Una película solida en muchos aspectos, pero más que nada por su ensamble de actores. Con sus dos últimos títulos, David O. Russell nos ha entregado personajes deliciosamente multidimensionales y una dirección de actores que es digna de estudio. El titulo a continuación tiene lo suficiente para ser considerado un tercer acierto. ¿Cómo está en el papel? Irving Rosenfeld (Christian Bale), es un estafador que junto a su socia –y amante–, Sydney Prosser (Amy Adams), posan como un grupo de inversores con contactos en Londres. Esta tramoya es descubierta por el agente del FBI Richie DiMaso (Bradley Cooper) quien les ofrece un trato: No van a la cárcel, siempre y cuando lo ayuden a arrestar a seis senadores corruptos, entre los que figura un alcalde (Jeremy Renner), idealista a la vez que codicioso. Pero dicho plan tiene una obstáculo, en la forma de la impredecible e inestable esposa de Irving, Rosalyn (Jennifer Lawrence) La película tiene un desarrollo de personajes impecable. Todos tienen una personalidad y unos objetivos claros y marcados, y tienen una motivación emocional que es el motor de todas sus acciones. Por otro lado, uno siente que su estructura argumental si bien tiene todo en su lugar, en vez de funcionar como tal, es mas el pegamento que une todas las historias. La ventaja: Conoces a los personajes como si fueran de tu familia. La desventaja: El desarrollo adquiere tales dimensiones que estira la historia innecesariamente, de modo tal que uno llega a la conclusión que de los 140 minutos que dura, les sobra 20. A pesar del tremendo estiramiento, y una resolución algo –y es un algo minúsculo— predecible, el viaje que haces con los personajes es lo que hace que valga la pena. ¿Cómo está en la pantalla? El trabajo de cámara es muy vivido y fluido, yuxtapuesto con un montaje preciso. Siendo ambientada en los 70 hay una escenografía elaborada con mucha riqueza, pero lo que se lleva un 10 es el vestuario, algo que raras veces destaca en películas ambientadas en los 70 para adelante. También hay mucha pericia en las canciones elegidas para la banda sonora. Por el costado actoral, los cinco intérpretes principales brillan de una manera que es difícil destacar solo a uno. Tanto en sus secuencias grupales como en solitario, se las ingenian para brillar, e incluso realizando las acciones más simples que te puedas imaginar. La humanidad que trajeron a la mesa suma muchos puntos; mas aun siendo una película donde el engaño y el autoengaño están a la orden del día. Conclusión Una riqueza en el desarrollo de personajes, materializada por interpretaciones con mucha pericia y una dirección, que en lo actoral es de mucha visión, son tres motivos por los cuales si apuesta por esta película, es probable que no salga decepcionado. - See more at: http://altapeli.com/review-escandalo-americano/#sthash.2ScnKItv.dpuf
Una película de una arrolladora potencia actoral Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, por decisión unánime de un jurado presidido por Steven Spielberg; sumado a la controversia de sus extensas escenas de sexo y el escándalo mediático existente entre su director y sus actrices, hacían de esta un titulo que debía ser visto, por lo menos, para saber a qué se debe tanta polvareda. Ni bien empezó la función, todos los rumores y controversias dejaron de importar, para dar paso a la apreciación de una película tan intensa, que tal vez no quede en el recuerdo narrativamente, pero si lo haga como el contundente, maduro y comprometido tour-de-force de dos jóvenes talentos. ¿Cómo está en el papel? Adaptación de la novela gráfica Blue is the Warmest Color de Julie Maroh, la película cuenta la historia de Adele, una adolescente que experimenta las típicas dudas e inseguridades que caracterizan a ese periodo de la vida. La historia hace hincapié en el despertar sexual y romántico de dicho personaje, cuya vida da un giro de 180 grados cuando conoce a Emma, una estudiante de arte mucho mayor que ella, con quien inicia un romance; el cual no está exento de los mas intensos, fogosos y detallados episodios sexuales que uno como espectador se pueda imaginar. El desarrollo narrativo no decepciona de ninguna manera. El espectador siente junto a Adele la búsqueda de su identidad como ser humano, así como las intensas y más crudas emociones del derrotero de su historia de amor con Emma, que, a cada paso que da, uno no puede evitar sentir que dejan una marca. Pasándoselo en limpio: una película que tiene uno de los más complejos y profundos desarrollos de personaje que he visto en mucho tiempo. Estructuralmente hablando, si bien hay alguna que otra escena que no aporta nada, dramática o argumentalmente, no parecen sobrar si se las ve como un todo. Estas pequeñas escenas, muy sutilmente y entre líneas, ponen de manifiesto los temas de la película, y si uno escarba lo suficiente, encontrará hasta más de una intriga de predestinación. ¿Cómo está en la pantalla? Por el costado de la técnica, estamos hablando de un tratamiento fotográfico sencillo en materia iluminación, pero con un abundante uso de primerísimos planos, organizados a través de un sobrio montaje que corta en el momento justo; sobre y hacia las expresiones clave de las intérpretes en cada escena. En lo que al aspecto actoral se refiere, diré que se nota a la legua la razón por la cual el jurado eligió darle la Palma de Oro al director de esta película junto a sus actrices, en vez de al director solo. Abdellatif Kechiche no hubiera podido sostener una película de tres horas ––sobre todo una donde 9 de cada 10 planos son primeros planos–– si no fuera por los extraordinarios monstruos que tuvo por actrices. Lea Seydoux y Adele Exarchopoulos se devoran la película; sus intensas y conmovedoras interpretaciones son la principal razón de que esta película de tres horas parezca de menos. Aunque la película va a marcar un antes y un después en la carrera de ambas, la que tiene más chances de beneficiarse en materia premios es Exarchopoulos. La gama de emociones y expresiones que despliega esta señorita es de tal variedad y riqueza que no tiene desperdicio. Es admirable la capacidad que posee para manifestar los deseos y sentimientos de su personaje hasta con en el más extenso de los silencios. Con apenas 20 años, ella ha hecho un contundente despliegue de madurez actoral que no se olvidará con facilidad. Conclusión Si bien por los temas que trata, la crudeza en como los trata y la exigente extensión de tiempo que le toma el hacerlo, ésta definitivamente no es una película para todo el mundo. Pero aquellos que apuesten a este particular tipo de cine, o simplemente quieran aventurarse a algo distinto, se verán recompensados con dos trabajos interpretativos de gran compromiso, madurez y honestidad. - See more at: http://altapeli.com/review-la-vida-de-adele/#sthash.W7q56wJj.dpuf
Una historia actoralmente solida y narrativamente empática que se queda corta. Entre la excepcional Balada Triste de Trompeta y la muy entretenida Las Brujas de Zugarramurdi, Alex De La Iglesia se despachó con esta peculiar fabula sobre la desesperación del desempleo y la inhumana hambre mediática. ¿Cómo está en el papel? la-chispa-de-la-vida-jose-motaRoberto, un creativo publicitario desempleado, tras fallar por enésima vez en un entrevista de trabajo, decide recordar tiempos mejores y va al hotel donde pasó la luna de miel con su esposa. Al llegar encuentra que el Hotel ya no está y en su lugar esta un museo –cercano a las ruinas de un antiguo coliseo– a punto de ser inaugurado. Al querer escapar del maremágnum de periodistas que están ahí con motivo de la inauguración, tiene la mala fortuna de caer sobre una enorme grilla de metal, de la cual una barreta se le clava en la nuca. Entre los paramédicos que no pueden sacarlo de ahí sin que se desangre y el enorme circo mediático que se arma alrededor de dicha cuestión, Roberto se valdrá de sus argucias como publicista para explotar el incidente en su beneficio y poder proveer a su familia. La película, aunque no está exenta de alguna que otra humorada y alguna que otra liviandad, es una gran odisea temática, despiadadamente critica sobre el desempleo y la fama mediática a cualquier precio (Cabe destacar la inteligente maniobra de situar la trama en las ruinas de un circo romano). Pero muy en el centro es la historia de un hombre cuya desesperación le está haciendo ver el éxito y el fracaso como si de la vida y la muerte se tratara; solamente para encontrarse en una encrucijada en donde lo que antes tenía un sentido metafórico, ahora adquiere un violento sentido literal. Si bien hace un despliegue contundente en donde queda al descubierto lo peor de los seres humanos –con alguna que otra pizquita de lo mejor, pero solo una pizquita–, sumado a un muy buen ritmo narrativo y una tremenda empatía con el protagonista, uno no puede evitar sentir que la película se queda corta; que se quedo solamente en su exposición temática. Nos dice cosas que ya sabemos. Que duelen, si. Que nos hacen reflexionar, definitivamente. Pero eran cosas que uno ya sabía antes de entrar en la sala. La falta de una conclusión por ese costado, no hace más que contribuir a que la resolución argumental, por cerrada que esta sea, se sienta como poco satisfactoria. ¿Cómo está en la pantalla? Alex De La Iglesia ofrece un despliegue visual impresionante, y un montaje de precisión quirúrgica; siempre al grano, no sobra ni una escena. Encuadra su cámara casi siempre en la cara4-Fernando Tejero & Salma Hayek de su protagonista para que sintamos no tanto el cómo experimenta el circo mediático, sino de la desesperación que lo motiva a generarlo. En el apartado actoral, brillan sus protagonistas, Salma Hayek y José Mota. La película descansa íntegramente en los hombros de ellos. Su química es estable y perfectamente creíble. Pero brillan mejor por separado, y más incluso cuando uno opaca al otro cuando el guion se los exige. Conclusión Una historia que aunque posee una indudable calidad técnica y actoral, tenía los suficientes elementos y la suficiente carnadura dramática para ofrecernos algo mejor que simplemente rectificar que “el hombre es el lobo del hombre”.
Un producto que sabe generar buenos climas, pero no va más allá de la proeza técnica. Si a un estudio con todo el apoyo financiero le toma años concretar un proyecto animado, para una productora independiente es toda una batalla colina arriba. El presente titulo aunque débil en materia guion y rítmica narrativa, gana puntos por sumergir creíblemente al espectador dentro de un turbio universo. ¿Cómo está en el papel? CYCLE_REEL-2_F-019515LLa trama no es muy complicada: Un astronauta se encuentra en un mundo virtual y se encuentra huyendo de una peligrosa niebla que lo cubre todo. En su travesía tratando de encontrarle el sentido a donde está parado, conoce a varios personajes enmascarados, solo para repetir su experiencia una y otra vez. Aunque el guion despliega la suficiente información y los suficientes obstáculos para enganchar al espectador en la narración, muchas veces se siente que el timing de la misma es estirado innecesariamente –con reiteraciones y tiempos muertos— lo que contribuye a que el espectador, lenta pero seguramente, deje de preguntarse cómo va a terminar la película, sino cuando. ¿Cómo está en la pantalla? Claramente los realizadores estuvieron influenciados por 2001: Odisea del Espacio. Uno no puede evitar notar que sendos escenarios de la película están casi calcados de los de laCycle_2 película de Kubrick; hasta incluso con la misma composición de cuadro. Todo esto por no decir las luces psicodélicas vistas en el final de esa película, que aquí son utilizadas a modo de apertura y cierre. La gran mayoría de las escenas están en una cuasi oscuridad absoluta, lo que suma al clima de turbiedad que propone la película; objetivo que consigue con creces… aun a expensas de quedarte casi chicato. La película casi no tiene cortes; un don que en ocasiones se vuelve defecto. Ya que si bien muchas veces ayuda a subrayar la tensión de las escenas, muchas veces también contribuye a que estas adquieran un ritmo demasiado monótono para su bien. Pero cabe destacar que, a pesar de lo arriba mencionado, esta peli tiene una gran virtud y es que sumerge de inmediato al espectador en el universo de su historia. Sin comerla ni beberla, desde el primer minuto, el espectador ya siente que algo no está bien en este mundo, que hay peligro, ¿Qué es? No queda del todo claro, pero genera una atmosfera de modo tal que, al igual que el protagonista, no quieras quedarte a averiguarlo. Conclusión Un titulo que estira demasiado su narración al punto de hacer pensar que un cortometraje hubiera sido un formato más adecuado. Se propone generar un clima turbio, y lo consigue con creces. Pero una película es algo más que un clima, y si nos quedamos solo en eso el saldo final no es más que una apreciable proeza técnica.
Una odisea densa pero no menos pintoresca. En toda obra se encuentran las vivencias de quien la concibe. Este necesario entender este concepto para apreciar la nueva película de Walter Salles, director de Diarios de Motocicleta, que adapta (a través de un guion de José Rivera, escriba de esa película) la obra de Jack Kerouac, nombre clave si los hay en la generación beat. El titulo a ser reseñado es denso y exigente con la paciencia del espectador, pero no sin motivos. ¿Cómo está en el papel? Hay dos maneras de ver el argumento de esta película. Por un lado sería la historia de un joven escritor, y como cambia su vida cuando se embarca en un viaje con el nuevo amigo que conoce y su mujer. Por otro, sería la historia de un joven escritor que desea escribir un libro y toda la película son las vivencias que experimenta para poder escribir ese libro. Aunque ninguna de las dos perspectivas están erradas, la primera trata de contestar el de que se trata la película en pocas palabras, aunque en realidad es solo una de las historias. La segunda perspectiva es el modo más acertado de definir de qué se trata esta película, pero a primera vista eso puede llegar a sonar muy esotérico. El desarrollo de la historia es bastante denso, plantándose como un gran desafío a la paciencia del espectador. Los personajes experimentan conflictos episódicos sin seguir un conflicto general y enganchan al espectador, más que nada, por las reflexiones y las complejas interrelaciones que existen entre ellos. Se trae, muy de vez en cuando, el tema del libro que está siendo escrito como tratando de recordar que esta desorganización tiene un por que, pero la falta de un hilo narrativo concreto se siente y contribuye a la lentitud del relato. No obstante, el guion ofrece un rico tratamiento de personaje. El espectador llega a conocer sus tics, sus alegrías, inquietudes y desgracias. ¿Cuánto tendrán que ver con los escritores en los que se inspiran? Ese es un detalle que se lo reservo a aquellos mas versados con la historia y la literatura beat. ¿Cómo está en la pantalla? La película tiene un tratamiento casi documental en sus puestas de cámaras, con bellas composiciones que parecen una postal de cada parada que toma el personaje en su viaje. La iluminación, que hace énfasis en los colores cálidos, está tratada con razonable realismo, al punto que uno llega a pensar que casi ni se uso iluminación artificial. Por el costado actoral está muy bien. Sam Riley, como el escritor protagonista, entrega un trabajo muy digno. Pero el que se roba la película es Garrett Hedlund, quien hace un despliegue actoral lo suficientemente destacable para que se lo deje de ver como el pibe de Tron: Legacy. Para Kristen Stewart no tengo criticas; es mas, me quedo demostrado que la querida Pokerface encaja mejor con este tipo de películas. Se la ve fresca, natural, sincera, pertenece en esta historia. Párrafo aparte merece la memorable participación especial de Viggo Mortensen, en el rol de un escritor inhalador de veneno para insectos, obviamente inspirado en William S. Burroughs. Conclusión Una pintoresca película, brillantemente actuada, pero que plantea un desafío a la paciencia del espectador por su inusual –aunque justificado– mecanismo narrativo.
Un titulo que se limita a cumplir con su función de entretener. Robert Luketic siempre fue para mí un director de películas “cumplidoras”. Esas películas que sin ser obras maestras o bazofias estrepitosas consiguen, a pulso de una narración con oficio y buenas actuaciones, que el espectador pase un buen rato en el cine. El presente titulo no es la excepción. ¿Cómo está en el papel? PARANOIAParanoia es la historia de Adam (Liam Hemsworth), quien trabaja para una compañía de telefonía celular, manteniendo así a su padre, un guardia de seguridad retirado y con un estado de salud delicado. El muchacho, un genio de la electrónica, le hace una propuesta a su jefe (Gary Oldman) la cual es rechazada. No obstante, impresionado por su ambición, decide hacerle una propuesta de trabajo: Espiar a su competidor (Harrison Ford), quien en un pasado fuera su mentor. Es una de esas películas que sabés de entrada como va a terminar, pero por cortesía no voy a entrar en detalles, lector; cuando vea el primero de los planos va a saber lo que le digo. A pesar de su predictibilidad, el guion fluye con suficiente ritmo y los conflictos ponen en suficiente jaque a los personajes para ganar así el interés del espectador. Hay un tratamiento temático sobre la codicia, no muy diferente al que vimos en otras películas, pero se aprecia que lo posea ya que nos permite empatizar con el protagonista; algo crucial para que una película funcione. ¿Cómo está en la pantalla? Por el lado de la técnica, tenemos una estética sobria, con un uso de sombras y contrastes en la fotografía, y con algún que otro énfasis futurista en la dirección de arte por elPARANOIA ambiente híper tecnológico en el que se mueven los protagonistas. En definitiva: Un desempeño técnico que no llama tanto la atención, pero crea el clima necesario para que se desarrolle el contexto de thriller al que apunta. Por el costado actoral, hay para todos los gustos: Para ellas: Liam Hemsworth, fachero como siempre. Para ellos: Amber Heard, sexy comehombres como siempre. Aunque cabe destacar que los dos hacen un logrado esfuerzo para que el espectador consiga comprar mas allá de la fachada. Para los que somos un pelín más exigentes, y este thriller no parezca tanto una publicidad, están los talentos de tres monstruos de la actuación como lo son Harrison Ford, Gary Oldman, y Richard Dreyfuss. Todos hacen un despliegue de profesionalismo impecable, aunque sabían que estaban haciendo una película que no les representaba un desafío tan grande. Destaco en particular a Harrison Ford, que entrega con una calidad y credibilidad impresionantes a un tipo de personaje que casi nunca encarna. Conclusión Peli cumplidora. Bien filmada y Bien actuada. Apunta a entretener y lo consigue. No es la mejor película del año, pero para pasar el rato esta más que bien. - See more at: http://altapeli.com/review-paranoia/#sthash.ManzUzKy.dpuf
Una decentemente narrada historia real con un peculiar personaje. Con su nominación al Oscar y el hecho de que por esta película sus directores fueron contratados para dirigir la próxima Piratas del Caribe, sabía que por lo menos iba a entrar a ver una película de calidad; les soy sincero: salvo por estos dos detalles, la historia de unos balseros noruegos no suscitaba mucho mi atención. Pero afortunadamente la historia de estos balseros está narrada con mucho oficio y con la misma valentía de sus verdaderos protagonistas. ¿Cómo está en el papel? Es la historia de Thor Heyerdahl, explorador noruego, quien quiere comprobar su teoría de que la Polinesia fue colonizada por aborígenes sudamericanos en épocas previas a Colón. ¿Cómo va a comprobar tal cosa? Construyendo una balsa con los mismos materiales utilizados por los aborígenes, y cruzar, a lo largo del Océano Pacifico, la distancia que separa Perú de la Polinesia. Obviamente esto implica el enfrentarse a diversas manifestaciones climáticas, tiburones, el deterioro de la barca a medida que pasa el tiempo, y la reticencia de su protagonista de valerse de cualquier insumo moderno salvo la radio con la que comunica sus hazañas al mundo. El guion sabe repartir con elegancia las complicaciones a lo largo del segundo acto para proveer de un nudo atractivo a la película. Las dos únicas contras que le encuentro son algún que otro tiempo muerto, y el estirar algunas situaciones sin necesidad. Pero aparte de eso, estamos ante un guion decentemente elaborado. La galería de personajes que integra la tripulación es pintoresca y le da una pizca de comicidad a la peli que no le viene mal. Pero lo verdaderamente admirable es el desarrollo de personaje que le otorga a su protagonista. Como en todas las buenas películas, esta es una película sobre una expedición, pero no es la historia de una expedición. Es la historia de un hombre que se la juega por su visión; que tiene una creencia tan firme en lo que hace, una confianza en como lo quiere hacer y una persistencia a pesar de todos los tropiezos pasados y presentes, que es capaz de pagar el más alto costo para ver realizada esa visión. ¿Cómo está en la pantalla? El aspecto visual de la película es notable. Los directores ponen la cámara a centímetros de la cara de los personajes –en sus ojos más precisamente––, lo que viene a rectificar lakon-tiki cuestión de que esta película es mas sobre los que integran la expedición, que la expedición en sí misma. Pero lo que es doblemente meritorio es que encontraron una propuesta visual y narrativa rodando en pleno océano, poniéndose ellos (al igual que los actores y el equipo técnico) a la altura de la historia que estaban contando; sometiéndose a los mismos riesgos de los verdaderos exploradores. La película podrá gustar o no gustar, pero solo por esto uno debe quitarse el sombrero porque no cualquiera se anota a una travesía de esta naturaleza. Conclusión Una aventura narrada con mucha habilidad, de la mano de unos realizadores con una visión tan determinada como la del personaje en quien se inspiran. No será una obra maestra, pero por los riesgos asumidos y por lo que se ve en pantalla, no se puede negar que es increíblemente lograda. - See more at: http://altapeli.com/review-kon-tiki-un-viaje-fantastico/#sthash.DkKNecHz.dpuf
Un thriller bien dirigido que engancha pero no llega a convencer. El cociente intelectual del espectador se dispara notoriamente cuando está viendo una película; tan es así que uno debe encarar la historia a través de las emociones de los personajes, para poder contrarrestar cualquier predictibilidad ya que, al fin y al cabo, lo importante es cómo cambia el personaje tras la experiencia. Pero están géneros como el policial, donde el adelantarse al espectador es algo elemental, por no decir crucial, y el no ganar esa carrera puede deshacer todo, independientemente de lo profundo y empático que sea el viaje emocional. ¿Cómo está en el papel? María Teresa es una ejecutiva de 45 años que no ve a sus hijas desde hace un largo tiempo. Esto la deprime tremendamente y la afecta en su desempeño laboral. Como si esto fuera poco, empieza a recibir llamadas de alguien que, distorsionando su voz, le dice que va a morir en cinco días. Esto es todo lo que les puedo decir de la trama sin contarles la película entera. Ahora bien, la pregunta del millón es ¿Es efectiva?. El guion muy ingeniosamente disemina los sospechosos de manera tal que creamos que cualquiera puede ser el autor de esa amenaza. Es un punto a favor que no tarda en volverse en contra, ya que la lista de sospechosos crece exponencialmente, a tal punto que mas que hacernos dudar nos impacienta, cuando debería darnos curiosidad. Cabe destacar que otro punto importante es el viaje emocional de la protagonista. A medida que progresa la trama, nos percatamos que no es una santa y por qué ella no puede ver a sus hijas, lo que sumado a la fe religiosa del personaje, conforman un cóctel final que da como resultado la principal falla del guion: La incapacidad de balancear misterio con redención. Ambos espectros funcionan bien por separado, pero esta mezcla que debería ser gin and tonic se termina volviendo agua y aceite. Hay quienes dirán que el aspecto policial es apenas un plato donde se sirve esta historia de redención, y puede que tengan razón. Pero ambos aspectos, más que complementarse, terminan compitiendo en una carrera en la que no termina ganando ninguno. ¿Cómo está en la pantalla? La factura técnica de la película es sobria. Un montaje hecho con paciencia y estrategia, y una fotografía que hace énfasis en las sombras y los colores fríos. En resumen, una dirección de Alberto Lecchi hecha con muchísima pericia, que hubiera brillado con un guion más puntual en sus intenciones narrativas. Por el costado actoral, Ariadna Gil es lo más alto que tiene que ofrecer esta película a nivel interpretativo. Seguida en un distante segundo lugar por Leonardo Sbaraglia, y digo distante únicamente por las pocas escenas que tiene en pantalla. Del otro lado de la balanza, tenemos a un Antonio Birabent que no es creíble; tampoco lo es Sabrina Garciarena, a pesar de hacer un notorio esfuerzo; y tenemos a un Gonzalo Valenzuela que entrega, dentro de su rango de galán, una interpretación correcta pero que todavía necesita mejorar. Conclusión Una historia que pudo haber tenido mejores resultados si hubiera elegido un solo camino en vez de dos. Aun a pesar de tener mucha pericia en la dirección y tener una solida interpretación de su protagonista, este título tristemente no consigue convencer. - See more at: http://altapeli.com/review-sola-contigo/#sthash.qaZq7GV2.dpuf
Un reparto de notables encabeza una historia dinámica en su concepción y narración. La historia norteamericana podrá parecernos a muchos un tema ajeno, pero sin embargo entendimos y disfrutamos películas tales como Todos los Hombres del Presidente, Rescatando al Soldado Ryan y Forrest Gump. La explicación se encuentra en una buena narración que apela a emociones y temas universales que trascienden muchas veces el patrioterismo inherente al revisionismo que suele exponer esta clase de películas. ¿Cómo está en el papel? La película cuenta la historia de un hombre afroamericano, que tras la muerte de su padre aprende a ser sirviente para eventualmente volverse el mayordomo de la Casa Blanca a lo largo de siete administraciones presidenciales, desde 1957 a 1986. Obviamente este empleo trae como saldo dificultades en su matrimonio y sobre todo con su hijo, que se involucra en el movimiento por los derechos civiles, que estaban en auge durante esa época. El guion es bastante sólido y directo en lo que está contando. Obviamente, el mayor atractivo de la historia es ver cómo este mayordomo se desenvuelve en la residencia presidencialThe-Butler-Whitaker-jpg más conocida del mundo. En esta parte del relato, Lee Daniels, director y Danny Strong, guionista, a riesgo de quedar como pro-yanqui o pro-raza negra in extremis, tratan de retratar a los presidentes no tanto como figuras de poder, sino como seres humanos vulnerables con una enorme responsabilidad descansando sobre sus hombros. Esto, que inicialmente puede ser leído como una perspectiva romantizada de una historia ––que los mas versados sabrán–– es mucho más oscura, es en realidad el trasfondo de la verdadera carne del relato: la confrontación del mayordomo con su hijo. Ambos conocen el odio y la discriminación bastante bien, pero la diferencia enorme reside en que el primero tiene acceso a los dos lados de la balanza, mientras que el otro solo cuenta con especulaciones, en lo que la acción o apatía del gobierno se refiere. La película oscila con timing y cautela entre ambos puntos de vista, el cómo estos cambian ante los eventos, y como su intercambio de opiniones provee conflicto a la vez que balance; mas familiar que político. ¿Cómo está en la pantalla? a_560x375La película tiene una excelente fotografía y dirección de arte con un uso detallista de las texturas, adecuándose a cada década en la que transcurre la trama. Esto se traduce en un cuidado y organizado montaje que mantiene el ritmo y privilegia las reacciones de los personajes. El nivel interpretativo es sobresaliente. Forest Whitaker es brillante como el mayordomo titular, y Oprah Winfrey ofrece un más que digno secundario como su esposa. Por el lado de los presidentes pasa algo parecido a lo que ocurrió con Frank Langella en Frost/Nixon. Ninguno se parece a sus contrapartes de la vida real, pero entregan unas interpretaciones que te hacen olvidar de eso por completo. En concreto, todos son excelentes, todos ellos: Robin Williams, James Marsden, Liev Schreiber, John Cusack y Alan Rickman. Aunque cabe señalar que de todo este ensamble el que verdaderamente destaca es John Cusack, con un Richard Nixon imperdible que le permite, sin ningún complejo, sentarse a la misma mesa que Anthony Hopkins y Frank Langella, las otras dos memorables interpretaciones que se recuerdan del ex-presidente. Conclusión Aunque a algunos pueda parecerles un poco patriotera, El Mayordomo es una historia escrita con inteligencia y sensibilidad, narrada en imágenes con mucho atino, y brillante por el consumado trabajo de un plantel actoral en donde no desentona ninguno. Una película que vale la pena por donde se la mire. - See more at: http://altapeli.com/review-el-mayordomo/#sthash.gquDGDn2.dpuf
Una novela cinematográfica Recuerdo que mis padres, al igual que muchos, trataron de inculcarnos el hábito de la lectura usando nuestra imaginación; imaginarnos los capítulos del libro que estamos leyendo como escenas de una película dentro de nuestra cabeza. Esto, lectores, sería la mejor manera de describir a esta propuesta del director Ridley Scott. Ahora bien, el meollo del asunto sería el dilucidar si esta es una propuesta que pueda llegar a buen puerto, cinematográficamente hablando. ¿Cómo está en el papel? COUNSELOR 1Lisa y sencillamente cuenta la historia de un abogado, que a través de un socio de negocios, decide tomar parte en un trato de drogas. Los problemas surgen cuando la droga no llega a destino, y empiezan a rodar cabezas. Esto más que ser la última película de Ridley Scott, parece la más reciente novela de Cormac McCarthy (quien firma con este título, su primer guion original). Parece que el reconocido autor de Sin Lugar para los Débiles estaba concibiendo una novela y a último momento decidió reescribirla como un guion cinematográfico… en el formato de un guion cinematográfico claro está. Los diálogos y las escenas que transcurren en esta película tienen más sentido en una novela que en una película, hasta la estructura narrativa que ofrece tiene más sentido en una novela que en una película. A ver, se toma toda la primera mitad del metraje para introducirnos a los personajes, su filosofía, y alguna que otra escena anecdótica, solo para que el conflicto de la película arranque recién a la mitad del metraje. Pero eso sí, cabe destacar que McCarthy respetó una estructura de tres actos, y aunque tenía diálogos extensos ––pero claros y puntuales—, siempre hizo evolucionar los puntos más importantes de las historia a través de las imágenes. Aclarado que no suma muchos puntos como narrativa cinematográfica, cabe preguntar ¿Que tan lograda o fallida es como narración en sí? Tiene sus temas, tratados con elocuencia desde el subtexto ––la codicia y el sexo más que nada––; cada personaje tiene su objetivo con los obstáculos que deben superarse, algunos con acciones, casi todos con palabras; y un desenlace que corresponde de manera coherente con la lógica que armaron. Pero repasándolos por enésima vez surge mas la palabra “novela” que la palabra “película”. Debemos preguntarnos ¿Es esto malo? Si la meta es un experimento narrativo con cierta base clásica, no, no es malo. Ahora si la meta fue entretener a través de una narración usando los elementos del lenguaje cinematográfico, pero jugando un poquito con la forma, el experimento es tristemente fallido, por que el resultado es una novela cinematográfica. O sea, construida como un guion para la pantalla, pero desarrollada como una historia para el papel. Hay quienes señalarán el riesgo y la originalidad del enfoque, y sin duda acertarán ––entre quienes me incluyo––, pero a esta película se le avecina una tormenta, porque a simple vista su reparto parece ofrecer otra cosa y el resultado final decepcionará a muchos; no tanto por la resolución en sí, sino por el camino que elige para llegar a ella. ¿Cómo está en la pantalla? Visuales de primera ––bien iluminados, encuadrados y editados con ritmo–– como nos tiene acostumbrados Ridley Scott, al igual que una buena banda sonora. Por ese costado, no hayCOUNSELOR 2 nada que criticar. Por el costado actoral destacan Javier Bardem (¿Cómo puede ser que cada vez que este muchacho se hace algo raro en el pelo consigue hacer sus trabajos mas logrados?), Cameron Díaz (a pesar del “risible” frottage que le practica a una Ferrari) y Brad Pitt (quien prácticamente es un separador para cada punto de giro). Michael Fassbender y Penélope Cruz entregan interpretaciones a la altura del desafío, aunque debo destacar que llegando al final, Fassbender tiene una oportunidad de sobresalir y la aprovecha. Conclusión Lector, usted se metió para leer esta review, esperando una respuesta concreta a una pregunta concreta ¿Con todo este reparto, y este director tan hábil, vale la pena ver esta película? Si la entrada costara 7 pesos, tranquilamente podría decirle “Suba bajo su propio riesgo” y se acabó la milonga. Pero como la entrada en la actualidad ronda los 60 pesos, me veo obligado a ser categórico. Quien tenga un interés de índole académica en ver una narración alternativa, pero profundamente arraigada en lo clásico, puede ser una experiencia interesante. Ahora el que espere una historia con gancho, y que no de respiro ni siquiera para pensar, entonces esta tal vez no sea la mejor opción. - See more at: http://altapeli.com/review-el-abogado-del-crimen/#sthash.M2Cn8g58.dpuf