Un género, todos los géneros Aunque aún no ha alcanzado la masividad que sí suelen conseguir las producciones hollywoodenses, el cine de terror argentino continúa creciendo. Tras el reciente estreno de Necrofobia, llega 2/11 Día de los muertos, nueva incursión en el cine de género de un permanente cultor del mismo como el formoseño Ezio Massa (Más allá del límite, Cacería, Villa). En este caso, a partir de un guión coescrito con el periodista Sebastián Tabany, Massa narra una historia de pueblo chico-infierno grande que abreva en diferentes tópicos (varios de ellos constitutivos) del fantástico, el thriller psicológico, el policial, el drama familiar, el slasher, etc. Un joven aparece desnudo y ensangrentado en plena ruta. Un hombre veterano les cuenta a los vecinos (incluidos varios niños) una leyenda ligada a una loba que atrae a y arrasa con unos perros en pleno bosque. Así arranca 2/11 Día de los muertos, película que trabaja en diferentes tiempos y líneas narrativas en general con buenos resultados, aunque no todas las resoluciones sean igual de convincentes y por momentos pierda cierta cohesión y solidez. En el centro de la escena está la desaparición de un grupo de tres amigos y, también, un triángulo afectivo entre dos hermanos enfrentados entre sí, un policía del pueblo llamado Santiago (Juan Gil Navarro) y Elías (Nicolás Alberti), y una mujer (Agustina Lecouna) que fue la esposa del primero y hoy es la amante del segundo. Los dos muchachos deberán dejar las diferencias de lado para avanzar en una investigación y demostrar que Elías no es un asesino. Con elementos, referencias y encuadres que remiten a los autores ochentistas que son los héroes cinéfilos de Massa (con John Carpenter a la cabeza) y a partir de un vistoso trabajo estético que genera climas ominosos y sugerentes, 2/11 Día de los muertos termina trascendiendo sus desniveles para convertirse, en definitiva, en un buen exponente de un género que busca su definitiva consolidación.
Verano caliente Luego de esa muy auspiciosa carta de presentación que fue Criada, Herrera Córdoba debutó en el largometraje de ficción con un film que se concentra en las vivencias de dos mujeres (María Pessacq y Galia Kohan) que comparten un par de semanas durante un verano de un calor insoportable. Una de ellas es una veterana actriz de teatro que prepara un monólogo para un inminente estreno, mientras que la dueña de casa se la pasa buscando a su gata, recordando a su marido muerto, y sosteniendo una relación con su jardinero y amante. El film está muy cuidado desde lo formal, con una llamativa preocupación por el más mínimo detalle de la puesta en escena, pero cierta solemnidad en el tono y ampulosidad en algunos diálogos a la hora de construir ese micromundo melancólico conspiran en parte contra el resultado final.
Audaz e inquietante mirada sobre el patriarcado Una familia perfecta (matrimonio joven y encantador con una hija y un hijo) llega a un lujoso resort turístico en plenos Alpes franceses con la idea de disfrutar de una semana de esquí. Sin embargo, mientras comen algo en una terraza se acerca una avalancha. Las risas nerviosas del inicio se convierten en gritos de pánico. La madre, Ebba, abraza a los dos pequeños; Tomas, el padre, agarra su iPhone y sale corriendo del lugar. A los pocos segundos todos respirarán aliviados. El alud se detuvo unos metros antes y sólo están cubiertos de nieve. Pero, aunque ilesos, la experiencia extrema dejará secuelas de todo tipo. Las relaciones se empiezan a resquebrajar. Algo ha cambiado para siempre? Así arranca Force Majeure, nuevo trabajo de ese brillante director que es el sueco Ruben Östlund (Play), que no casualmente ha sido comparado con Ingmar Bergman y Michael Haneke por sus provocadoras exploraciones de las peores miserias, fantasmas y miedos de la burguesía europea. En este caso, lo que Östlund pone en cuestión es el lugar del hombre como patriarca, figura poderosa y ángel guardián de la familia. En principio, Tomas niega los hechos, no acepta su acto de cobardía, pero ante los reproches de su esposa y la posterior condena de amigos se hunde en la vergüenza, la angustia y la crisis existencial. Quien crea que Force Majeure es un melodrama desgarrador deberá saber que Östlund apuesta casi siempre por el humor (por momentos bastante negro) y, aunque acaso el espectador pueda sentir cierta incomodidad al reírse del patetismo del protagonista con su ego masculino herido, la película se desarrolla con una gracia y una fluidez que se agradecen. Östlund es un cineasta que combina un enorme talento visual (es notable cómo aprovecha tanto la estética kitsch del centro turístico como las inmensas pistas y bosques nevados) con una mirada llena de inteligencia, que arrasa con todos los valores que sostienen el machismo y jaquea incluso los postulados de la corrección política. Una película audaz e inquietante. Un estreno para celebrar.
Sólo para fanáticos En 1994, los hermanos Farrelly eran unos ilustres desconocidos e irrumpieron en Hollywood con una comedia que hacía un culto del patetismo de sus dos protagonistas así como de la escatología y del mal gusto. El film fue incinerado por la crítica, pero se convirtió no sólo en un sorprendente éxito comercial sino incluso en el punto de partida de un nutrido subgénero con apuestas similares. Dos décadas han pasado y tanto los directores como Lloyd (Jim Carrey) y Harry (Jeff Daniels) han envejecido. Sin embargo, contra todos los prejuicios, puede afirmarse que esta secuela no defrauda. Al menos, claro, para quienes disfrutan de este tipo de humor extremo, ampuloso, desatado, con esa apuesta al absurdo y al gag físico (slapstick) que proviene de Los tres chiflados y, más atrás, de los pioneros del género. La trama, como siempre en estos casos es lo de menos: Lloyd sale de un estado vegetativo (y de un encierro de 20 años en un neuropsiquiátrico). Ya reunido con Harry, se enteran de que éste podría tener una hija adolescente, que podría ser la donante para un trasplante de riñón que él necesita. Este ridículo punto de partida es el disparador para que ambos salgan de viaje y se lleven a todo y a todos por delante (muchas veces, literalmente). El estilo Farrelly es el de ir siempre por más, por todo. No hay límite, no hay freno. En medio de ese aluvión de desmesura e incorrección política surgen unos cuantos chistes logrados y situaciones hilarantes. Cada espectador sabrá si éste es el traje que mejor le calza.
Extraña bajada de línea espiritual Marcos (Guillermo Pfening) es un treintañero cínico y desesperanzado. Hijo de un militante de izquierda caído en los años 70, tiene una madre que se ha refugiado en la religión y un hermano menor, Jony (Gastón Soffritti), sumergido en el submundo de la delincuencia más pesada. La casualidad hace que el protagonista aparezca en su primer día de trabajo como cadete en una sucursal bancaria en el momento exacto en que la banda que integra Jony comete un asalto. Los resultados del golpe serán, en más de un sentido, devastadores. De Felippo intenta combinar la trama policial con el drama familiar, una mirada demoledora sobre la corrupción policial, pero apuesta -sobre todo- a la concientización con la aparición de un personaje "iluminado", capaz de concretar milagros y soltar discursos aleccionadores. Más allá de cierta pericia narrativa, el resultado es caótico y desconcertante, más cercano a la bajada de línea de valores espirituales que al genuino disfrute cinematográfico.
Una sombra ya pronto serás El director de Lo que sé de Lola (2006) y La mujer sin piano (2009) filmó en buena parte del territorio argentino una road-movie existencialista (o, mejor, mortuoria) sobre un veterano killer profesional (José Sacristán, premiado en el Festival de San Sebastián por este trabajo) que se entera de que le queda poco tiempo de vida y -con un cargamento de morfina a cuesta para paliar sus crecientes dolores- se embarca en una Ford Falcon rural en un largo e imprevisible viaje final hacia el Norte lleno de enredos y vueltas de tuerca. Se le sumará luego una mujer desesperada con quien vivirá situaciones tragicómicas. Hasta aquí (película de camino, asesino a sueldo, el tema de la muerte) la narración podría transitar por caminos esperables y conocidos, pero Rebollo apela todo el tiempo a una ambiciosa (pretenciosa) voz en off que "dialoga", "interactúa" y por momentos se anticipa a la acción que veremos pocos segundos después. El mecanismo -que remite inevitablemente a Historias extraordinarias, de Mariano Llinás- abruma y distancia más de lo que aporta a un film que, visto desde la Argentina, pendula entre lo curioso, lo pintoresco, lo obvio y lo banal en su mirada a las desventuras de un antihéroe suelto en el interior profundo de nuestro país.
Más allá del olvido Christine Lucas (Nicole Kidman) se despierta cada mañana sin recordar nada de su vida. Durante la jornada, con la ayuda de su marido Ben (Colin Firth) y de una serie de fotos pegadas en una pared, va almacenando información sobre su pasado, pero por la noche –mientras duerme– volverá a olvidarlo todo. Sin embargo, gracias a sucesivos encuentros con un misterioso neuropsiquiatra llamado Dr. Nasch (Mark Strong) y a grabaciones de sus propios testimonios que hace con una cámara, empieza de a poco a recuperar algunos recuerdos (no demasiado gratos) y a reconstruir el complejo rompecabezas de sus traumáticas experiencias. El tema de la amnesia ha dado lugar a un sinfín de películas, algunos dramas memorables (Memento, recuerdos de un crimen, por ejemplo) y varias buenas comedias (desde el clásico inoxidable Hechizo del tiempo hasta la romántica Como si fuera la primera vez y hasta la animada Buscando a Nemo si quieren). Antes de despertar no se sumará a la lista… Con una carrera reducida como director (Brighton Rock), pero con una importante filmografía como guionista (Last Resort, Exterminio 2 y El ocaso de un asesino, entre otras), el hijo de Roland Joffé construye un thriller psicológico frío y melancólico, que resulta demasiado reiterativo, solemne, artificial y engañoso (manipulador en el mal sentido). Su look melancólico, sus toques perversos, sus intérpretes de primera línea (aunque Kidman está lejos de la actriz que supo ser y Firth parece trabajar “de taquito”) no alcanzan a reivindicar a un film –basado en el best-seller de S. J. Watson– con el que es imposible ya no identificarse sino siquiera involucrarse mínimamente desde lo emocional. Un mero ejercicio de estilo formal que carece de la provocación, la audacia y hasta del humor negro de Perdida. Mejor –en línea con su propuesta– olvidarla pronto.
Torrente, un personaje que ha envejecido demasiado Pasaron 16 años desde que Santiago Segura, en su triple función de guionista, director y protagonista, sorprendió con el personaje de Torrente, un detective fascista, bruto, machista, corrupto, sucio y racista que se convirtió en emblema de la comedia negra políticamente incorrecta en El brazo tonto de la ley. La quinta entrega de la saga arranca muy bien: estamos en un futuro cercano (2018) con España expulsada de la Unión Europea, de vuelta a la peseta, con un IVA del 42% y con Cataluña independizada. En ese contexto, Torrente sale de la cárcel y es contactado por un ex soldado estadounidense paralítico (Alex Baldwin) para que arme una banda (que será de lo más patética, por supuesto) capaz de robar el único casino que sobrevivió al frustrado proyecto de Eurovegas. Y es en ese momento, cuando intenta ser una versión en broma de La gran estafa, Misión: Imposible y las películas de James Bond, que el film se vuelve mecánico y mediocre, desaprovechando a un actor inmenso como Baldwin, que parece no haber entendido jamás el registro y habla un penoso español. Incluso una espectacular secuencia de acción como la del cierre resulta un mero regodeo de los recursos de producción dentro de una saga que había comenzado con más ideas que dinero. Los chistes y las referencias se repiten, y ni los homenajes (a Tony Leblanc) ni los regresos de Chus Lampreave y Neus Asensi, ni el diluvio de cameos (de Ricardo Darín a Imanol Arias) logran salvar a esta nueva entrega de una franquicia que habrá crecido en presupuesto, pero envejeció mal. Las arrugas ya se notan demasiado.
Verdadero prodigio visual La productora Laika es responsable de Coraline y la puerta secreta y ParaNorman, películas que combinan las tradicionales técnicas de animación stop-motion (cuadro por cuadro) con los últimos adelantos de la tecnología digital y, como el caso de Los Boxtrolls, también incursionan en el cine 3D. Los Boxtrolls, transposición del popular libro ¡Tierra de monstruos!, de Alan Snow, no tiene nada que envidiarles en términos visuales a sus dos antecesoras de Laika ni a ninguna producción animada reciente, pero no genera la misma empatía que la notable Coraline? y su humor es menos eficaz que en ParaNorman. Ambientada en la ciudad victoriana de Cheesebridge, esta película de Anthony Stacchi y Graham Annable tiene como protagonistas a los pequeños boxtrolls del título, unos queribles monstruos que se cubren con cajas de cartón, viven en las profundidades del lugar y salen por las noches en busca de desperdicios que sirvan para su subsistencia. Entre sus conquistas preferidas están los relojes y los muñecos a cuerda, toda una definición para una película que -ya desde su misma factura- reivindica lo artesanal por sobre lo industrial. Entre los boxtrolls aparece a los pocos minutos un ser extraño. No es otro que Eggs, un niño huérfano que ha sido criado por esas criaturas y que luego será fundamental para su supervivencia. Es que en la superficie -donde un grupo de aristócratas liderado por Lord Camembert disfruta de la opulencia y de su pasión por los quesos- unos sádicos exterminadores se dedican a erradicar a los boxtrolls y el chico (que luego se convertirá en valiente muchacho) deberá salir al mundo real para detener esa matanza. La película es de una belleza incuestionable y tiene algunos chistes simpáticos, pero esta vez los personajes y la mayoría de los conflictos carecen de la intensidad, la profundidad y la capacidad de identificación que otros productos similares (sean de Laika, Pixar, Aardman o DreamWorks) sí han conseguido. De todas maneras, aunque el guión no esté a la altura de su factura y su visión puede ser un poco ardua para los más chicos, ningún amante de la animación debería soslayar un prodigio visual como el de Los Boxtrolls.
Vendedores de recuerdos Esta película de los veinteañeros Joaquín Maito y Tatiana Mazú tiene varios méritos, el principal de ellos haber registrado un universo muy particular como el de aquellos que se dedican a comprar y vender todo aquellos que la gente descarta Este muy cuidado film arranca con un grupo de fleteros en la madrugada porteña y luego expondrá las anécdotas de aquellos que se dedican a comprar casas “enteras”; es decir, absolutamente todo lo que hay en un hogar que sus nuevos dueños (en general hijos de un difunto) quieren vaciar. Son adquisiciones casi siempre a granel, sin siquiera distinguir entre lo verdaderamente valioso y lo que no. Algo similar pasa con la venta de esos objetos. Los directores encuentran el eje, el alma de su película en una casa de remates en Flores y, más precisamente, en un carismático martillero que se dedica a ofrecer todo lo que el lector pueda imaginar (desde posavasos hasta ollas) a un grupo de singulares compradores dispuestos a llevarse una oportunidad por 5, 20 o 50 pesos. El problema es que, una vez que alcanza su “climax”, aparecen otros personajes secundarios (un revendedor de Mercado Libre, un coleccionista con pasado de trabajador pesquero y la dueña de un anticuario), cuyas miradas e historias no alcanzan el mismo interés. De todas maneras, es El estado de las cosas un documental singular y valioso, construido a partir de una premisa inteligente (la venta de la historia, de los recuerdos, de la memoria de mucha gente olvidada en circunstancias casi risibles) y con una puesta en escena rigurosa y fluida a la vez. A seguirles los pasos, pues, a estos dos prometedores realizadores.