Poca Acción en una película de “acción”, con un buen trailer... Vi “El Ocaso de un Asesino” sabiendo que la peli llegó a ser número uno de taquilla en los Estados Unidos, y me parece que allá vieron otra peli, o que un muy buen tráiler y un creativo afiche los engañó. Por supuesto que como cinéfilo, a toda peli le veo el lado positivo, el lado creativo y que me deje algo, a ver como explico… “El Ocaso….”. La idea es buena, la trama y ciertas situaciones son buenas, el planteo de inicio de la peli es muy bueno pero va cayendo de a poco, no se sostiene y uno como espectador quiere que se sostenga, quiere que la trama se vaya enredando, pero comienza a ser muy predecible. Por un lado el ritmo es lentísimo, y por lo tanto le quita acción a las escenas de acción. Los diálogos son muy escasos. Quizás el director quiere contar la historia con personajes de pocas palabras, pero no se consigue y el espectador se queda con las ganas de que se actué ,de que se conozca más, y al reducir tanto las conversaciones la cosa sale muy poco natural. El paisaje del bello pueblo italiano es impecable, muy buena fotografía y con planos impecables. George Clooney, actor y productor del film está correcto, tranquilo, con pocas marcaciones, creando un personaje solitario, atormentado, desconfiado, y reservado, se encuentra muy bien reflejado. Sus compañeros de elenco están algo estereotipados, bellísimas Irina Björklund y Violante Placido (tapa de Play Boy italiana… recién googleada). Si el espectador está pensando en ver una película de acción, según el trailer está equivocado, a la peli le faltan unos minutos de disparos y explosiones que te hagan estremecer.
Totalmente pochoclera, pero con un 3D que hará que más de uno salte de la butaca. Soy un admirador de la saga de Resident, me enganche desde la primer peli allá por el 2002, la cual me pareció una buena adaptación de lo que es el video juego. Paul W.S. Anderson el director de esta cuarta parte fue el director de la primera lo que me hacia suponer volver a ver algo que me asombre. El principio de la peli nos revela el inicio de la “plaga” en Japón con un bello y falso plano ralentizado para poder disfrutar de la tecnología en plena lluvia. Las gotas golpean paraguas y ayudan a recorrer los títulos de crédito mientras una japonesa gótica permanece parada en medio de un cruce de esquinas. Tras ese plano regresamos a la triste realidad apocalíptica del planeta tierra. En Resident abunda el mismo condimento, personajes en situación de encierro, corte de cabezas, y zombies por doquier. Para los que quieren disfrutar de la belleza de Milla, su marido y director de la peli Paul Anderson, no la dejo asomar ni un hombro, en el momento donde ella va a darse una ducha, apenas cuelga sus armas comienzan a aparecer zombies… dejando a Milla nuevamente a los tiros. La peli realmente esta filmada en 3D, y eso se nota, el espectador recibe, sesos, balas, mampostería, sangre, y agua por montones, y les aseguro a los aficionados a la acción que tendrán un buen rato de satisfacción. El trabajo de rodar en 3D ha sido verdaderamente bueno, y no ofrece una imagen borrosa ni impide disfrutar de la acción También se nota algo de abuso en las cámaras lentas y no se sabe bien si es un homenaje a Matrix, ya que en muchas partes existe una enorme similitud. Resident Evil Afterlife comparada con las tres entregas anteriores, es la peor de las cuatro a nivel argumental, pero merece la pena verla en cine, solo por el magnífico 3D que nos presenta. El final tan abierto deja claras las intenciones de la productora de perpetrar una quinta película. El argumento de “Resident Evil: Ultratumba”, se limita a continuar los acontecimientos de “Extinción” y dejándonos abiertos todo tipo de cabos sueltos para una quinta entrega. Mas allá de la belleza de Milla Jovovich y Ali Larter, la calidad interpretativa de los actores es malísima, tenemos al ya conocido Prision Brake, Wentworth Miller que parece que le sienta bien el personaje de estar en prisión pues en esta peli también arranca encerrado intentando escapar, y siempre con cara de póker. “Resident Evil: Ultratumba” es un producto totalmente pochoclero pero con un 3D que hará que más de uno salte de la butaca. Especial para quien guste de este tipo de acción.
“Se Siente de Principio al Fin del Mundo” Aparentemente, y sólo leyendo la sinopsis, es una más, pero no lo es. Es ésta una película sustentada sobre todo en tres boyas: la natural actuación de los actores, la magnífica dirección de Paulita Siero y una atmósfera genialmente conseguida. Es sobrecogedora la profundidad de un relato tan sugerente, desde el primer plano al ultimo me sentí atrapado por la historia, por el relato, por los sutiles movimientos de cámara, y por la transparencia de los personajes. Pero nada huele a postizo, todo sigue el curso marcado sin atisbo alguno de artificio, sin hacernos dudar de los sentimientos plasmados por lo personajes, nada me hizo ruido mientras veía proyectar la peli. La sabiduría del director presenta personajes cuya carnalidad fluye desnuda a través de las escenas, son personajes humanizados y tangibles. Voy a desenmascarar mi pensamiento, respecto a Facundo Arana. El tipo tiene pinta, es entrador y como todos dicen una muy buena persona, ahora actuando yo tenía mis dudas o mis prejuicios, era un galancete de telenovelas, el cual en el film descubrimos a otro Arana, nos olvidamos del arquetipo que fue y pasamos a conocer un gran actor. La desapercibida fotografía en las escenas y los contrastes lumínicos que se utilizan en determinados momentos, colaboran a intensificar la sensación de angustia que por momentos transmite el filme. El toque de autenticidad apoyado en el naturalismo de los actores –constituyen la verdadera riqueza-
Nuevos modelos de Familia llevados a la Pantalla La película fue aplaudida en el Festival de Berlín, y muchos críticos dicen que se merece el premio de la Academia… Creo que yo vi otra película. No es más que una comedia familiar costumbrista con el nuevo ingrediente de la conformación del núcleo familiar de dos madres que tienen dos hijos adolescentes. La idea de familia tipo compuesta por un hombre, una mujer y dos hijos ya ha dejado hace tiempo de ser el modelo tradicional gracias a que, poco a poco, van siendo aceptados otros estilos. La directora y co-guionista Lisa Cholodenko se interesó por contar una historia divertida y emotiva, pero sin esta nueva conformación de familia, la película pasaría inmediatamente a ser un telefilm, y la veríamos un domingo por un canal de aire. Al promediar la mitad del film el mal giro para crear un conflicto dentro de la misma es demasiado obvio, demasiado trillado, y a partir de ahí el descenso es en picada salvo pequeñas situaciones que por momento intentan levantar la historia. Hay algo que no pude llegar a captar dentro de la relación de las protagonistas, parece que continuamente necesitan el apoyo de un hombre. El primer encuentro sexual que muestra la peli entre Bening y Moore se nota aburrido, monótono y tapadísimo, en cambio cuando Moore tiene sexo con Ruffalo parece que el mundo estalla, desnudes incluida, cambio de posiciones y desenfreno. La perla de la película se encuentra en el reparto, sin el caería en un profundo abismo, con actuaciones espectaculares de Annette Bening y Julianne Moore, y los jóvenes Mia Wasikowska -con momentos excelentes dentro de la película- y el hijo menor Josh Hutcherson,dan credibilidad a los diálogos, que por momentos intentan forzar la comicidad en las escenas. En cambio la actuación de Mark Ruffalo carecía de matices, monótona en el diálogo y en las expresiones. Un detalle que gustó durante la proyección en la sala, y que comentaba el público como si fuese un triunfo deportivo, es que durante un largo pasaje de la cinta los personajes hablan maravillas de Argentina y coinciden en que “Buenos Aires es la ciudad más bella del mundo”. Un punto a favor de la película es el mensaje clarísimo de que las parejas gays viven las mismas experiencias, peleas, conflictos, lucha de poderes y aprendizajes cotidianos a la hora de criar chicos que las familias heterosexuales. El mensaje esta muy bien elaborado y es lo mejor de la película.
“Sin Retorno” narra la historia de un hombre injustamente condenado por un crimen que no cometió. Basada en un guión del propio Cohan, que triunfó en la convocatoria para operas primas del Instituto del Cine Argentino (INCAA), se filmó primero en Buenos Aires y luego en los estudios españoles Ciudad de la Luz, en Alicante. Un joven muere atropellado en un accidente de tránsito. Matías Fustiniano (Martín Slipak), al volver de una fiesta en el coche de su madre, atropella a un joven ciclista. En estado de shock huye del lugar. Horas después, les miente a sus padres, inventa el robo del coche y hace la denuncia policial. Víctor Marchetti (Federico Luppi), el padre del joven atropellado, se niega a ser testigo pasivo de la muerte de su único hijo. De esta manera comienza así una cruzada por los tribunales y por los medios de comunicación en busca de justicia, creyendo que lo único que le dará sentido a su vida es hallar al asesino de su hijo y mandarlo a la cárcel. Una serie de acontecimientos fortuitos y una “justicia contaminada” por la opinión pública ponen al hombre equivocado en el banquillo de los acusados. Con excelentes actuaciones de Sbaraglia y Luppi, coronadas con conmovedoras y muy realistas escenas de Martín Slipak y Luis Machin, y un Arturo Goetz que intimida…, al terminar de ver “Sin Retorno” se siente una opresión dentro del pecho y una sensación en la que cabria decirnos: “que fácil se encadenan los acontecimientos que pueden cambiar la vida en un abrir y cerrar de ojos.” Respecto a su director Miguel Cohan, las pelis que hizo como asistente de Marcelo Piñeyro le han servido para poder manejar a este importante elenco. Me imagino su primer día en el set, dirigiendo a las figuras de Luppi o Sbaraglia, y la felicidad que debe de sentir, al ver su obra terminada. Un buen coctel de triller policial: la opera prima del director, un magnifico elenco y un estupendo guión.
Volvieron los chicos Lacrimógeno – Melodrama Si al terminarla película, la gran mayoría de los espectadores están con pañuelos de papel en la mano, y en muchos momentos es difícil tragar saliva, es señal de que algo conmovió mas allá del gusto de cada uno por el drama, algo se movilizo. Pues bien eso es lo que el director Scott Hicks (Claroscuro- Nostalgia del Pasado) especialista en manejar el drama, con un estilo bastante realista, logra en “De Vuelta a la Vida”. Joe Warr (Clive Owen), es un periodista de deportes ingles radicado en Australia, el cual al fallecer su esposa (Laura Fraser) de un terrible cáncer, queda a cargo de el hijo que tienen en común Artie (Nicholas McAnulty). El hombre se da cuenta que muy pocas cosas lo unen a su hijo ya que permanentemente se encontraba viajando en la cobertura de espectáculos deportivos. Sumado a la dura crianza de Artie aparece en escena su otro hijo Harry (George MacKay) fruto de su anterior matrimonio, el cual vivía con su madre en Inglaterra. Toda esta mezcla de llanto, por la muerte, y risas por las pocas reglas que el padre pone en la vida de sus hijos, forman un coctel que por momentos semeja a una película televisiva, pero con la diferencia fundamental en las actuaciones, las cuales tienen mucha espontaneidad, y realismo. Se resalta el trabajo que el director realizo durante el rodaje, en la relación de Owen con el niño McAnulty, la química lograda se nota en la peli. La fotografía es discreta, y los paisajes que rodean el rancho donde viven la familia completa la historia. Lleve a su novia, mujer o amante a ver esta peli, la comentaran los primeros 15 minutos al salir del cine,... una historia mas de vida.
Delirio guionado e inteligente, ágil y entretenido Diego Capusotto es el único actor cómico que ha transformado el gag en un delirio inteligente y amable. En este film que dirige Néstor Montalbano se hace un collage armonioso de incoherencias bien guionadas sobre la época de los hippies. Aquí la locación elegida es un pueblo en las Sierras de Córdoba donde vive una comunidad hippy con el rock, con presencias de OVNI en el Cerro Uritorco y con una suerte de “peronismo extraterrestre”, todo esto generado en un guión sustentable y orgánico escrito por Diego Capusotto. Al film, frenético, dinámico, se le añadieron cameos de personalidades del mundo del espectáculo como Víctor Hugo Morales y otras del mundo de la política como Antonio Cafiero; también aparecen Miguel Cantilo, el Ruso Verea, Claudia Puyo, en medio de las excelentes actuaciones de Luis Luque, Verónica Llinás, Juan Carlos Mesa, y el resto del elenco. En el caso de Diego Capusotto hay que resaltar su actuación, además de su creatividad, y el movimiento de su cuerpo, que en este film es necesario, a la perfección, o bien ese andar casi en puntas de pie por el suelo serrano con un gesto reflexivo y debilucho que lo hacen querible y más que risueño. Entre otras bondades, Capusotto es un actor muy vinculado al rock y también compositor de temas por lo que el principal del film le pertenece: está titulado Pájaros Volando, con música de David Lebón, además del aporte de una banda integrada por músicos como Starc, Fogliatta, García y Urquiza. Entre los extraterrestres que han venido a la tierra a llevarse a unos pocos elegidos- en una secuencia memorable donde un “suspendido plato volador” muestra el rostro de Perón mientras se escucha la Marcha Peronista- hay que destacar una narración audiovisual muy lograda, compacta, con muy buenas actuaciones y un excelente clima de delirio “guionado”. El rock y el hippismo de la mano de Diego Capusotto tienen su logro en esta película que va a gustar no solo a los seguidores del actor sino también a todos los que buscan una película nacional familiera pero no tonta, disfrutable y para reír. Nos encantó y redescubrimos a un notable Capusotto.
Un simpático Gato para disfrutar en familia. Gaturro, el famoso personaje creado por el humorista gráfico argentino Nik en 1993, llega a la pantalla grande en un largometraje animado, en formato 3D, realizado por la productora de animación argentina Ilusión Studios, responsables de Boogie el aceitoso (2009), en colaboración con la productora mexicana Anima Estudios y Toonz Animation India. Cuenta la historia de Gaturro, que sueña con conquistar a la bella Agatha, una gata caprichosa que rechaza su amor una y otra vez. Con la ayuda del destino, sus amigos del barrio y la pequeña hija de la familia, Gaturro triunfa en un casting que lo lleva a convertirse en estrella de televisión. Un Súper Héroe con todos los acosos fotográficos y de fans que viven las súper estrellas de la teve, con romances inventados por una revista del espectáculo, símil Paparazzi pero para gatos. Los enredos de la fama lo alejan de sus afectos y sobre todo del cariño de Agatha. Pero con la ayuda de sus fieles compañeros y de su representante, el talentoso ratón Rat Pit, bastante parecido a Brad, logrará descubrir el camino de vuelta a casa tratando de encontrar un final feliz para su historia de amor. Mas allá de una pequeña historia, simpática… pero pequeña, “Gaturro “me sorprendió , realmente una peli para disfrutar junto a los más chicos. Una obra de arte de la animación. Este pseudo critico sabe lo que cuesta en horas hombre, en capacidad, creatividad y de diseño, lograr la iluminación que poseen los personajes, los background bien de barrio de Buenos Aires, la muy buena interpretación de los actores que hicieron la voces, con un 3”D” que suma muchísimo, y un sonido impecable. La obra se encuentra a la altura de las grandes producciones de animación del exterior, con un toque argento que no se pueden perder.
A cualquiera le puede pasar... Un Hombre común, por Manipulación de una Causa Judicial, 30 años de prisión. Enrique Piñeyro nos movilizó con denuncias, declaraciones, e investigaciones, en sus anteriores films “Whisky Romeo Zulu” y “Fuerza Aérea Sociedad Anónima”, ahora mucho mas modernizado e innovando nuevas técnicas en “El Rati Horror Show”. El 25 de enero de 2005 Fernando Ariel Carrera, un joven comerciante de 30 años, sin antecedentes penales, casado y con tres hijos, se encontraba en su auto a pocos metros del Puente Alsina, esperando que el semáforo le diera luz verde para cruzar desde Pompeya a Lanús Al mismo tiempo, efectivos de la Comisaría 34 buscaban a tres ladrones en un auto blanco –ese era el único dato que tenían que en la zona habían realizado dos robos. Al ver el Peugeot 205 blanco de Carrera, los policías, dispuestos a detenerlo, se dirigieron hacia él a bordo de un auto sin sirena ni insignia alguna que los identificara como de la Policía Federal. Carrera pensó que se trataba de una banda de ladrones y así comenzó una frenética persecución que termino con tres personas atropelladas, un violento choque y Carrera con ocho disparos en su cuerpo. Con pruebas policiales, documentos fotográficos y televisivos, cámaras ocultas, y recreación ficcional de los hechos, efectos especiales que nos muestran con alegres marionetas a los personajes involucrados en la causa, y un excelente despliegue tecnológico de animación, el film va descubriendo la corrupción policial, y complicidad de los jueces en este caso real de un hombre que fue condenado a 30 años de prisión por un crimen que, según la investigación del autor, no cometió. Por momentos la gran presencia y “actuación” de Enrique Piñeyro nos distrae de la película, y parece sobrar dentro de la misma. Se produce una metralleta de información, que con la lentitud del narrador, hace que sea difícil seguir el hilo de la causa. Por otro lado, el merito de “meter el pecho” a la denuncia y ver durante toda la película que Piñeyro no tiene pelos en la lengua, e investiga con nombre y apellido los hechos, desenmascarando a peces gordos de la laguna de la justicia, se merece el mayor de mis respetos. El tipo se animo a hablar y denunciar a un fuerte poder, y eso no es poca cosa en la Argentina.
El escritor fantasma Primera escena se abre la compuerta de un Ferry de donde a comienzan a salir automóviles, en una noche fría y lluviosa, este clima nos acompaña durante todo el húmedo film. Un flamante BMW queda inmóvil entre los bocinazos de los demas pasajeros. Corte a playa desierta y un cuerpo en la orilla arrastrado por las olas… La vuelta de Román Polanski al cine de suspenso, demuestra que el gran director europeo sabe manejar este género a la perfección, generando atmósferas creíbles, la humedad y el frío del ambiente nos produce una grata sensación de incomodidad. Cuando un escritor oculto profesional interpretado por Ewan McGregor acepta de manera reticente reescribir las memorias del antiguo primer ministro inglés, Adam Lang, (Pierce Brosnan), su agente asegura al escritor que se trata de la oportunidad de su vida ofreciéndole ¼ de millón de dólares por un mes de trabajo. Escena siguiente Ewan McGregor se encuentra en un vuelo cruzando el océano. Debe trasladarse a la mansión del Primer Ministro, situada en una isla en la zona costera de USA. Al día siguiente de su llegada, un ex-secretario del gabinete británico acusa a Lang de haber entregado a la CIA a tres supuestos terroristas para que los torturen, acto que lo convierte en un criminal de guerra. El escritor oculto descubrirá que el pasado del primer ministro puede ser mortal. Con problemas legales sobre su cabeza similares a las del personaje del Primer Ministro de su Film, no pudiendo regresar a Europa y refugiándose en los Estados Unidos, Polanski termino este Thriller con mezcla de suspenso psicológico con la calidad que lo caracteriza para sus pelis. La banda sonora da un ambiente de constante peligro, en algunos momentos anticipándose a las escenas El elenco es variado y funciona perfecto, con Ewan McGregor como el escritor, Pierce Brosnan como el ex-primer ministro, Kim Cattrall como la asistente, Timothy Hutton en un pequeño pero creíble papel como el abogado, James Belushi como el agente, Olivia Williams como la esposa del ex-primer ministro y Tom Wilkinson como Paul Emmett. Suspenso del bueno con el director del “Bebe de Rosmarie”, y “Chinatown”