El Gran Pez Dorado David Lynch alguna vez escribió: "Las ideas son como peces. Si quieres pescar pececitos, puedes permanecer en aguas poco profundas. Pero si quieres pescar un gran pez dorado, tienes que adentrarte en aguas más profundas. En las profundidades, los peces son más poderosos y puros. Son enormes y abstractos. Y muy bellos". Después de ver Un Amor Imposible no encontré metáfora mejor para describir esta particular película. La Pesca del Salmón en Yemen, como sería la traducción literal del titulo de este film de Lasse Hallströn es un pez disfrazado, un pez pequeño que parece nadar muy poco profundo pero que se zambulle en más de una ocasión en las profundidades para mostrar su verdadera naturaleza. El aburrido Dr. Alfred Jones (Ewan McGregor) conoce a la emocional Harriet Chetwode-Talbot (Emily Blunt) gracias a la idea excéntrica de un jeque árabe que quiere introducir el Salmón en un ambiente tan hostil como es Yemen. De más está decir que ambos a pesar de tener personalidades tan poco compatibles como la idea de este jeque van a enamorarse, hasta acá una película clásica, un pez pequeño, un eje de romance de formula. Lo que hace que la película se corra de lo ordinario es por ejemplo que hasta casi la primera hora el romance no se desarrolla (aunque obviamente se intuye), ¿Cómo se lleva adelante una hora de película romántica en donde no hay romance? Decenas son las respuestas posibles pero la que interesa ahora es la opción que toma Lasse Hallströn que utiliza toda la aparente simpleza y liviandad de la trama para desarrollar temas paralelos y dejar en clara su visión sobre la vida en Occidente. Cuando Alfred Jones y Harriet llegan a Yemen sus personalidades tan estereotipadas comienzan poco a poco a desestructurarse, se convierten en personajes multidimensionales, se humanizan. Entonces sus "diferencias" que en realidad tienen que ver con lo cultural, comienzan a diluirse, esto no es una casualidad. Tampoco es una casualidad que al llegar, Fred le muestre a Harriet a unos musulmanes orando y le diga que en Occidente la gente ya no reza para concluir diciendo "Ahora los domingos vamos al Shopping", por supuesto Fred es un hombre de Ciencia y él mismo afirma que no cree en la fe, por eso él hace este planteo, según Hallströn él es lo suficientemente objetivo para realizar ese planteo. El tema de los manejos políticos por parte de los medios con la representación de una Kristin Scott Thomas que le aporta humor al asunto y un atentado al proyecto que no tiene importancia porque el portavoz del Primer Ministro ya consiguió "LA" foto son otros claros ejemplos de por donde viene la cosa. Un Amor Imposible es una película entretenida y con interesantes ribetes argumentales que la sacan del casillero de la comedia romántica, una sorpresa.
Un loco, loco, loco mundo En algún momento algo raro pasó en el mundo, los cuentos infantiles se dotaron de oscuridad y las leyendas terroríficas como los vampiros y los hombres lobo se transformaron en historias de amor dotadas de sensiblería adolescente. Blancanieves y el Cazador resume en su historia ambas corrientes. En este loco mundo hay una reina que desea tener una hija tan blanca como la nieve, con labios tan rojos como la sangre y cabello negro como el ébano. El resultado de este pedido es una niñita colorada y pecosa. Obviamente esta niña es llamada Blancanieves a pesar de las distancias. Blancanieves se convertirá en toda una guerrera y la pelicula se irá yendo más para el lado de El Señor de los Anillos que para la fábula. Este toque épico le sienta muy bien a la historia, sin embargo, las coreografías en las peleas le restan bastantes puntos. En el mundo de Blancanieves hay Trolls, Hadas, Enanos (obviamente), un Cazador (uno de los personajes originales del cuento de los Grimm) y el hijo de un duque, entre estos dos últimos y ella, obviamente hay un triángulo amoroso al que cuesta seguirle el hilo y eso sobre todo tiene que ver con que a Kristen Stewart es necesario subtitularle la cara. Sé que a los fanáticos de la saga Crepúsculo no les agradará este comentario pero sólo tiene 5 gestos y los dosifica a lo largo de toda la película azarosamente como si fuese la versión moderna del experimento Kuleshov. Algo que resulta muy bien logrado es la moraleja sobre la belleza interior ya que en ningún plano de la película Kristen Stewart es más bella que Charlize Theron, que por cierto en esta película demuestra su creciente flexibilidad y solidez en la actuación robándose el film a mano armada. Lo mejor de la película es sin dudas la estética y el manejo de cámara que realiza Sanders. La atmósfera y la correcta elección de encuadres y movimientos dotan de expresión a ese mundo que la trama a veces abandona. Blancanieves y el Cazador es una película entretenida que pudiera haber sido mucho más si la clasificación hubiese sido R en vez de PG-13, no por capricho mio sino porque en más de una escena la película requiere salir de esa oscuridad acartonada que se plantea. La perlita: Presten atención en cómo de una secuencia a otra el color de los ojos de Blancanieves cambia como si fuera un hipocampo climático de esos que te venden en Mar del Plata, ¿Será este un super poder a desarrollar en una próxima entrega?
Fiesta a la australiana Los Padrinos de la Boda reúne a Dean Craig, guionista de Muerte en un Funeral y al australiano Stephan Elliott (Las Aventuras de Priscilla, Reina del Desierto) en la dirección. Lo primero a destacar es que esta comedia no tiene absolutamente nada que ver con la calidad que había logrado Muerte en un Funeral en cuanto a guión. Los Padrinos de la Boda es una película divertida pero que continúa con la seguidilla de comedias más hollywoodenses del estilo de ¿Qué Pasó Ayer? en donde la fórmula parece radicar en qué muestra la fiesta más loca, escatológica y llena de drogas del mercado. Dentro de este género Los Padrinos de la Boda funciona y divierte aunque a veces las situaciones resultan demasiado forzadas y predecibles. Los aciertos de esta película son algunos recursos visuales interesantes que acompañados de la fotografía son funcionales al estilo de lo que pretende contarse, un buen ritmo que hace que la película no decaiga y sobre todo el contraste que surge de pensar en lo terriblemente aburrida e insulsa que iba a resultar esa fiesta sin la aparición de los tres amigos de David, el protagonista. Este contraste dado por la mecanización en los preparativos de la boda, las escenografías, los personajes y la música por parte de la banda que actúa durante la ceremonia estalla con las personalidades y los enredos en los que se meten los 3 amigos de David. Sus fallas por otra parte están dadas por un guión hecho sin mucho esmero y un final que junta todos los clichés de las películas románticas y cómicas de los últimos años en sólo 5 minutos. Los Padrinos de la Boda es una película que entretiene pero hay que tener en cuenta que está lejos del humor de Muerte en un Funeral y más cerca de las comedias "desmadradas" que dio Hollywood últimamente.
La huelga Radu Mihaileanu nos presenta en este film una fábula sobre el lugar de la mujer en la sociedad musulmana. Una premisa que en un principio resulta simple, las mujeres realizarán una huelga de sexo hasta que los hombres se dignen a traer agua de la fuente, una tarea que hasta ese momento estaban obligadas a realizar ellas. Esta premisa en un contexto cultural tan fuerte se llena de aristas y derivaciones hasta alcanzar un retrato completo de esa sociedad. Política, educación, religión, sexualidad, amor, todo es tocado y trastocado a raíz de la huelga de éstas mujeres. La película presenta una fotografía y un sonido impecables. Por momentos roza el musical y el director hace uso de esto para dar mediante las letras de las canciones cantadas por las mujeres una visión de ese mundo y la postura de la mujer ante ese mundo. Las aguas se dividen sin embargo, poco a poco algunas mujeres se hacen combativas, otras, resultan más machistas y reaccionarias que los hombres y todo esto transitando por el drama y la comedia de buena calidad. El guión de La Fuente de las Mujeres no tiene fisuras, la película se desarrolla inteligentemente, se ramifica por momentos recurriendo a algún que otro micro-relato que sin embargo tiene mucho que ver con el agua, con las mujeres y con el amor porque en este universo todo parece relacionarse con éstos tres ejes que la película analiza al máximo desde las acciones y no desde las palabras, en este sentido no sólo es de destacar el trabajo de su director si no el de todos los actores, protagonistas y secundarios que realizan un excelente trabajo. La Fuente de las Mujeres es una película interesante que sobre todo relata una historia interesante, con más de realidad que de fábula, que pudo haber caído en un ritmo lento y analítico transformándose en sociología fílmica pero que por el manejo del humor y el drama de la mano de un muy buen director se convierte en un film muy recomendable a pesar de tener algunos minutos de más.
Nuevos Aires A decir verdad el trailer de El Último Elvis me había comprado desde el primer momento en que lo vi y para continuar sentía una inquietud bastante importante por ver que tipo de cine nos iba a plantear el Armando Bo Jr., siendo hijo de Victor y nieto de Armando, con todo este bagaje llegue al cine a ver su ópera prima y debo decir que me alegra enormemente el resultado final de su obra. ¿Porque siento alegría? Preguntará el lector, porque hay un nuevo cineasta argentino que promete y mucho. El Último Elvis retrata la vida de Carlos (o Elvis como se hace llamar) un imitador del rey del rock´n roll que se encuentra en un punto culmine de su vida. Carlos (John Mc Inerny, catalogado como el mejor imitador latinoamericano de Elvis) camina todo el tiempo en el terreno de la decadencia y está siempre al filo del abismo del patetismo y ahí es donde radica la grandeza con que Bo lleva el relato porque desde el argumento y desde la puesta de cámaras el director no juzga en ningún momento al personaje y eso se transmite directamente al público, en El Último Elvis no hay nada en lo puramente narrativo que nos haga juzgarlo y si el espectador termina haciéndolo es por proyectar sobre esa realidad y ese personaje algún sentimiento profundo, latente. Armando Bo crea una cámara fisgona y al mismo tiempo una "cámara moral", una cámara que se debate todo el tiempo entre mostrar y no mostrar, entre juzgar y no juzgar las acciones personales de Carlos, una cámara que se esconde, que se acerca silenciosa, que deja de lado los encuadres académicos en pos de la construcción del retrato de este hombre que sufre la mayor pena que una persona puede sufrir, Carlos está encerrado en una vida que no es su vida, y ahí hay una esposa, Priscilla (Griselda Siciliani) y una hija llamada Lisa Marie (Margarita López). A pesar de alimentar su mundo interior y sus deseos con sus nombres ellas dos no pertenecen a su mundo, él las desconoce, se desconoce y lucha entre este don de tener "SU voz" como el afirma y no poder tener "SU vida", esta lucha se aclara más cuando Elvis sube al escenario, ahí en ese que es su reino la "cámara moral" desaparece y se transforma en plano secuencia que gira alrededor del ídolo como atraído por su propia órbita, en ese momento, nada más existe, sólo él y su enorme pasión, pasión que John Mc Inerny transmite como nadie. El final como resolución del conflicto es otro elemento a destacar, algún que otro critico no lo entendió por lo que pude ver, tal vez se fueron antes, tal vez olvidaron que el primer fotograma de una película y el último son esenciales para entender cualquier film, de todas maneras esto Armando Bo lo tiene claro y eso es lo importante, que el realizador lo tenga claro, por eso el último fotograma de El Último Elvis es fundamental para entender los últimos 10 minutos, para comprender que pasó o no pasó en Graceland (que dicho sea de paso se recreó de manera sublime desde el arte). El Último Elvis además de ser una gran película es una promesa, un lugar donde poner fichas en el futuro, esperemos que todo esto que generó no haga agua y que Armando Bo siga por este camino, su camino.
Cambio de hábito La saga REC compuesta de la primer y segunda parte fue una propuesta diferente respecto a lo que el terror venia dando, esas dos peliculas junto a las que proporciona el nuevo cine francés de terror fueron el pilar de este género en esta nueva era. Esta tercera parte, esta vez sin la presencia de Jaume Balagueró en la codirección, comienza firme en el estilo que consagró a sus antecesoras pero rapidamente deja el estilo de falso documental para tomar un estilo más "académico". Este abandono del estilo no pasa desapercibido, el director Paco Plaza decidió darle a este acto una potencia simbólica deteniéndose en esa cámara de video rota cuya luz de "Rec" muere lentamente. De ésta forma muere la saga y comienza una película que nada tiene que ver con las anteriores. [REC] 3 Génesis deja el terror y el suspenso para sumergirse en el humor negro y los guiños hacia otras películas del género como la enorme saga Evil Dead de Sam Rainmi son moneda corriente. El problema de este volantazo es que uno tiene una idea del mundo que se nos va a mostrar al ver REC, entonces los primeros chistes, al no estar bien llevados tampoco, se convierten en desaciertos. Poco a poco uno se va metiendo en la propuesta, se deja llevar por el gore exagerado, por los guiños, por el humor y los disfruta pero siempre con un cierto resquemor. Es muy interesante que se le halla dado un vuelco al estilo y que se halla ahondado en el humor pero hay que tener mucha muñeca para hacer un cambio así en la tercer parte de una saga que no sigue ese color y Paco Plaza en algunos momentos no logra esa muñeca por la simple razón de no comprometerse del todo con ese tono tampoco, entonces lo que queda es algo tibio y que lamentablemente no llega a comprenderse del todo.
Una vuelta al cine épico El director Jean-Jacques Annaud (Enemigo al Acecho, El Nombre de la Rosa) vuelve al cine de la mano de un film épico que remite desde su fotografía, puesta de cámara e incluso desde la estructura narrativa a las producciones de este estilo en el cine hollywoodense de los años 50 y 60. La película transita por diversidad de temáticas, algunas más logradas que otras, que surgen principalmente del camino que transitará Auda (Tahar Rahim) para convertirse en el referente de la unificación de los pueblos, en ese sentido funciona como una precuela del film Lawrence de Arabia de 1962 en donde Auda era representado por el gran Anthony Quinn. En El Príncipe del Desierto se transita por situaciones que resultan demasiado predecibles pero éstas situaciones están contadas y mostradas de manera coherente lo que salva a la película del bochorno total. Las escenas de acción están muy bien dirigidas, el montaje resulta eficaz y junto con la fotografía y la dirección de arte crean un producto coherente y sin fisuras. La actuación de Mark Strong resalta por sobre las demás que por momentos entran en baches interpretativos bastante curiosos, por otro lado los toques de humor de la pelicula sobre todo de la mano de Antonio Banderas no resultan funcionales al film y terminan despegando al espectador del mundo en el que se intenta sumergirlo. El Príncipe del Desierto es una buena película épica a la que quizás le faltó guión y compromiso con ciertos temas que se dejan pasar por alto y que resultan aún más interesantes que la trama principal, sobre todo la "invasión cultural" de Occidente sobre Oriente y como eso polariza las ideas de Amar (Mark Strong) y Nesib (Antonio Banderas) es planteada de una manera demasiado simpática y casi argumentando que es algo natural y que estar en contra de eso resulta ir en contra de la evolución del ser humano, ser arcaico, éste y otros planteos dejan algunas dudas en el mensaje, algún sabor extraño que invita a la reflexión.
Hace algunos años asistí por primera vez al BARS (Buenos Aires Rojo Sangre) el festival de cine de terror y fantástico. Ese día me entregaron en la puerta un flyer como los que normalmente se entregan para ir a ver bandas, el flyer anunciaba "La primer película de zombies hecha en Argentina", el nombre Plaga Zombie quedó dándome vueltas en la cabeza hasta que tiempo después vi la película. El viernes 30 se estrenó Plaga Zombie: Zona Mutante. Revolución Tóxica y puedo decir que ésta tercer entrega de la saga resume todo el espíritu del cine de FARSA y la evolución de ese espíritu a lo largo de 15 años de profesión. Revolución Tóxica muestra al médico Bill Johnson (Pablo Parés), el luchador John West (Berta Muñíz) y el científico Max Giggs (Hernán Sáez) tratando de detener la invasión alienígena ésta vez con un plan concreto, ellos ya no son los mismos, ya no van de acá para allá tratando de sobrevivir, matando zombies y escapándose del FBI que desea eliminarlos, ellos encontraron su verdadera identidad, son héroes y desean demostrarlo. Ésta búsqueda de la identidad, tan presente en Revolución Mutante refleja la misma búsqueda de FARSA desde el estreno de la primer Plaga Zombie hasta hoy en donde se encuentran consolidados como una de las productoras más creativas a nivel audiovisual. Plaga Zombie: Revolución Tóxica mejora por lejos a sus predecesoras, la técnica de Pablo Parés y Hernán Sáez evolucionó muchísimo y eso se nota en cada puesta de cámara, la narración continúa siendo tan fluida como en la primera y eso es bastante complejo de lograr teniendo en cuenta que ésta presenta más historia e incluso aparecen conflictos internos en los personajes, la manera en que están hiladas las situaciones es genial. Plaga Zombie: Revolución Tóxica nos brinda mucho más humor, peleas muy bien coreografiadas y mucha más sangre, además de un musical y algunas escenas que quedarán impregnadas en la retina de todo cinéfilo amante de la temática zombie. En estos años FARSA cambió la perspectiva del cine en Argentina, ahora hay muchísimos realizadores que se animan a hacer películas de forma independiente y sobre todo películas de género, algo que en nuestro país no abunda y que de la mano de unos chicos de 15 años empezó a cambiar. Hoy 15 años después hay festivales y realizadores que se encargan de cubrir esa demanda, aunque las cadenas comerciales no estén dispuestas a "arriesgarse" éste cine sigue creciendo y tomando nuevos rumbos.
Cronenberg nos presenta a su mentor Muchos se mostraron sorprendidos al enterarse que David Cronenberg iba a contar en su proxima película la historia entre la relación de Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Carl Jung (Michael Fassbender) pero recorriendo la filmografía de Cronenberg me pregunto ¿Que otro director mas que él retrato en la última época tan exquisitamente la psicología humana?. Desde su filmografía más clase B (que por cierto se extraña y mucho) hasta su reinvención como cineasta más clásico que coincide con su encuentro artístico con Viggo Mortensen, Cronenberg se muestra obsesionado con la dualidad que habita en el ser humano, esa dicotomía Hombre-Monstruo, Hombre-Máquina que termina en una personalidad que se diluye, la búsqueda de la identidad, la pulsión latente que generadora de violencia y/o sexo y el placer causado por éstas por nombrar sólo algunas temáticas muestran un gran interés del director por la psicología como tema recurrente en sus obras. Un Método Peligroso es en Cronenberg lo que Kill Bill es en Tarantino, una mención de honor hacia los mentores de su cine pero en un tono que apunta más a lo biográfico que a lo estilístico y el momento específico que el director elige contarnos no resulta casual tampoco, lo que retrata Un Método Peligroso es la ruptura y divorcio de las ideas de Freud y Jung, es precisamente el momento a partir del cual Cronenberg decide hacer cine guiándose más por el segundo que por el primero y es por eso que el protagonista va a ser Carl Jung y la búsqueda de su propia identidad intelectual. La fuerza del relato recae en que las dos líneas de pensamiento son las que aún siguen dividiendo no sólo la psicología sino la postura de cualquier persona frente a sus problemas y es por esto que el resultado final del film lejos de caer en las garras del intelectualismo fílmico se convierte de la mano de Cronenberg en una película entretenida e interesante a los ojos de cualquier tipo de público. Lo más destacable es su dirección, la manera en que la fotografía, la ambientación y el sonido refuerzan constantemente la temática, son muy llamativos los momentos en donde no existe banda sonora ni sonidos ambiente y el cambio en la paleta cromática que sigue la evolución de Jung hacia el encuentro de su propia teoría. Por otra parte las actuaciones son impecables destacando sobre todo la de Keira Knightley encarnando a Sabina Spielrein. Lo criticable es quizás la forma de abordar ciertos momentos históricos y conceptos puramente psicoanalíticos sin ahondar demasiado en ellos razón por la cual el espectador no interiorizado en la historia de estas personalidades se va a perder algunos guiños interesantes. Un Método Peligroso no fue anunciada como la bomba marketinera del año, sin embargo es una gran película de un director que se afianza cada vez más como uno de los más destacables de nuestro tiempo.
Conciencia medioambiental al estilo Dr. Seuss El Lórax: En Busca de la Trúfula Perdida cuenta la historia de Ted, un niño que vive junto a su familia en una comunidad artificial y bajo un gobierno despótico, Ted emprende un viaje a buscar algo que los habitantes han olvidado y parecen no necesitar, un árbol real, ésta iniciativa sin embargo, no responde en principio a un carácter idealista sino a algo mucho más mundano, real, algo totalmente Dolinesco, conquistar a una chica, es que nuestro filosofo porteño, Alejandro Dolina, ya lo habia adelantado "Todo lo que un hombre puede hacer, sean proezas y hazañas o, simplemente, hechos destacables, lo hace por levantarse a una mina". El Lorax es una película que apunta a la consciencia ecológica y pura y exclusivamente a eso, el humor en la película nunca llega a conectar, la acción está ausente y las canciones tampoco logran llegar a buen puerto, sin embargo el desarrollo de la historia es acertado y la narración, mostrando la historia de Ted y la de "El una vez...", beneficia bastante la evolución de la película. De ésta manera con un manejo soberbio de la animación (que remite bastante a Horton y el Mundo de los Quien), una paleta de colores maravillosa y un desarrollo profundo de la temática ecologista dado por la construcción de lo cotidiano en ese mundo distópico El Lorax logrará en el adulto la reflexión y en el niño la diversión que busca. El Lorax está apuntada sobre todo a los niños más pequeños y no tanto a los pre-adolescentes como otras cintas de animación a las que estamos acostumbrados y que juegan con el famoso chiste "doble sentido", en El Lorax el doble sentido corre por el lado de la metafora entre los aspectos de ese mundo y el nuestro, un claro ejemplo es la venta de aire embotellado y en bidones, inmediatamente unido a nuestro consumo de agua bajo las mismas circunstancias a pesar de ambos ser elementos naturales.