Bienvenidos a la ciudad de la locura Un trabajo observacional (la variante más clásica, más pura, más directa, menos "experimental" del documental, hoy tan denostada por los cultores del "documental de autor") resulta en estos tiempos una verdadera rareza: mucho plano fijo (cuidados, expresivos, inteligentes) para exponer las contradicciones, los contrastes, los vertiginosos cambios, la decadencia y la belleza que, a pesar de todo, subsiste en el centro porteño. El talentoso director de París, Marsella logra transmitir la melancolía, la sordidez, el patetismo, el vértigo o el hacinamiento que dominan a la zona en muy distintos horarios. Martínez elige a los vacíos salones de la ex galería Harrods como signo de los tiempos: una tradición más (y van...) que se pierde, mientras en los alrededores crece la deshumanización y la degradación. De todas maneras, la austera, sobria propuesta del realizador (no hay testimonios a cámara, no hay énfasis ni subrayados) evita caer en el miserabilismo, en el amarillismo. Por allí se ve al pasar a los niños de la calle, a los homeless, a los cartoneros, a algún pervertido apresado por la policía, pero aquí estamos muy lejos de esos realities televisivos obscenos en su sensacionalismo. El resto son oficinistas, comerciantes, evangelistas, turistas y miles de buscavidas que pululan por allí. Martínez -que se pasó casi tres años ligado a este proyecto- construye algunos planos formidables (hay también algunos intrascendentes), que retratan en toda su dimensión a la Buenos Aires cosmopolita, subyugante y agresiva a la vez, con su bella arquitectura de cúpulas de antaño, con su tensión racial y con su incontrolable polución visual. No estamos, como decíamos al comienzo, ante un documental "revolucionario", pero Martínez (mérito de su capacidad de observación) logra hacernos redescubrir una zona por la que transitamos a diario, pero que evidentemente no sabemos mirar.
Cowboy de medianoche Este fascinante film noir con espíritu de clase B combina persecuciones automovilísticas, robos con armas, gangsters despiadados (Ron Perlman y Albert Brooks) y una melodramática historia de amor entre una joven madre (Carey Mulligan) y el protagonista (Gosling), experto en arreglar y conducir coches, que, en principio, se gana la vida como doble de riesgo en rodajes de películas, pero que terminará involucrado en negocios sucios. El danés Nicolas Winding Refn (que posee una sólida filmografía que incluye títulos como Bronson, Valhalla Rising y la trilogía de Pusher) ratifica su talento como narrador y creador de climas dentro del cine de género y se permite aquí -otra vez- todo tipo de excesos (con varias escenas de violencia en clave gore) y de clichés, que remiten a la producción de los años 70 y 80, al punto de que se podría leer como una remake de la casi homónima The Driver (1978), de Walter Hill. Claro que Refn -que obtuvo con absoluta justicia el premio al mejor director en el último Festival de Cannes- no se queda en el simple homenaje y construye un sofisticado entramado visual para una historia que trabaja sobre códigos del western, del cine de samurais y de esas épicas medievales con caballeros, barones y princesas a ser rescatadas, que en este caso se constituiría en el reverso oscuro de un cuento de hadas. Un director que ha conseguido ya -con apenas 41 años- varias muy buenas películas, pero que intuyo (espero) todavía tiene mucho más para dar.
Adolescentes que despliegan sus poderes y llenan la pantalla de efectos especiales Tres compañeros de un colegio secundario adquieren, de forma casual y misteriosa, poderes sobrenaturales que se irán incrementando a medida que van entrenando esas nuevas habilidades (desde volar hasta mover objetos con la mente). Esa es la premisa de este film escrito por Max Landis (hijo del celebrado realizador John Landis) y dirigido por Josh Trank, ambos de apenas 26 años. Realizada con un modesto presupuesto y rodada con una cámara digital de bajo costo, Poder sin límites recurre a propuestas que, desde el éxito de El proyecto Blair Witch hasta hoy, han reciclado decenas de producciones independientes de género: el found-footage (material "encontrado"), el falso documental y que sean los propios protagonistas quienes filmen sus experiencias. Si bien el punto de vista no es del todo riguroso (la cámara en mano subjetiva manejada por uno de los personajes "convive" con imágenes "objetivas"), Poder sin límites funciona durante buena parte de su corto metraje por múltiples méritos: porque le agrega una interesante dosis de realismo (credibilidad e identificación) al universo de los superhéroes y porque demuestra que hace falta más creatividad que dinero para concebir efectos visuales que estén justificados en función de las necesidades narrativas y no para el mero despliegue exhibicionista que muchas veces sirve para tapar o al menos disimular agujeros en las tramas. Típica película de adolescentes con problemas escolares y familiares, Poder sin límites comienza (muy bien) como una historia de travesuras (los antihéroes no pueden creer todo lo que pueden hacer con sus nuevas habilidades), pero en su segunda mitad dilapida parte de esos hallazgos (sobre todo, el humor) con una mirada torpe y moralista que advierte sobre cómo esas capacidades sobrenaturales pueden alterar la personalidad de un muchacho y llevarlo por el mal camino. De todas maneras, más allá de que ese desenlace no sea del todo convincente y de que el retrato psicológico de los personajes resulte demasiado superficial, hay en Poder sin límites más ingenio, sorpresas e ideas que en buena parte de la producción hollywoodense actual. No es poca cosa y más teniendo en cuenta que su director y su guionista son unos veinteañeros con mínima experiencia previa. Su futuro en la industria, en cambio, es enorme.
Para atrapar al delator El topo está basado en la aclamada novela que John Le Carré publicó en 1974 -la primera de la trilogía de Karla- sobre un agente del MI6 que trabaja para los soviéticos en plena tensión de la Guerra Fría. Con dirección del talentoso realizador sueco Tomas Alfreson (Criatura de la noche) y el aporte de un verdadero dream-team de actores británicos liderado por un notable Gary Oldman (que en nada hace extrañar al Alec Guiness de la ambiciosa miniserie de la TV británica de 1979), el film resulta una verdadera rareza en estos tiempos de thrillers vertiginosos y sustentados en la espectacularidad de las escenas de acción a propulsión de efectos visuales. Película old fashioned, casi demodé, El topo es -en muchos sentidos- un verdadero placer porque prioriza los diálogos, los climas, las observaciones inteligentes y el trabajo de los intérpretes por sobre las set pieces o el vértigo de la narración. Lo más parecido que hay a una secuencia "moderna" es el arranque con una operación de la inteligencia británica en Budapest que sale mal. El resto de las dos horas está dedicado a un verdadero tratado sobre la ética y la moral de los agentes secretos, sobre la lealtad y la traición, sobre los códigos y miserias internas (Carré fue espía y conoce en detalle tanto la jerga como las costumbres). Sin embargo, a pesar de que me gustó mucho toparme con El topo, también debo confesar que me costó bastante seguir la laberíntica, intrincada trama. O quedan varios cabos sueltos o yo no los alcancé a enlazar. En este sentido, los trabajos de Alfredson para la construcción de atmósferas y de los actores para construir los múltiples personajes de este rompecabezas (o, si prefieren, juego de ajedrez) son muy superiores al de un guión no demasiado claro. De todas maneras, aún con sus problemas, estamos ante una propuesta que fascina y atrapa con elementos nobles y genuinos que el cine de género contemporáneo parece haber olvidado.
Mi mundo privado Los directores registran en esta película ganadora del premio del público en el último BAFICI la cotidianeidad de la sedería del barrio de Once que desde hace décadas maneja su padre, el "Negro" Levy. Con testimonios a cámara (fija) tanto del patrón -de fuerte carácter- como de los viejos empleados (todos personajes bien porteños, con facetas hilarantes, al borde del patetismo, pero finalmente bastante queribles), y con cuidadas imágenes, muestran la relación que establecen con los muy diversos clientes que llegan al local de la calle Azcuénaga en busca de telas para sus vestidos de fiesta, El dúo -que se ocupó de todos los rubros en una producción más que artesanal pero no por eso poco rigurosa y de sólido acabado técnico- construye una pequeña y simpática película, de esas que se ven con agrado en su registro de un microcosmos con reglas y códigos propios, que no tienen pretensiones de trascendencia, pero que resultan entrañables. (Esta reseña fue publicada con algunas modificaciones durante el BAFICI 2011) Biografías: Diego Levy: Nacido en Buenos Aires en 1973, es fotógrafo y autor de los libros Sangre (2006) y Choques (2010). Ha recibido distinciones de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano y el Salón Nacional de Artes Visuales, además del primer premio en el concurso Fotografía del Bicentenario. Pablo Levy: Nació en Buenos Aires en 1987. Estudió actuación con Nora Moseinco y dirección de fotografía en el Centro de Formación Profesional SICA. Participó como actor en cine, publicidad, teatro y televisión. Novias - Madrinas - 15 años es el primer largometraje de ambos directores. Dos preguntas de OtrosCines.com a Diego Levy -¿Cómo surge el proyecto, cómo lo pudieron desarrollar y qué apoyos tuvieron? -El proyecto surge en el velatorio de mi abuelo, el trabajo unos años en el negocio y cuando murió todos los empleados fueron a saludar a mi viejo. Cuando vimos con mi hermano a esos personajes fuera de su mundo cotidiano, dijimos que teníamos que hacer algo. En principio quisimos filmarlos individualmente y hacer una serie de cortos, pero después decidimos hacer un documental que incluya también a nuestro padre y a la vida del negocio. La hicimos con lo que teníamos, la filmamos con nuestras cámaras y la editamos en la computadora de mi hermano. No tuvimos ningún apoyo, tampoco lo pedimos , nos planteamos el desafío de hacer una película sin plata, sin apoyo alguno de producción. Sólo contamos con la colaboración desinteresada de algunos amigos en la música, el diseño, y otros detalles. -¿Cómo definirías a la película (tema, búsquedas, estilo, desafíos que se plantearon)? -Es un documental con una estructura clásica de entrevistas y situaciones cotidianas. No te podría definir un estilo, yo me dedico a la fotografía desde hace 20 años y nunca estudié cine. Lo que tratamos de hacer fue una película que no caiga nunca, que no aburra y que sea bella.
De nada sirve escaparse de uno mismo De la FUC han salido todo tipo de directores y películas (algunas, incluso, ligadas al cine de género, como Los paranoicos o Fase 7), pero hay una suerte de marca, de escuela, que podría englobar a las películas de Matías Piñeiro, Alejo Moguillansky, Manuel Ferrari, etc. En esa linea neo-nouvelle-vague, cuyo referente a nivel de "padrinazgo" podría ser Rafael Filippelli- se inscribe este debut de Nicolás Grosso, con un film en blanco y negro con aires de experimentación godardiana y reminiscencias del cine de Hugo Santiago. Un padre ausente, dos hijos desorientados, una fábrica con 282 empleados a punto de cerrar, crecientes presiones de los trabajadores que pretenden llegar a la autogestión... De eso se trata La carrera del animal, un film que -más allá de sus desniveles actorales y de ciertos diálogos altisonantes y artificiosos- consigue imágenes, climas, situaciones inquietantes, de gran tensión y con un sesgo casi fantasmagórico. Otro joven director consagrado en el BAFICI (el film ganó la Competencia Argentina) para tener en cuenta. (Esta reseña fue publicada con algunas modificaciones durante el BAFICI 2011) Sobre Nicolás Grosso: Nació en Buenos Aires en 1984 y estudió en la Universidad del Cine. Fue asistente de dirección en Excursiones (Ezequiel Acuña, Bafici ’09), Castro (Alejo Moguillansky, Bafici ’09) y Un mundo misterioso (Rodrigo Moreno, 2011). Su corto No porque hoy sea feriado (2007) participó en numerosos festivales internacionales. La carrera del animal es su primer largometraje. Entrevista con OtrosCines.com -¿Cómo surge el proyecto, cómo lo pudieron desarrollar y qué apoyos tuvieron? -El proyecto empieza con una idea de guión que venía elucubrando hacía tiempo: un pequeño drama familiar rodeado de intrigas no demasiado resueltas en un espacio suburbano. Luego se agregó su contrapartida en el campo; la cual, creo, le dio un matiz necesario a la película. Nada de todo esto hubiera sido posible sin el apoyo de la Universidad del Cine que, sin dudar un segundo, ofreció sus equipos para que podamos seguir adelante con el trabajo. Todo el rodaje y parte de la posproducción de la película se llevó adelante con lo que tuvimos a mano. No hubo más apoyo que el de la FUC, aún habiendo aplicado a subsidios tanto locales como internacionales. Al final del camino, llegó el inesperado y muy bienvenido premio del Fondo Metropolitano, que fue lo que hizo que todo el esfuerzo haya valido un poco más la pena. -¿Cómo definirías a la película (tema, búsquedas, estilo, desafíos que te planteaste)? -La película trata sobre las relaciones paterno-filiales, sobre el vínculo entre hermanos y sobre cómo un personaje sortea el devenir de una empresa familiar en plena ebullición. La película es en blanco y negro por el distanciamiento que esto genera y por la necesidad de abstraer los espacios reconocibles. Quizás el mayor desafío fue desarrollar una trama de cierta intriga pero sin centrarse en la resolución de la misma. Dejando esto como factor de inquietud para concentrarse en las reacciones del protagonista antes los sucesos que plantea la película.
Tortura emocional Con películas como Billy Elliot, Las horas y The Reader, el inglés Stephen Daldry se consolidó en Hollywood como director de películas "prestigiosas", "difíciles" e "importantes". Siempre estuvo al borde la explotación, pero aquí se pasa de la raya y nos somete a una insoportable tortura emocional. Cuesta creer que un guionista con importantes antecedentes como Eric Roth (Forrest Gump, El informante, Munich) haya construido algo tan manipulatorio como Tan fuerte y tan cerca. Es cierto que la "culpa" principal es de la novela original de 2005, pero un buen profesional debería ser capaz de mejorar el material original. Ni él ni Daldry lo logran. El film tiene como protagonista a Oskar Schell (Thomas Horn), un niño de 11 años que pierde a su padre (Tom Hanks) durante el 11-S (justo se encontraba en las Torres Gemelas) y queda al cuidado de su madre (Sandra Bullock). El atribulado héroe del relato (un geniecillo insufrible) encuentra una llave que pertenecía a su padre y buscará de forma obsesiva y metódica por las distintas zonas de Nueva York a su dueño con la ayuda de su abuelo mudo (Max Von Sydow), para más datos sobreviviente del Holocausto. Si ya la acumulación de semejantes eventos puede sonar exagerada, peor aún es la forma en que Daldry nos va presentando las situaciones (nos obliga, por ejemplo, a escuchar una y mil veces los desesperados mensajes telefónicos que el padre de Oscar deja pocos minutos antes del derrumbe de la Twin Towers). La película quiere, necesita, nos exige, nos obliga a que nos emocionemos y utilizará todos los medios, las herramientas (más arteras) para que nos consustanciemos con esta historia de dolor y de redención, de amor y de aprendizaje. Cuando unos artistas se enfrentan a materiales de semejantes implicancias deberían ser muy cuidadosos, muy austeros, muy pudorosos para con el espectador. Aquí, por el contrario, estamos ante una verdadera "pornografía" de los sentimientos. Los golpes son demasiados bajos y los 129 minutos se transforman en una verdadera odisea para el indefenso espectador. Que esta película esté nominada al Oscar en la categoría principal no sólo es una injusticia para con Drive, Beginners, Las aventuras de Tintín o tantas otras obras más valiosas. Es una vergüenza para la Academia de Hollywood y desmerece por completo al premio más popular del planeta.
Con el cine afuera Hay algo peor que reciclar elementos ya probados en otras películas: que ese “copy y paste” cinematográfico salga mal. Eso es lo que ocurre con este film de terror, cuyo mayor mérito es haber costado apenas un millón de dólares y recaudado ¡34 millones! en sus primeros tres días en cartel en las salas norteamericanas (gran logro de los expertos en marketing, sin dudas). Este subproducto de William Brent Bell apuesta al “ingenio” narrativo (el falso documental, el found-footage, las imágenes de las cámaras de seguridad; es decir, todo aquello que arreció luego de los éxitos como las sagas de El proyecto Blair Witch, Actividad paranormal o REC) y se mete con tópicos de un género que está demostrando gran poder de convocatoria como el thriller religioso (léase desde el clásico El exorcista hasta las más recientes sucesos de El rito o El último exorcismo). El problema es que en esta idea de mover las piezas sobre el tablero las jugadas no salen bien: la película no atrapa, no asusta y lo que en principio se presenta como un ejercicio de estilo termina siendo cualquier cosa (no se sabe quién filma porque el punto de vista cambia). Así, la factura es pobre; la narración, torpe; y el resultado, aburrido. Les debía la “sinopsis”: una chica filma un documental sobre el caso de su madre, encerrada en un neuropsiquiátrico de Roma luego de haber asesinado a tres personas ¿Por qué en Italia? Porque supuestamente lo hizo bajo la influencia del mismísimo Diablo. La protagonista viaja hasta allí junto a un camarógrafo y, con la ayuda de curas exorcistas y médicos, intentará desentrañar el misterio con… terribles consecuencias. Lo mejor del film es una escena de exorcismo con una contorsionista (una doble, claro) que hace cosas increíbles con su cuerpo. Pero ese no es precisamente un mérito cinematográfico. El resto… El resto es sencillamente descartable.
Retrato de la dura realidad de un barrio cordobés El treintañero Hermes Paralluelo nació y se formó en Cataluña, pero recaló en Córdoba para rodar en las calles de esa ciudad un film que retrata con nobleza, profundidad, rigor y sensibilidad la cotidianeidad de los habitantes de Villa Urquiza, un barrio periférico y muy pobre de la Docta. En su ópera prima, que excede por la categoría de su puesta en escena y la inteligencia de su construcción el simple marco del documental observacional, Paralluelo pone el énfasis en las experiencias de vida de tres chicos -Bebo (15 años), Pata (14) y Ricardito (10)-, quienes a bordo de un carro tirado por un caballo recorren la ciudad en busca de comida, cartón, papel o cualquier elemento que les permita paliar un poco su precaria situación económica, exacerbada por la ausencia de la madre y el alcoholismo del padre (la abuela toma el lugar de jefa de familia). Película sobre la paternidad (o, mejor, sobre cómo incide su ausencia), sobre la transmisión de un oficio (el de los carreros o cartoneros) de generación en generación, sobre una familia, sobre un barrio, Yatasto logra una intimidad infrecuente con sus protagonistas (que mantienen ante la presencia de la cámara sus propios códigos y su particular forma de hablar), pero también una dimensión mucho más amplia a la hora de exponer la profunda fractura social que aún subsiste en el país. Sin subrayados ni demagogias, con una honestidad brutal y sin descuidar las mejores herramientas del lenguaje audiovisual, Paralluelo da otro ejemplo contundente del gran momento que atraviesa el nuevo cine cordobés.
Una buena combinación de épica, aventura y valores humanos contada en imágenes Hay que ser Steven Spielberg para hacer una película de las dimensiones y ambiciones de Caballo de guerra , que remite a los westerns de John Ford, a las épicas de David Lean y a un melodrama como Lo que el viento se llevó . Eso no es todo. Spielberg utiliza un material ajeno (una novela infantil de 1982 que luego pasó con éxito por el teatro) para dialogar con su propia obra (aquí hay mucho de E.T ., El imperio del sol , La lista de Schindler y Rescatando al soldado Ryan ) y para recuperar el espíritu de títulos tan disímiles como El corcel negro y Al azar Baltazar , clásico del francés Robert Bresson. ¿Cómo se entienden tan disímiles referencias? Es que Caballo de guerra no es una película sino varias, ambientadas antes, durante y después de la Primera Guerra Mundial, tanto en bucólicas praderas como en sórdidos frentes de batalla y trabajadas con imponentes tomas aéreas o con una vertiginosa cámara en mano, pero siempre con un gran sentido coreográfico. Más allá de la multiplicidad de personajes humanos, el verdadero protagonista del film es el purasangre del título, un hermoso equino que es adquirido por unos granjeros ingleses, entrenado por el hijo adolescente de esa familia, pero que al estallar la guerra pasa a integrar la fuerza de caballería. Lo veremos con las tropas inglesas, con una niña francesa y su abuelo y con los nazis hasta llegar a un desenlace impactante que, si el espectador se identifica con la propuesta del relato, también puede resultar conmovedor. Spielberg siempre ha sido un mejor director de aventuras que de melodramas y, en ese sentido, no siempre acierta con el tono de las distintas secuencias (por momentos exagera, subraya y hasta golpea más abajo de lo conveniente hasta quedar muy cerca de la manipulación emocional). Sin embargo, en su "defensa", hay que decir que jamás esconde nada y que, aun en sus pasajes más torpes y naïves, su cine es siempre de un humanismo y de una nobleza incuestionables. Además, si algún segmento del público se puede sentir incómodo o hasta irritado por los excesos sentimentales y lacrimógenos de ciertos pasajes, como compensación Spielberg regala varios momentos de notable factura e inmensa potencia (un registro épico amplificado por la fotografía expresionista de Janusz Kaminski y por la banda sonora del veterano John Williams), con el caballo arando la tierra bajo la lluvia, tirando de la maquinaria pesada alemana o con su cuerpo sangrando por el alambre de púa de las trincheras. Porque, más allá de sus evidentes desniveles, estamos ante una bella película sobre el dolor, la violencia, la lealtad y la amistad. Con el sello de uno de los mejores directores en actividad, que ya tiene reservado un lugar de privilegio entre los clásicos del cine.