Lejos de sus grandes trabajos, la dupla conformada por Disney-Pixar regresa con una propuesta efectiva pero con gusto a poco. Hija de los Reyes Fergus y Elinor, la adolescente princesa Mérida no desea contraer matrimonio con ninguno de los candidatos propuestos por los tres Lores que garantizan la paz del Reino a cambio de la mano de la bella joven. McGuffin, Macintosh y Dingwall están dispuestos a que sus primogénitos se enfrenten en una competencia de arquería para ganar el corazón de la princesa, quien intempestivamente decide huir y recurre a los poderes de una sabia hechicera para cambiar su destino. Las consecuencias que deberá pagar por intentar modificar el futuro sin atreverse a realizarlo de la manera correcta la embarcarán en una aventura por salvar al reinado y a su familia. Más allá de la impecable factura técnica, de la prolijidad extrema de su realización y de lo inobjetable de la animación que temporada tras temporada Pixar se encarga de mejorar, superándose incluso a sí misma, Valiente carece de ese ingrediente especial que ha catapultado a muchas de sus predecesoras a los listados de lo mejor de la historia cinematográfica. Será que las escenas donde los osos luchan entre ellos, con realismo absoluto y efectos sonoros ad hoc, logran espantar al público más pequeño haciendo que los padres deban desdoblarse entre los niños que aún tienen ganas de continuar viendo la historia y aquellos que asustados comienzan a llorar y deben retirarse de la sala. Será que mucho de esta película remite a “Las locuras del emperador” y en especial a “Tierra de osos”. Será que sentimos que este relato ya nos fue contado y no hallamos demasiadas sorpresas.
En un desafortunado intento por sumarse al remanido recurso de la cámara en mano y el documental apócrifo que promete echar algo de luz sobre las tinieblas fantasmagóricas de los espectros que se niegan a dejar nuestro mundo, Emergo, tal es el nombre original de la cinta escrita por el mismo guionista de Enterrado, es un cúmulo de estereotipos, lugares comunes, sobreactuaciones y efectos especiales demasiado caseros. Aquí poco importa el origen de lo que sucede en el departamento 143. Los algo extensos ochenta minutos de metraje se centrarán en un grupo de investigación paranormal que intentará registrar los fenómenos que allí se producen. Valiéndose (cuando no) de varias cámaras de seguridad, censores de movimiento, lentes infrarrojas y medidores de campo magnético, “profesionales” y familia acosada tratarán de dejar constancia de las llamadas que reciben, de los temblores que se producen en el edificio, de las sombras que se pasean por las habitaciones y de los inexplicables cambios en la temperatura ambiental. Nada que en un breve epílogo y casi a las apuradas, uno de los personajes no pueda explicar desde la racionalidad para luego dar paso a un cierre que de terrorífico tiene poco y nada.
Daniel fallece en su primer día de travesía en el Camino de Santiago, en los Pirineos franceses. Su padre Tom, un odontólogo californiano alejado de todo tipo de aventura, viaja hasta Saint Pied de Port para recoger sus cenizas, pero allí, en medio de las pertenencias de su único hijo y rodeado del paisaje conmovedor que se llena con el devenir constante de los peregrinos, toma la decisión de embarcarse él mismo en el viaje que su hijo dejó inconcluso. Los ochocientos kilómetros del Camino de Santiago representaron durante centenares de años la posibilidad espiritual y física de superar obstáculos y conectarse con uno mismo y con el Ser Supremo. Durante más de un mes Tom descubrirá las motivaciones de su hijo para recorrer el mundo y conocerá personas que estaban predestinadas a formar parte de su vida. “El camino” es una cinta con buenas intenciones que logra conmover genuinamente en varias ocasiones. Acertados pequeños toques cómicos que se generan gracias a la contraposición cultural (española, francesa, holandesa, norteamericana, irlandesa, y la lista continúa), el director Emilio Estévez se reserva un pequeño papel y regala a su padre Martin Sheen el protagónico que desde hace un tiempo le era esquivo. Pueden objetarse varios puntos del guión del propio Estévez (que la motivación del holandés para realizar tamaña hazaña sea bajar de peso para un casamiento puede hasta ser considerada una falta de respeto por todos aquellos que le imprimen una fuerte connotación religiosa al periplo), sin embargo, a pesar de ser una bitácora del día a día de los peregrinos, la estructura de la película no se siente forzada por el relato, sino que las situaciones fluyen y se enriquecen gracias al contexto en donde se desarrollan.
En esta lograda reboot de la franquicia de SpiderMan, volvemos a la infancia de Peter Parker para descubrir cómo se produjo la desaparición de sus padres, cuánto tiene que ver la experimentación genética del pasado con los sucesos del presente y de qué modo un estudiante secundario decide vengar la muerte de su tío Ben convirtiéndose en un vigilante enmascarado. No faltará tampoco su primer amor, personificado en Gwen Stacy, una de las chicas más lindas de la escuela y que, casualmente, trabaja en OsCorp, el laboratorio que tanto tendrá que ver con la familia Parker y con el desarrollo de la historia. Un portafolios y una investigación que permite regenerar miembros y tejidos humanos a partir de encimas animales, llevarán a Peter hasta el antiguo socio de su padre, el doctor Curt Connors, y a enfrentarse a El Lagarto. Traer la historia del hombre araña al cine de tres dimensiones y con un reparto que en muchos sentidos supera al de la trilogía anterior, es uno de los puntos fuertes de esta propuesta para las vacaciones de invierno. La química entre Andrew Garfield y Emma Stone no sólo es innegable sino que potencia tanto los pasajes amorosos como los cómicos. Todo aquí tiene un aire más juvenil y desdramatizado en comparación con las tres películas anteriores, que por momentos llegaban a tomarse a sí mismas demasiado en serio. Comienzo promisorio de una nueva saga cuya continuación tiene fecha de estreno para 2014.
En su última escala (por el momento) de su etapa europea, Woody Allen decidió plasmar Roma a través de cuatro historias independientes que jamás se entrecruzan. Como suele suceder en estos casos, el resultado es dispar, brindándonos una cinta amena pero lejos de lo mejor del neurótico neoyorquino. Por la Ciudad Eterna se pasea un renombrado arquitecto americano -en la piel de Alec Baldwin- quien revive su época de estudiante e intentará cambiar, sin éxito y en sentido figurado, las malas decisiones que tomó varios años atrás; habrá una pareja de recién casados que se involucrará en una serie de confusos episodios románticos (que permitirá la inclusión de Penélope Cruz en uno de los mejores roles de la película); un nerviosísimo y retirado director de ópera -encarnado por el propio Allen- descubrirá un nuevo talento musical que podría relanzar su carrera; y finalmente, un cincuentón romano sin ninguna cualidad que lo diferencie del resto de las personas pasará a convertirse en celebridad de la noche a la mañana (Roberto Benigni al frente del episodio más aburrido y deslucido de la cinta).
En una clara repetición de la fórmula que ya ha funcionado de maravillas tres veces en los últimos diez años (la primer entrega de la saga se estrenó hace una década), este cuarto capítulo en la historia de Manny, Sid y Diego no presenta grandes novedades, más allá de su cuidada e impecable factura técnica. Todo comienza y se complica (una vez más) gracias a la ardilla Scrat y su devoción por las bellotas. De manera impensada desata el cataclismo que llevará a la conformación de los continentes tal como los conocemos en la actualidad. A partir de ese momento, esta disfuncional familia prehistórica, conformada por diversas especies animales, queda dividida y será la responsabilidad de noventa minutos de metraje y no demasiada creatividad el volver a unirlos. Una primera mitad notoriamente superior a la segunda, en donde los realizadores decidieron volcarse hacia los confortables lugares comunes y los mensajes aleccionadores pro-familias felices y unidas a pesar de todos los obstáculos que intentaron mantenerlos separados, sabe aprovechar las utilidades de las tres dimensiones. Un consejo para el público adulto: al momento de comprar las entradas decídase por las copias subtituladas para disfrutar de los trabajos de Ray Romano, John Leguizamo, Denis Leary, Jennifer López y Queen Latifah.
La Irlanda del siglo XIX era especialmente cruel con las damas. Disfrazada como hombre para poder trabajar y sobrevivir, y bajo el nombre de Albert Nobbs, esta mujer se encuentra atrapada dentro de su propio cuerpo. Preocupada por acumular riquezas para un futuro desolador, un triángulo amoroso la llevará al borde de la locura. A pesar de las toneladas de maquillaje, Glenn Close se sigue viendo femenina: una mujer poco agraciada y algo constipada, pero mujer al fin. Su interpretación es acertada para la versión teatral que realizó años atrás, pero en cine –donde cada pequeña expresión se magnifica- es melodramática y exagerada, algo que seguramente se debe a la dirección de Rodrigo García (“Con solo mirarte”). Es destacable la dirección artística y el notable vestuario, pero estos logros se ven opacados con escenas como, por ejemplo, en la que Nobbs cuenta chelines y peniques sobre su modesta cama: cualquier semejanza con la atracción de Gollum hacia el anillo es pura carcajada.
Mallory Kane es una agente encubierta que lleva a cabo trabajos que los gobiernos no pueden autorizar y de los cuales los jefes de estado preferirían ni siquiera conocer. Sus habilidades la han llevado a todos los rincones de planeta, sin embargo, la misión en Dublín fracasará y Mallory terminará por descubrir que ha sido traicionada. Ahora deberá escapar de sus atacantes y regresar a los Estados Unidos para cobrarse venganza. Steven Soderbergh es un realizador curioso y prolífico: jamás se queda en una zona de seguridad y comodidad, constantemente cambia el género y la temática de sus realizaciones. Gina Carano, experta en artes marciales, no será una gran actriz protagónica, pero como heroína de acción es de temer. Las escenas de violencia son crudas y de una veracidad asombrosa. La historia (que mediante sucesivos flashbacks nos transporta a los hechos ocurridos en San Diego, Washington, New York, Dublin, Nuevo México y Mallorca) le permite desarrollar toda su destreza para los deportes, la lucha cuerpo a cuerpo y la resistencia física. Que figuras como Michael Douglas, Ewan McGregor, Antonio Banderas, Channing Tatum, Bill Paxton y Michael Fassbender hayan decidido formar parte de esta cinta (en pequeños roles y por módicos sueldos) demuestra el interés que la comunidad actoral hollywoodense tiene por el estilo independiente de Soderbergh.
Colin Clark, un joven de 23 años con grandes ansias de formar parte del mundo del cine, se las arregla para formar parte del rodaje del nuevo filme de Sir Laurence Olivier en Londres. La gran estrella femenina de momento, Marilyn Monroe, conmociona no sólo a sus compañeros de elenco sino a toda la ciudad. Deslumbrado por la fragilidad y la sensualidad de la diva, Colin se acerca poco a poco a ella, quien decide abrirle su vida de aparentes lujos y sofisticación, revelándole su verdadera personalidad: una mujer desesperada por que la amen. La notable composición de Michelle Williams le valió una candidatura al Oscar en el rubro de mejor actriz. El sentido del humor inteligente, chispeante y veloz de la protagonista de “La comezón del séptimo año” también oculta una profunda tristeza: el desamor que sufrió durante su infancia la marcó de tal modo que jamás le permitió establecer un vínculo duradero con sus parejas. Uno de los aciertos de esta propuesta es no caer en el melodrama y volcarse por un tono ligero, risueño y divertido, algo a lo que la banda sonora ayuda notoriamente. Además, otro de sus logros fue quitar la totalidad de la atención de la figura de Marilyn y concentrase en la experiencia del joven (que dio origen al material en el cual se basó el guión de esta cinta) que se acerca por vez primera a las luminarias de la industria cinematográfica.
El homicidio de un senador parece llevar la marca inigualable de Cassius, un asesino de la Unión Soviética supuestamente eliminado décadas atrás y del que nada se sabía… hasta ahora. Mismo modus operandi, mismo trabajo aséptico. ¿Se trata de un imitador o el verdadero Cassius ha regresado del más allá para seguir matando? La CIA decide recurrir a un ex agente (Richard Gere) para que forme equipo con un investigador del FBI (Topher Grace), quien basó su tesis universitaria en el mítico asesino, y de este modo resolver de una vez por todas el caso. El relato tiene múltiples capas que se van develando poco a poco, brindando pequeños retazos de información a medida que son necesarios. Sin embargo, en el apuro por generar golpes de impacto, uno de los grandes secretos de la trama sale a la luz demasiado temprano. Toda la tensión generada en su primera mitad se diluye rápidamente, entregando luego 45 minutos tediosos y poco convincentes. Que el nacionalismo logre dominar la escena tampoco ayuda mucho: involucrar a la familia del joven agente, que el corazón del duro asesino se conmueva y la decisión de construir un american way of life es apilar clichés a mansalva.