Sosa trabaja en un bar, vive en una pensión, está enamorado de una vecina a la que no se atreve abordar, practica box y algo de música. Sus días transcurren casi abúlicamente sin que nada lo inmute. Aunque una postal que retrata La vuelta del malón pegada en la pared del bar y las charlas sobre el peronismo de los parroquianos habitúes al lugar ingresarán a la vida de Sosa para modificar su opaca existencia. Fabián Fattore construye dos relatos en un solo film que atraviesan una misma historia. Uno explicito que está en primer plano y representado por la observación hacia Sosa, mientras que un relato implícito y en un segundo plano cruzará al primero. Mientras Sosa es espiado por una cámara voyeur, será éste quien a su vez observe dos tópicos presentes en la trama: el salvajismo representado en la postal y el peronismo presente en las conversaciones. Malón es una historia de tiempos muertos, de esas en que vemos pasar la vida real sin filtro, pero también es una película plástica con un fuerte sentido de la estética. Cada plano centrado, súper estudiado, construido desde una lógica no es azaroso, hay una composición visual en donde la saturación del calor transforma cada plano en una pintura viva en oposición a una realidad que parece muerta. El cine ofrece diversas posibilidades para retratar la vida y la historia, ya sea desde la ficción o el documental. Pero también desde la combinación de ambos géneros, rompiendo límites y manejando cierta ambigüedad que en Malón es funcional a lo que la película propone, y a una búsqueda personal sobre lo que es el cine.
Tumbas de la ¿gloria? Finalmente, se estrena... Y en el muy atinado ámbito de la Sala Lepoldo Lugones, que se ha transformado en el centro de muchos lanzamientos de calidad en los últimos tiempos (El estudiante, La vida útil, 35 rhums, etc) Para el que le interese interiorizarse aquí y aquí se puede leer la polémica que se generó luego de los textos públicos de Prividera tras la no inclusión de Tierra de los padres en los festivales de Mar del Plata y BAFICI (nuestro blog Micropsia). Y a continuación reproducimos la reseña del film publicada durante la cobertura del Festival de Toronto 2011, donde Tierra de los padres tuvo su premiere mundial: Luego de la autobiográfica, dura, controvertida e inteligente experiencia que propuso con M, Prividera redobla la apuesta con un film más experimental, más radical, pero tan político como el anterior, ambientado en buena parte de sus 100 minutos dentro del Cementerio de la Recoleta. La película arranca con imágenes de archivo de “los muertos” de la violencia política: los del ’55, los de Ezeiza, los de los fusilamientos, los de Malvinas, los de la dictadura, los de diciembre de 2001… El fondo musical lo dice todo: es el Himno Nacional y su “juremos con gloria morir”. Luego -en un dispositivo que por momentos remite a Profit Motive and the Whispering Wind (John Gianvito figura entre los agradecimientos de los créditos finales)- apela a imágenes, en su mayoría fijas, de las tumbas de la gloria oficial. Prividera filma a amigos artistas e intelecutales (José Campusano, Gustavo Fontán, Pablo Mazzola, Carlos Gamerro, Alejandro Tantanián, Gustavo Nielsen, Ricardo Ibarlucía, Vanessa Ragone, Ignacio Masllorens, Martín Kohan, Sebastián Escofet, Agustin Mendilaharzu, Maricel Alvarez, Lucia Cedrón, Susana Pampín) leyendo citas de intelectuales, militares y políticos tan diversos como Esteban Echeveria, Facundo Quiroga, José María Paz, Domingo Faustino Sarmiento, Juan Bautista Alberdi, Juan Manuel de Rosas, José Mármol, Hilario Ascasubi, José Hernández, Juan Lavalle, Carlos Guido y Spano, Bartolomé Mitre, Lucio V. mansilla, Julio A. Roca, Leopoldo Lugones, Eduardo Mallea, Ezequiel Martínez Estrada, Eva Perón, Silvina Ocampo, Juan José Valle, Oliverio Girondo, Ibérico Saint-Jean, Rodolfo Walsh, Emilio Massera, Paco Urondo y Mariano Moreno en las que quedan expuestas las contradicciones, las rivalidades, los odios que llevaron a tanta sangre derramada en casi todas las etapas de la historia argentina. Entre esas frases célebres (y solemnes), la cámara de Prividera registra el trabajo cotidiano de los empleados de mantenimiento del cementerio, el paso de unos gatos, la visita de turistas y escolares con la desganada labor de la guía de turno o las celebraciones (marcha incluída) que “los muchachos peronistas” hacen hacia Juan Domingo y Evita frente a la lápida de ella en sus aniversarios. El desenlace retoma el tono épico del arranque: una larga toma aérea desde el cementerio hasta la inmensidad de Buenos Aires y el Río de la Plata. Allí donde desde los aviones se terminó con la vida de cientos, miles de luchadores (enemigos) en la más cruel de las expresiones de nuestra historia. Una película contundente, rigurosa, ardua, extrema, demoledora.
Amor de madre (sin ser madre) Ganadores en dos oportunidades de la Palma de Oro con Rosetta (1999) y El niño (2005), los hermanos Dardenne ratifican con El chico de la bicicleta -con la que obtuvieron "apenas" el Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes 2011 y una nominación al Oscar extranjero- la extraordinaria dimensión de un cine bello, riguroso, implacable y de profundo humanismo. Estos verdaderos maestros del cine contemporáneo recurrieron -en un hecho infrecuente en su filmografía- a una gran estrella como Cécile de France (también belga de nacimiento) para uno de los dos papeles centrales del film. El otro, por supuesto, es el que interpreta Thomas Doret, el niño del título, un chico de 11 años abandonado por su padre (Jérémie Renier) y rescatado de un internado por Samantha, una misteriosa peluquera con la que se topa de manera fortuita en una clínica. Claro que la reinserción del pequeño Cyril -una bomba de tiempo marcada por la frustración, el resentimiento, la descontención y la confusión- no será nada fácil y, a pesar de los esfuerzos de esta luminosa madre sustituta, pronto se verá involucrado en hechos delictivos no exentos de violencia. La trama tiene algo de la primera nouvelle vague francesa (con Los 400 golpes como principal referente) y del neorrealismo italiano, fuentes de las que siempre han bebido los creadores de La promesa, El hijo y El silencio de Lorna. Puede que para algunos espectadores, El chico de la bicicleta tenga algo de déjà vu (por momentos puede sonar como si los directores tocaran siempre la misma cuerda), pero se trata, en definitiva, de un relato poético y urgente a la vez, de esos que exponen con la simpleza y la honestidad de los grandes cineastas unos pequeños trozos de vida en uno de los tantos pueblos grises y perdidos que son rescatados del olvido por la sensibilidad de los artistas.
Una de las directoras de UPA! Una Película Argentina debuta en solitario con una verdadera rareza que le valió el premio de la competencia nacional. Un film con estructura de cine dentro del cine que expone, por un lado, la trastienda (las miserias) del armado de un guión de una película de gángsters a 6 manos entre un director, un guionista y un aprendiz (la tensión reside entre quien quiere darle al asunto un vuelo borgeano y referencias a los griegos y quienes quieren hacer un simple y contundente cine de género); y, por el otro, la puesta en escena de esas ideas, con situaciones de extrema violencia (a-lo-Tarantino, a-lo-John Woo, a-lo-Park Chan-wook) que incluye el enfrentamiento entre pandilleros de la villa y mafiosos rusos y coreanos, con las calles de Pompeya como fondo y con mujeres (incluso con alguna femme-fatale) que complicarán más aún las cosas. El film es desparejo (al igual que las actuaciones), pero el delirio, en líneas generales, resulta muy disfrutable. Garateguy tiene ideas, audacia y talento. No es poco. Además, se arriesga con versiones muy locas de temas de Los Redondos (notable ese violín en Vencedores vencidos) como fondo musical. Otro gran hallazgo.
El crimen de un taxi-boy Esta ópera prima franco-suiza arranca como un típico policial noir (un cadáver desfigurado flotando en el río), pero luego -si bien va desarrollando el caso y buceando en los posibles culpables del crimen- se concentra en una historia de amor y en la psicología de los dos investigadores del caso (los siempre solventes Gilbert Melki y Emmanuelle Devos, aunque aquí lejos de sus mejores trabajos). El suizo Frédéric Mermoud trabaja con ductilidad diferentes líneas narrativas / temporales, aunque se regodea en cierta perversión del universo de la prostitución masculina. Por un lado, describe el apasionado romance entre Vincent (Cyril Descours), un taxi-boy de 19 años, y la inocente Rebecca (Nina Meurisse). Por el otro, la contradictoria relación entre los dos policías, seres solitarios y bastante torturados que mantienen esa extraña complicidad a la que alude el título. Más allá de su sordidez y de ciertos lugares comunes en la exploración de la intimidad de los personajes, Cómplices resulta un debut bastante convicente. Mermoud se presenta como un buen director de actores, un dúctil narrador y un sabio constructor de climas. Habrá que esperar futuros trabajos suyos para que pueda potenciar esos atributos con films todavía más atrapantes que éste.
El amor en tiempos de redes sociales Tras su paso por la sección Cine del Futuro del BAFICI 2011 se estrena este film dentro de un ciclo organizado por la distribuidora Tren Cine, que proseguirá con el lanzamiento de Tilva Ros (el 19/7) y Gabi on the Roof in July (el 2/8), siempre en una de las dos nuevas salas ubicadas en el subsuelo del Centro Cultural General San Martín (Sarmiento y Paraná). A continuación, reproducimos una breve reseña de Flores del mal publicada durante el BAFICI 2011: Podría decirse que Flores del mal es una película de amor posmoderno, o de cómo se desarrolla el encuentro amoroso en las sociedades desarrolladas contemporáneas. Gecko (Rachid Youcef) es un chico de origen árabe en Paris, dedicado a Facebook y a desplazarse mediante un baile bastante acrobático, desde su departamento al hotel donde trabaja como botones. Anahita (Alice Belaïdi) es una muchacha iraní en su primera visita a la ciudad, que sigue obsesivamente por Internet la evolución de las protestas en Teherán durante las últimas elecciones. Una historia simple, que contiene muchos elementos actuales: ese amor con cierto desapego que hoy viven los más jóvenes, el desarraigo y las migraciones, los (largos) tiempos muertos centrados en el baile y, sobre todo, el tremendo poder de las redes sociales.
Luego de tres muy exitosas películas (2002, 2006 y 2009), se estrena aquí -incluso dos semanas antes que en los Estados Unidos- la cuarta entrega de esta saga prehistórica con resultados más que satisfactorios tanto en términos de animación 3D como en la eficacia de su narración. Los protagonistas son los mismos de siempre (el mamut Manny, el perezoso Sid, el tigre Diego y la ardilla Scrat), pero esta vez hay unas cuantas incorporaciones: desde una hilarante anciana (la abuela de Sid) hasta animales piratas. La primera mitad del film es impecable (en la segunda, la gracia y la fluidez decaen un poco y se imponen entonces el vértigo y la fórmula). En principio tenemos a Scrat persiguiendo su anhelada bellota hasta el mismísimo centro de la Tierra. Fruto de su ansiedad, se empiezan a producir grietas cada vez más grandes, los continentes se separan y quedan a la deriva. Más allá de los cataclismos, también hay un simpático conflicto padre-hija entre el sobreprotector Manny y su hija adolescente Peaches, que está en pleno despertar sexual, y -más adelante- se producirá la aparición de la bella tigresa Shira (la voz de una Jennifer Lopez en plan femme fatale , en la versión original), que se convertirá en objeto del deseo de Diego. Nuestros antihéroes quedarán flotando en un iceberg a merced de las corrientes marinas (es muy buena la escena de una tormenta) y, luego, de unos corsarios (hay algo de Piratas del Caribe allí) liderados por el Capitán Tripa, un despiadado orangután, y su gigantesco asistente, un lobo marino de 2000 kilos. Es la primera vez que la saga incluye personajes malvados, aunque -claro- aquí hay más simpatía que crueldad. Es cierto que la película repite unos cuantos esquemas y resoluciones (los desastres naturales, las irrupciones de Scrat), pero lo cierto es que esta cuarta entrega de la franquicia sale más que airosa del desafío. El reciclaje, esta vez, resulta más que digno. El disfrute familiar está asegurado. El éxito comercial, también.
La tanada de Woody Mientras veía A Roma con amor sufría más de lo que disfrutaba. Me molestaban bastante sus excesos, sus ampulosidades y, para colmo, las buenas ideas (como la del "cantando bajo la ducha", ya verán) se repetían una y otra vez. Y, se sabe, al contar un mismo chiste varias veces deja de ser gracioso. Me quedé, entonces, con un sabor agridulce, con la sensación de una película demasiado irregular, precaria, como hecha a las apuradas. Sin embargo, con el paso de los días, la sensación comenzó a mejorar. Ahora, cuando me pongo a escribir estas líneas, la veo de otra forma. Woody hizo una commedia all' italiana, con un tema que lo obsesiona como eje principal (la infidelidad), con escenas de ópera y, claro, con los lugares más turísticos y pintorescos de Roma como fondo (operación que ya había concretado antes con Londres, Barcelona o París). A Roma con amor está lleno de desbordes, de gritos, de enredos, de personajes estereotipados (la prostituta que hace Penélope Cruz, el tipo común que se convierte en famoso de la noche a la mañana que encarna el insoportable Roberto Benigni o la chica de provincia que llega a la ciudad para su luna de miel, se pierde en sus calles y se encandila con un actor famoso) y, si el tono puede no ser mi preferido, Woody incursiona en el cine de sus amados referentes italianos, con Mario Monicelli y Federico Fellini a la cabeza. Medianoche en París era un homenaje a la Ciudad Luz, casi un documental de promoción de sus lugares más famosos, pero no tenía demasiada vinculaciones con el cine francés. A Roma con amor también sirve para atraer turistas (algo que Allen ofrece a cambio de financiación local), pero aquí sí construye una comedia coral con un espíritu bien italiano. Los críticos peninsulares no la trataron demasiado bien, así que su mirada puede no haber sido demasiado "lograda" o "auténtica", pero la forma y el contenido tienen esta vez bastante que ver con el lugar elegido para la filmación. En medio de ese mosaico, aparece la veta "intelectual" y "neoyorquina" del director. El propio Allen interpreta a un director de ópera ya jubilado que llega con su esposa (la gran Judy Davis) a Roma para conocer a sus futuros suegros (italianos), ya que su hija (Alison Pill) está a punto de casarse con una abogado "comunista" (Flavio Parenti). En este sentido, los diálogos políticos a cargo del personaje del mismo Woody son bastante elementales. La otra linea argumental tiene a Jesse Eisenberg (en plan Woody Allen joven), como un arquitecto estadounidense que vive en el Trastevere con su novia (una muy desaprovechada Greta Gerwig) y se termina enamorando, obsesionando y frustrando con una joven, neurótica y manipuladora actriz (Ellen Page). Encima, tiene a un Alec Baldwin fantasmal (una versión adulta de sí mismo) siguiéndolo, advirtiéndolo y reprochándole cada una de sus decisiones. En el "European tour" de los últimos años (con un único regreso intermedio a Nueva York, experiencia que repetirá en pocas semanas más para su nueva película), Woody hizo escala en Italia con resultados que no satisfacen por completo, pero que tampoco caen en el ridículo que muchos comentarios previso auguraban. Filmó con Benigni y muchas otras figuras del cine peninsular (desde Ornella Muti hasta Antonio Albanese, pasando por Riccardo Scamarcio), homenajeó a sus ídolos de juventud, incursionó en lugares icónicos de Roma, apeló a temas de Domenico Modugno, a composiciones de Verdi y de Puccini... y se fue rumbo a nuevos destinos. Como hace siempre. Se dio unos cuantos gustos y está bien. A su edad y con semejante carrera sobre sus espaldas, no hay que pedirle mucho más. Su lugar en la historia grande del cine ya está asegurado y no cambiará (ni para bien ni para mal) con A Roma con amor.
Academia para padres Ser padre o madre, se sabe, no es tarea fácil. Puede resultar por momentos la experiencia más mágica y maravillosa del universo y, en otros (muchos), sobre todo durante parte del embarazo, del puerperio y de los primeros meses de vida del bebé, bastante ingrato, demasiado exigente tano para el cuerpo como para la cabeza. A partir de este tema/período de vida se ha desarrollado una multimillonaria industria no sólo de productos sino también de "servicios al consumidor" (cursos, libros de autoayuda...). El cine, por supuesto, tampoco ha quedado fuera de la tendencia y esta tragicomedia francesa (más cómica que trágica, más liviana que profunda) se suma a la lista. Estamos ante un producto con bastante de fórmula, pero dignamente construido. Actores carilindos (Louise Bourgoin es preciosa), narración ágil, algo de humor negro, toques emotivos y dramáticos, algunos perrsonajes secundarios logrados (la insufribe "abuela" que interpreta Josiane Balasko) y todo está servido para un disfrute efímero, pero disfrute al fin. No esperen nada del otro mundo. El nuevo film del director de Amor de familia apuesta a los "grandes éxitos" de la paternidad/maternidad y, por momentos, está demasiado cerca del cliché, del lugar común, del estereotipo. Y del didactismo, claro. La pareja (él empleado de videoclub, ella en medio de una tesis de Filosofía) se enamora, convive, engendra (feo término) una beba y, entonces sí, la película se detiene en el embarazo, el parto y la crianza. Hay peleas, y reconciliaciones, y mamaderas, y vómitos, y angustias e insomnios. Nada que no haya vivido cualquier lector con hijos. De todas maneras, Un suceso feliz nos regala bastante simpatía (no habrá carcajadas pero sí unas cuantas sonrisas) y sobrados motivos para "identificarnos". Es una película menor, chiquita en más de un sentido, pero inofensiva y con cierta nobleza. Si no se tiene demasiadas exigencias, hasta vale la pena darle una oportunidad.
Nuevo trabajo de la siempre rendidora sociedad entre Tim Burton y Johnny Depp Con ocho trabajos conjuntos, Tim Burton y Johnny Depp conforman una de esas asociaciones entre director e intérprete que ya tiene asegurado un lugar en la historia grande del cine. Por eso, porque han regalado joyas como El joven manos de tijera, Ed Wood o Charlie y la fábrica de chocolate , entre otras, Sombras tenebrosas deja sabor a poco. Estamos ante una película con múltiples hallazgos parciales, con algunos personajes logrados, con momentos graciosos, con escenas inspiradas, con una bellísima propuesta visual, pero que en varios pasajes también luce deshilachada, incoherente, casi caótica. Se podrá argumentar -con razón- que el cine de Tim Burton nunca apostó por una narración clásica, por historias basadas en la lógica y construidas de forma redonda sino por un universo siempre ambicioso, delirante y ampuloso, por tragicomedias en las que la capacidad de sorpresa, las irrupciones de lo fantástico y del artificio, la fuerza de sus imágenes, el amor por sus personajes y una mirada entre lírica y nostálgica compensaban cualquier bache de guión o resolución caprichosa. En Sombras tenebrosas , Burton se ve obligado a sintetizar en menos de dos horas los 1225 capítulos de la tira diaria homónima que la cadena ABC emitió entre 1966 y 1971. En un prólogo bastante eficaz apoyado en la narración en off del propio Depp vemos cómo el antihéroe del relato, el pequeño Barnabas Collins, viaja con sus padres desde Liverpool hasta Maine, donde su familia levantará un imperio portuario, y cómo -tras concretar un rechazo amoroso (todo el relato está imbuido de un romanticismo épico)- resulta víctima del hechizo de Angelique (la hermosa actriz francesa Eva Green, gran revelación de la película), una bruja despechada que lo convierte en vampiro y lo entierra vivo. Tendrán que transcurrir unos 200 años hasta que el protagonista sea finalmente liberado. El pálido y torturado Barnabas reaparece entonces en 1972 y lucirá decididamente perdido entre los excesos de la cultura hippie y las miserias de una familia disfuncional -con algo de Los Locos Addams- liderada por una matriarca (Michelle Pfeiffer) y que incluye a un par de adolescentes (Chloë Grace Moretz y Gulliver McGrath) y hasta a una psicóloga full-time (Helena Bonham Carter). Lo que sigue es una colorida y derivativa comedia de enredos con un vampiro suelto en América y tironeado entre varias mujeres, matizada con elementos de terror gótico (con homenajes incluidos a la mítica productora británica Hammer), con una banda sonora que incluye éxitos de Iggy Pop, Deep Purple, The Carpenters, Curtis Mayfield, Black Sabbath, T-Rex, Barry White y hasta con una aparición muy especial de Alice Cooper. El resultado, quedó dicho, no es todo lo estimulante que podía esperarse. A un realizador como Tim Burton hay que exigirle más que ocurrencias esporádicas, destellos de humor, brotes de ingenio o chispazos de su innegable talento. En el contexto de la cartelera comercial actual, Sombras tenebrosas es una propuesta para tener en cuenta. Como incorporación a la filmografía de este gran director, en cambio, resulta una película menor.