El difícil arte de saber retirarse a tiempo Con sus altibajos, la trilogía de Mini espías (2001/2002/2003) regaló unos cuantos momentos de desparpajo y creatividad. Son de esas películas simpáticas que uno las engancha a toda hora durante el zapping en el cable y las deja siempre un rato. Ocho años más tarde, Robert Rodriguez "desempolva" la saga e intenta revivirla ahora con nuevo elenco (los ya adolescentes Alexa Vega y Daryl Sabara de los films originales tienen esta vez algo más que un cameo durante la segunda mitad). El resultado es una película mecánica, caótica, con personajes sin carisma y muy pocos pasajes capaces de sorprender, entretener o divertir. En los Estados Unidos, el film se presentó en "4D", apelando a una tarjetas de "olores" denominada Aromascope (recurso que el viejo John Waters ya había utilizado dos décadas antes en Polyester). Aquí, se ha decidido obviar la variante olfativa y se estrena en 2D y 3D (yo la vi "sólo" en tres dimensiones y el uso de las imágenes estereoscópicas no agrega demasiado). Jessica Alba es una espía secreta que pide licencia porque da luz a un bebé, con la consiguiente explosión de vómitos y gases. Su marido (Joel McHale) es un workaholic ausente y los dos hijos (Rowan Blanchard y Mason Cook) son verdaderamente insufribles, por lo menos hasta que se convierten en los nuevos mini espías. El film abruma, aturde, aburre. Robert Rodriguez y los Weinstein deberían entender de una vez por todas que la franquicia está agotada. Hay un viejo dicho que dice que hay que ser sabio para retirarse a tiempo. Si no, lo que alguna vez fueron historias regocijantes regresan como patéticos reciclajes.
Peor... imposible Cuando una película es tan mala como Jack y Jill uno se pregunta cómo es que nadie -sobre todo en una industria como la de Hollywood- se dio cuenta de lo que podía ser al leer el guión o al ver las primeras imágenes conseguidas en el set. Llama todavía más la atención que la prolífica dupla entre el director Dennis Dugan y el (aquí doble) protagonista, coguionista y productor Adam Sandler hayan caído tan bajo, ya que en el pasado había regalado varias buenas películas como Un papá genial y No te metas con Zohan. Sandler -que hasta se arriesgó en algún momento con títulos bastante audaces como Embriagado de amor y Hazme reir- interpreta aquí a dos hermanos (un varón y una mujer). No sé si a alguien le puede resultar gracioso ver a Adam en versión femenina, pero el resultado cómico (artístico) es patético. Para ponerlo bien clarito, en la comparación las berretadas de Olmedo y Porcel resultan verdaderas obras maestras. Hay otro (supuesto) atractivo en este film: Al Pacino. Jack tiene que convencerlo de que participe en un comercial de Dunkin Donuts (tremendo chivo que recorre la película) y, claro, el "prestigioso" actor -que no pasa precisamente por el mejor momento de su carrera- se terminará enamorando de Jill. Estamos en el universo de las comedias de enredos disparatadas, pero lo que es un disparate es la trama (que incluye secuencias en el Día de Acción de Gracias y en un lujoso crucero hasta llegar a la época navideña). Nada resulta gracioso, nada fluye, las sobreactuaciones abundan y los minutos parecen no pasar nunca. En la hora y media de torturante relato sólo hay espacio para el despliegue histriónico de Sandler. Los otros personajes (por ejemplo, el de la esposa de Jack que interpreta Katie Holmes) quedan reducidos a objetos decorativos, sin el más mínimo desarrollo ni oportunidad de lucimiento. Así, lo único que importa es el desbordado unipersonal de Sandler. No se los recomiendo.
La película del consenso Algún lector afirmará -no sin razón- que, más que una crítica de la película, este texto es una suerte de columna/ensayo sobre otras cosas. Pido disculpas entonces por si alguien se siente defraudado, pero me interesa más lo que pasó, pasa y pasará con El artista que el film en sí. No desmerezco la película del francés Michel Hazanavicius. Me gusta. La pasé bien cuando la ví en su estreno mundial en la Competencia Oficial del Festival de Cannes, pero no me parece que sea la obra maestra que muchos exaltan ni mucho menos la porquería que tanto colega snob ha denostado/despreciado. Rodada en blanco y negro y con estética de cine mudo (prescinde hasta cerca del final de los diálogos), la película narra el apogeo y la caída de George Valentin (Jean Dujardin), un galán de Hollywood de fines de los años '20 que no puede adaptarse al surgimiento del sonoro, y su relación con Peppy Miller (la "argentina" Bérénice Bejo, esposa del director en la vida real), una aspirante a actriz que luego accede al estrellato, mientras el protagonista se derrumba. La propuesta -que combina drama, musical, comedia y romance- es muy simpática, visualmente cautivante y no exenta de encanto e ingenio, pero tampoco va -ni pretende ir- mucho más allá (que igual no es poco en el contexto del previsible cine de hoy). Ahora bien, ¿por qué una película de esta índole se ha convertido en una suerte de revelación para tanta gente (crítica y público, cinéfilos y gente del negocio de todas las geografías) hasta el punto de generar una suerte de veneración casi unánime? Eso es algo mucho más difícil de explicar que sus valores (que los tiene y muchos, tanto en lo narrativo como en lo estético o incluso lo coreográfico) y sus carencias (su juego permenente y algo banal con los clisés, su impacto efímero cual burbuja que se deshace con un mínimo soplido). Tengo algunas teorías (más bien intuiciones). La película arrancó con buen pie en el Festival de Cannes (allí Dujardin ganó como mejor actor) y eso ya le dio un halo de prestigio. Por otra parte, se trata de una película con todos los condimentos de los crowd-pleaser (sí, es un poco demagógica, pero con nobles recursos) y combina el homenaje al cine mudo con una ligereza que le permite llegar sin obstáculos a todo tipo de público. Es, como les gusta decir a los connaiseurs, de alcance "universal". En algún lugar, tiene algo de Medianoche en París, la película más exitosa en la carrera de Woody Allen, y también algunas conexiones con su gran rival en los premios Oscar: La invención de Hugo Cabret, de Martin Scorsese. Todas historias melancólicas, reivindicatorias de ese gran pasado y de profundo amor al cine, pero al mismo tiempo accesibles. Otro aspecto que habría que tener en cuenta es la mutua admiración (esa relación de amor-odio que se profesan desde siempre) entre franceses y estadounidenses, que aquí queda condensada en un producto que cae muy bien a ambos márgenes del Atlántico (y cuenta, además, con un elenco de diversos orígenes). En este repaso de posibles explicaciones a este consenso generalizado no habría que soslayar -sobre todo en su arrasadora performance en la temporada de los premios de fin de año y en toda esta previa al Oscar- el efecto Harvey Weinstein, un lobbista capaz de llevar hasta la cima títulos discretos como Shakespeare apasionado o El discurso del Rey. El artista no será ninguna maravilla, es cierto, pero en comparación con los anteriores "monstruos" de Harvey que se alzaron con el Oscar, estamos ante una más que digna y entrañable película.
Un homenaje de Scorsese al mago y pionero del cine George Méliès Los grandes directores (Martin Scorsese, sin dudas, es uno de ellos) son capaces de transformar un material ajeno (en este caso, un guión de John Logan basado en una novela de Brian Selznick) en una película muy personal. En su nuevo largometraje, el creador de Taxi Driver , Toro salvaje y Buenos muchachos concreta un homenaje a un pionero del cine como Georges Méliès y una carta de amor al séptimo arte que incluye una advertencia sobre un tema que lo obsesiona: la preservación del patrimonio fílmico. Quienes crean que estamos ante un sesudo y aburrido tratado cinéfilo, deberán saber que La invención de Hugo Cabret es una bella y épica fábula para toda la familia que narra la historia de un huérfano de 12 años que vive escondido dentro de una estación de trenes (la Gare de Montparnasse) en la París de 1931. En otro rasgo distintivo de sus múltiples capacidades, Scorsese incursiona por primera vez en la tecnología estereoscópica y logra aprovechar el 3D, ya no como un simple juguete al servicio de tanto colega caprichoso (que luego la industria capitaliza cobrando entradas más caras), sino como una manera de ampliar la profundidad de campo y la espectacularidad de los complejos, vertiginosos y virtuosos travellings y de las tomas aéreas. En este sentido, La invención de Hugo Cabret es una de las películas que mejor explotan las posibilidades narrativas del 3D en términos casi coreográficos luego de Avatar . Puede que el relato resulte un poco largo y complejo para los más pequeños, que los toques cómicos en la más pura línea del slapstick (humor físico) que propone el personaje de Sacha Baron Cohen (un inspector de la estación rengo que se dedica a perseguir con su Doberman al escurridizo Hugo) no siempre funcionen, que por momentos caiga en cierto regodeo visual artificioso o en una exaltación melancólica un poco exagerada, pero en buena parte de sus 126 minutos Scorsese nos regala una película fascinante, entrañable, con algunas de las escenas más hermosas (el pequeño protagonista colgado del reloj de la torre, los rodajes y la quema de las copias de los films de Méliès para ser usadas en la industria del calzado) vistas en el cine reciente. Película de juguetes a cuerda y relojes, de magos y robots, La invención de Hugo Cabret resulta un engranaje casi perfecto, que remite a clásicos fundamentales como Metrópolis y Tiempos modernos , entre otros. Una superproducción de 170 millones de dólares de presupuesto que utiliza los mejores recursos de las nuevas tecnologías para reconstruir los inicios del cine, para sacar del olvido y reivindicar a esos grandes artesanos que enseñaron el camino cuando todo estaba aún por inventarse.
Sin demasiadas luces Los hermanos García Bogliano (nacidos en España, pero dos de los principales exponentes del cine de terror made in Argentina) han demostrado no sólo ser prolíficos (media docena de largometrajes desde 2005) sino también dueños de un gran profesionalismo que les ha permitido exportar su producción a todo el mundo. Luego de Sudor frío -el primero de sus trabajos que tuvo un estreno comercial en la Argentina, con más de 85.000 espectadores en 2011-, regresan con Penumbra, un film impecable desde su factura técnica, pero que no consigue atrapar del todo con una historia que mixtura las desventuras de una empresaria española que intenta alquilar un departamento y los extremos rituales de una banda en medio de un eclipse total. El cine de terror tiene la libertad de poder jugar con todo tipo de elementos, se puede arriesgar con pinceladas de humor negro y absurdo, pero su punto de partida, su concepto, requieren de un mínimo de credibilidad para generar cierta identificación por parte del espectador. Eso es lo que le falta al guión de Penumbra: la protagonista (Cristina Brondo) es insufrible (una yuppie controladora que odia a los argentinos), los largos enredos con los empleados de la inmobiliaria no sólo son inverosímiles sino directamente ridículos y algunos diálogos demasiado artificiales (recitados sin gracia ni fluidez por varios personajes secundarios) también le restan al resultado final. El film arranca con una bellísima actriz colombiana que desaparece (literalmente) en la primera escena hasta casi el final y luego cuenta con pequeños papeles (algo más que cameos) por parte de figuras como Arnaldo André y Gustavo Garzón. En el medio, hay situaciones que se estiran mucho, que se repiten, hasta llegar a un climax con buenos efectos visuales y cierto impacto. El problema es que antes hay unos 60 minutos de escaso vuelo, sin demasiadas luces. Apenas en penumbra.
Cuando menos es más En medio del resurgimiento de las historias de fantasmas (ya sean de Hollywood, Japón, España o cualquier otro origen), La dama de negro resulta un digno exponente, más cerca del espíritu de los clásicos de la Hammer británica que de la vertiente de terror sádico que hoy domina el género. He leído muchos elogios hacia esta actuación de Daniel Radcliffe, en uno de sus primeros intentos por desembarazarse del estigma Harry Potter. No digo que esté mal, pero tampoco me parece un gran trabajo ni creo que esté entre lo mejor del film, que se sostiene más por otros atributos (narrativos y visuales) que por su (escaso) carisma. Me parece todavía un intérprete frío, desangelado (aclaro que aquí no es un fantasma), sin demasiada fuerza en pantalla. Por lo tanto, quienes tienen aquí los mayores méritos son la guionista Jane Goldman (que adaptó la novela de 1983 de Susan Hill) y, sobre todo, James Watkins, que ya había demostrado su categoría para crear suspenso, sostener la tensión y concebir climas hipnóticos con Eden Lake. Aquí, construye con muy pocos elementos, con una sólida puesta en escena, una historia de pueblo chico-infierno grande ambientada a principios del siglo XX con Radcliffe como un joven abogado ya viudo (y padre) que arriba al lugar para investigar la herencia de una casona aislada. Todo el mundo se mostrará hostil hacia el recién llegado, salvo un acaudalado matrimonio (Ciarán Hinds, casi siempre a bordo de su Rolls-Royce, y una desequilibrada Janet McTeer). Watkins confía en su poder de sugestión (se permite largas escenas sin diálogos, sostenidas a puro despliegue de virtuosas imagen y de un inteligente uso del sonido), no necesita abrumar al espectador porque sabe cómo dosificar la información, cómo hacer que un pequeño detalle, una mínima observación, adquiera la dimensión necesaria. En ese concepto de que a veces menos es más (tan opuesto al del Hollywood contemporáneo) es donde reside el principal valor de esta película.
Una película artesanal para que los chicos descubran una narración distinta y valiosa En tiempos de vertiginosas imágenes digitales y efectos en 3D, la stop-motion (animación artesanal cuadro por cuadro) resulta una verdadera rareza. Tan extraña como una producción para chicos made in Uruguay y distribuida aquí por el grupo Disney. También es particular la elección: una trama de piratas (en la primera mitad) y, ya desde el subtítulo, una historia inspirada en el célebre náufrago británico Robinson Crusoe (en su segunda parte). Al ritmo de una pegadiza música de candombe y con un vistoso diseño visual (aun cuando el acabado esté lejos de la perfección hollywoodense), Selkirk... entrega buenas dosis de humor e ingenio a la hora de desarrollar las desventuras de la patética tripulación del galeón Esperanza, que en 1690 zarpa en busca de un tesoro. Más tarde, el antihéroe quedará varado en una isla tropical y, allí también, la narración perderá buena parte de su fluidez y de su gracia. El film regala las moralejas esperables en todo film infantil políticamente correcto (el egoísmo, la codicia y el individualismo del protagonista se irán transformando, con la experiencia, en sentimientos mucho más nobles), pero sin caer en el didactismo ni la obvia bajada de línea. Es probable que a cierto sector del público habituado al ritmo frenético y la espectacularidad de las imágenes de las producciones animadas del cine norteamericano le cueste un poco habituarse al tono, al ritmo y al estilo de esta más que digna propuesta uruguaya, pero resulta un buen ejercicio que los niños de hoy descubran que existe otro tipo de narraciones tan valiosas e igualmente recomendables.
A cuatro años del exitoso estreno de Viaje al centro de la Tierra (producción precursora en la tan comentada resurrección del 3D), Josh Hutcherson regresa en el papel del adolescente Sean Anderson para otra aventura inspirada en un relato de Julio Verne (aunque aquí también se reciclan otros clásicos como Los viajes de Gulliver, de Jonathan Swift). Ya no está Brendan Fraser como el tío en el elenco, pero a Hutcherson lo acompañan en esta aventura ambientada en la isla misteriosa del título Dwayne "The Rock" Johnson (su padrastro), Michael Caine (su abuelo), la ex High School Musical Vanessa Hudgens (su interés romántico) y Luis Guzmán (el personaje latino que aporta los toques cómicos). El film se sostiene en el despliegue de efectos visuales para la creación de un mundo desconocido con elefantes pequeños y abejas o lagartos gigantes, así como en el juego de los anacronismos, que incluye el uso del iPhone en medio de situaciones ligadas con la mítica Atlántida o con el Nautilus creado por el propio Verne (las referencias a 20.000 leguas de viaje submarino no son pocas). Concebida con indudable profesionalismo, aunque sin demasiada capacidad de sorpresa, Viaje 2: La isla misteriosa resulta un correcto producto, muy bien amplificado desde el marketing. Por si hacía falta, las últimas imágenes nos anticipan el futuro destino de la saga ¿Adivinaron? Sí, de la Tierra a la Luna.
Gigantes de cemento Rodada en 2002 -con la crisis socioeconómica en plena ebullición- en esa bomba de tiempo que es la zona de Lugano I y II, esta ópera prima de Néstor Mazzini rodada a pulmón y con actores no profesionales recorrió un largo periplo hasta alcanzar ahora, una década más tarde, su estreno comercial. En el medio, este film ganó el Concurso de Películas Terminadas del INCAA, consiguió así fondos para mejorar su acabado técnico, fue reeditado varias veces (incluso después de algunas proyecciones públicas), y encontró su forma definitiva. Más allá de algunas precariedades visuales o de ciertos desniveles interpretativos, hay en Que lo pague la noche unos cuantos hallazgos. Thriller surrealista, muestra un estado de degradación, de descomposición social con personajes oscuros y climas ominosos sin caer en la bajada de línea, en la declamación ni en el subrayado. El largo, impactante y muy virtuoso plano-secuencia inicial nos presenta a esas moles de cemento que son los monoblocks de Lugano I y II, "personaje" central del relato. Luego, veremos una celebración (un casamiento) que se tiñe de tragedia. Lo que sigue es una sucesión de situaciones tensas, duras, escabrosas que transforman al film en una interesante descripción de la miseria y la paranoia sociales. Una película que -con sus problemas- no deja de ser cautivante. Una rara-avis, "deforme", diferente, poderosa, vital.
Música curativa En un documental anterior, Fortalezas (2010), Tomás Lipgot le dedicó uno de los episodios a Moacir dos Santos, un músico amateur internado en el neuropsiquiátrico Borda por una esquizofrenia paranoide. Hoy, Moacir -brasileño, radicado hace más de tres décadas en la Argentina y ya próximo a cumplir los 70 años- está “en libertad” (vive en una diminuta habitación de una pensión) y Lipgot se reencuentra con él en esta nueva etapa para reconstruir su historia artística y cumplir el sueño de todo compositor y cantante (y él es de los buenos): grabar un disco. Para los malpensados, Moacir podría ser algo así como un reality-show, una historia del tipo Cantando por un sueño sobre un perdedor que termina siendo reivindicado. También, desde una óptica más new-age, podría ser una oda al poder curativo del arte (de la música). Algo de todo eso hay en este film, pero prefiero ubicarlo en la categoría de cuento de hadas con el “sapo devenido príncipe” (si no, vean el lúdico y épico videoclip de que acompaña los créditos finales). Lipgot es respetuoso, no carga las tintas, no manipula a (a veces, hasta deja ser manipulado por) Moacir. Tampoco hace de este personaje pelado (para sus performances usa pelucas), de anteojos, con unos cuantos dientes menos y un portuñol ininteligible (por suerte, hay subtítulos) un freak que genere una conmiseración automática. Ni siquiera cuando se pone más confesional. Hay momentos que me hicieron un poco de ruido (la presencia de la psiquiatra que lo trató, algunos pasajes con el productor del disco, el reconocido músico Sergio Pángaro), pero en su mayor parte el relato fluye bien y uno va adentrándose en el universo contradictorio (fascinante y patético a la vez) de nuestro antihéroe. Un documental sencillo, directo, que no busca el lucimiento del narrador sino el del protagonista. El resultado es convincente y, por momentos, emotivo. Se agradece.