Con los peores ingredientes... El cine francés es tan rico, tan diverso, y al mismo tiempo le está costando tanto llegar a la cartelera comercial argentina, que cuando se estrena un subproducto tan menor como El chef genera una mezcla de bronca e impotencia. No se entiende por qué los distribuidores locales, teniendo la posibilidad de elegir entre la vasta oferta del principal productor audiovisual de Europa, optan por una comedieta de cuarta, construida a pura fórmula, a fuerza de clichés y estereotipos, como esta de Daniel Cohen. Hemos visto (disfrutado y padecido) decenas, centenares de películas europeas y norteamericanas con la comida y el mundillo gastronómico como eje. Y, si bien podríamos coincidir en que el subgénero está ya demasiado transitado (¿agotado?), pocos exponentes han sido tan pobres, tan escasos de ideas, como este protagonizado por Jean Reno y Michël Youn. Un chef consagrado (Reno), un loser al que le gusta cocinar pero no tiene suerte (Youn). Una relación padre-hija, otra entre dos que están por ser padres y planean casarse. Un dueño de restaurante despótico. Diferencias generacionales y de estilos de preparar los platos. Con esos “ingredientes” (bastante sosos, por cierto), el guionista y director Cohen arma una comedia de enredos con gusto a poco, muy poco. Anodina, chata, previsible, El chef no da ni para la sonrisa (la carcajada es aquí una utopía). Un film decididamente menor incluso dentro de la vertiente más comercial del cine francés, que supo y sabe regalar productos que pueden resultar un poco convencionales, pero son casi siempre muy eficaces. No es este caso. Consejo: ahórrense la entrada y vuelvan a ver Ratatouille.
Del talento y la creatividad al regodeo y la provocación El siempre polémico director de Japón, Batalla en el cielo y Luz silenciosa se arriesgó con elementos personales (sus dos hijos en la vida real tienen papeles centrales y una de las locaciones principales es su propia -y bella- casa de campo) para una ambiciosa (tanto desde lo visual como de la puesta en escena) descripción de las profundas diferencias económicas y culturales, y las luchas de clase que subyacen en México y que -como todos los conflictos sostenidos con demasiada tensión- suelen explotar en el momento más inesperado y de la peor manera. Reygadas -que recibió el premio al mejor director en el Festival de Cannes 2012 por este trabajo- no se ahorra situaciones extremas: luego de un hermosísimo plano-secuencia inicial, aparece -literalmente- el Diablo (en precaria versión fluorescente) y poco después mostrará desde una orgía hasta asesinatos a sangre fría, pasando por un final a puro rugby. El film -trabajado en las tomas de exteriores con lentes que deforman los bordes de la imagen- va de lo más íntimo al retrato coral, de la austeridad a lo grandilocuente, de lo familiar a lo social, con resultados que por momentos subyugan y en otros, irritan. Cineasta virtuoso, radical y creativo, Reygadas parece demasiado tentado por la provocación y enamorado de sus ideas (su genio). Esa compulsión por impactar, trascender, por demostrar en cada plano su talento, cae por momentos en el regodeo y el capricho pretencioso (el director y colega Juan Villegas utilizó con acierto el neologismo “obramaestrismo”), y termina fagocitándose así muchas veces las buenas ideas que indudablemente tiene.
Hay películas que nacen con grandes ambiciones y luego lucen empequeñecidas a la hora de apreciar su resultado final. Y hay otras, como es el caso de Calles de la memoria , que tienen un nacimiento casi fortuito y una producción más que modesta, pero que terminan con alcances mayúsculos. Lo que aquí comenzó como un ejercicio de carácter eminentemente pedagógico se constituye en un inteligente ensayo -pletórico de contradicciones y matices, lejos de la bajada de línea y los fanatismos tan en boga por estos días- sobre la construcción de la memoria, sobre esos puentes que se tienden entre pasado y presente, entre los militantes de ayer y los de hoy. A partir de un trabajo grupal en el ámbito de un taller con documentalistas iberoamericanos, la celebrada directora Carmen Guarini (objeto por estos días de una retrospectiva de su filmografía en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín para acompañar este estreno) y sus alumnos/colaboradores registran el proyecto de Barrios x Memoria y Justicia, una muy activa asociación de vecinos de Almagro y Balvanera que instalan en esos y otros barrios porteños baldosas con inscripciones alusivas al terrorismo de Estado durante la última dictadura. Los realizadores consultan a los vecinos sobre el mayor o menor interés que esos homenajes/denuncias les despiertan y al mismo tiempo se interrogan sobre el lugar (y la ética) del documentalista que invade y manipula ámbitos muchas veces íntimos, pero que también da cuenta de actos de fuertes dimensiones sociales y políticas. En ese sentido, el film expone en toda su dimensión los debates internos, las diferencias generacionales y las implicancias emocionales de quienes idean, organizan y llevan a cabo estas iniciativas callejeras. Así, Guarini y su equipo construyen un doble estudio: sobre las nuevas formas de pensar y representar la memoria colectiva y sobre el cine dentro del cine.
En la saga de Madagascar fueron los pingüinos. En la de La Era de Hielo , la ardillita Scrat. Y en la de Mi villano favorito , sobre todo en esta segunda entrega, son los Minions quienes se "roban el show". Los secundarios animados al poder, parece. En efecto, estas pequeñas, caóticas (y muy divertidas) criaturas amarillas que ayudan al ex malvado Gru devenido en sufrido padre de tres encantadoras huerfanitas son el principal argumento para recomendar una secuela que -en casi todos los otros terrenos- queda bastante lejos de la sorprendente y muy redonda película original de 2010, en la que el calvo protagonista de voz aguda se robaba nada menos que la Luna. En el arranque de este segundo film vemos al atribulado antihéroe organizando (y padeciendo, claro) una fiesta de cumpleaños infantil en el jardín de su casa. Además de haber formado una familia con las tres niñas (preocupadas porque el padre no arma pareja y ávidas por buscarle "candidata"), Gru ha desarrollado un emprendimiento para producir mermeladas y jaleas. Pero algo le falta... No pasará, por lo tanto, mucho tiempo hasta que vuelva a la acción, en este caso como agente encubierto de una organización secreta antiterrorista. Como el lector podrá imaginarse, aquí la cosa pasa por una trama de espías con evidentes referencias al universo de James Bond. En ese contexto, Gru tendrá una compañera de misión (la ampulosa Lucy Wilde) para desenmascarar a un malvado mexicano, Macho, que se ha robado un suero devastador capaz de convertir a los Minions en algo muy parecido a los Gremlins. La película dilapida valiosos minutos en explicar una y otra vez los traumas y fobias de Gru con el sexo opuesto, en generar la subtrama romántica con Lucy y en desarrollar -sin suspenso ni tensión- las escenas más propias del thriller en un shopping y en un restaurante. Si Gru se había destacado como un malvado decididamente querible en el film original, aquí se volvió un bueno demasiado común. Y el nuevo villano, Macho, luce muy estereotipado y bastante desdibujado. Lo que los directores Pierre Coffin y Chris Renaud no han perdido, por suerte, es su toque especial para el humor físico y para reírse de (y con) la torpeza ajena. Todos los personajes se lucen en plan slapstick , pero son los citados Minions los que se llevan todas las palmas y se convierten en dignísimos herederos de los clásicos personajes de Chuck Jones y Hanna-Barbera. Para completar su fenomenal faena, nos regalan al final dos notables covers ("I Swear", "YMCA") que dejan una sensación de satisfacción y alegría que el resto del film sólo consigue con cuentagotas. Lamentablemente, todas las copias que se exhibirán desde hoy (más de 250) son dobladas al castellano. A pesar de que el formato digital DCP permite la inclusión de subtítulos con mucha facilidad, no habrá versión con esa alternativa ni siquiera en las funciones nocturnas. Una pena, porque los espectadores adultos (los hay también en buena cantidad para el cine de animación) no podrán disfrutar del talento en las voces originales de intérpretes de la talla de Steve Carell, Kristen Wiig, Benjamin Bratt, Miranda Cosgrove, Russell Brand y Steve Coogan. No queda otra, por lo tanto, que soportar un doblaje que no es precisamente de los más logrados de los últimos tiempos...
El mundo está loco, loco, loco La locura (y la reivindicación de los “locos lindos”) ha sido una de las constantes de la filmografía de Eliseo Subiela. Aquí, lejos de la propuesta de, por ejemplo, Hombre mirando al sudeste, el prolífico director apuesta por un falso documental que sirve también como una suerte de homenaje a la figura señera del mítico Fernando Birri. La idea original, esta vez, es más interesante que el resultado final. Tres jóvenes directores (flojísimas actuaciones) están rodando su película de tesis sobre un misterioso cineasta cuyo paradero se desconoce desde hace décadas. La investigación los lleva hasta el neuropsiquiátrico Borda, donde está internado desde hace mucho tiempo un viejo delirante, fabulador y maníaco-depresivo (Birri, claro). El interrogante, por supuesto, es si se trata o no del legendario artista en cuestión, que tendría además un oscuro pasado familiar y hasta podría estar vinculado a un caso policial. Los muchachos se fascinan con la figura patriarcal y el poder de seducción que el protagonista tiene en cada uno de los encuentros. El problema es que Subiela le hace decir a su “profeta” (y la barba blanca y el pelo blanco del creador de Tire dié y Los inundados da muy bien para eso) máximas sobre el cine, el arte y la vida (la locura, la muerte, los sueños, Dios y todos los grandes tópicos). Así, entre tanto diálogo ampuloso y recargado y la escasa naturalidad de los intérpretes (Birri es, por lejos, el mejor de todos), la película nunca alcanza la fluidez que todo mockumentary necesita para que el espectador ingrese a y “se crea” ese universo. Una pena porque, por otro lado, se lo ve al Subiela cineasta fascinado (y por momentos fascinante) al regresar a los pasillos, salones y jardines del Borda, consiguiendo unas cuantas imágenes sugerentes y embriagadoras.
Actuar para vivir Ya octogenarios, los hermanos Taviani (legendarios directores de films como Padre padrone, La noche de San Lorenzo y Kaos) regresan en buena forma con una película que combina documental y ficción, película carcelaria y teatro clásico de Shakespeare con un balance bastante alentador. No creo que sea la obra maestra que muchos saludaron cuando ganó el Oso de Oro de la Berlinale 2012, pero sí un film que merece ser visto y analizado en profundidad. La idea es la siguiente: los Taviani llevan su cámara hasta la prisión de máxima seguridad de Rebibbia, en las afueras de Roma, para filmar durante seis meses el proceso de creación de una puesta de Julio César (desde el casting hasta su emotiva presentación en una sala colmada) a cargo de los internos que participan del taller teatral del lugar. Es conmovedor ver a los presos (hombres grandotes, curtidos, pesados), condenados a penas que van desde los 14 años hasta cadena perpetua, presentarse a las audiciones y luego ensayar el texto hasta llegar a la representación final. Hay muy buenos actores… y de los otros, pero eso poco importa porque el “experimento” de los Taviani pasa por otro lado y va más allá de la búsqueda de la perfección y el profesionalismo. De todas maneras, la zona del film que menos funciona es cuando los presos se “interpretan” a sí mismos; o sea, cuando tienen que actuar para la cámara sus experiencias cotidianas en, por ejemplo, sus celdas. En cambio, cuando los directores los observan en su preparación de la obra, la película gana en intensidad, credibilidad e interés. Rodada en su mayor parte en blanco y negro (sólo la performance que se ve al comienzo y al final son en color), César debe morir encuentra una interesantísima conexión entre la épica shakespeareana con el complot político y la existencia cargada de miserias y traiciones de estos hombres encarcelados en muchos casos por sus conexiones con la mafia (es notable la decisión de los Taviani de hacerlos “decir” los diálogos de la obra en sus dialectos calabrés o napolitano) y en tiempos “tiranos” de la era berlusconiana. En el elenco surge una verdadera revelación como la de Salvatore Striano, que interpreta al malvado Brutus -personaje trágico que llega al autosacrificio luego de matar a Julio César- hasta, cuándo no, un argentino llamado Juan Darío Bonetti, que encarna a Decio. Si por momentos hay una sensación de que la propuesta original era mejor que el resultado final (ay, los carteles en los créditos de cierre para darle al proyecto un aire "curativo" y reivindicatorio), César debe morir tiene en todo caso suficientes logros y motivos como para que merezca una calurosa recomendación.
Piratas del Oeste Leo cruzadas algunas críticas, los primeros comentarios en las redes sociales y los análisis de tendencia en los blogs especializados y hay una coincidencia casi absoluta en que El Llanero Solitario es un film fallido. Probablemente lo sea, sobre todo para el nivel de riesgo que semejante inversión (costó 250 millones de dólares) genera, pero esta vez no comparto la mayoría de los reparos de esa suerte voz arrasadora del “consenso”. Que es demasiado largo, que no es gracioso, que Johnny Depp hace lo que quiere, que Armie Hammer no se luce… Esas serían -nada menos- las principales carencias del film y, si bien puede haber algo de eso, a mí la película me entretuvo bastante y jamás me irritó. La apuesta comercial aquí es absolutamente clara, premeditada (también se le pega por eso): repetir el esquema de Piratas del Caribe para iniciar una nueva saga, esta vez con los clichés de las historias del oeste en vez de los enfrentamientos en alta mar. Los productores (Jerry Bruckheimer y Disney), el director (Gore Verbinski), el protagonista (Depp) y los guionistas son los mismos, pero esta vez el resultado es menos estimulante y es muy probable (habrá que ver los números, claro) que no haya lugar para otra franquicia millonaria. Sin embargo, este El Llanero Solitario -un personaje que nunca ha tenido demasiado suerte en cine luego de décadas en la radio (2.956 episodios entre 1933 y 1954) y como serial de televisión (de 1949 a 1957)- está muy lejos de ser el despropósito que tantos indignados destruyen. Para mi gusto tiene varias subtramas que funcionan (otras no tanto), una iconografía muy lograda (y un gran uso de los escenarios naturales desérticos), varias set-pieces a puro CGI que son muy simpáticas, un buen humor físico (el universo del slapstick), un malvado de fuste (un William Fitchner que hasta llega a extremos de canibalismo) y, sí, varios pasajes de unipersonales de esa estrella ya payasesca que es Depp. Entiendo que muchos ya estén cansados de sus excesos a-la-Jack Sparrow, pero en esta película -construida para su lucimiento- creo que ese bigger than life funciona. La película es un poco derivativa (los constantes saltos entre el “presente” de 1938 con un anciano Toro contándole la historia a un niño en un museo y el “pasado” con las aventuras en la Texas de 1869 no agregan demasiado), la subtrama romántica no alcanza la intensidad deseada y se extraña una mayor química entre El Llanero Solitario y su ladero (el protagonismo de Toro le quita posibilidades de lucimiento a quien debería ser la figura principal), pero aún con sus desniveles la película tiene muchos momentos de genuino entretenimiento (y de muy buen cine en términos narrativos y visuales). Para destacar: Verbinski no ha limitado ni la violencia (bastante fuerte incluso para una “prohibida para 13”) ni el claro sentido revisionista de la historia. Se le cuestiona no haber incluido al film en la “tradición” del western, pero ponerla en igualdad de condiciones que los clásicos del género es exigirle demasiado. Sin embargo, tampoco creo que el film sea irrespetuoso. Hay un lúcido trabajo con los elementos distintivos de las historias del “salvaje oeste”, citas a Más corazón que odio, una lograda banda sonora de Hans Zimmer con ecos de Ennio Morricone y muchos detalles y observaciones más para celebrar. Que podía haber sido más eficaz y redondo, que Rango (el western animado de Verbinski) era mucho mejor. Es cierto. Pero tampoco es cuestión de destruir a un film por lo que pudo ser o por los millones que tuvo para su producción y su marketing. Con sus claroscuros e incluso con sus desaciertos, me regaló dos horas y media con más disfrute que decepción.
Las chicas sólo quieren divertirse Tras el éxito mundial de Glee y de la competencia The Sing-Off organizada por la cadena NBC, era inevitable que el cine norteamericano intentara trasladar ese espíritu a no pocas películas. Sin ser nada del otro mundo, Ritmo perfecto logra mixturar con bastante gracia y simpatía el subgénero de historias universitarias, romances y, claro, muchas escenas musicales (en este caso, a capella). El guión es pura fórmula pero funciona: Beca (una convincente Anna Kendrick, aunque bastante excedida en edad para el papel) es una chica con dificultades emocionales y comunicativas que se instala sin mucho entusiasmo en el college Barden y termina uniéndose a The Bellas, un grupo de canto de chicas, enfrentado con otro ensamble, The Treblemakers, 100% masculino en este caso, que está acostumbrado a ganar todas las competencias del rubro (son los campeones nacionales). Uno de los chicos del conjunto rival (Skylar Astin), por supuesto, se enamorará de ella pese a lo complicado del contexto. Más allá de las referencias apuntadas a Glee y un esquema que tiene un poco de Romeo y Julieta y otro tanto de Amor sin barreras, Ritmo perfecto apuesta por “dialogar” con películas y canciones generacionales (allí están las citas a El club de los cinco y Heathers, temas de Simple Minds y un largo etcétera). El estilo pendula entre la superficialidad de un telefilm para preadolescentes del Disney Channel y la comedia escatológica un poco más zafada (sí, las escenas de vómitos). Construido de manera conciente a fuerza de clichés y estereotipos -Rebel Wilson (Damas en guerra) se luce como la típica gordita desfachatada y nerd-, Ritmo perfecto es un film previsible (uno puede adivinar sin equivocarse cuál será la escena siguiente y, por supuesto, el desenlace), pero el recorrido no deja de ser bastante placentero. Una mención final para el aporte del director de fotografía argentino Julio Macat, que alcanza a darle el brillo, colorido, movimiento y glamour necesarios a las escenas musicales que son parte fundamental del atractivo de este logrado producto.
Una primera aproximación visceral y emotiva en 9 tweets a una obra maestra (sin spoilers). Esto NO debe leerse como una crítica (ni pretende serlo), sino una suerte de "storify" que reúne los tweets que escribí apenas salí de la función de prensa de Antes de la medianoche. No se cuenta nada de la trama, no se analiza ningún aspecto, simplemente transmiten esa emoción que generan las películas que a uno lo conmueven. Para mí -de más está decirlo- la trilogía que iniciaron Antes del amanecer (Before Sunrise, 1995) y Antes del atardecer (Before Sunset, 2004) ha tenido una importancia no menor en mi vida personal y profesional, y de allí lo que genera en términos íntimos, más allá de los valores cinematográficos que para mi las tres películas también tienen. Ya escribiré una crítica "seria" y mis colegas Manu Yáñez y Diego Lerer lo han hecho en estas páginas (aquí lo que escribió Lerer desde la Berlinale y aquí la columna de Manu), pero quiero compartir estas efímeras primeras impresiones con los lectores que no tienen Twitter.
Will Smith en Después de la Tierra , Tom Cruise en Oblivion : El tiempo del olvido y, ahora, Brad Pitt en Guerra Mundial Z . La fórmula de una estrella inmersa en un mundo apocalíptico parece ser una de las más elegidas en los últimos meses por los estudios de Hollywood para darles carnadura humana (y mayores posibilidades de marketing) a historias propias de un cine catástrofe diseñado, sobre todo, vía programas informáticos. En este sentido, Guerra Mundial Z -versión muy libre del reverenciado libro publicado en 2006 por Max Brooks- retoma caminos bastante transitados por el cine y la televisión recientes: virus, pandemias, zombis y una sensación de caos y paranoia que ponen a la sociedad y al planeta todo al borde de la autodestrucción. Concebida con indudable profesionalismo y un gran despliegue visual (aunque, cabe indicarlo, el 3D esta vez no agrega demasiado), Guerra Mundial Z resulta un reciclaje de elementos ya vistos en series como The Walking Dead ; en el cine (de zombis y al mismo tiempo "político") de George A. Romero, y en films como Exterminio , de Danny Boyle (y su secuela), o Contagio , de Steven Soderbergh. Si no hay en la película del alemán Marc Forster ( Descubriendo el país de Nunca Jamás, 007: Quantum of Solace ) aportes demasiado novedosos -quizá lo más logrado sea la búsqueda de un realismo documentalista, casi una apuesta al cinéma verité, en medio de un producto construido a puro efecto visual-, al menos el resultado final está bastante alejado del desastre que muchas crónicas previas auguraban luego de una problemática producción que derivó en un costo desbocado (más de 200 millones de dólares), la renuncia de varios integrantes del equipo (como el célebre director de fotografía Robert Richardson), sucesivos cambios en el corte y hasta un nuevo final. Para que Guerra Mundial Z se mantenga a flote mucho tiene que ver el carisma y aplomo que Brad Pitt demuestra en pantalla para encarnar a un héroe a escala humana, un sensible padre de familia (vean los gestos y las palabras hacia sus dos hijas) que debe recorrer medio mundo (Corea, Israel, Gales) en busca de una cura al virus que amenaza con convertir a la Tierra en un infierno dominado por los zombis. El film es rico en escenas de masas con las turbas de infectados arrasando con todo y con todos en ciudades que van "cayendo" (ése es el término que utilizan las autoridades) una tras otra, mientras los medios de comunicación (las imágenes de los noticieros televisivos juegan un papel decisivo en la construcción del verosímil) informan de los cada vez mayores alcances de la catástrofe. Así, entre los atributos del gran espectáculo hollywoodense, el atractivo de Pitt y la voz de alerta políticamente correcta sobre el deterioro de las condiciones de vida actuales que aquí se ve amplificada, Guerra Mundial Z alcanza sus (mínimos) objetivos. No está entre los grandes films de esta buena temporada del cine norteamericano, pero tampoco es un despropósito. Vale la pena, por lo tanto, darle una oportunidad.