Sólo otra película de los Expendables podrá superar esta tremenda producción que ya hizo historia en el género de acción. Ese es el gran problema que tiene este estreno. Se trata de una película tan grosa y divertida que opacó por completo a los filmes que estaban programados por estrenarse. Se viene una nueva entrega de Bourne y la segunda parte de Búsqueda implacable pero ya no la vamos a ver con la misma expectativa porque la realidad es que no tienen ningún tipo de chances de superar esta joya que se estrena esta semana. El comentario probablemente va a ser “estuvo buena, pero no es Expendables 2”. No queda otra que acostumbrarse a esto porque las cosas se van a dar en el cine de esta manera hasta que llegue Expendables 3. La nueva película no es un estreno más de la cartelera, sino una fiesta histórica que celebra el género de acción con una de las propuestas más divertidas y desopilantes que brindó Hollywood en los últimos años. Expendables 2 superó por completo a la primera película y en un punto es lo que debió haber sido el film del 2010. Acá le encontraron la vuelta gracias a un guión brillante que trabaja el humor como los dioses y está plagado de referencias a los clásicos del cine que protagonizaron todos estos monstruos. Cuando escribo “guión brillante” no me refiero al argumento y el conflicto que es extremadamente sencillo, sino a la manera en que está trabajada la comedia y el ritmo con el que fluyen los diálogos humorísticos entre los personajes. Por ejemplo la escena en que llegan a una aldea defendida por mujeres y Stallone les tiene que llamar la atención una y otra vez a sus compañeros por que lo dejan hablar y presentarse es maravillosa. Es una escena de diálogos en la que funcionan todos los chistes y así ocurre en general con el resto de la película. No hay que dejar de mencionar el gran trabajo de Simon West (Con Air) en la dirección, quien brindó secuencias de acción cien por ciento ochentosas que vuelven loco al espectador. El director West lograr darle a cada actor el espacio necesario para que se destaque, inclusive a Jet Li, que esta vez no forma para del conflicto central pero tiene un par de escenas de peleas alucinantes. Expendables 2 sobresale principalmente por un par cuestiones claves. En primer lugar por los regresos memorables a la pantalla grande de dos íconos del género. Jean-Claude Van Damme después de mucho tiempo volvió a sus raíces al interpretar un villano, como lo hizo en sus primeros trabajos: El inolvidable y bizarro film de Corey Yuen, Retroceder nunca, rendirse jamás y Águila Negra junto al maestro Sho Kosugi, el gran ninja del cine. Chuck Norris, por otra parte, es protagonista del mejor momento cinematográfico del 2012. Olvidate de Batman y los Vengadores, su presentación en Expendables 2 es de antología y después de casi 20 años de ausencia en las salas de cine lo incorporaron en la trama de la manera perfecta, donde inclusive se ríe él mismo de los Norris Facts. Chuck Norris es a Expendables 2 lo que Hulk fue a Los Vengadores. Tiene un rol secundario pero cuando aparece la rompe y te saca siempre una sonrisa. Me encantó también el homenaje que le hicieron en este film a Sergio Leone, que no pasa por usar la música de Ennio Morricone de El Bueno, el Malo y el Feo, sino por la manera en que incorporaron en la historia esa melodía. El director Simon West trabaja la música como elemento de humor de la misma manera que lo hacía Leone en sus historias, como en Por unos dólares más que tenía escenas desopilantes y jugaba mucho con la música de Morricone. El otro punto importante que no puedo dejar pasar es el hecho que acá cumplimos el sueño de ver a Stallone, Schwarzenegger y Bruce Willis juntos en acción a los tiros. Ya el sólo hecho de verlos a los tres juntos en un mismo plano produce emoción, imaginate en una secuencia de tiroteos. Ellos son la Gran Trinidad del cine de acción Hollywodense y acá trabajan juntos en una película destinada para los fans del género. El que se sienta a ver Expendables 2 para buscarle errores o incoherencias argumentales, como seguramente harán algunos críticos, no entendió nada. Para eso quedate en tu casa o encerrate en el cine Gaumont. Esto es una gran fiesta y lo único que tenés que hacer es sentarte en la butaca y divertirte y disfrutar con estos íconos del cine. Uno de los grandes estrenos del 2012. De esto se trata el cine de acción, GRACIAS EXPENDABLES.
Michelle Yeoh vive un gran momento de su carrera. Hace poco volvió al género de artes marciales junto a John Woo con Reign of Assassins, donde demostró un gran desempeño físico en las secuencias de acción, además de una gran interpretación y ahora sorprendió con otra gran trabajo actoral en este film de Luc Besson. La fuerza del amor, originalmente The Lady, narra la espectacular e inspiradora historia de Aung San Suu Kyi, la activista que ganó el Premio Nobel de la Paz en 1991por su lucha por la democracia de Birmania Aang San, quien hoy es la heroína nacional de ese país y llegó a ser comparada con Ghandi, fue la principal figura opositora contra la terrible dictadura militar que sometió a ese país entre 1962 y el 2011. Su historia es un ejemplo tremendo de coraje, resistencia y militancia política que hoy tiene una enorme relevancia. Esta mujer recién pudo recoger el Premio Nobel que le otorgaron este año ya que los militares de su país la mantuvieron con arresto domiciliario durante 15 años en la que estuvo aislada del mundo. Con un discurso pacifista que abogaba por la compasión y el diálogo (cualidades imposibles de encontrar en los dirigentes políticos argentinos de la actualidad) logró una verdadera revolución en su país. Por eso esta película es tan importante de difundir, más allá que está muy lejos de ser perfecta y tiene sus fallas. Sin embargo, es una producción interesante que le va permitir conocer a mucha gente esta historia tremenda que no es tan popular. La realidad es que hay muchísimas personas en el mundo que no tienen ni idea sobre quién es y lo que hizo Aung Kyi y si la descubren a través de este film entonces bienvenido sea. Es probable que si el director hubiera contado con la protagonista real como asesora la película hubiera sido distinta, pero Kyi recién recuperó su libertad en el 2010 cuando Besson se encontraba terminando este film. Esto no es un dato menor porque es muy poca la información real que hay sobre la dictadura de Birmania y su militares y en el film trabajaron con el material que ofreció en su mayoría Amnesty Internacional. De haber tenido el asesoramiento de Kyi la película seguramente hubiera profundizado más algunas cuestiones, como la intimidad de su arresto domiciliario y el modo en que operaban los militares. Por más loco que suene es muy poco lo que se sabe sobre la historia de los últimos dictadores birmanos porque no hay libros ni documentos sobre ellos y ese un aspecto débil que presenta esta producción. Hace poco más de un año que se disolvió la junta militar que venía haciendo desastres en Birmania y hay un montón de cosas que se desconocen, por eso es un tema muy difícil para tratar en una película de ficción. Besson construyó la historia de esta mujer con la información que obtuvo de allegados y familiares de ella y la verdad que pese a todo presentó una biografía digna que describe los hechos más importantes que vivió la protagonista junto con su familia. David Thewlis (el profesor Lupin de Harry Potter) brinda un excelente trabajo como Michael Aris, el esposo de la activista birmana que tuvo un papel importante en todas las cosas que hizo esta mujer. El inconveniente que tiene este film, en términos cinematográficos, es el enfoque que le dio a la narración Besson, donde se va de mambo en algunos momentos con las situaciones melodramáticas. Sobre todo por la manera en que se manejó con la banda de sonido. Cada vez que aparecen los militares la música parece la marcha imperial de Star Wars y en los momentos emotivos las melodías cobran un protagonismo excesivo que se podrían haber equilibrado un poco más. Después, los hechos más importantes de esta historia están en el film Uno puede disentir con el enfoque que le dio el director a ciertas situaciones, pero la historia que narra es tremenda y mucho más apasionante que esas pajas pseudo intelectuales que hace Terrence Malick infladas por los críticos. La fuerza del amor no es un film perfecto pero brinda un relato muy interesante que vale la pena conocer.
Lo genial de la obra de Philip K. Dick es que podés adaptar sus cuentos en el cine con distintos enfoques que las historias siguen siendo entretenidas, porque tienen conflictos sólidos que no pierden vigencia. Esta propuesta está basada en el cuento “Podemos recordarlo por usted” que en el pasado brindó dos joyas de culto como el film El Vengador del futuro con Arnold Schwarzenegger y esa gran obra del manga y el animé que fue Cobra, de Buichi Terasawa, cuya trama también estuvo inspirada por este relato. La nueva versión del director Len Wiseman (Underwolrd) pese a que lleva el mismo título no es una remake del film de Paul Verhoeven de 1990, sino una adaptación diferente del cuento de Dick que no es lo mismo. A diferencia del clásico de Arnold a nivel argumental este film está un poco más cerca de la obra original. Por eso también es casi ridículo ponerse a comparar las dos películas porque son propuestas distintas. Ya de movida Colin Farrell y Kate Beckinsale (héroe y antagonista de esta versión respectivamente) no pueden competir nunca en la vida con dos monstruos como Schwarzenegger y Michael Ironside. Sería una comparación injusta. Wiseman es un director que sabe trabajar la acción y crear secuencias entretenidas como lo hizo con Duro de Matar 4 y los filmes que realizó en la saga Underworld. En los primeros 20 minutos del film se presenta al protagonista y el mundo en el que vive y cuando se dispara el conflicto las persecuciones y los tiroteos no paran hasta el final. El director mantiene en constante movimiento y peligro a los personajes principales y la película en términos generales es muy entretenida. Como elementos para destacar sobresale principalmente el trabajo de Wiseman en la elaboración de las secuencias de acción. A diferencia de Abraham Lincoln: Cazador de vampiros acá tenés un cineasta que sabe dirigir escenas de peleas y tiroteos y hacerlas emocionantes. La persecución de autos con la que se presenta el personaje de Jessica Biel es fabulosa y los efectos digitales están impecablemente trabajados por lo que logran hacerte creer lo que ves en la pantalla. Hay un par de guiños a la película de Arnold pero es claro que en este proyecto decidieron llevar la historia por otro camino. El defecto principal que tiene esta versión de “Podemos recordarlo por usted” en mi opinión es la falta de personalidad. Es decir, en la creación de ese mundo en el que se desarrolla la trama, Wiseman no brinda nada innovador y creativo (salvo por el uso de los teléfonos celulares) y toma elementos que ya vimos en filmes como Blade Runner, Minority Report Yo, Robot y El Quinto Elemento. Eso es algo por lo que es recordada la versión de Paul Verhoeven que presentaba un mundo futurista muy original con personajes sumamente bizarros. En consecuencia, este trabajo de Wiseman no tiene la fuerza necesaria como para quedar en la memoria de los espectadores como lo hizo el film anterior. De todos modos es una vergüenza el ensañamiento que tuvo la prensa norteamericana con esta película. Sobre todo cuando los mismos que le pegaron al film de Colin Farrell son los que después recomiendan películas pedorras como Los Tres Chiflados y Comando especial. No es serio. Este estreno no es una obra memorable de la ciencia ficción pero ofrece un film pochoclero decente que se enfoca principalmente en la acción y brinda un buen entretenimiento.
El director Timur Bekmanbetov (Se busca) evidentemente debe estar bancado por la Mafia rusa, ya que de otro modo no se explica que un realizador tan mediocre como él siga trabajando en Hollywood donde maneja presupuestos millonarios. Últimamente me di cuenta que existen los filmes malos y los que hace Bekmanbetov que están en otro nivel de ineptitud aparte. En realidad el problema ni siquiera es que sus producciones sean malas. Soy fan de Hard Rock Zombies, Night Train to Terror y Payasos asesinos del espacio exterior, que son malísimas pero por lo menos te morís de risa. El inconveniente con los trabajos de este sujeto es que hace filmes aburridos y descerebrados que encima están horriblemente filmados. Las secuencias de acción espantosas que realiza este tipo son indefendibles. Evidentemente el 2012 no es el año de Tim Burton, quien no sólo se dedicó a aniquilar a un ícono de los vampiros como Barnabas Collins en la impresentable Sombras tenebrosas, sino que además fue responsable como productor de este bodrio. Como historia de vampiros la verdad que es horrenda y la gran falla que tiene es que se trata de una producción que se toma extremadamente en serio a si misma con una propuesta que no resiste mucha seriedad que digamos. Timur Bekmanbetov realmente espera que el público se conmueva con los sufrimientos familiares que viven Lincoln en su lucha con los vampiros y sus discursos políticos. La narración en off de la trama es soporífera y hay momentos que ya no sabés si estás frente a una película o un audiolibro. Si por lo menos tuviera un poco de humor uno la podría disfrutar por el lado de lo bizarro, pero ni siquiera eso. El trabajo que hicieron con el maquillaje es penoso. No queda claro por qué al protagonista lo caracterizaron como Liam Neeson en lugar de Lincoln y por qué Dominic Cooper, el amigo vampiro del héroe, se peina como Ricardo Fort en pleno siglo 19. Lo mismo ocurre con la escena final que transcurre en un bar en la actualidad. ¿Para qué?¿Qué sentido tiene? Voy a dejar pasar que Lincoln se convierte en cazador de vampiros luego de pegarle a un árbol con un hacha. Ese es su gran entrenamiento. Esta es una película extremadamente tediosa por su duración sádica de 105 minutos que se hacen eternos con una historia que carece de tensión, emoción y suspenso. Las escenas de acción presentan un trabajo berreta de CGI, con sangre extremadamente artificial y un abuso descarado de la cámara lenta, que ni siquiera encontrás en las producciones de Roger Corman para el canal SyFy. Hasta Dinocroc Vs. Supergator tuvo efectos visuales más decentes. Que en pleno 2012 haya directores que en el trabajo con la acción todavía copien la primera entrega de Matrix, estrenada en 1999, es absolutamente patético. El concepto de Lincoln como cazador de vampiros daba para hacer algo bizarro y divertido y este film no es ninguna de las dos cosas. Simplemente un estreno olvidable que presenta la cara más mediocre de Hollywood.
Seguimos en la misma. Todavía no discerní que me aburré más, si ver otro fiasco del género de terror o tener que escribir lo mismo otra vez porque la situación no cambia. Hasta que los cineastas no se pongan las pilas y empiecen a laburar en serio en lugar de ver si la pegan copiando fórmulas que consiguieron éxito en la taquilla, este tedio que ofrecen estos estrenos van a seguir repitiéndose un largo tiempo. En el caso de esta producción es una lástima porque se desperdició un concepto que podría haber brindado una muy buena película. Prypiat es una escalofriante ciudad fantasma que existe al norte de Ucrania y que estaba cerca de la planta nuclear de Chernobyl, cuyo accidente nuclear en 1986, representó uno de los desastres medioambientales más grande en la historia de la humanidad. La gente que vivía en ese lugar en su gran mayoría trabajaba en la planta y cuando sucedió aquella tragedia todos los habitantes fueron evacuados. Prypiat hoy parece un típico escenario post apocalíptico de un film de zombies. Pese a que el lugar no podrá ser habitado hasta dentro de 200 años aproximadamente, debido a la radiación, existen viajes turísticos a ese lugar (algo que se conoce como turismo extremo) donde por unos dólares te guían por esa localidad dentro de las zonas donde la radiación no es peligrosa para la gente que tiene la feliz idea de pasear por ahí. Hay lugares de la ciudad que están prohibidos justamente por este tema. En You Tube pueden encontrar varios videos de turistas que anduvieron por ese lugar. La verdad que es más interesante escribir sobre esto que de la película. Hoy se cree que la ciudad está habitada por manadas de lobos que coparon, por decirlo de alguna manera, esa zona por lo que es necesario recorrer Prypiat con un guía porque es un lugar realmente peligroso. El punto es que el disparador del conflicto que plantea este film no es descabellado y realmente existe en la vida real ese tipo de excusiones a la zona de Prypiat, que sin duda representan un gran material para imaginar una historia de terror. Lamentablemente el concepto no estuvo bien ejecutado y Terror en Chernobyl es otro film olvidable con el que no te perdés nada si decidís dejarlo pasar. El trabajo del director Bradley Parker tiene sus puntos fuertes en la ambientación de Prypiat (que por motivos obvios fue reconstruida en otro lugar) y la atmosfera tétrica que genera con la locación. Lamentablemente el film se va a pique cuando sus protagonistas comienzan actuar como actores de filmes ochentosos del cine clase Z. Es como si el reparto y los guionistas hubieran conspirado para cagarle la película al director. Es gracioso porque cada vez que Parker crea una situación de suspenso interesante en la zona de radiación, los personajes arruinan el momento actuando de manera estúpida y obvia. Hubo gente a la que se le ocurrió la idea de refritar El Descenso en Chernobyl y lo que salió fue esto. La idea conceptual de una historia de horror en Prypiat estaba buena pero su ejecución fue tonta y predecible.
Es tan difícil encontrar una buena comedia en la cartelera de cine por estos días (donde la moda pasa por refritar una y otra vez el humor zarpado de ¿Qué pasó ayer?) que cuando se conoce una propuesta como Amigos intocables uno logra comprender el suceso que causó en el público de muchos países. No es una obra maestra y ya se contaron historias similares en el pasado, pero está tan bien trabajado el humor que junto con el notable trabajo de los dos protagonistas logra comprarte como espectador. Este es el primer film que se conoce en Argentina de Eric Toledano y Olivier Nakache, quienes hace unos años vienen trabajando juntos. En este caso desarrollaron este proyecto luego de ver un documental en la televisión que narraba la particular amistad de un hombre tetrapléjico y su cuidador, quien consiguió ese trabajo luego de salir de la cárcel. Amigos intocables logró ganarse la simpatía de la prensa pese que es un film que trabaja los temas de las discapacidades y la marginalidad con un frivolidad llamativa, como si los realizadores se hubieran cuidado de hacer lo más digerible posible estos temas al público. El foco de la historia pasa por retratar como ese abismo que separa a los dos protagonistas, que tienen experiencias de vidas distintas, no es tan real y en realidad ambos hombres tienen más puntos en común de los que ellos se imaginan. La película funciona principalmente por el trabajo de Francois Cluzet (loquísimo su parecido con Dustin Hoffman) y Omar Sy. La química de los dos es excelente y sumado a un guión que hace blanco en todos los chistes y situaciones graciosas, la trama ofrece un buen momento en el cine. Reitero, no hay muchas comedias realmente recomendables en la cartelera por estos días y esta es una linda historia emotiva, sin golpes bajos ni excesos de melodramáticos que se disfruta y vale la pena tener en cuenta.
Christopher Nolan logró con su trilogía de Batman algo que no es habitual en este género y es superar con su trabajo cada entrega que desarrolló. El caballero de la noche asciende queda en la historia de las adaptaciones de cómics como una de las grandes películas épicas que se hicieron con el género de superhéroes. Esta es la gran conclusión de esta interpretación que tuvo el personaje, cuya máxima virtud es que no importa que tan fanático seas de Batman y cuántas historietas hayas leído, hacia el final vas a estar totalmente hipnotizado frente a la pantalla por el suspenso de la trama y después te vas a emocionar. Ahí encontramos uno de los puntos fuertes del film. Nolan logró con unos creativos giros argumentales capturar la atención de los fans hasta el final con una película que trasciende principalmente por su guión y las interpretaciones de los protagonistas. Algo muy raro de encontrar en el cine hollywoodense de estos días donde la apuesta por lo general está más concentrada en los efectos visuales y los despliegues de pirotecnia. Por supuesto que hay grandes secuencias de acción y persecuciones, pero ese no es el fuerte de este Batman. El caballero de la noche asciende va por otro lado. En lo personal me pareció brillante lo que hicieron con el guión porque combinaron a la perfección dos célebres arcos argumentales de los cómics como las sagas de “Knigthfall” (en la que surgió Bane y le rompía la espalda a Bruce Wayne) y “No Man´s Land” que puso en jaque la existencia de Ciudad Gótica. De esta última trama lo que tomaron es el concepto de una Gótica sumergida en el caos y la destrucción. No hay terremotos, sino que el conflicto se encamina en otra dirección. Esa es otra genialidad del film, porque tomaron elementos de esas historias y los adaptaron a la visión y el universo de ficción que creó Nolan. En consecuencia, podés disfrutar todas estas cosas conocidas de la historieta en el cine desde un enfoque completamente distinto. Una visión que no distorsiona con estupideces a estos personajes como ocurrió en el pasado con el infame Joel Schumacher, sino que está en perfecta sintonía con el espíritu que tuvieron estas creaciones en los cómics. Esto me lleva a destacar mis dos elementos favoritos de este estreno que quiero mencionar. Bane. El trabajo de Tom Hardy es maravilloso. No sólo por su notable transformación física, sino por lo que hace con su interpretación. Más allá de los cambios en su origen que pueda tener Bane, este es el verdadero villano psicópata de la historieta. De alguna manera redimió con creces el mamarracho que presentó Schumacher en Batman y Robin donde este sujeto se limitaba a ser un forzudo tonto. Por otra parte, la película brinda una redención soberbia de otro memorable personaje que fue históricamente vapuleado por la ignorancia de mucha gente. Esto es complicado de tratar porque no quiero adelantar cosas de la trama, pero tampoco lo puedo dejar pasar. Digamos que se trata de una referencia sorpresa que sumaron de manera creativa y original en este film. Me pareció brillante. Más adelante voy a desarrollar esto en mi blog, ya que merece una mención aparte y dispara una nota interesante. Cambio de tema. Entre las incorporaciones también se destaca Anne Hathaway con una muy buena interpretación de Gatúbela que tiene poco que ver con la versión de Michelle Pfeiffer en Batman Vuelve. En lo personal, creo que la Selina Kyle de Hathaway está más cercana al personaje de los cómics. Lo cierto es que la narración de Nolan es tan sólida que los 165 minutos de duración no se sienten en el cine porque trabajó con un gran argumento que mantiene el conflicto en constante tensión y suspenso. Esta idea de culminar la trama con una gran guerra urbana en Ciudad Gótica es extraordinaria. El próximo director que trabaje con Batman no va a tener una tarea sencilla porque estos filmes son difíciles de superar y ya hicieron historia dentro de la extensa mitología de este personaje. Uno de la mejores películas del 2012.
A esta altura esperar una película decente de los hermanos Farrelly es pedirle peras al olmo. La pegaron en su momento con Loco por Mary y desde entonces no paran de brindar producciones malísimas. Esta no es la excepción con la particularidad que ahora se metieron con uno de los más grandes íconos en la historia de la comedia. El verdadero tributo de los Tres Chiflados en el cine lo brindó Mel Gibson en el 2000 con esa excelente película que produjo con Michael Chiklis, como Curly, que narró la biografía de estos grandes del humor. En aquella producción de Gibson se retrató de manera fiel lo que fue la vida de estos artistas y su ascenso a la fama. Un film muy emotivo donde se les brindó el homenaje que merecían en estos tiempos. El trabajo de los Farrelly va por otro lado y su falla principal reside en el enfoque que le dieron a este proyecto. La película pretende refritar a los Tres Chiflados en la actualidad con un grupo de imitadores y es en esta cuestión donde este estreno se incinera solito. Los protagonistas hacen dentro de todo una buena labor con la imitación de los chiflados pero eso no significa que lograran revivir a los personajes. Podés imitar a Curly, Larry y Moe hasta el hartazgo pero todo termina en el sketch de La peluquería de Don Mateo, ya que nadie puede hacer una remake de semejante leyendas. Es como que alguien hoy quisiera hacer una remake de Sopa de ganso con lo Hermanos Marx. ¿Cómo reemplazas a Groucho, Chico y Harpo? No existe. De todos modos, más allá de esta cuestión, este estreno brinda una propuesta malísima no tanto por la labor de los actores, sino por el enfoque que le dieron los Farrelly a los personajes. En este caso tomaron a estos grandes del humor y los involucraron en un típico film de Tonto y retonto. De hecho, la película es eso. Tonto y retonto 3 con Larry, Curly y Moe. Es en esa cuestión donde hace agua este estreno. Quisieron combinar el humor clásico de los chiflados con el humor idiota que caracteriza a los Farrelly y el resultado es horrendo. Encima la película se estrena en castellano con un doblaje terrible donde Curly suena como el ratón Mickey pasado de ginebra. Llegué a la conclusión que los comentarios positivos de este film en IMDB deben ser de empleados de los estudios Fox o gente que nunca vio en su vida a los Tres Chiflados, ya que lo que hicieron los Farrelly es indefendible. Todas las referencias que hay en la trama a la cultura de estupidez y reality show que consumen los yankees es patético. Que vincularan a estos personajes tan queridos con eso es lamentable. No existe un solo corto donde los chiflados fueran presentados como retrasados mentales o que acudieran al humor escatológico, que es el retrato que brindan los directores de ellos. Pero bueno, hay público para todo. No en vano Showmatch es desde hace años el programa más visto de la televisión argentina. Para los fans de Los Tres Chiflados la mejor recomendación es seguir disfrutándolos por el canal TCM.
Donde habita el Diablo es una película que prueba perfectamente mi teoría que Actividad paranormal, de Oren Peli, fue sólo un golpe de suerte. Es decir, se filmó y se estrenó en el momento perfecto y eso disparó todo el fenómeno taquillero, pero no porque sea una gran película memorable del género de terror. Si esta propuesta que llega esta semana a los cines, que es claramente superior al trabajo de Peli, se hubiera conocido en el 2007 le hubiera ocurrido lo mismo. Este estreno no es una mala producción y tiene sus cualidades para destacar, pero le juega en contra el terrible desgaste de la temática que presenta. Rodrigo Cortés, el director de Enterrado, fue el encargado de escribir y producir este film. En este caso delegó la dirección en Carlen Torrens, quien debutó en la pantalla grande con este trabajo. A diferencias de Actividad paranormal y sus clones, Donde habita el Diablo tiene actores decentes y momentos de suspenso que están muy bien elaborados. Ya de movida el departamento que eligieron, donde transcurre la trama, es alucinante y tiene una energía espantosa y deprimente que atraviesa la pantalla. El punto fuerte del film es la manera en que el director construye la tensión en la historia que está muy bien hecho y pese a lo trillado del argumento logra que te mantengas interesado por la resolución del conflicto. Hay un par de “escenas de susto” que realmente están muy bien logradas y creo que van a conseguir su efecto en el público. Lamentablemente esta producción sufre el desgaste que tiene actualmente la temática y que termina por tirar abajo la película. Los últimos estrenos del género que llegaron a la cartelera trabajaron historias similares y es como que las posesiones demoníacas y los fenómenos paranormales terminaron por aburrir. Esa es la gran debilidad de esta película. No está mal, pero la hicieron tarde.
La oveja negra y rebelde de Pixar. Valiente es literalmente la película que le venía pidiendo desde hace años a este estudio de animación. Las plegarias fueron escuchadas. No sólo es para mi gusto la mejor propuesta que brindó esta compañía a la fecha, sino que considero que es el mejor film estrenado por Disney desde Tarzán. En un punto me alegra que no tenga todo el apoyo exagerado de la crítica como las pretenciosas Up y Wall-E. Es más, son esas películas que me gustan tanto que prefiero que nos sean populares. En esta ocasión finalmente dejaron de lado los modelos de comedias melosas que venían utilizando, para hacer un film distinto que no se parece a nada de lo que brindó la productora en el pasado y está en sintonía con los grandes clásicos animados de fantasía como El último unicornio y El vuelo de los dragones, de la dupla de directores Rankin/Bass. Valiente es una producción histórica en la filmografía de Pixar y en la compañía Disney donde sus realizadores se animaron a jugarse un poquito más con el contenido. Para comprender mejor este film es necesario conocer a su director. Mark Andrews (guionista de John Carter) si bien trabaja desde hace años en Pixar no tuvo ningún reparo en declarar que él no es fanático de Disney, algo que se nota claramente al ver este estreno. Sus influencias como artista son Kimba, el león blanco, la obra maestra de Ozamu Tezuka (creador también de Astroboy), Meteoro y Robotech. Este proyecto en realidad empezó a concebirlo Brenda Chapman (responsable de El príncipe de Egipto) pero por diferencias que la realizadora tenía con el estudio se retiró del film y Andrews quedó cargo de la dirección. Valiente es una película muy interesante por varios aspectos. Empecemos por el más importante, la protagonista, ya que se trata de algo que no tiene muchos precedentes en la animación occidental. Mérida es la primera princesa anti Disney cuyo espíritu y manera de ser van totalmente a contramano de lo que fueron históricamente los trabajos de la casa del ratón Mickey. Un cambio que empezó a surgir en Enredados (en este caso producida por los estudios Disney) donde Rapunzel ya estaba a la par del co protagonista. Con Valiente el director Andrews fue más allá. Mérida no sólo se atrevió a desafiar las tradiciones de la realeza escocesa sino que también lo hizo con las de Disney. Finalmente nos encontramos con una auténtica heroína que no depende de la ayuda de ningún príncipe azul ni debe ser rescatada por algún guerrero para resolver sus problemas. Mérida no anda penando como una tarada esperando tener la atención de un Edward Cullen que la complemente y viva pegado a ella para rescatarla. Su felicidad tampoco pasa por casarse con el hombre perfecto, sino que desea ser libre y asumir una relación cuando realmente encuentre el amor y se enamore de la persona que elija. Los candidatos que le presentan pobre tampoco ayudan en esta cuestión. Lo cierto es que la animación occidental no presentaba un personaje femenino de este calibre desde She-Ra, en 1985. Podría profundizar en los puntos en común que hay entre Mérida y la rebelde de Etheria pero esto se va a convertir en un ensayo y no es la idea. Otro aspecto fabuloso de este estreno es que Valiente no acude a los típicos villanos de Pixar que vimos en otros filmes. De hecho, no hay personajes malvados. Claro que está el oso Mor´du, que es un animal salvaje resentido (ya van a conocer su historia), pero no es un villano. El conflicto, como ocurre en muchos cuentos de hadas celtas, se desata por las malas elecciones que emprenden sus protagonistas y las situaciones de enredo que se generan. Lo genial de Valiente es que Mérida no tiene que vencer a un ningún ente diabólico o dragón para resolver sus problemas, sino que la clave de la historia pasa por el trabajo interior que tiene que hacer con ella misma para comunicarse mejor con su madre. La bruja de la historia (que tampoco es mala, sino torpe) se lo dice clarito en una escena: “El destino puede cambiar, mira en el interior y repara el vínculo rasgado por el orgullo”. El conflicto y la trama tienen conceptos profundos e interesantes que es raro de encontrar en producciones animadas de Hollywood, inclusive de Pixar que suelen ser más trilladas de lo que sus fans creen. En este caso el director Andrews desarrolló un gran relato de amor entre madres e hijas utilizando muchos elementos clásicos de la mitología celta y germánica que están presentes en el film, como el fuego fatuo o el concepto de las transformación de humanos en animales que son un clásicos de estas leyendas. Desde lo visual la película es fabulosa porque Pixar brindó además la propuesta más sombría, en términos estéticos, de su historia. Hay muchos escenarios oscuros y todo ese mundo mágico y medieval estuvo genialmente realizado. Desde el estreno de esa joya memorable que fue El Caldero Mágico en los ´80, que no se veía algo así con un estreno de la compañía Disney. Inclusive el humor está un poco más subido de tono con algunos momentos que hace años hubieran sido impensados de ver en una producción de este estudio. Es un placer sentarse a ver un film animado sin encontrar los mismos chistes que repiten una y otra vez los continuos refritos de Madagascar y La era de hielo. Valiente, como mencioné al principio, es la película rebelde de Pixar y la banco a muerte por la historia y la protagonista que brindó, que rompió con los moldes tradicionales de los cuentos de hadas de Disney. Una de mis grandes favoritas del año que definitivamente recomiendo. No se pierdan la escena después de los créditos finales.