Audaz sátira política centrada en las desventuras de un dictador norafricano suelto en Nueva York El actor y guionista británico Sacha Baron Cohen se ha instalado -con absoluta premeditación y alevosía- como uno de los artistas más políticamente incorrectos que trabajan dentro de la maquinaria de Hollywood. Ya con sus anteriores sátiras, Borat y Brüno , se había burlado de los estereotipos sociales, económicos, culturales y hasta sexuales de los Estados Unidos y de buena parte del Primer Mundo. Siempre en la línea de personajes extremos, por momentos grotescos, en su nuevo film se vuelve todavía más político al retratar las desventuras de un dictador norafricano suelto en Manhattan. El propio Sacha Baron Cohen interpreta al almirante general Aladeen, "líder supremo" de un país imaginario llamado Wadiya, rico en petróleo y en desarrollo atómico "para usos pacíficos". Luego de mostrar los abusos, excesos y placeres del dictador (capaz de cambiar a su antojo palabras del diccionario, disparar contra sus competidores en una carrera de atletismo o pagar fortunas para tener una noche de placer con Megan Fox), Aladeen es convocado de urgencia por las Naciones Unidas. Hasta Nueva York se traslada, entonces, este émulo de Saddam Hussein, que es secuestrado y cambiado por un doble todavía más patético que él en medio de un complot de compatriotas disidentes asociados con poderosos grupos económicos multinacionales. No conviene adelantar nada más de la trama, llena de enredos amorosos (por allí aparece esa excelente actriz que es Anna Faris) y de vueltas de tuerca. En principio hay que destacar la audacia de Sacha Baron Cohen en un contexto del cine norteamericano que no suele ser demasiado permeable a este tipo de apuestas tan politizadas (un discurso cerca del final dice -en tono de parodia- unas cuantas verdades sobre las contradicciones actuales de los Estados Unidos). El problema es que este artista llevó su cine a tal extremo que ya parece no tener vuelta atrás. Su desbordante andanada de chistes y golpes de efecto lo muestran como un creador ingenioso pero también compulsivo y caótico. Esas permanentes estocadas de humor -no siempre eficaces, por momentos demasiado vulgares-, a veces le juegan en contra. Porque no se puede ser igual de ácido, sagaz y punzante durante 83 minutos. En la comedia, se sabe, la dosificación de los gags permiten generar irrupciones de alegría y sorpresas. Aquí, en cambio, la acumulación resulta perjudicial porque muchas veces se desperdician ideas potencialmente interesantes y se termina por aturdir y abrumar. De todas maneras, estamos ante un artista arriesgado y generoso, atributos que hoy no sobran y que, por lo tanto, se agradecen.
Sobredosis de slapstick Si bien toda crítica es subjetiva, hay casos en los que la subjetividad del autor pesa todavía más de lo habitual. Algo de eso ocurre con Los Tres Chiflados. Es que con Moe, Curly y Larry no hay -en general- término medio: se los adora o se los aborrece. Yo, si bien he visto de niño (quién no) numerosos capítulos de la vieja serie, nunca fui demasiado fan de estos exponentes del humor slapstick más puro. El “humor físico” (que siempre fue el eje de la narración en el caso de Los Tres Chiflados) me gusta cuando es veloz e intenso, pero en dosis medidas, limitadas, cuando se presenta combinado con diálogos punzantes y con una negrura e ironía que no encuentro en el film de los Farrelly y sí, por ejemplo, en los clásicos de la screwball-comedy. No se puede pretender que los hermanos Peter y Bobby -que siempre han sido continuadores de la tradición de este tipo de humor- se sumergieran aquí en aguas propia de los más ambiciosos Preston Sturges, los Ernst Lubitsch, los Billy Wilder o los Howard Hawks, pero esta versión de los Stooges se agota (se ahoga, para seguir con la metáfora acuática) demasiado rápido. Con esta introducción no quiero decir que la película sea mala, o que los Farrelly no hayan sido capaces de recrear/homenajear el humor de Los Tres Chiflados originales. En el film se percibe un gran respeto por el espíritu de la serie y los directores de Tonto y retonto, Loco por Mary, Amor ciego y Pase libre demuestran que saben cómo ensamblar esta acumulación de golpes, caídas, patadas, cabezazos, pellizcones y piquetes de ojos. El film -que para colmo en la Argentina se estrena sólo con copias dobladas- tiene una historia menor: tras un inicio en el que vemos a Larry, Curly y Moe de niños viviendo en un orfanato manejado por monjas, nuestros perfectos antihéroes salen ya de grandes y en la actualidad a buscar los 830.000 dólares necesarios para evitar que la institución cierre. Como nunca han tenido contacto con el “mundo real” su torpeza se combina con una gran inocencia (y los toques de sentimentalismo habituales). El problema es que aquí no estamos ante uno de esos 200 cortos de 16 minutos que se hicieron desde los años ‘30 sino ante un largometraje de una hora y media. El humor de Los Tres Chiflados funciona bien (ya lo dije: si se entra en las convenciones que propone) en dosis cortas. Aquí, todo se estira más de la cuenta y ni siquiera la presencia de grandes de la comedia como Jane Lynch (la madre superiora) o Larry David (travestido en el papel de la despiadada hermana Mary-Mengele) logran sostener demasiado el interés. Un film que tiene algunos chispazos de ingenio y e creatividad, es cierto, pero que para mi gusto resulta un revival bastante fallido del clásico vodevil que tantas generaciones disfrutaron (y siguen disfrutando) en la pantalla chica.
A esta altura ya todo un experto en el documental antropológico / contemplativo / observacional, Baldana continúa luego de la notable Soy Huao su exploración de comunidades poco conocidas (y perdidas en la geografía y en el tiempo) con esta mirada a los usos y costumbres de unos arrieros chilenos que viven en carpas y casas de chapa en el Cajón del Maipo. La cámara siempre atenta y jamás intrusiva de Baldana permite confrontar tradición y modernidad (si no fuera por las camionetas y otros elementos actuales uno podría pensar en un relato del siglo pasado) con toda la crudeza de una actividad que incluye el constante descuartizamiento de animales y con la sensibilidad de la transmisión de un oficio de generación en generación. En esta suerte de Sweetgrass sudamericana, la única presencia externa dentro del universo cerrado y autosuficiente es la de unos turistas extranjeros que llegan a sacar fotos “pintorescas”. La falta de énfasis y subrayados es -a la vez- el principal mérito y la mayor “condena” de un registro que, por momentos, resulta un poco “monocorde”, pero que igual no deja de ser fascinante.
Cineasta pero también activista, el francés Sylvain George se pasó más de tres años filmando (investigando, conviviendo con) el conflicto de los inmigrantes ilegales apostados en Calais, puerto de partida para su intento de ingresar como polizones en barcos o camiones en Gran Bretaña. Africanos, asiáticos y europeos del este (varios están a punto de ser deportados a países como Afganistán, Nigeria, Turquía y Serbia) son apoyados por decenas de militantes europeos contra la violencia represiva de la gendarmería francesa. La primera parte del film -más lírica y reposada- muestra la cotidianeidad de los migrantes, que viven en condiciones infrahumanas y se someten a todo tipo de situaciones indignas. La segunda, mucho más tensa, describe los choques con la policía del por entonces mandatario Nicolas Sarkozy. En blanco y negro, combinando belleza y horror, ternura y dolor, George consigue un documental -de una ética y un rigor inobjetables- que da visibilidad a los que generalmente no tienen voz, imagen… ni derechos. Ganadora de la Competencia Internacional del BAFICI 2011, llega en una versión de “apenas” 153 minutos contra los 175 de la que se dio en el festival porteño.
Provocativa comedia con filosos diálogos sobre los dilemas de la maternidad / paternidad moderna Esta ópera prima de la reconocida actriz y guionista Jennifer Westfeldt aborda en clave de comedia (al menos en su primera parte) y en sus múltiples matices el tema de la paternidad/maternidad. A mitad de camino entre la acidez de cierto cine independiente norteamericano y el desenfado de la sitcom televisiva, Plan perfecto apuesta al imperio del diálogo, por momentos inteligente y provocativo, casi siempre ingenioso, aunque también algo abrumador, agotador. En este aspecto, es incuestionable la capacidad de Westfeldt para la escritura de cada una de las líneas y de sus posteriores remates, así como la de su dream team actoral (ella se reserva uno de los papeles protagónicos) a la hora de la dicción, la entonación y la convicción (siempre a la velocidad de la luz) de cada frase. En toda esta "ingeniería" verbal hay mucho de talento, de sólidos recursos interpretativos, pero también -a nivel autoral- bastante de regodeo y de ostentación. El film narra la historia de tres parejas de amigos que viven entre Manhattan y Brooklyn. Ben y Missy (Jon Hamm, pareja de la directora en la vida real, y Kristen Wiig) son el ejemplo del matrimonio con la pasión menguante y el reproche creciente por el desgaste propio del paso del tiempo, mientras que Leslie y Alex (Maya Rudolph y Chris O'Dowd) son aquellos que pierden la simpatía y la gracia por los rigores de la crianza. Como contracara aparecen Jason y Julie (Adam Scott y la propia Westfeldt), que son mejores amigos desde la universidad y vecinos del mismo edificio. Ya en sus treinta y pico, deciden tener un hijo juntos, pero sin mantener una relación afectiva "normal". En un principio, como indica el título en castellano, el plan es perfecto y, mientras comparten con responsabilidad y eficacia el cuidado de su bebe, inician sendos romances (él, con una seductora bailarina interpretada por Megan Fox; ella, con un sensible padre divorciado que encarna Edward Burns). A estas alturas, el film ya empieza a manotear estereotipos y lugares comunes, extraña la audacia, el delirio de la reciente Damas en guerra (buena parte del elenco es el mismo) y abandona ya casi por completo la comedia para ponerse "emotiva" e "importante". No es una buena decisión porque deja de lado su costado más irónico para apelar a una resolución convencional y condescendiente. Una pena.
Calidad Pixar, espíritu Disney Ví dos veces Valiente (en la versión subtitulada y en la doblada), ambas en 3D, y sus méritos están muy a la vista (mucho más que sus limitaciones). En principio, hay que decir que Valiente es una película bella (hermosa sería aún más preciso) en términos de animación y con unos cuantos atractivos en el desarrollo de sus aventuras y de sus elementos cómicos. Su principal novedad, de todas formas, tiene que ver con la protagonista. La princesa Mérida (disfrutarán de la voz de Kelly Macdonald si la ven con subtítulos) es la primera mujer que lidera una película de Pixar (también la primera dirigida íntegramente por una realizadora, Brenda Chapman, por lo menos hasta que fue despedida en medio de la producción y reemplazada por Mark Andrews) y esta heroína que lucha contra las tradiciones (convenciones), los prejuicios y el machismo de la realeza escocesa de antaño para probar un camino independiente en la vida resulta un personaje encantador. Ya la animación de la melenuda, enrulada cabellera anaranjada de Mérida (brillante cultora de la arquería) es una maravilla más de los artistas de Pixar (también lo es el agua que cae de una catarata, el movimiento de la mamá de la protagonista convertida en osa o las panorámicas de las bellas zonas montañosas), pero -y aquí empiezan los “peros”- el universo de los clanes (con algo del estilo Asterix y Obelix) y la dinámica de los castillos nos llevan por caminos ya bastante transitados por el cine (y no sólo por el de animación). Más allá de su protofeminismo, de su heroicidad y de su simpática rebeldía adolescente, Mérida es un personaje pensado para sumarse a la galería de princesas de Disney (de hecho, tiene varios puntos en común con la Rapunzel de la reciente Enredados) y toda la veta fantástica -con brujas y hechizos incluídos- no difiere demasiado de clásicos como Blancanieves, Cenicienta o La Bella Durmiente, por más que en determinados pasajes, en las imágenes del bosque, surja algún homenaje a los espíritus y fantasmitas del cine del maestro japonés Hayao Miyazaki. Por eso, me animo a indicar que por momentos el film parece más de Disney que de Pixar. No es una aseveración peyorativa, pero Pixar se distinguió desde su creación por hacer algo distinto, innovador, no por imitar o reciclar materiales ajenos. Vuelvo a la idea principal. Valiente es un film vistoso y entretenido, que yo -en mi función de crítico y de padre- recomendaría con entusiasmo. Pero también siento que -ya en el lugar de fan de Pixar desde siempre- puedo (debo) exigirle más. Haciendo una analogía futbolística (con mi hijo Manu somos fans del Barcelona), cuando juegan Messi, Iniesta y compañía uno se prepara para lo mejor y, cuando el equipo catalán gana 2 a 0, sin deleitar tanto al público, casi sin “despeinarse”, uno siente una pequeña decepción. No pasa lo mismo en otros casos (soy también seguidor del decadente Banfield), cuyos hinchas festejaríamos un triunfo por 1 a 0 con un gol en tiempo de descuento y en posición adelantada porque conocemos (y aceptamos) sus limitaciones. Pixar es el Barcelona del cine animado y, como tal, con Valiente gana -otra vez- el desafío con claridad, sin discusiones. Pero los tacos, las gambetas, los caños aquí son contados. Igual, vale la pena entrar a la cancha para ver al mejor equipo del mundo, aun cuando no juegue el partido de su vida. ADEMÁS. La que sí es una gema es La Luna, corto sin diálogos (bah, con gruñidos, ya verán) que se exhibe antes de Valiente. No quiero adelantar nada para no quebrar la magia, pero este nuevo aporte de Pixar en metraje reducido (sana costumbre) es pura belleza, pura sensibilidad, pura ternura, pura poesía, puro cine. Calificación: 10 puntos
La vergüenza nacional El martes 26/6, luego de ver Soledad y Larguirucho en la función de prensa matutina organizada en el Cinemark Palermo, con esa mezcla de incredulidad y furia que me embargaba en ese momento (sensación que mucho no cambió con el paso de los días, je), escribí los siguientes cuatro tweets: #1 “Soledad y Larguirucho nos sumerge en el subsuelo del peor cine argentino. No sólo es ridícula, es indignante” #2 “Pagar 40 mangos para ver Soledad y Larguirucho es una tomadura de pelo, una tocada de culo, un robo a mano armada” #3 “Llámenme apátrida, anti argentino, pero antes de llevar a sus chicos a ver Soledad y Larguirucho vean 10 veces Valiente o La Era de Hielo 4” #4 “Soledad y Larguirucho es el grado cero de la narración, de la animación, del trato hacia los chicos, del “chiverío” más burdo (San Luis...)” Como suelo tener un tono bastante medido en redes sociales (y en mis escritos en general) semejantes afirmaciones tuvieron bastante repercusión. Muchos se rieron, otros me apoyaron, pero también hubo unos cuantos (fans de Soledad, calculo) que me cuestionaron con la misma dureza que yo había tenido. Por eso, más allá de que 10 días después sigo suscribiendo en un 100% el contenido de aquellos tweets, creo que como crítico profesional me debía (y les debía) una crítica algo más “seria” o “en serio”. Aquí van 8 razones por las cuales Soledad y Larguirucho es una de las peores películas (si se la puede llamar película) argentinas que he visto en toda mi vida. 1- Un guión deplorable. Es algo así como una road-movie en la que Soledad y su troupe viajan por la provincia de San Luis dando shows para chicos, mientras Neurus, Cachavacha, Pucho, Serrucho y compañía pretenden -sin suerte, claro- impedir que disfrute de su éxito (tratan de secuestrarla, de practicarle unos hechizos, etc). En el medio, aparece Larguirucho, que no se sabe bien qué hace (tiene buenos “contactos” con ambos bandos). 2- Una animación espantosa. En tiempos de Pixar, de DreamWorks, de Blue-Sky, el público está acostumbrado a un estándar de calidad de primer nivel. Nadie le puede pedir al cine argentino que tenga el mismo acabado que una superproducción de Hollywood, pero esto es como viajar en un Fitito destartalado por Lugano luego de haber andado en una Ferrari por la Costa Azul. Soledad y Larguirucho tiene una imagen horrible, parece vieja, con una integración entre actores de carne y hueso y personajes animados cuyo resultado es menos que profesional (por ser generosos). 3- Canciones/Videoclips sin vuelo. Soledad Pastorutti tiene su talento, su carisma, su simpatía, su encanto, pero aquí es sometida ya no sólo a un guión ruinoso sino también a interpretar (hacer playback, bah) temas en una suerte de videoclips (vestida de marinerita, de criolla para un momento "patriótico", o disfrazada y pintada de negra para un candombe) que parecen malas copias de las sátiras de los programas de Peter Capusotto. 4- Penosos cameos. Por el film desfilan en pequeñas apariciones famosos como Guillermo Andino, Pablo Codevila y un muy desaprovechado Diego Capussotto en el papel de un camionero (el director de actores es su amigo Néstor Montalbano). Pero lo peor de todo (lo imperdonable) es haber incluido al mítico Carlitos Balá como un vendedor de electrodomésticos para hacer un chivo espantoso de una conocida cadena del ramo. 5- “Chivos” obscenos. No sólo Balá es víctima de la impunidad comercial del proyecto. En todo momento, se somete al espectador a burdas maniobras publicitarias, sin el más mínimo recato, ingenio ni -mucho menos- buen gusto. 6- El “institucional” de San Luis. Creo que lo más indignante de este engendro es la forma en que los productores “canjearon” el aporte de la provincia. Para justificar la inversión, incluyen decenas de pasajes en los que se nos muestra (¡y se nos habla de!) las bellezas naturales y especialmente de los logros de la gestión de los hermanos Rodríguez Saa (embalses, autopistas, centros turísticos, etc.). 7- Didactismo mal entendido. Para darle un sentido “educativo” al proyecto, se le tiran a los chicos datos (inútiles) como las características arquitectónicas de la catedral de la ciudad de San Luis o sobre música clásica, como si eso le diera al film un interés que jamás tiene. Señores productores/realizadores: se hubieran interesado por concretar una narración mínimamente lógica. Esa información berreta se consigue en Internet… Por otra parte, el trato hacia los niños aquí es de una elementalidad mayúscula, apelando el estilo que se usaba hace varias décadas. Un ejemplo: alguien pregunta algo en pantalla, apunta el micrófono hacia el público y se deja todo unos segundos en silencio para que la platea conteste ¡No son boludos! ¡Estamos en 2012! ¡Por favor! 8- Reciclaje con olor a rancio (la peor argentinidad al palo). Muchos me dirán (ya me han dicho) que varias generaciones de argentinos se criaron viendo a los personajes “entrañables” de García Ferré, que mejor algo nacional que tanto “tanque foráneo”. No pretendo aquí generar debates ideológicos ni sobre los contenidos para nuestros chicos (yo soy padre de dos hijos y bajo ninguna circunstancia los llevaría a ver Soledad y Larguirucho), pero esta película es mala, fea, ñoña, torpe, anticuada (por más que hablen de MP3, de GPS o se incluya una parodia de Kill Bill), hecha con absoluto desgano e impunidad. Este no es el camino para hacer negocios ni -mucho menos- para que el cine argentino pueda reconciliarse con un público que, salvo honrosas excepciones, le ha sido muy esquivo.
Un rapero africano suelto en... Rosario La cosa es (fue) más o menos así. Un tal David Doda Bangoura huyó hace unos diez años de su país, Guinea-Conakry, escondido en el hueco de un barco con la idea llegar a Europa, peró el joven polizón arribó desnutrido, deshidratado, al borde la muerte... a Rosario. El documentalista Rubén Plataneo se encontró con esa historia y decidió hacer un retrato de este personaje, hoy convertido en un rapero con el apodo de Black Doh. Y no sólo eso: en la segunda mitad del relato viaja con su cámara a Africa para reencontrarse con los familiares del protagonista, quienes creían que David había fallecido hacía mucho tiempo. Estamos ante una verdadera épica que Plataneo consigue sólo en ciertos pasajes explotar (en el buen sentido) en todas sus posibilidades, facetas y dimensiones: el desarraigo, los choques socioculturales, el arte sin fronteras, la libertad... y unos cuantos temas más. De todas maneras, se trata de una narración no exenta de humor y sensibilidad en su acercamiento a un hombre obstinado que trata de adaptarse y de grabar su música en el otro rincón del planeta. No es sólo una rareza, no es apenas una mirada sobre un freak simpático. Es el cine acercándose a una historia de vida de fuertes connotaciones humanistas. En ese sentido, misión cumplida para Plataneo y El gran río.
Pablo Stoll logra otro inusual retratro tragicómico de la desconexión emocional de una familia tipo Tras las auspiciosas 25 watts y Whisky (y ya sin la participación del fallecido Juan Pablo Rebella, su codirector, socio y amigo), Pablo Stoll regala otra tragicomedia (árida al principio, encantadora al final) sobre tres personajes al borde del patetismo, pero que terminan resultando fascinantes y queribles, precisamente por la exposición de sus múltiples matices, sus contradicciones y sus miserias. Lejos del minimalismo del cine "a la uruguaya", aquí pasan muchas cosas (hay desde escenas de sexo hasta muertes) y el realizador saca buen provecho de casi todas ellas. El eje de este triángulo es Ana (notable trabajo de la debutante Anaclara Ferreyra Palfy), una alumna de colegio secundario que está a punto de egresar (en verdad, de perder el año por faltar siempre a clases). Mientras sus compañeros juntan dinero vendiendo rifas para el viaje a Bariloche, ella -penosa arquera de la selección de handball- se dedica a explorar sus obsesiones y cultivar el erotismo. Por otro lado están sus padres, divorciados pero con un régimen de visitas muy poco estricto y una dinámica bastante anárquica. Rodolfo (el reconocido actor, conductor de radio y TV, y relator de fútbol Humberto de Vargas) es un odontólogo medio torpe que juega al fútbol 5, se ocupa de cuidar las plantas y disfruta de ver cine clásico y de saborear los tradicionales chivitos. Graciela (Sara Bessio) se dedica a cuidar a su tía, moribunda en un hospital, donde conoce a un hombre que le lee libros y con quien iniciará una relación. Entre escenas casi siempre inspiradas en las que conviven el humor asordinado y la angustia, Stoll nos sumerge en el universo íntimo de estos seres muchas veces ausentes, personajes que parecen estar a la deriva emocional hasta que -en el momento y de la forma más inesperada- surgen impulsos, irrumpen situaciones de gran intensidad (a veces, demasiado subrayadas por las letras de las múltiples canciones de Astroboy, El Cuarteto de Nos, Fernando Cabrera, Guided by Voices y Opa, entre otros intérpretes), que modifican -al menos por un rato- los estados de ánimo de los protagonistas. Film sobre el paso de la adolescencia a la adultez con sus pequeños secretos y excesos (Ana le roba plata al padre y engaña al novio), 3 resulta -también- una impiadosa mirada a las relaciones familiares, a la confusión, la incomunicación y los dilemas de estos tiempos en los que ya nada es lo que era (ni siquiera lo que parece). Más allá de algunos altibajos, se trata de un regreso a lo grande de un guionista y director de indudable talento como Pablo Stoll.
Entre 2002 y 2007, Sam Raimi y su pareja protagónica (Tobey Maguire y Kirsten Dunst) concretaron una trilogía que empezó de la mejor forma y terminó de manera no tan convincente. Cinco años más tarde, Columbia y Marvel proponen lo que en la jerga de Hollywood se conoce como reboot. Este "reinicio" tiene que ver -claro- con contar de otra manera, con renovados recursos, la misma historia; es decir, remontarse a los orígenes del elástico superhéroe arácnido para desarrollar luego una nueva saga. Para esta película se eligió -para sorpresa de muchos- a un director con mínima experiencia en cine (y nula en el terreno de los blockbusters de Hollywood). Realizador de la notable comedia romántica 500 días con ella , Marc Webb construye -sobre todo en la primera mitad- una más que aceptable película de escuela secundaria (la segunda parte, por supuesto, cede a las convenciones de toda historia de superhéroes con el enfrentamiento con el villano de turno y el despliegue de todo el arsenal de efectos visuales e impacto en 3D). En la zona más cómica, intimista y romántica del film (esa que Webb parece preferir por sobre las otras), se lucen el nuevo Peter Parker (Andrew Garfield, visto en Red social ) y Gwen Stacy (la siempre dúctil y simpática Emma Stone), bien acompañados por Rhys Ifans (el doctor Curt Connors devenido en El Lagarto) y por la dupla Martin Sheen-Sally Field (los tíos que crían a Peter). Pero, más allá del inevitable déjà-vu que implica ver-otra vez- la desaparición del padre del protagonista, la picadura de la araña, el descubrimiento de los superpoderes, la transformación de adolescente conflictuado en héroe responsable y un largo etcétera, El sorprendente Hombre Araña regala varias secuencias memorables por su utilización del humor (como cuando el protagonista descubre que se queda pegado a todo tipo de superficie), por su sensibilidad (el niño que se pone la máscara cuando el auto que ocupa está a punto de caer de un puente), o por el sabio uso de los dobles de riesgo en las escenas "físicas" y de las imágenes tridimensionales para aprovechar toda la profundidad de campo en las tomas panorámicas. La estrategia de marketing para reflotar el personaje es contundente y puede generar cierto resquemor entre el público más veterano (no así entre los niños y adolescentes que no conocen tanto el cómic ni los films previos), pero lo cierto es que la película -aún con ciertos lugares comunes y con sus algo excesivos 136 minutos- resulta un producto bastante sólido, noble y eficaz. Si algo queda claro, entonces, es que hay Hombre Araña para rato.