Fury (Samuel L. Jackson) es director de la unidad especial S.H.I.E.L.D, una agencia "de paz" que trabaja, en los hechos, para la Casa Blanca. La agencia tiene para sí nada menos que a figurones como Tony Stark/Iron Man (Robert Downey Jr.), Bruce Banner/Hulk (Mark Ruffalo), Thor (Chris Hemsworth), Steve Rogers/Capitán América (Chris Evans), Clint Barton/Hawkeye (Jeremy Renner) y Natacha Romanoff/Viuda Negra (Scarlett Johansson). Iron Man y Capitán América, dos potencias se saludan Iron Man y Capitán América, dos potencias se saludan Los héroes de la Marvel, en esta ocasión, unidos por primera vez en la pantalla grande, entran en juego cuando la humanidad corre riesgo debido a la llegada al planeta tierra de Loki (Tom Hiddleston), hermano de Thor y figurón peligroso para todo aquel que se le enfrente, quien además tiene la pretención de apoderarse del mundo y dominarlo. Esta extensa, muy extensa película de Joss Whedon (que viene de haber dirigido Thor en 2011), reune a algunos de los más eximios paladines de la justicia de Marvel en torno a la causa de defender Manhattan, ciudad, una vez más, representante del universo todo. En ese escenario es donde se lleva a cabo esta aventura de altísimo presupuesto y al mismo tiempo características propias tanto de lo más encumbrado del Hollywood multimillonario como del cine clase B de los años 70s y 80s, allá lejos, cuando los muñecotes estrafalarios y las luces porque sí estaban a la orden del día. El relato comienza con una muestra de que los villanos en cuestión viajan a la tierra para apoderarse de todo y, de paso vengarse del bueno de Thor, que eligió defender a la humanidad y luchar contra el mal. Poco después, en el Salón de la Justicia, sus líderes cranean cómo juntar a los super, que andan desperdigados haciendo sus vidas de conflictuados luchadores del bien. El quid de The Avengers está, por supuesto, en la reunión de lus superhéroes y su lucha conjunta contra Loki y su demencial ansia de poder. Sin embargo, a poco de comenzar, el centro de la atención se concentra en Tony Stark y su ráfaga de chistes todo terreno, como si en realidad la película funcionara más como una extensión de Iron Man que otra cosa. Pero sin embargo el film logra encausar la línea a tiempo y no termina por ser una nueva secuela de las aventuras del héroe de hierro, sino que consigue unir a los superamigos y redondear un buen link que conecta con los personajes de Marvelworld, más allá de que algunos (Hulk, Hawkeye) parezcan invitados especiales a una fiesta ajena. Esta primera película de Los Vengadores (ya hay una secuela confirmada) cumple con la línea histórica de la industria pesada del cine que consigue imponer la agenda cinéfila, que sin problemas hace la tapa de las noticias de la semana y dice que el cine pasa por ahì, por la lógica mainstream. Los superhéroes que llevan la firma de, entre otros, Stan Lee (que no se pierde su habitual cameo) ganan la partida pese incluso a una introducción a la que le sobran diálogos técnicos, con especificaciones innecesarias, como si hubiera que saldar cualquier posible duda respecto de protones, átomos o física cuántica. Los últimos 30 minutos del film justifican a las casi dos horas anteriores y dicen que sí, que la aventura se justificó en si misma y que el 3D trucho de una película que fue filmada en 2D y que apenas presenta un débil filtro de tridimensionalidad, es una nueva apuesta ganadora de la meca del cine multimillonario. Con la efectividad que lo caracteriza, Hollywood lo hizo de nuevo. Las quejas las dejamos para otra ocasión.
Más zombies españoles A toda saga le llega su precuela, y la exitosa Rec no podía ser menos. El relato sobre zombies más exitoso de España transcurre, en este caso, lejos de la locación original, aquel edificio de Barcelona tomado por no-muertos. El "génesis" del que habla el título del film remite a lo no dicho por las películas anteriores, lo no contado en torno a la epidemia zombie. Una pareja de enamorados enfrenta su momento idícilo en medio de un desastre apocalíptico. Pero hay un problema fundamental en esta nueva escala de Paco Plaza en la fórmula: todo lo que vemos en pantalla ya fue visto miles de veces, no sólo en el subgénero de zombies, sino también en lo que es la estructura de una película de terror. No hay nada en Rec3 que aporte una idea, una mirada distinta, una escena al menos, que justifique la realización del film. Podría decirse que el cine es un gran negocio, y que las secuelas son parte ya arraigada en la industria, que un director está en todo su derecho de exprimir hasta la última gota de una idea que da resultado, y que, y aquí el punto central detrás del mostrador, las otras dos partes de Rec tuvieron su correspondiente remake made in Hollywood, por lo que es seguro que en este caso sucederá lo mismo, con los millones derivados de semejante transacción. Claro, los últimos minutos de esta precuela, que une cabos con lo sucedido en los films anteriores apelando a un formato que roza en cierta forma lo visto en los últimos capítulos de la serie Lost (aunque sin la complejidad y la expectativa que despertó la resolución de la aventura en la isla) apela a un final abierto que sirve como calzador para lo que será la ya anunciada Rec 4. Clin caja.
"12 horas" que dan miedo No hay nada, absolutamente nada en 12 horas que justifique su estreno en una cartelera comercial. La historia de la joven que busca a su hermana desaparecida (o ida, según la traducción literal del título original, "Gone") se enmarca en una estructura formal anoréxica, carente de todo interés más allá del mínimo que puede llegar a despertar un thriller con protagonista rubia sexy entre un público sin expectativas. El film dirigido por el brasileño afincado en Hollywood, Heitor Dhalia, sería una buena elección para la programación de televisión por cable en la grilla de la madrugada, allí donde los desvelados encuentran algún título que los salve del insomnio. Es más, se trata de una película a la que la ausencia de oficio, ideas para el guión, líneas de diálogo mínimamente inteligentes y originalidad en el perfil de los personajes, la hubiera condenado hace una década o más a figurar entre los VHS menos requeridos en cualquier video club de barrio. Con el correr de los minutos, la trama de Gone se vuelve desesperante para cualquiera que busque algo de sustancia. El desfile de sospechosos con cara de muy sospechosos y posibles asesinos es, en lugar de un acierto de casting, un monumento a la obviedad de lo peor de la fórmula de los estudios antediluvianos. Y así podríamos seguir enumerando razones por las cuales 12 horas es, ya, candidata a ser una de las peores películas del año.
Depp, perdido en Puerto Rico Basada en la novela del incendiario periodista estadounidense Hunter Thompson, esta historia protagonizada por Johnny Depp cuenta el derrotero de Kemp (alterego del autor), reportero gráfico pero más que ninguna otra cosa, escritor, que llega a Puerto Rico en busca de trabajo, un techo y, quizá, una vida que valga la pena vivir. Allí, en tierra inhóspita, en plenos años 50, con la paranoia provocada por la guerra fría haciendo estragos en todo el continente americano, este periodista extraviado en si mismo se topa con una red de corrupción en torno al negocio inmobiliario. Sin embargo, por sobre todas las cosas, Kemp encuentra los ojos y la figura celestial ("creí que eras una sirena") de Chenault (Amber Heard), a la sazón, pareja del poderoso empresario que le ofrece a nuestro (anti)héroe un jugoso negocio profesional que lo obliga a callar verdades. La novela que dio origen a este film tiene la impronta tóxica propia de la pluma y la vivencia en carne viva de su autor, un recorrido moderado respecto de algunos de sus textos más característicos (los que dieron origen a Pánico y locura en Las Vegas, por ejemplo) pero que dejan en claro que la ruta de Thompson no esquiva jamás la intoxicación y el riesgo kamikaze, en todos los frentes. Sin embargo, las imágenes logradas por Bruce Robinson (quien hacía dos décadas que no dirigía) no están a la altura ni de la novela original ni del personaje que retrata ni tampoco de Johnny Depp, que a su personaje le aportó los matices que conocimos en la película de Terry Gillam y no mucho más, en parte por la mínima marcación desde detrás de cámaras, lo cual da la impresión de un papel logrado de taquito, sin riesgo. Hay buenos momentos, todos con Depp, claro, a quien casi no hay toma que lo deje afuera (cuando conoce a la femme fatale del relato, o cuando es procesado por prenderle fuego a un policìa). Pero no hay más que eso en un largometraje menor, que no logra terminar de sintonizar con lo que está contando, ni acaba tampoco de darle el tono oscuro y decadente que ameritaba la aventura.
Luego de que su avión se estrella en medio de la nada en Alaska, siete trabajadores petroleros se enfrentan a una lucha desesperada contra una manada de lobos ávidos de comida y, sobre todo, de ataque contra quienes han "invadido" su territorio. A estos hombres los guía un experimentado cazador (Liam Nesson), que pondrá toda su sabiduría en juego para que la odisea sea lo menos trágica posible. Joe Carnahan no es un gran director (allí está la versión fílmica de Brigada A como ejemplo) pero Liam Neeson es un actor todo terreno y que durante los últimos años demostró que así como inmortalizó la figura de Oskar Schindler también pudo hacerse cargo de héroes de acción sin superpoderes, de hombres del común que se enfrentan a situaciones terminales (un buen link es Taken, en la que encarnó a un ex CIA que debía rescatar a su hija de una banda de trata de personas). En este contexto de curriculums desparejos, El líder se destaca como un trabajo menor pero efectivo. No hay nada en esta historia de hombres desarmados contra animales salvajes que no se haya contado; desde el perfil del héroe, siempre recto, siempre adusto y con el comentario justo en el momento necesario, hasta los diferentes personajes que acompañan en la odisea, sobre todo el oponente, el menos bueno del grupo, el que menos importa cuando se producen los ataques de las fieras. No hay en The Grey mucho más que lo antedicho y una factura técnica de calidad, sobre todo por una fotografía que aprovecha la amplitud panorámica que ofrece la nieve, cubriéndolo todo de libertad y al mismo tiempo de cierta claustrofobia, por un escenario que de tan amplio e inabarcable asfixia. Y esos lobos, esos aullidos, esos ojos en la oscuridad, acechando entre la espesura de la noche.
Lo nuevo de Robert Redford En una noche de confusión, luego de la guerra de secesión que partió en dos a los Estados Unidos, y con la victoria ya consolidada del Norte abolicionista sobre el Sur esclavista, el presidente Abraham Lincoln es asesinado a balazos en un teatro. Un grupo de acusados por el hecho es encabezado por una mujer, Mary Surratt (Evan Rachel Wood), quien parece cargar con un crimen que no cometió, y por el que también es sospechoso su hijo prófugo. Pero el Estado necesita condenar a muerte a todos los culpables posibles, como sea. Acusada y abogado, en una batalla perdida. Acusada y abogado, en una batalla perdida. Michel Foucault ha sabido dedicar largas parrafadas de su obra a la cuestión del castigo por parte del Estado, a la búsqueda por parte del Poder de condenas "ejemplificadoras" sin importar demasiado los medios para llegar a ellas. Así, la descripción de un desmembramiento a la que apela en el inicio de su libro “Vigilar y castigar”, es una buena forma de entender hasta qué punto la visceralidad y la venganza operan en contra de la idea de justicia. En ese camino es que El conspirador actúa desde el cine como señalador de una forma de pensar a la justicia. Situada a fines del siglo XIX, la película cuenta a grandes rasgos la perversión judicial a la que echó mano el poder político para lograr la culpabilidad de una mujer que nada tuvo que ver con el asesinato del presidente Lincoln. Robert Redford vuelve a la dirección con un film que quizá no esté a la altura de lo que cuenta, por falta de profundización en los derroteros de los personajes, pero que sin embargo cumple con el retrato de una forma salvaje de administrar e interpretar la ley. En ese sentido, es central el personaje jugado por James McAvoy, como un joven e inexperto abogado que debe hacerse cargo de la defensa de la acusada principal, a capa y espada contra un sistema que la condenó de antemano. El resto del elenco, encabezado por la muy buena labor de Evan Rachel Wood y por el siempre justo Tom Wilkinson, acompaña con lo necesario a una película que no por casualidad llega a nosotros en tiempos de Guantánamo.