Vince Vaughn y Kathryn Newton protagonizan esta mezcla de comedia adolescente y película de horror acerca de un asesino en serie y una chica tímida que trocan sus personalidades. FREAKY podría ser una combinación de FREAKY FRIDAY y FRIDAY THE 13TH, una mezcla de comedia adolescente de secundaria con cambio de roles y una historia de un asesino serial típica de los ’80, con un criminal no muy distinto del Jason Voorhees de aquel clásico de 1980 y varias secuelas más. En su tono, en su estética y en su forma la película de Christopher Landon (director de la saga HAPPY DEATH DAY) respeta bastante las convenciones y modelos del cine ochentoso. Donde las cambia tiene que ver con la manera de comportarse de algunos personajes, además de otros elementos tecnológicos que dejan en claro que la película transcurre en la actualidad. Todo funciona con la lógica y estética de una película de la época de John Hughes. Solo con no escuchamos a Psychedelic Furs en la banda sonora y las primeras escenas están más cerca del cine de Tobe Hopper al mostrar cómo el llamado Carnicero de Blissfield (Vince Vaughn), un personaje que los adolescentes consideran un mito urbano, destroza en pedazos a cuatro jóvenes que estaban de fiesta en la casa de una de ellas. En paralelo, Landon nos presenta a Millie (Kathryn Newton, de BIG LITTLE LIES y LADY BIRD), una tímida y retraída alumna del secundario que vive pendiente del bienestar de su madre que quedó viuda hace poco. Pese a los ruegos de su hermana, que es policía, para que «viva su vida», la chica hasta prefiere evitar el tradicional evento conocido como «Homecoming». En la escuela, además, le han bullying todo el tiempo, por su timidez e inseguridad, y tiene solo dos amigos (una chica negra y un chico gay) que la acompañan. Cuando sale a la luz la noticia del asesinato de estos cuatro chicos todo el mundo se escandaliza y anda con miedo. Millie, que es porrista del equipo de fútbol del colegio, termina quedando sola en el estadio cuando todos se van (su madre, que suele beber de más, se duerme y no la va a buscar) y se le aparece el Carnicero en cuestión con una imponente daga que robó de la casa de su reciente masacre. Pero cuando la ataca sucede algo muy extraño: él queda herido en el mismo lugar en el que hiere a ella. En realidad no es solo eso lo que sucede. Al levantarse a la mañana siguiente el asesino se da cuenta que está en el cuerpo de la chica y viceversa. Y es así que ese cambio de roles complica sus vidas posteriores: el Carnicero, en el cuerpo de Millie, hará que todos piensen que la chica se ha vuelto agresiva, sexy, segura de sí misma y muy violenta (aunque con la limitada fuerza de una chica adolescente), mientras que Millie, en el cuerpo de Vaughn, intentará que le crean quién es en realidad pese a su aspecto tan cambiado y al hecho de que cada vez que aparece en un lugar todos salen corriendo disparados. La leyenda que rodea a la daga en cuestión dice que tienen poco tiempo para recuperar sus cuerpos antes que esta suerte de embrujo se vuelva permanente. Es así que la película, en su segunda mitad, acumulada persecuciones, revanchas, confusiones, carreras contra el tiempo, mucha sangre y unos muy ajustados apuntes acerca de los roles preconcebidos dentro de cada género. Hay un empoderamiento en Millie desde que tiene «la mente» del Carnicero que es perturbador y sorprendente para casi todos. Más difícil la tiene la real Milie en el cuerpo del criminal, ya que le cuesta probar quién es. Hay romances de por medio en los que Landon aprovecha para seguir sobre este giro de roles sexuales. Y algo parecido pasa en algunos momentos más intensos del final, en los que las chicas deben tratar de demostrar que pueden más que el peligroso sujeto. Esa segunda mitad sigue los lineamientos más de la comedia adolescente que del thriller de asesino en serie y vira más aún para el lado del humor. Newton es efectiva en su rol pero el que se luce es el actor de VIVIENDO CON MI EX que suele trabajar en los dos subgéneros que la película mezcla, pasando de comedias disparatadas a thrillers violentos sin descanso. Aquí se ocupa más de su rol cómico y es una delicia verlo acostumbrarse a su nuevo cuerpo y darse cuenta de las cosas que puede o no hacer con él. Simpática, retro, con momentos muy graciosos y otros un tanto más convencionales, FREAKY logra adaptar la estética retro hasta nuestros tiempos y traer al menos parte de la magia del cine de John Hughes y de Wes Craven a estos tiempos política, social y culturalmente bastante distinto a aquellos a los que la película homenajea. Los mitos siguen siendo los mismos. La manera de lidiar con ellos es diferente.
Protagonizada por dos sobrevivientes de la masacre escolar de Carmen de Patagones en 2004, este film de ficción imagina un viaje de ambos en busca del culpable de aquel atentado. Ganadora del premio a la mejor película de la competencia argentina del BAFICI 2021. Adiferencia de los films «híbridos» en los que se mezcla documental y ficción para centrarse en un hecho real, lo que hace en su segundo film –que acaba de ganar el Gran Premio a Mejor Película de la Competencia Argentina del BAFICI– el reconocido guionista, actor y director Van de Couter (dirigió MIA, es co-guionista de ALANIS, AIRE LIBRE y varias series de TV, incluyendo HISTORIA DE UN CLAN) es similar a lo que propuso Clint Eastwood en su film 15:17 TREN A PARIS. Esto es: que los protagonistas del hecho real participen de una versión ficcionalizada, reconstruida si se quiere, de su propia historia. Paul y Rodrigo (Pablo Saldías Kloster y Rodrigo Torres) son dos ahora adultos de Carmen de Patagones que estuvieron entre los heridos de una terrible masacre escolar que tuvo lugar en ese lugar en 2004, atentado que dejó tres muertos. Y lo que hacen ambos actores/personajes en el film es investigar el paradero del victimario –también un estudiante de ese colegio– y viajar hacia él en busca de venganza. A diferencia de los personajes del film de Eastwood, esto es algo que no hicieron en la vida real pero que «ponen en práctica» a través de la ficción. En ese recorrido, ambos irán buscando ya más cerca de la ciudad de Buenos Aires al estudiante cuyo atentado les alteró por completo sus vidas, investigando dónde puede estar viviendo. Pero la película se centrará más que nada en los desvíos que se van sucediendo dentro de ese viaje, desvíos que los pueden llevar tanto a replantearse el sentido de su misión como a tratar de lidiar con su dolor de una manera en la que no lo habían podido hacer previamente. Los dos irán atravesando situaciones raras e inesperadas –encuentros nocturnos, nuevas amistades, peleas, fiestas– y vivirán distintas aventuras que se convertirán en sí mismas en el cuerpo central del relato. Finalmente, la película contará de forma muy sentida y efectiva una historia acerca de dos personas/personajes que descubren que el recorrido de sus vidas quizás deba ir más allá de la revancha. Y que lo importante, muchas veces, es eso que está a los lados del camino.
Un anciano solitario entabla una relación con una joven mujer embarazada y le da cobijo en su hogar despertando las dudas y sospechas de su hija. Estreno en salas. Una historia familiar, generacional y social se cuenta en UNA CASA LEJOS, la opera prima de ficción de Bottero (directora del documental LA LLUVIA ES TAMBIEN NO VERTE), que se centra en las experiencias de tres personajes muy distintos entre sí y con relaciones interpersonales también muy diferentes. La protagonista es Graciela (Stella Galazzi), una mujer que trabaja como docente y cuyo sueño, tras jubilarse, es irse a vivir –como dice el título– lejos de la ciudad y de su caos cotidiano. Está separada, no tiene hijos y la única relación que mantiene es con su padre, Rodo (Carlos Rivkin), un hombre muy mayor y con algunos problemas de salud, con el que no se lleva del todo bien. En algún punto, la supervivencia de ese hombre pareciera ser un impedimento para ese cambio de vida. Pero la situación de volverá todavía más enrarecida cuando descubra que el padre le está dando cobijo, en su casa, a una tal Sabrina (Valeria Correa), una chica embarazada que vive prácticamente en la calle y que está sin dinero y rodeada de problemas. Para Graciela la situación es doblemente frustrante, ya que además de complicarle los planes, ella sospecha que la chica se está aprovechando de su anciano progenitor. Y, a su manera, se dedicará a tratar de frustrar esa relación, enredándose finalmente más de lo que imaginaba en la suerte de ambos, especialmente en los vaivenes personales de la chica y su embarazo. UNA CASA LEJOS cuenta una historia de tres personas que se sienten solas, que de alguna u otra manera han sido abandonados o han ido abandonando a los otros –por la edad o por la situación económica–, y que se encuentran en un momento de sus vidas en que esas soledades terminan chocándose, con los reparos iniciales que eso usualmente genera. Se trata de un relato pequeño, sincero y humanista, bien interpretado por su trío protagónico y con una puesta en escena justa y sencilla. Es una historia que quizás no sorprenda demasiado en su desarrollo pero que presenta una serie de situaciones muy reconocibles y que propone un recorrido que va de la obsesión personal hacia la solidaridad y la empatía por el otro, temáticas que en estos tiempos se sienten más urgentes que nunca.
La nueva película de uno de los codirectores de «La larga noche de Francisco Sanctis» se centra en las consecuencias de un asesinato en la vida de una mujer, interpretada por Elisa Carricajo. La primera película «solista» del codirector de LA LARGA NOCHE DE FRANCISCO SANCTIS tiene algunas diferencias específicas respecto a su anterior y exitoso film que pasó por el Festival de Cannes y fue premiada en BAFICI, pero son muchas más las coincidencias, ligadas a la idea de combinar ideas sociales y políticas en contextos de cine de suspenso, casi de género. Es un tipo de película que, por motivos que exceden el marco de esta crítica, no se ha explorado mucho en el cine argentino en lo que va del siglo XXI (a su manera, bastante diferente, el cine de Santiago Mitre o el de Benjamín Naishtat funciona por carriles parecidos) pero que tiene una larguísima tradición en el cine mundial. Márquez toma un caso policial a partir de la mirada de una protagonista –testigo privilegiada, si se quiere– para tornarlo primero en un drama psicológico acerca de las repercusiones de ese crimen en esa mujer y luego llevar esa situación de lo personal e íntimo a lo social y político. Una película que trabaja sobre interesantes temas como la empatía y sus límites, la diferencia entre la teoría y la práctica y, más que nada, cómo las diferencias de clase marcan muchas veces a fuego la vida de las personas, lo quieran o no. Cecilia (Elisa Carricajo, del grupo Piel de Lava) es una profesora universitaria de clase media, una mujer politizada y progresista que parece tener muy en claro su visión del mundo. Está separada, tiene un hijo y todo parece correr por carriles normales hasta que una noche tarde escucha ruidos fuera de su casa. Cuando golpean su puerta reconoce a Kevin, el hijo de la mujer que limpia en su casa y, por temor, decide no abrir la puerta. El asunto no terminará bien para Kevin y Cecilia, al descubrirlo y saberse «indirectamente» parte de la historia entrará, de allí en adelante, en crisis. Su castillo intelectual (llamémoslo, simplificando, progre) parece derrumbarse y, con ello, su propia relación con el mundo que la rodea. Con algo «dostoievskiano» (desde el título y algunos de los temas), UN CRIMEN COMUN explora primero esa debacle personal para luego confrontarla con la relación entre el hecho en sí, su situación y el mundo real en el que se inserta. Es decir, con el admitir o no –para sí misma primero, pero públicamente después– su inacción en un momento clave y afrontar las consecuencias de esa debilidad, miedo y fragilidad. Por decirlo de otro modo, con la decisión de limitar su idea de la solidaridad al ámbito de la teoría y no de la práctica. Con un clima oscuro e intimidante –que tiene puntos en común con el anterior film de Márquez– y con un sutil manejo del lenguaje cinematográfico que la aleja del thriller social realista más convencional al punto de apostar por un formato «cuadrado» de pantalla, UN CRIMEN COMUN pone en juego a través de la historia de Cecilia una serie de temas relevantes a nuestros tiempos políticos, pero desde un lugar inteligente y sutil. ¿Qué sucede cuando una persona que se cree «del lado correcto» en sus ideas sobre el mundo y sus injusticias desnuda, ante una situación de presión, sus prejuicios de clase y sus miedos más burgueses? ¿Cuánto se comprende la experiencia «del otro» desde la teoría cuando nunca se la ha vivido realmente de cerca como para saber lo que implica en la práctica cotidiana? Preguntas que exceden, claramente, el marco de un thriller y que, lamentablemente, se exploran poco en el cine argentino de ficción, salvo en casos como LA PATOTA o ROJO, por citar algunas películas que plantean similares dilemas morales y personales a través de sus protagonistas. LA LARGA NOCHE DE FRANCISCO SANCTIS ponía, también, en juego estas tensiones (un «hombre común» teniendo que tomar decisiones de fuertes implicancias políticas) y la nueva película de Márquez cambia el escenario y el tiempo pero trabaja sobre ejes parecidos. Aquí y ahora siguen sucediendo similares situaciones de violencia que, aunque no parezcan directamente políticas, están insertadas en una realidad específica que así la vuelven. Y antes, como ahora, tal vez no sea tan sencillo como parece, ideológicamente al menos, saber cómo actuar, qué hacer, hasta dónde uno está dispuesto a jugarse por el otro, por los otros. Plantear estas cuestiones desde el drama y hacerlo a partir de preguntas más que desde las respuestas es el gran mérito de esta muy buena película.
Este western moderno que transcurre en la selva misionera se centra en los diversos conflictos que existen entre un guardabosques y un cazador furtivo. Pablo Echarri, Alberto Ammann y Mora Recalde son los protagonistas de este sólido thriller. Una de las líneas más interesantes del cine argentino de los últimos tiempos es una que está alejada de algunos vicios históricos de gran parte de las películas hechas en este país. Si no sonara un poco excesivo, podríamos definir su estilo como neoclásico, uno que bebe de los códigos tradicionales del cine de género en su costado más modélico, si se quiere hasta arquetípico. EL SILENCIO DEL CAZADOR pertenece a ese linaje, lo mismo que algunos films recientes como AL ACECHO o EL INVIERNO, entre otros. Son herederas de la gran tradición del western clásico y de la obra de realizadores locales posteriores como Adolfo Aristarain, Fabián Bielinsky o Israel Adrián Caetano, cuyo EL OTRO HERMANO bien podría incluirse en esta suerte de recorrido. La película de Desalvo (EL DIA TRAJO LA OSCURIDAD) funciona desde las imágenes y los sonidos, desde los silencios y las miradas, desde una cámara que investiga, husmea y se mueve en medio de una selva misionera envuelta en peligro y misterios. La trama que propone trabaja sobre elementos sociales, políticos y económicos –son enfrentamientos de clase, fundamentalmente–, pero a la vez lo hace desde el lugar más básico y si se quiere bestial de la lógica masculina: una suerte de pelea animal por la posesión del territorio, incluyendo a las mujeres que viven en él. Ismael Guzmán (Pablo Echarri) es un guardabosques que protege su zona de la labor de cazadores furtivos. Está en pareja con Sara (Mora Recalde), una médica rural que vive con él y también trabaja allí. Y uno de los principales adversarios de Ismael es alguien conocido como «El polaco» (el actor argentino radicado en España Alberto Ammann), hijo de uno de los potentados de la zona y un hombre acostumbrado a hacer lo que quiere, a siempre salirse con la suya a partir del dinero y las conexiones. A los dos los (des)une otro tema: El Polaco fue novio de Sara varios años antes y esa es una rivalidad paralela que ambos sostienen y de la que la chica no parece poder tomar del todo distancia. En EL SILENCIO DEL CAZADOR habrá otras subtramas que quedan en segundo plano por debajo del conflicto central entre estos dos hombres, subtramas que revelan las manipulaciones del poder económico de la zona y cómo los problemas se arreglan «al costado» de la ley. Y en ella se ven involucrados una serie de personajes (el elenco incluye a muy buenos actores como César Bordón, Cristian Salguero y Adrián Fondari) que son parte o sufren las consecuencias de esas tensiones históricas. Pero el núcleo es prototípico: son dos tipos peleándose cuerpo a cuerpo como animales salvajes por el territorio y por la presa, a tal punto que no pueden evitar revelar las limitaciones e impotencias de ambos. El único aporte que puede ser considerado «moderno» al clasicismo imperante en el guión escrito por Francisco Kosterlitz tiene que ver con ir de a poco borrando las fronteras entre héroe y villano, entre el protector y el agresor, alteración que sirve para darle una mayor relevancia actual al relato. Es que Guzmán prueba ser, a su manera, casi tan impresentable (posesivo, dominante, agresivo) como su rival. Y El Polaco, que podría ser el villano clásico en la trama, es lo suficientemente humano como para que el espectador –casi como si fueran los ojos de Sara– advierta que entre uno y otro hay menos diferencias de las que parece haber. Desalvo construye esta historia desde la acción y el movimiento. No hay grandes diálogos ni extrañas vueltas de tuerca narrativas. La película se construye desde los hechos, con la cámara recorriendo la selva, casi transpirando a la par de las persecuciones y de las tensiones que se van dando entre los tres protagonistas. Siempre un tanto nerviosa (si se quiere, otro gesto «moderno»), la cámara parece estar siempre persiguiendo a los personajes, corriéndolos de atrás, alcanzándolos con lo justo. Y el trabajo con la edición y el sonido son igualmente inmersivos: uno casi puede sentir el calor, la transpiración y la sangre en la pantalla. Irreprochable en todos sus rubros –más allá de algún chirrido con los acentos misioneros que de tanto en tanto le recuerda a uno la naturaleza de la ficción–, EL SILENCIO DEL CAZADOR prueba, como las otras películas antes mencionadas, que hay un registro posible para un cine argentino que intente ser accesible y hasta comercial sin dejar de ser noble, honesto y tan cuidadoso como coherente en lo formal. El cine clásico de género –y sus grandes practicantes– siempre ha demostrado ser lo más parecido a la tierra firme que existe a la hora de meterse en el complicado mundo de hacer películas. Y este western moderno de Desalvo se sostiene, como dice la frase, sobre los hombros de gigantes.
El realizador de «Mi madre» y «Las canciones de amor» se centra en los extraños eventos que suceden cuando una pareja decide separarse. Con Chiara Mastroianni, Benjamin Biolay, Vincent Lacoste y Camille Cottin. En HABITACION 212 sucede algo llamativo para el cine francés: hay un affaire amoroso. No, mentira, no habría cine francés sin esos affaires. Lo que sí es raro en esta fallida comedia dramática o drama romántico del realizador de LAS CANCIONES DE AMOR es que aquí se lo toman en serio, no como algo tan natural como un croissant matutino. En la primera escena –acaso la mejor– de esta película descubrimos a María teniendo una historia con un joven estudiante de origen latino, historia que rápidamente es descubierta por Richard, su marido, tras toparse con las notificaciones de mensajes telefónicos del tal Asdrubal en su celular. Cuando uno supone que, al mejor estilo francés, Richard ignorará el asunto y seguirá sirviéndose su copa de vino, el tipo reacciona y confronta a su esposa. María (Chiara Mastroianni, elegida mejor actriz en Cannes 2019 por este rol) trata de sacarse el problema de encima con el esperable argumento aquel de «no fue nada importante, solo un poco de sexo» y pasa al ataque diciendo que, después de todo, entre ellos ya no hay mucho de aquella pasión que los unió veinte años atrás. «Somos como hermanos», le dice, un tanto terminante y sutilmente cruel. Pero Richard insiste, la cosa sigue peliaguda y Maria termina yéndose de su casa con bolsito. ¿Adónde va? Al hotel de enfrente, a calmar un poco los ánimos. Honoré –como lo viene haciendo desde hace rato– entra ahí en un terreno de pura fantasía psicoanalítica. Estando en la Habitación 212 de ese hotel, la mujer empieza a recibir extrañas visitas. Primero llega Richard, pero el Richard de veinte años atrás, de quien se enamoró. Y luego aparece Irène, una profesora de piano de la que Richard estaba enamorado cuando conoció a María y a la que dejó por ella. Y así, entre conversaciones retrospectivas, la película tomará un aire de ensoñación pura en la que el pasado se cruzará con el presente pero no ya solo en la habitación en cuestión sino en la casa de Richard también, igualmente sorprendido al recibir la visita de la que fue su profesora un cuarto de siglo atrás y con la que tuvo un romance cuando él era, ay, demasiado joven. El realizador rodó HABITACION 212 en un set de filmación, con las dos veredas, la casa y el hotel construidos frente a frente en torno a una pequeña calle parisina encantadora y siempre nevada, con un pequeño multicine cerca. Y por momentos deja en evidencia el «juego» que propone desde la ficción. Es claro de entrada que estamos en un terreno que algunos podrían definir como realismo mágico y otros, simplemente, como cinematográfico, un territorio de ficción pura donde cualquier cosa puede suceder en tanto tenga sentido para el drama o la historia que se cuenta. El problema de HABITACION 212 es que luego de planteada la potencialmente ingeniosa situación, la construcción narrativa se vuelve forzada y caprichosa. Tanto María como Richard lidian con las otras opciones que podían haber tomado en el pasado –es claro que la mujer tiene un listado de partenaires sexuales que casi alcanzan en cantidad al número del cuarto en cuestión– y a la vez reconocen, o entienden, que entre ellos existe algún tipo de magnetismo que los une y que quizás no se haya apagado del todo todavía. Los problemas del guión –reiterativo, terapéutico, un tanto soso– son a veces disimulados por la labor de Chiara Mastroianni que hace de su María una mujer que, recién promediando los 40, parece empezar a tomar cierta conciencia del potencial daño que sus actos pueden causar. Benjamin Biolay encarna a Richard como un adulto apesadumbrado y timorato, pero igual o más tiempo de pantalla tiene Vincent Lacoste, que lo interpreta en su más intensa y salvaje juventud. En paralelo, Honoré dedica un buen tiempo a la historia de la profesora de piano (encarnada por Camille Cottin en sus cuarentas de entonces y por Carole Bouquet en sus sesentas de ahora), un drama aparte que juega también con las elecciones de vida de Irène, la tercera en cuestión en los inicios. Y, por supuesto, también el intenso Asdrubal (es latino, tiene que ser intenso) reaparecerá en medio del sueño o pesadilla que envuelve a ambos en esa «noche mágica». Sobre el final (no teman, no hay spoilers) habrá una escena con aires de musical que recordará a las mejores películas de Honoré, como LAS CANCIONES… o EN PARIS, en la que el realizador parecerá recuperar la magia de aquellos films musicalizados por Alex Beaupain. Una vieja, romántica y bellamente cursi canción de Barry Manilow dirá y hará mucho más por HABITACION 212 que los esforzados 80 minutos previos de terapia de pareja. Y dejará pensando a los espectadores –especialmente teniendo a Biolay como uno de los protagonistas– si no habría sido mejor idea haber hecho una comedia musical desde el principio.
Entre la comedia negra, el drama psicológico y el relato de suspenso, la opera prima de la realizadora británica se centra en una mujer que decide vengarse de quienes le arruinaron la vida. Con una gran actuación de Carey Mulligan y un gran elenco que incluye a Adam Brody, Alison Brie, Laverne Cox, Christopher Mintz-Plasse, Alfred Molina y Molly Shannon. Nominada a cinco premios Oscar incluyendo mejor película, dirección y actriz. El tono que pretende la directora británica Emerald Fennell en su opera prima, HERMOSA VENGANZA (PROMISING YOUNG WOMAN en el original), es inusual e inteligente, de una audacia que quizás a muchos termine incomodando o fastidiando. La realizadora –que fue showrunner de la segunda temporada de KILLING EVE— trata de hacer aquí algo que se parece mucho a la búsqueda de esa serie o de otras como I MAY DESTROY YOU: una historia que funcione entre la comedia negra, el drama psicológico y la fantasía de venganza femenina en un mundo peligroso dominado por la crueldad de los hombres. Y se puede decir que lo consigue aunque seguramente habrá espectadores que sientan que Fennell se pasó un poco de rosca. O bien, que le faltó el tacto y la experiencia suficiente para combinar humor, suspenso y un tema que es dramático y doloroso como la violencia de género. Estamos en un territorio propio de cineastas como Paul Verhoeven (rasgos de ELLEN se pueden encontrar aquí) o que al menos apunta a una mezcla entre la áspera sensibilidad del director holandés y algún/a realizador/a un tanto más «políticamente correcto» a la hora de acercarse a temas tan inquietantes como el que se trata aquí. PROMISING YOUNG WOMAN narra la historia de Cassie (Carey Mulligan), una chica de 30 años a la que conocemos completamente borracha y tirada en un sillón en un club nocturno. Mientras la observan, varios hombres comentan, de la manera más brutal y desagradable posible, qué es lo harían con ella. Hasta que uno se acerca, se ofrece a ayudarla y a acompañarla a su casa. En el viaje en taxi no le cuesta mucho convencerla (tomando en cuenta el estado en el que está) de ir a tomar un trago a su casa. Pero al llegar allí, darle de beber y comenzar a abusar sexualmente de la chica, se topará con una sorpresa. Cassie le ha tendido una trampa para dejarlo en evidencia. Una «joven promisoria» que abandonó años atrás su carrera de medicina por una situación violenta que iremos descubriendo de a poco, Cassie ahora atiende en un café, vive con sus padres y, a juzgar por el cuadernito en el que anota nombres de hombres y fechas, lo que acabamos de ver es un plan al que se dedica a conciencia y hace tiempo. ¿El objetivo? Desenmascarar potenciales abusadores, especialmente aquellos que se consideran «buenos chicos» y no se ven a sí mismo como tales, pero que ante una situación de ese tipo no dudarían en actuar de la peor manera posible. Es claro que la chica no la está pasando bien, pero por el tono que usa la realizadora en muchas de las escenas que vemos, su plan vengador resulta más gracioso –negrísimo y arriesgado, pero cómico al fin–que lo dramático que uno imagina que puede llegar a ser. En el café en el que trabaja, Cassie se encuentra con Jack (el comediante y director de EIGHT GRADE Bo Burnham), un ex compañero de estudios que se sorprende de verla trabajando allí. Tras algunas confusiones –y la esperable desconfianza de la chica–, ambos comienzan lo que parece ser una relación más o menos estable. Pero Cassie no puede (o no quiere) abandonar del todo su plan de vida, especialmente cuando empieza a entrar en contacto con muchas de las personas específicas que, años atrás, miraron para otro lado cuando un evento violento de este tipo tuvo lugar en la universidad a la que ella y varios más iban. Buena parte del gran elenco –que incluye a Adam Brody, Alison Brie, Laverne Cox, Christopher Mintz-Plasse, Alfred Molina y Molly Shannon– interpreta a algunas de las «víctimas» de las distintas revanchas de Cassie. HERMOSA VENGANZA se maneja en un territorio casi límite entre lo que algunos podrán considerar una efectiva trama de venganza feminista –a Quentin Tarantino no le molestarían para nada algunas de las escenas y situaciones que se ven acá– y los que la verán como una banalización de un tema mucho más serio y grave. Es cierto que a Fennell, quizás por su poca experiencia, a veces le falta algo de sutileza para saber cómo operar en esa delicada línea entre la comedia, el suspenso, el drama y el terror (su banda sonora está plagada de éxitos pop y su diseño de producción es colorido y estilizado aunque cosas terribles estén sucediendo), lo que hace que el espectador no siempre sepa cómo posicionarse ante lo que se le cuenta. Pero eso es parte del atractivo de esta película, que puede ser políticamente correcta e incorrecta a la vez y que enreda de una manera inteligente y audaz ideas que a veces se presentan de un modo muy lineal como la del «empoderamiento femenino». Cassie es una mujer que ha sufrido y ha visto sufrir, que parece no poder salir de una especie de desorden post-traumático que le impide seguir adelante con su vida personal y profesional. Muchos de sus actos pueden ser éticamente «complicados», pero la idea que los rige no se pone en duda: que todos los hombres –y también muchas mujeres– prefieren barrer bajo la alfombra este tipo de episodios y seguir con sus vidas como si nada hubiese sucedido. Y la chica (interpretada por Mulligan casi como una mujer vampiro que no sabe bien cómo lidiar con sus complicadas pulsiones) no solo no puede soportarlo sino que está dispuesta a batallar contra un sistema de negación que le permite a muchos verse a sí mismos como alejados de este tipo de comportamientos. Negar los hechos más sombríos de la realidad y desentenderse de la responsabilidad individual que permite que esos hechos se perpetúen es algo que, se nota bastante últimamente, está mucho más extendido de lo que imaginábamos. Y HERMOSA VENGANZA es un cachetazo directo, brusco pero efectivo, al rostro del «yo no tuve nada que ver«.
Esta adaptación de la primera parte de una trilogía de novelas de ciencia ficción jamás funciona pese a tener algunas ideas interesantes y un elenco encabezado por Tom Holland, Daisy Ridley y Mads Mikkelsen. Este combo de western y ciencia ficción es, en algún punto, tan mediocre y repetitivo, que resulta más interesante la historia ligada a su complicada producción que la película en sí. Es una de esas historias que deberían volverse legendarias a modo de cuento con moraleja acerca de «todo lo que puede salir mal» en una producción de Hollywood. La saga de tres novelas de Patrick Ness titulada CHAOS WALKING tenía el lógico atractivo de esas series de acción para adolescentes que se pusieron muy de moda en la década del 2000 a partir del éxito de CREPUSCULO, LOS JUEGOS DEL HAMBRE y otras derivadas. Publicadas entre 2008 y 2010, no solo tenían los condimentos habituales de este tipo de historias sino que ofrecían un contenido bastante audaz e inteligente. La productora Lionsgate compró los derechos de la trilogía en 2011 y eligió nada menos que a Charlie Kaufman para adaptar el primero de ellos, llamado EL CUCHILLO EN LA MANO. Quizás pensaron que el guionista de QUIERES SER JOHN MALKOVICH? podría encontrarle la vuelta a la curiosa idea central de la saga que involucra que la gente pueda escuchar los pensamientos de los otros. Pero al parecer no fue así, ya que el tipo abandonó el proyecto y para 2016 ya había pasado por media docena de manos y varios directores. Todo parecía abandonado hasta que apareció el interés de la entonces «novedad» de STAR WARS Daisy Ridley y del recién incorporado SPIDER-MAN Tom Holland y el proyecto revivió con Doug Liman como director, se filmó en 2017 y luego volvieron los problemas. Malos testeos, refilmar escenas (con Fede Alvarez a cargo) en 2019 y luego… pandemia. Al final, la película se terminó estrenando tarde, en medio del caos virtual y apenas ha recuperado una mínima parte de su presupuesto de más de 100 millones de dólares. El tema principal de la novela –y de la adaptación– es de todos modos bastante interesante y se podría definir como una película cuyo eje es la misoginia, el odio/miedo a las mujeres. Y la estructura que Ness ideó para hablar del tema es imaginar un futuro posible en el que un grupo de hombres habita un planeta distante en el que sus pensamientos pueden ser escuchados por los otros, como si los dijeran en voz alta. Por algún motivo, las mujeres no han caído víctimas de este procedimiento, lo que hace que a ellas no se les pueda escuchar lo que piensan. Pero cuando empieza el film ya no quedan mujeres allí. ¿El motivo? Tras una invasión de lo que hoy llamaríamos los «pueblos originarios» de ese planeta, todas fueron masacradas. La idea es interesante ya que sirve para analizar cómo se construye cierto «machismo» o algún tipo de idea patriarcal de cómo hacer funcionar al mundo. Los habitantes del planeta son ahora todos hombres y, a sabiendas que se escuchan entre sí, parecen haber adoptado algún tipo de religiosidad violenta que los lleva a «pensar» siempre en términos de acción, de no tener miedo y de no mostrar debilidades. El líder de ese grupo es un tal David Prentiss (Mads Mikkelsen), su hijo es el tontuelo amenazante Davy (Nick Jonas), el más fanático parece ser el religioso Aaron (David Oyelowo) y los demás se comportan en un estilo rugbiers del espacio. Hasta el propio Todd Hewitt (Holland) sabe que tiene que ocultar sus dudas y nervios ante la presencia de los otros, que los detectarán enseguida. En la película, cuando escuchamos a los personajes pensar, una suerte de humareda fluorescente sale de sus cabezas (es la mejor idea que tuvieron para «representar» visualmente el pensamiento) y la experiencia se vuelve rápidamente agotadora. A lo largo de un buen tramo del film los hombres hablan y piensan y tratan de ocultar lo que piensan. Todd, por ejemplo, no hace más que repetir su nombre constantemente para que no puedan adivinar qué pasa por su cabeza. Todo parece ir por esos carriles hasta que una nave espacial cae en una zona del planeta y la única sobreviviente del accidente es Viola, una mujer (Ridley). A Viola no se la escucha pensar aunque ella sí puede oír, entre sorprendida y espantada, a los hombres hacerlo. Los más jóvenes jamás han visto una mujer y se desesperan. Y David tiene sus propias ideas respecto a qué hacer con la chica, por lo que a Todd no le queda otra que sacarla del medio y tratar de llevarla a un lugar seguro. Todo esto en la película es cansino y trabajoso, raramente funciona y pese a tener un crossover de celebridades del cine de Disney/Marvel/Lucasfilm como protagonistas y un realizador con un interesante recorrido como Liman (que dirigió la primera BOURNE y AL FILO DEL MAÑANA, entre otras), CAOS: EL INICIO nunca funciona en términos cinematográficos. Aquí y allá uno puede verle los hilos de lo que pudo haber sido o lo que los múltiples cerebros involucrados pensaron en un principio (algún tipo de versión pop de EL CUENTO DE LA CRIADA, digamos), pero no siempre las ideas que resultan interesantes escritas en una novela logran trasladarse al lenguaje del cine. Lo que acá sí tiene su lugar más o menos lógico son las escenas de acción, pero cuando estas llegan –en su segunda mitad, de una manera narrativa tan arbitraria como confusa y con personajes claramente abandonados en el montaje final– es tan poco lo que nos importa la suerte de los protagonistas y el mundo en el que habitan que ya no hay mucho que esas peleas y persecuciones puedan lograr para convencernos de que el asunto valió la pena. Quedan dos novelas más en la trilogía, pero todo parece indicar que el asunto, por suerte, se cerró acá.
Este nuevo documental del director de «Bonanza» se centra en la figura del fotógrafo y artista argentino Marcos López. De muy reciente paso por el BAFICI se estrena en el Gaumont, en Cine.Ar TV y Cine.Ar Play. El gran artista y fotógrafo argentino Marcos López es el eje de este documental íntimo, personal, que logra retratar con cariño y bastante humor a este notable y muy particular personaje. El realizador de BONANZA y EL ETNOGRAFO no busca contar la historia de su vida ni recorrer su carrera sino retratarlo en un momento específico en el que en su camino se cruzan distintos elementos, algunos puntuales y otros permanentes. Es así que se lo ve en la relación que tiene con su madre y con sus hijos pero también en sus visitas a médicos, dentistas y oculistas, en sus pasos para una mudanza, en sesiones fotográficas, en inauguraciones, conversaciones casuales y en sus participaciones radiales, entre otros ámbitos en los que se mueve. Rosell se coloca a una justa distancia de su retratado, recogiendo experiencias privadas y públicas, siempre sabiendo cómo y dónde ubicarse, qué contar y hasta dónde llegar. Hay un cuidado de la puesta en escena y un trabajo en la relación con el personaje que se ve muy poco en muchos recientes documentales argentinos, ya que evita tanto la pomposidad de algunos como la desprolijidad de otros, tanto la superproducción (con drone) marca Netflix como la aparente improvisación de los más «independientes» que se desentienden de cualquier cuidado formal. Es un trabajo delicado, preciso, cuidado y sobre todo muy humano, ya que logra ir más allá de la superficie aún cuando su elemento principal sea esa misma superficie de la actividad cotidiana. Es un retrato que logra hilar temas muy íntimos y personales de una manera muy sutil, casi sin que el espectador se de cuenta que está entrando en esos terrenos. Y tiene en Marcos López a un personaje ideal –abierto, espontáneo y autocrítico– para este tipo de propuesta.
Osvaldo Laport se luce como un cantante popular en decadencia que se encuentra ante una nueva oportunidad en su vida en esta película cordobesa que será la apertura del BAFICI el miércoles 17 y se estrenará en el cine Gaumont (y en la plataforma Cine.Ar) el jueves 18. Película de apertura del festival de cine y estreno comercial al día siguiente, este film de origen cordobés protagonizado por Osvaldo Laport propone una mirada tierna, melancólica y socialmente comprometida sobre la vida de un veterano cantante de cuarteto que está ante una crisis personal que es, a la vez, una oportunidad para recalcular su futuro. Con un tono amable, interpretaciones sólidas y un tono de sencilla comedia dramática que consigue exactamente lo que parece proponerse, BANDIDO cuenta una buena historia acerca de las vidas de los músicos populares cuando llegan al que parece ser el ocaso de sus carreras. Laport encarna a Roberto Bénitez, más conocido como el «Bandido» que le da título al film, quizás con alguna claridad ligada a su propia relación con la fama. Gran estrella de telenovelas desde los años ’80 a mediados de los 2000, seguramente el actor tiene para sacar de su propia historia muchas de las sensaciones y vivencias de su personaje, un músico que supo ser muy famoso pero que hoy continúa con su carrera un poco de memoria, sin ponerle demasiada pasión, casi por obligación y fuerza de los contratos de turno que le consigue su manager español (Juan Manuel Lara). Si bien tiene un buen pasar económico y una amable relación con su hija adulta, Bandido parece un tanto abatido por la vida, desapegado de todo. Encima, una noche un grupo de adolescentes le roba el auto en medio de una avenida y la situación lo lleva a terminar en la casa de un cura, que lo ayuda a salir del mal paso. Estando allí se topa, de casualidad, con un viejo amigo de la juventud, músico también, que hace mucho no ve. Y a partir de ese encuentro se le posibilitará, mediante la invitación a participar de un evento a beneficio, una segunda chance de darle sentido a su presente. Juncos procede a partir de un guión clásico, con oposiciones muchas veces vistas, pero gracias al tono despojado y cercano que plantea logra darle una impensada fuerza a lo que sucede. Hay una celebración de lo humano, de las amistades y del reencuentro con el mundo «real» que el director traduce muy bien en escenas y situaciones verdaderas. El otro gran responsable de que esta fórmula funcione es el propio Laport. Si bien su personaje tiene más aspecto y presencia de cantante melódico que de ídolo de la bailanta, el actor uruguayo construye a «Bandido» sin altisonancias ni momentos de «alto dramatismo» al uso. La suya es una composición interior, precisa y creíble, que logra que el espectador entienda las emociones que va atravesando del principio al fin de esta pequeña aventura. BANDIDO no se propone revolucionar el género ni nada parecido. Los arcos dramáticos de los personajes y los giros narrativos de la historia se han visto muchas veces, pero el tono asordinado que usa Juncos –uno que hace recordar también a EL ULTIMO ELVIS— permite darle al film una fuerte credibilidad. De algún modo, lo que ayuda a Bandido a lidiar con su crisis es pensarse a sí mismo en contexto, verse no ya como una estrella alejada o alienada de sus fans sino como alguien que puede conectarse con ellos y con sus amigos desde un lugar más directo y hasta socialmente comprometido. En este marco político, que la película de apertura del festival de cine porteño sea una cuya «lucha» tiene que ver con defender a los vecinos de un barrio frente a una gran empresa, no deja de tener su sabor un tanto irónico.