Una verdadera "locura" artística sobre la obra de Brueghel que premia el esfuerzo del espectador ¿Se puede hacer una gran película a partir de un cuadro? La respuesta -positiva- se encuentra viendo El molino y la cruz , film del polaco Lech Majewski inspirado en Camino al calvario , obra que en 1564 pintó el holandés Pieter Brueghel. En verdad, El molino y la cruz aspira a ser (y en muchos sentidos es) bastante más que una película. Es una experiencia -audaz, bella, subyugante, ambiciosa, exigente, extrema- que articula elementos y recursos propios del cine, pero también de la fotografía, la plástica, la literatura y el teatro. En otras manos, esta ambiciosa propuesta podría haber caído en el ridículo, pero Majewski es un reconocido director, compositor de ópera, poeta, artista y fotógrafo que invirtió casi cinco años y sus múltiples conocimientos (aparece en casi todos los rubros principales) para concretar esta épica, esta verdadera "locura" artística, que remite a proezas de directores como Werner Herzog. La pintura muestra la pasión de Cristo, pero ambientada durante la sangrienta ocupación española de Flandes, a mediados del siglo XVI. De las cientos de figuras que aparecen en el cuadro, Majewski elige una docena, que se transforman en personajes del film, junto al propio Brueghel (interpretado por Rutger Hauer), su amigo y coleccionista de arte Nicholas Jonghelinck (Michael York) y la Virgen María (Charlotte Rampling), aunque el cineasta apuesta por una narración coral para elaborar sobre todo el contexto sociocultural y político de ese tiempo y ese lugar. Casi no hay diálogos en la hora y media de El molino y la cruz . No son necesarios. La elocuencia y la potencia visual de la película son suficientes para atrapar y fascinar al espectador, que deberá abrir todos sus sentidos, dejar aflorar su sensibilidad y dejarse llevar para así disfrutar de cada uno de los virtuosos y creativos planos que Majewski regala durante una hora y media.
Más denuncia que cine Esta película sobre Aung San Suu Kyi -una política birmana que encabezó durante años la lucha contra la sangrienta dictadura militar de su país y ganó el Nobel de la Paz- cumple con el decálogo completo de las biopics épicas y políticamente correctas destinadas a despertar conciencias y salvar culpas. No puede decirse que Luc Besson filme mal (es un director virtuoso a la hora de los encuadres), ni tampoco cuestionarse las interpretaciones de la gran Michelle Yeoh y de David Thewlis (como su fiel y estoico marido), pero los 132 minutos del film están tan llenos de lugares comunes, de golpes bajos y de subrayados que el suplicio de una madre (ella no puede abandonar su país para reencontrare con su familia porque en ese caso no podría regresar a Birmania) se convierte en otro suplicio: el del espectador. Las escenas de los militares birmanos (cuando planean la represión y cuando la concretan, con matanzas de hasta 5.000 opositores) son tan ridículas que dan vergüenza ajena. En el terreno del drama más intimista, la cosa mejora un poco gracias a la solvencia de los dos protagonistas y porque las resoluciones no resulta tan torpes, obvias y maniqueas. El despliegue de recursos para las escenas de masas o las apelaciones bienintencionadas a la solidaridad internacional para luchar contra los abusos a los derechos humanos en un país como Birmania no alcanzan a compensar los desatinos y limitaciones de una película que resulta mucho más importante por lo que dice que por lo que muestra (lo que narra con genuinos recursos audiovisuales). Y eso, en cine, no es un buen augurio.
Ayar Blasco regresa al cine con una propuesta pequeña en escala, pero grandiosa en ambición A una década de su decisiva participación en ese film ya mítico dentro de la animación argentina como fue Mercano, el marciano , Ayar Blasco regresa a la pantalla grande con una película todavía más artesanal, libre, arriesgada y provocativa que aquella en la que había trabajado con Juan Antín. Para quienes estén habituados a acompañar a hijos, nietos y sobrinos a ver películas infantiles a gran escala, hay que hacer una advertencia inmediata: aquí la animación es en flash (la más barata y sencilla que hay), el lenguaje es muchas veces vulgar (la cantidad de insultos por minuto debe ser récord en la historia del cine argentino, incluidas las filmografías completas de Federico Luppi y Héctor Alterio), las situaciones son por momentos extremas, y los climas, entre surrealistas y lisérgicos. Esa descripción de El sol no pretende ser peyorativa, pero esta historia de jóvenes en una Buenos Aires apocalíptica luego de una explosión atómica tiene muchos más puntos de contacto con la incorrección política y las apuestas siempre bizarras de South Park o de Beavis y Butthead que con el universo bello e inocente de los proyectos de Pixar, Disney o DreamWorks. Ayar Blasco hace de sus carencias técnicas y sus limitaciones presupuestarias una bandera, una postura artística, casi una declaración de principios. Aquí no se esconden los problemas, pero se potencian la libertad y la capacidad de sorpresa. En esos movimientos por momentos torpes de Once y La Checo, dos jóvenes marginales que sobreviven gracias a pequeños robos en un mundo en el que todo ha sido deformado por la radiación, en su lenguaje desbocado y en su falta de escrúpulos, el director encuentra, por qué no, ciertos pasajes de belleza y lirismo. Así, pequeña y delirante, caótica e imperfecta como es, El sol resulta una más que digna propuesta dentro de un género que, como la animación para adultos, tiene aún muy escaso desarrollo dentro del cine nacional.
Pequeño gran éxito ¿Por qué una película se convierte en un fenómeno social con muy escasos precedentes? ¿Por sus valores cinematográficos o porque sintoniza con un determinado momento en el que, en este caso los franceses, buscan la reconciliación luego de un pasado colonial y un presente no exento de una fuerte impronta racista y xenófoba? Amigos intocables, cuarto largometraje de la dupla Eric Toledano y Olivier Nakache, fue visto por casi 20 millones de personas en su país y por otros tantos en el exterior (fue un gran éxito en muchos países europeos). Y, más allá de que es una película fluida, con momentos graciosos y otros entrañables, cabe decir que no es nada el otro mundo. Está claro que tocó alguna fibra íntima de un Viejo Continente herido por la crisis, jaqueado en su orgullo y -por lo tanto- necesitado de una feel-good movie como esta. En una verdadera "tregua" de clases, Amigos intocables une a un aristócrata parisino que ha quedado tetraplégico tras un accidente de parapente (el gran François Cluzet) y un hombre de origen senegalés (Omar Sy), que vive hacinado con su numerosa familia en una precaria vivienda pública. Philippe -contra todos los pronósticos (y los prejuicios)- decide contratar a Driss para que lo asista mañana, tarde y noche. Esto quiere decir desde que sea su chofer hasta que lo vista y lo limpie, algo que el alegre e impulsivo Driss no tiene demasiadas ganas de hacer. Hay pasajes emotivos (con cierta tendencia a dejar "lecciones de vida"), situaciones de un humor logrado y, también, pasajes bastante previsibles y/o demagógicos. Amigos intocables es una película muy bien pensada y construida con solidez, que se sostiene también en el carisma de sus dos antihéroes. No es mejor que muchos otros films que convocaron a pocos miles de espectadores, pero tampoco es cuestión de exigirle en función de su éxito (con el diario del lunes). Si no fuese el hito mundial que es, estaríamos hablando de una comedia dramática pequeña, noble y compradora. Ni más ni menos que eso.
Lucrecia Martel, Israel Adrián Caetano, Daniel Burman, Santiago Loza, Ulises Rosell, Jorge Gaggero y Paula Hernández son sólo algunos de los muchos cineastas de primer nivel que surgieron de las distintas ediciones de esa experiencia siempre estimulante y enriquecedora que es Historias Breves, que además resultó fundamental en la explosión del denominado Nuevo Cine Argentino a mediados de los años ‘90. No sé si alguno de los nueve realizadores de esta séptima camada se sumará a esa legión de consagrados, pero -con sus inevitables desniveles- Historias Breves 7 demuestra y ratifica la solidez técnica y profesional de todos, y la gran categoría artística de algunos de ellos. En los 104 minutos de esta propuesta supervisada -como siempre- por Bebe Kamin hay lugar para directores de cierta experiencia en el cortometrajismo (como Martín Mainoli) o en otros rubros de la industria (como Federico Esquerro) y para otros que surgen aquí a la consideración pública. Contra todos los prejuicios, no abundan esta vez propuestas minimalistas, climáticas, no narrativas sino, en muchos casos, contundentes incursiones en el cine de género que, de todas maneras, no le temen a la experimentalidad. Otro aspecto interesante es que hay una más que aceptable participación femenina (el cine sigue siendo una actividad demasiado machista) y de films provenientes de y rodados en varios puntos del interior con buenos resultados y sin caer en el pintoresquismo ni el paternalismo. Hechas estas consideraciones generales, es tiempo de un breve comentario corto por corto: -Cenizas, de Gwenn Joyaux. Esta película a cargo de artistas platenses está inspirada en una masacre ocurrida en una estancia de General Villegas en mayo de 1992, cuyo misterio permanece aún sin desvelarse. Un oficial de policía y un lugareño que aparentemente ha hecho la denuncia se encuentran en el lugar y descubren los cinco cadáveres descuartizados. El film no pretende resolver aquello que la Justicia no ha podido, pero sí hace gala de una potencia visual y narrativa para la construcción de atmósferas bastante interesante. -El hombre rebelde, de Martín Mainoli. Un cocinero bastante violento (y rebelde, como indica el título), un pelo en un plato de sopa, una protesta de trabajadores ante el ingeniero que los supervisa… Con esos elementos, Mainoli concreta una tragicomedia (con más de comedia que de tragedia) con su sello: provocativa, imprevisible, sorprendente. -Tres historias cuatro, de Anahí Farfan. Una mujer se entera de que su marido le es infiel. Mientras tanto, en otros tres departamentos del mismo edificio, otros personajes viven también situaciones bastante extremas. Los encadenamientos, el montaje paralelo, la puesta en escena es virtuosa, aunque por momentos el esquema luce demasiado armado, calculado. -Crónica de la muerte de Paco Uribe, de Santiago Canel. Con aires de nouvelle vague y una hermosa fotografía en blanco y negro, este enigmático thriller psicológico sigue a un joven -a bordo de un auto descapotable- que se convertirá en un improvisado asesino a sueldo. -Fábula, de Agustín Falco. Más en la línea del primer Nuevo Cine Argentino, este film narra el encuentro entre dos adolescentes de diferentes orígenes y condiciones sociales en una quinta a orillas de un río en una calurosa tarde veraniega, entre perros, caballos y una naturaleza exuberante. Belleza y erotismo trabajados con sensibilidad y delicadeza. -Cuchi, de Emmanuel Moscoso. Un colectivo lleva a los integrantes (bastante pesados, por cierto) de una barra brava futbolera por una ruta provincial salteña. El micro atropella a un chancho, que resulta ser propiedad del intendente y comisario de la zona. La situación se tornará cada vez más tensa y delirante. Moscoso está cerca de caer en el clisé y el grotesco, pero -más allá de ciertas exageraciones- logra un relato intenso y con vuelo propio. -La última parada, de Nadia Benedicto. José (Arturo Goetz) se ha jubilado hace 9 meses, pero no se lleva nada bien con la idea. Negador y omnipotente, continúa con su vieja rutina recorriendo las rutas como si nada. Pero un encuentro sexual y un par de noticias lo devolverán a la realidad y harán estallar su angustia. Todo un universo íntimo desarrollado con rigor y en menos de 11 minutos. -Bajo el cielo azul, de Martín Salinas. También en cierta línea más reconocible del Nuevo Cine Argentino, el director describe las experiencias de unas chicas que, a la hora de la siesta, se pintan y conviven en una suerte de mundo propio, aunque el contexto (viven en un rancho muy humilde de un pueblo correntino), el afuera, termina quebrando esos bellos momentos de códigos compartidos. -En carne viva, de Federico Esquerro. Reconocido sonidista y actor (en films de Pablo Trapero), Esquerro incursiona en la realización con notables resultados. Cine dentro del cine, ficción dentro de la ficción (la película que vemos y la película que se está filmando), se trata de un juego de capas (o de muñecas rusas) en el que un actor (Martín Tchira) se muestra demasiado nervioso, inseguro, tenso, obsesionado (torturado) a la hora de rodar una escena de un asesinato (a cuchillazos) en una carnicería. Mariano Llinás es el director del rodaje que quiere terminar cuanto antes, Daniel Valenzuela es la víctima y, en pequeños papeles, aparecen Santiago Mitre, Alejandro Fadel, Nicolás Grosso, Gustavo Biazzi, Jorge Sesán y Agustina Llambi Campbell, también productora del corto (real). El trabajo de cámara y la fotografía de Guillermo Nieto es extraordinario, al igual que la música Gabriel Chwojnik. Virtuoso, inteligente, arriesgado, poderoso, se trata del mejor corto del conjunto. Un talento más que se suma al clan Llinás-FUC-Trapero-La Unión de los Ríos…
Ninguna joyita Inspirada muy libremente en hechos reales, esta coproducción argentino-española es una combinación entre el thriller político, el policial, la comedia de enredos y el drama romántico que tiene un look old-fashioned y espíritu de cine clásico. El film transcurre en la España de 1956 (hay algunas escenas iniciales en Panamá) y tiene como eje a las valiosas joyas de Eva Perón, empeñadas en un negocio de la Gran Vía madrileña y objeto de un robo "arreglado", pero que así y todo sale bastante mal. Los protagonistas son Guillermo Francella y Nicolás Cabré, quienes deben concretar el atraco del título. En un principio, el tono es bastante leve, cercano al de una buddy-movie (Francella es el peronista dispuesto a todo y con cierta experiencia; y Cabré, un aspirante a actor con absoluta inocencia y torpeza), pero luego la película intenta ponerse "seria", casi melodramática, con la planificación, concreción y consecuencias del golpe, una historia de amor épica y derivaciones varias que llegan a las historias de cárcel y al mismísimo entorno de Francisco Franco y señora. La película -con su guión "de hierro"- abarca mucho (y aprieta bastante poco). El catalán Cortés es un digno narrador, prolijo, y todos los elementos de la producción lucen cuidados, profesionales, vistosos si se quiere. Sin embargo, el film nunca levanta vuelo, resulta bastante chato, previsible, menor. Es una pena, porque había buenos recursos (actorales, presupuestarios) para una historia con múltiples aristas que podían llegar a enganchar al espectador. Sin embargo, si bien se sigue con cierto interés, se extrañan la fluidez y la contundencia necesarias como para entretener, emocionar y divertir como sí lo han hecho tantos notables exponentes del cine de género.
Volver a la esencia Nicolás Carreras -otro crédito surgido de la FUC- mezcla documental y ficción (o más bien trabaja en el impreciso límite entre ambos registros) para narrar la historia de Charlie Arturaola, un sommelier uruguayo de prestigio internacional que ha recorrido medio mundo para convertirse en una celebridad del sector vitivinícola. Eso es al menos lo que vemos durante el Masters of Food and Wine, un evento top que se realiza en Mendoza. Sin embargo, el presente de Charlie se derrumba cuando de forma súbita, en medio de las actividades de ese encuentro, "pierde" su paladar; es decir, su herramienta de trabajo. Desesperado (es incapaz de diferenciar un Tempranillo de un Syrah o un Malbec de un Cabernet Sauvignon), se hace chequeos para detectar algún problema neurológico, pero nada ¿Será entonces stress? Nadie (menos aún él) sabe qué hacer. Por recomendación del gurú Michel Rolland (¿se acuerdan del enólogo "malvado" de Mondovino?) sale a recorrer las principales bodegas y viñedos de Mendoza y, apelando a pequeñas mentiras (la organización de un supuesto festival a realizarse en República Dominicana), logra ir probando los mejores vinos de la zona. Pero la cosa no mejora. Intentará, entonces, con el contacto más directo con la tierra y con un regreso a la familia de origen (está casado con una fría norteamericana ante la que se confiesa vía Internet). El ingenioso planteo de Carreras (narrar las peripecias de un hombre para exponer en el trayecto cómo se maneja el despiadado mercado) es mejor que su puesta en escena, ya que está claro que los personajes actúan (a veces no muy fluidamente) para la cámara y el resultado final es, por lo tanto, algo forzado y no del todo convincente. Igual, se trata de una apuesta arriesgada, inteligente y con más un pasaje inspirado. (Esta reseña fue publicada con algunos cambios durante el Festival de Mar del Plata 2010, donde el film ganó el premio FIPRESCI de la crítica internacional)
El director Christopher Nolan redobla la apuesta con una película oscura y ambiciosa En el cierre de su trilogía sobre Batman, el guionista y director londinense Christopher Nolan redobla las apuestas, potencia las búsquedas, amplifica todos los niveles (de narración y de lectura) que había expuesto en los dos films anteriores de 2005 y de 2008. El caballero de la noche asciende es la película más larga, oscura, ambiciosa, con mayor cantidad de personajes y subtramas, y con una mirada política más densa y desencantada (casi apocalíptica) de toda la saga y, probablemente, de todo el cine de superhéroes realizado hasta la fecha. La propuesta de los Nolan (Christopher la escribió con su hermano Jonathan) es tentadora, sí, pero por momentos también algo confusa. Para quienes sienten que propuestas más lúdicas y ligeras como, por ejemplo, la saga de Iron Man son meros productos de consumo efímero para niños y preadolescentes, la tercera Batman del cineasta inglés, con su acumulación de referencias a la paranoia post-11 de Septiembre de 2001 y a la inestabilidad y el desequilibrio social que generó la reciente crisis financiera, puede ser una opción más provocadora y estimulante. Aunque, también, demasiado grave, presuntuosa y solemne para ciertos espectadores menos exigentes. Precisamente, el análisis ideológico del entramado que proponen los Nolan es el terreno que seguramente más controversias generará. Aquí, el malvado Bane (gran trabajo de Tom Hardy) es una suerte de profeta del apocalipsis, un hombre antisistema con algo de anarquista, capaz de castigar la especulación y la codicia de los agentes bursátiles de Wall Street, pero también de generar el caos entre los inocentes cual asesino serial. Los guionistas trabajan personajes siempre contradictorios (hasta ese millonario huérfano que es el Bruce Wayne de Christian Bale resulta un ermitaño que odia el contacto social, pero termina salvando a la sociedad) y esa indefinición respecto de la psicología de los personajes "buenos" y "malos", esa imprevisibilidad respecto de sus acciones y sus discursos, constituyen a la vez el mayor atractivo y la principal "irresponsabilidad" de los autores. Se ha hablado de la saga de Batman como "reaccionaria", "revolucionaria", "posmoderna" o "pesimista". Los adjetivos pueden ser muchos y hasta opuestos entre sí -¿(in)trascendente?- porque Nolan jamás ofrece una visión cerrada o una interpretación única. De lo que no hay dudas es de su maestría narrativa. Se la puede apreciar en los grandes momentos cinematográficos (el secuestro de un avión en pleno vuelo, la toma panorámica de Manhattan sembrada de explosiones y con todos sus puentes dinamitados, la secuencia de la destrucción de un estadio en pleno partido de fútbol americano), pero también a la hora de sostener casi tres horas de relato con múltiples personajes (algunos nuevos, como Bane o la seductora ladrona Selina Kyle/Gatúbela que interpreta Anne Hathaway; otros ya vistos antes que logran lucirse en pocas apariciones, como el Alfred de Michael Caine o el Gordon de Gary Oldman), largos diálogos y elementos que van de lo cómico a lo melodramático. No estamos ante ninguna obra maestra (no está exenta de cabos sueltos, de incoherencias y de excesos), pero es una película para disfrutar, para pensar y para discutir. El director buscó la polémica con muchas herramientas nobles, con no poco talento artístico y con algunos elementos bastante rebuscados y caprichosos. Pero hoy todos hablan de él y de su despedida de Batman. Nolan lo hizo...de nuevo.
El discreto (des)encanto de la burguesía Prefiero las películas que narran situaciones duras, complejas de manera ligera y liviana que cuando ocurre lo contrario: conflictos triviales y banales presentados con solemnidad y autoimportancia. Sin ser un tratado demasiado profundo, este multipremiado film de enredos afectivos a cargo del veterano director croata Rajko se acerca a temas como la infidelidad, la paternidad y la relación entre hermanos con un tono tragicómico, agridulce, que sintoniza muy bien con una larga y fecunda tradición del cine de Europa del Este. Los hermanos en cuestión son Nikola (Miki Manojlovic), un ejecutivo mujeriego y bon vivant que mantiene una doble vida y, mientras sostiene durante años una familia paralela, no puede dejar embarazada a su esposa Ana María (Daria Lorenci), una dentista que intuye y de alguna manera acepta sus constantes infidelidades; y Braco (Bojan Navojec), un profesor universitario que ha sido echado de su casa por su mujer y su hija adolescente a raíz de sus habituales romances con jóvenes alumnas, de su alcoholismo y de su escasa responsabilidad y solvencia económica. En los primeros minutos del film vemos cómo Ana María finalmente queda embarazada por inseminación artificial. Claro que el “donante” no será Nikola sino Braco. Hasta aquí lo que se puede contar sin revelar demasiado de la trama. Grli? y sus muy buenos intérpretes consiguen atrapar al espectador con el “misterio” que crean y con los climas que construyen, aunque el film se resiente un poco por la acumulación de conflictos, de personajes secundarios y de vueltas de tuerca, que desembocan en una narración algo caótica y exagerada. De todas formas, aunque esté lejos de ser una película “redonda”, Todo queda en familia resulta un interesante acercamiento a (más allá de las ya apuntadas) temáticas como el amor, la tentación, el deseo, la culpa, el perdón y la redención dentro de la burguesía de Zagreb. Es un film lleno de ideas (varias de ellas provocativas), de apuestas y propuestas. No todas son igualmente inteligentes ni resultan tan eficaces, pero vale la pena acercarse a un cine de orígenes (es una coproducción entre Croacia, Serbia y Eslovenia) que no suelen llegar con frecuencia a la cartelera comercial argentina.
De Serbia con amor (y en skate) No es técnicamente una crítica, pero publicamos esta nota (con opinión incluída y ahora también con calificación) publicada en el diario La Nación del 19/7/2012: A pesar de la escasa difusión que han tenido tanto su reciente inauguración como su muy cuidada programación, en el subsuelo del Centro Cultural General San Martín (Sarmiento y Paraná) funcionan dos modernas y confortables salas dedicadas al cine de calidad, tanto clásico como contemporáneo. En ese ámbito, la nueva distribuidora Tren está presentando un ciclo de películas que tuvieron un fugaz pero elogiado paso por el Bafici porteño. En un principio, se estrenó allí Flores del mal, del francés David Dusa. Este vienres 20/7 será el turno de Tilva Ros, del serbio Nikola Lezaic; y en agosto se conocerá Gabi on the Roof in July, del estadounidense Lawrence Michael Levine. Tilva Ros -que se exhibirá en el Centro Cultural San Martín este viernes 20 y el sábado 21, a las 19; el viernes 27, a las 21; y el domingo 29, a las 20 y se estrenó ayer en la sala El Cairo de Rosario y en el Cineclub Hugo del Carril de Córdoba- es una multipremiada película sobre unos jóvenes skaters serbios que utilizan las ruinas (y un inmenso hoyo) de lo que alguna fue la mina de cobre más importante de Europa como una de las locaciones preferidas para filmar sus videos caseros y extremos con proezas físicas (y golpes) a-lo-Jackass. Toda y Stefan, dos íntimos amigos recién salidos del colegio secundario (de diferente estrato social y con diferentes aspiraciones, ya que uno irá a la universidad y el otro no), que reciben durante el receso veraniego la visita de Dunja, una bella chica que regresa por unos días de su estancia en Francia. La complicidad y la lealtad que existían entre ambos se verán amenazadas por los celos y la competencia por conseguir la atención de la seductora muchacha. A pesar de ser su debut en el largometraje, Lezaic -de apenas 30 años- construye (casi siempre en virtuosos y coreográficos plano-secuencias) algunos momentos de gran cine, como el robo de los skaters en un supermercado o una manifestación de los mineros en conflicto. Un muy logrado retrato sobre el siempre desconcertante (y conflictuado) espíritu adolescente.